Blood Incantation - "Absolute Elsewhere" (Technical Death / Ambient)

"Absolute Elsewhere" de Blood Incantation, heredero espiritual de su EP de 2022 "Timewave Zero", es un giro audaz del tipo de Death por el que es conocida la banda con sede en Denver. El álbum es menos un disco de Metal y más una banda sonora para una exploración cósmica, intercambiando guturales feroces y guitarras abrasadoras por sintetizadores celestiales y paisajes sonoros espaciosos. Es como si Blood Incantation se hubiera tomado en serio su fascinación por el universo y hubiera creado una pieza musical que muy bien podría acompañar los viajes interestelares, o quizás los momentos tranquilos entre galaxias.

"Absolute Elsewhere" ofrece dos temas largos y serpenteantes de tres partes cada uno, The Stargate y The Message, y que tienen más que ver con evocar estados de ánimo que con mostrar talento musical. Esto es claramente deliberado y aunque algunos fanáticos de los trabajos anteriores de la banda, especialmente "Hidden History of the Human Race" (2019) podríamos habernos quedado anhelando algunos blast beats y agresión, la ausencia de elementos tradicionales del Death no es algo negativo. En cambio, el álbum baña a los oyentes en una atmósfera, invitando a navegar a través de paisajes sonoros nebulosos con una sensación de asombro distante.

La canción de apertura, Tablet I de The Stargate, se siente como un deslizamiento a través de un sistema estelar distante, con sintetizadores analógicos cálidos que reverberan como si rebotaran en el vacío. El disco en general tiene una vibra retrofuturista tangible, que recuerda a las bandas sonoras de ciencia ficción de los años '70s (piense en "Blade Runner" y "2001"). El sonido es a la vez vintage y atemporal, un retroceso a una era de fantasías de exploración espacial pero inquietantemente revelador.

Hay temas más meditativos, con un enfoque minimalista que podrían describirse como la banda sonora de observar un agujero negro a corta distancia. Es el equivalente musical de mirar fijamente al abismo y sentir que el abismo, en lugar de mirar de vuelta, te arrulla en una extraña paz. Por supuesto, "Absolute Elsewhere" no es para todos. Los fans de Blood Incantation que busquen riffs complejos, pesadez o gruñidos pueden sentirse perdidos en este mar de Ambient. Sin embargo, aquellos con paciencia, y quizás un cariño especial por algo novedoso, encontrarán en esta experiencia una recompensa.

Al final, este álbum trata más sobre traspasar límites. Ya sea que te guste el Ambient con temática espacial o simplemente sientas curiosidad por lo que sucede cuando una banda de Metal da un giro brusco, "Absolute Elsewhere" es un viaje que vale la pena emprender. Este es el disco conceptual del este año sin duda, reitero que no tiene nada sencillo y que toma tiempo agarrarle la vuelta, pero al comprenderlo se abre y te atrapa. No le falta mucho a Blood Incantation para la perfección, sino es que ya está ahí.

8.5/10

Nails - "Every Bridge Burning" (Powerviolence / Grindcore)

"Every Bridge Burning" de Nails es nuevamente, una feroz pieza de Powerviolence y Grindcore que ofrece una agresión implacable en apenas minutos. Fieles a su esencia, el trío con base en California vuelve a crear una experiencia sonora que combina una velocidad brutal con riffs densos y sofocantes. Conocidos por su enfoque intenso y crudo, Nails no se contiene en este disco, ofreciendo a los oyentes una experiencia brutal y catártica de principio a fin.

La banda no es muy prolífica, su anterior trabajo "You Will Never Be One Of Us" (2016) ya vio luz hace ocho años, sin embargo quedó grabado a fuego en mi memoria, primero porque con él los descubrí y segundo porque desde entonces me han parecido una de las bandas más auténticas del sector extremo del Metal. Si además sacamos cuentas que cada disco tiene apenas unos dieciocho minutos de música, pues con sus cuatro entregas apenas hay una hora en total de sonido de Nails, pero, por demás interesante, ello no desdice, al contrario, refuerza que cantidad no es igual a calidad.

El álbum se sumerge desde el vamos en un asalto caótico de tambores atronadores, guitarras distorsionadas y la voz de Todd Jones. La producción es intencionalmente -desde mi punto de vista- cruda, con los instrumentos y las voces mezclándose en un muro de sonido castigador. Muchos momentos del álbum capturan la sensación de ira implacable y nihilismo por el que Nails se ha hecho conocido. La mezcla de la velocidad del Grindcore y la pesadez de los elementos Powerviolence lo convierte en una escucha agotadora pero gratificante.

La canción principal del trabajo, Every Bridge Burning, se destaca como el centro temático y sonoro del álbum. Con poco más de tres minutos de duración, encapsula la rabia y la visión sombría del mundo que Nails canaliza a lo largo del disco. El título sugiere una ruptura de los lazos con el pasado, una declaración de guerra contra el mundo, que se refleja en el enfoque intransigente de la música.

Aunque "Every Bridge Burning" no se aleja mucho de la fórmula que Nails ha perfeccionado a lo largo de los años, su brevedad garantiza que el impacto sea puro. Esto no va de variedad o sutileza; es un ejercicio para ofrecer una experiencia visceral y primaria. Para los fanáticos de la banda, ofrece exactamente lo que queremos: furia pura y sin diluir. Aunque no es para los débiles de corazón, "Every Bridge Burning" es un testimonio de la capacidad de Nails para superar constantemente los límites de la música extrema. En el video inserto, todo el disco.

8/10 

Wormwood - "The Star" (Melodic Black / Folk)

"The Star" de Wormwood es una interesante mezcla de Melodic Black (quizás hasta Ultra Melodic) y Folk Atmosférico, impregnada de misticismo y la oscuridad del norte de Europa. Esta banda sueca es conocida por ofrecer un sonido agresivo pero melódico y este disco continúa el legado del camino abierto con "Ghostlands - Wounds From A Bleeding Earth" (2017), Disco del Año del género de este sitio. Sin embargo "The Star" no necesariamente abre nuevos caminos para ellos, solo aprieta los tornillos de lo que ya hacen bien.

El álbum tiene torbellinos apocalípticos de riffs de trémolo y blast beats que establecen un tono sombrío. Un ritmo implacable se siente como un descenso al caos, pero no sin su propia belleza retorcida y cambios a pasajes lentos y meditativos que ayudan a apreciar la entrega. La yuxtaposición de growls y coros limpios, junto con líneas de guitarra melódicas, sigue siendo uno de sus puntos fuertes. Cometen el pecado de los coros de niños, pero digamos que no les queda tan mal, sin embargo no termino de entender la razón de hacer esto. Los riffs de "The Star" son fáciles de entender y a menudo dan paso a interludios melódicos que evocan una sensación de paisajes antiguos, indómitos y vastos.

Los temas A Distant Glow -lo mejor del disco y uno de los mejores del año-, Liminal y Ro, son lo más destacado del trabajo, introducen influencias Folk a través de pasajes de guitarra acústica y atmósferas sombrías, brindando un respiro del material más pesado. Estos momentos se sienten casi cinematográficos, como la banda sonora de alguna saga vikinga. Wormwood no rehúye de la grandiosidad, y si bien más que ocasionalmente pisa la línea de la autocomplacencia, el ritmo general del álbum evita que se vuelva demasiado inflado.

Vocalmente, la entrega se adapta al estado de ánimo, pero no se destaca mucho del mar de actos de Black que ofrecen un sonido similar. Las letras se inclinan hacia temas de muerte, destrucción y sabiduría esotérica, lo cual es normal en este género, pero parecen más poéticas que sermoneadoras, un cambio bienvenido que a menudo también plaga álbumes similares.

Donde "The Star" realmente brilla es en su producción. El sonido es nítido, con cada instrumento perfectamente equilibrado. La mezcla fría, casi clínica, funciona a favor del álbum, permitiendo al oyente perderse en las complejidades de los arreglos sin sentirse abrumado por el sonido del conjunto. Al final, "The Star" es una incorporación sólida, aunque no innovadora, a la discografía de Wormwood. Honesto buen disco que si no se le escucha demasiado seguido mejora su percepción porque es demasiado melódico y empalaga, pero destaca en 2024.

7.5/10

Wolfheart - "Draconian Darkness" (Melodic Death)

"Draconian Darkness" de Wolfheart ofrece una potente mezcla de Death Metal melódico con toques sinfónicos, manteniéndose fiel al estilo característico de 'metal invernal' de la banda. El álbum se reitera en los temas característicos de la agrupación finlandesa al tiempo que refina su sonido con elementos cinematográficos y atmosféricos. Wolfheart ha realizado un buen disco, pero demasiado sobre seguro.

El álbum abre con Ancient Cold, una feroz canción marcada por su orquestación masiva e intensa energía Melodeath. Le siguen temas como Trial By Fire y Grave, en que destacan sus transiciones dinámicas de riffs brutales a momentos más suaves y atmosféricos. En general el disco muestra todos los trucos y denominadores comunes que los han llevado a ser apreciados como representantes genuinos del género.

No se podrá decir que no le he prestado atención al trabajo de Tuomas Saukkonen, siendo con éste seis los discos comentados aquí, los cinco primeros bandeando entre lo genial y lo bueno; todavía me parece que "Constellation Of The Black Light" (2018) es su buque insignia, pero con "Draconian Darkness" baja un peldaño, a niveles de "Shadow World" (2016), su gran productividad quizás merma un tanto la calidad, pero nada que lamentar como grave.

La calidad de producción es uno de los puntos fuertes de "Draconian Darkness", donde cada instrumento suena nítido y claro, mejorando la experiencia auditiva general. Reitero que a pesar de sus puntos fuertes, algunas críticas sugieren y yo lo comparto, que algunas pistas, como Evenfall, se sienten repetitivas, apegándose demasiado a la fórmula de laboratorio sin suficiente experimentación.

En definitiva, "Draconian Darkness" es una adición más que decente en la discografía de Saukkonen, que equilibra la intensidad cruda con melodías inquietantes y ofrece una experiencia convincente para los fanáticos del Melodeath. Si bien va a lo seguro a veces, es un álbum que consolida -si se puede- la posición de Wolfheart en el género.

7.5/10

Alcest - "Les Chants de l'Aurore" (Post-Black / Shoegaze / Blackgaze)

Si "Les Chants de l'Aurore" fuera un cuadro, pintaría un valle lleno de niebla donde la luz del sol duda en abrirse paso entre las nubes, pero cuando lo hace, es trascendente. La última propuesta de Alcest es un delicado acto de equilibrio entre el sueño y la realidad, que combina la intensidad del Post-Black con la belleza etérea y atmosférica que Neige, el cerebro, pitcher abridor, novio de la madrina y demás funciones de la banda, ha convertido en su sello.

El título en sí, que se traduce como 'las canciones del amanecer', establece el estado de ánimo para un álbum que parece la banda sonora del mundo que despierta de un antiguo letargo. Pero no esperes una mera oda al amanecer, "Les Chants de l'Aurore" se desarrolla como un viaje espiritual que te lleva desde los rincones más profundos de la noche melancólica hasta el primer aliento de la luz de la mañana. Es como si el francés hubiera tomado el concepto de 'amanecer' y lo hubiera extendido a todo el espectro de la emoción humana.

Musicalmente, el álbum oscila entre el Shoegaze y el Blackgaze más duro por el que Alcest es conocido, con la voz fantasmal de Neige flotando sobre paisajes sonoros exuberantes como un ser espectral. Aquí es donde reside la verdadera fortaleza de la banda: en su capacidad de evocar sentimientos de nostalgia por algo que nunca has visto. Es una sensación paradójica, muy similar a la forma en que las guitarras con trémolo pesado chocan con las melodías limpias y elevadas, pero las complementan.

Temas como Komorebi, Améthyste y L'envol encapsulan el núcleo del álbum: un estado onírico que oscila entre la esperanza y la desesperación. Alcest siempre ha tenido esta habilidad para hacer que la tristeza suene como algo sagrado. Sin embargo, si buscas riffs contundentes o gritos guturales, este no es el álbum para ti. Pero esa es la belleza de Alcest: no intentan golpearte hasta que te rindas. En cambio, "Les Chants de l'Aurore" es una invitación a sumergirse en un sueño despierto, un espacio donde la luz y la sombra se encuentran, y nada es lo que parece.

En resumen, Alcest ofrece un trabajo introspectivo y maravillosamente inquietante que se siente como un momento tranquilo antes del amanecer, una meditación sobre los momentos fugaces de la vida. Es melancólico pero alentador, perfecto para los soñadores y claramente un buen disco, no perfecto, con un par de temas menos agraciados o quizás menos impactantes que el resto, pero realmente un trabajo destacado para 2024 y sin duda el mejor disco a la fecha del de Occitania, Francia.

8/10

Dark Tranquility - "Endtime Signals" (Melodic Death)

El último álbum de Dark Tranquillity, "Endtime Signals", es una mezcla de puntos fuertes y débiles de una banda que ha tenido mejores años. Si bien el disco ofrece destellos de la brillantez del Melodeath que una vez los convirtió en pioneros del género, en última instancia sufre de falta de innovación y toma de riesgos creativos, lo que lo deja con una sensación de estar algo estancado en comparación con su mejor trabajo, "Atoma" (2016) un disco para recordar más que éste ciertamente.

Las canciones que componen el disco contienen sus líneas de guitarra melódicas familiares y una musicalidad precisa, pero rápidamente queda claro que Dark Tranquillity está pisando terreno familiar. El trabajo de guitarra, aunque sólido y ocasionalmente atractivo, carece de la frescura o la mordacidad que definieron sus álbumes anteriores como el mencionado en el primer párrafo, "Construct" (2013) o "Moment" (2020). Las armonías de guitarra duales y los solos de Mikael Stanne y  Johan Reinholdz son competentes, pero rara vez se aventuran en territorio demasiado emocionante. Los riffs se sienten cómodos, casi demasiado, como si la banda estuviera jugando a lo seguro en lugar de empujar sus límites creativos.

La interpretación vocal de Mikael Stanne es, como siempre, un punto clave, pero incluso aquí, hay una sensación de estancamiento. Sus growls siguen siendo potentes, pero carecen de la intensidad cruda que tenían antes. Las voces limpias se sienten bien. La mezcla es clara y pulida, aunque a menudo se siente estéril, privando a la música de parte de su potencial de dureza e impacto. La sección rítmica, sigue siendo la fuerza impulsora en la música de Dark Tranquillity, el recién llegado Joakim Strandberg-Nilsson, ex In Mourning, hace bien el trabajo pero no se le escucha demasiado con el tipo de producción escogida.

En cuanto a las letras, "Endtime Signals" retoma temas de colapso social, terror existencial y escenarios apocalípticos. Si bien la banda todavía crea paisajes sonoros atmosféricos, el contenido temático se siente como una repetición de ideas anteriores. En definitiva, "Endtime Signals" es un álbum competente pero poco inspirado de una banda que parece reacia a abandonar su zona de confort. Los fanáticos de toda la vida pueden disfrutar de su familiaridad, pero es poco probable que destaque como un punto especial en la discografía de Dark Tranquillity.

Un disco de Melodeath, especialmente salido de las manos de gente que ha demostrado con constancia que son capaces de sacar lo mejor de sí mismos, debe ser -para mí- una experiencia vital. Con "Endtime Signals" solo consigo un poco de eso. Ciertamente el mejor tema del trabajo es Neuronal Fire, con un excelente riff y puede que también destaquen Not Nothing, Unforgivable y Shivers And Voids, de resto, pues como he dicho, no ha habido ese atrevimiento que antaño le percibí a la banda. Que de los cinco componentes haya tres que son nuevos puede que haya influido y estemos ante un trabajo de ajuste antes de volver a las glorias conocidas.

7/10

In Vain - "Solemn" (Melodic Death / Melodic Black / Progressive)

"Solemn" de In Vain podría ser la banda sonora de un apocalipsis vikingo, si los vikingos también hubieran tenido una sesión de improvisación de Metal justo antes del Ragnarok. La agrupación se ha ganado un nicho como alquimistas sónicos, mezclando Blackened Death, Melodic Death y Prog con toda la gravedad emotiva que esperarías de un álbum con el nombre de "Solemn". Pero no dejes que el título te engañe; este no es un álbum que se queda quieto en un rincón mientras te pones el luto: es una buena tormenta de riffs, growls y grandeza atmosférica.

In Vain es capaz de muchas cosas, incluso de hacer discos mediocres como su anterior "Currents" (2018) que me decepcionó tanto después de la genialidad de "Ænigma" (2013) que a veces lo uso como ejemplo del desplome de una banda. Ahora con "Solemn" creo que los de Noruega logran el equilibrio. Desde la primera canción, la banda establece el estado de ánimo con una fuerte intensidad melancólica. No solo tocan Metal, sino que pintan en tonos de oscuridad, lanzando ráfagas de luz para mantener las cosas interesantes. La fuerza del álbum radica en su capacidad de equilibrar la brutalidad con la belleza.

Uno de los mejores ejemplos de este delicado acto de balance es el tema Seasons Of Unrest, que se siente como el equivalente musical de recibir un puñetazo en la cara y luego un abrazo inmediato. Las guitarras son dinámicas y ajustadas, combinando riffs feroces con momentos de delicadeza melódica. Es como si hubieran invitado a Gorgoroth y Opeth a la misma fiesta y los hubieran hecho llevarse bien.

Luego está la batería, que es nada menos que implacable. De alguna manera, la banda evita que todos estos elementos intrincados se conviertan en un caos, lo que es una hazaña en sí misma. La producción es lo suficientemente limpia como para dejar que los detalles brillen, pero lo suficientemente cruda como para hacerte sentir como si estuvieras parado al borde de un acantilado con la tormenta formándose detrás de ti.

Al final, "Solemn" es tan serio y épico como suena y sobre todo, es el retorno de In Vain al buen camino. El disco es oscuro, melancólico y complejo, pero también atractivo y gratificante para cualquiera que le guste que su Metal venga con un toque de aventura musical. Como principal elemento negativo destaco que nuevamente es demasiado largo, superando la hora, lo que lo hace agotador, pero con algo de paciencia se le logra acabar. Bien por In Vain.

8.5/10

Winterfylleth - "The Imperious Horizon" (Melodic Black / Atmospheric Black)

Winterfylleth ha vuelto con su octavo larga duración, "The Imperious Horizon" y es todo lo que se puede esperar de estos incondicionales del Black Melódico con tintes Atmosféricos y tal vez un poco más. Para una banda conocida por forjar su sonido en los fuegos de la naturaleza y la historia, este álbum no solo refina lo que han mostrado, sino que también se adentra en un territorio que se siente como aire fresco que barre ruinas antiguas.

Desde el principio, "The Imperious Horizon" te recuerda porque Winterfylleth ocupa un lugar tan prestigioso en el panteón del estilo. El álbum es denso pero expansivo, como estar parado en el borde de un antiguo campo de batalla y contemplar las consecuencias. Gruesos muros de punteo de trémolo, tambores poderosos y la característica voz áspera de la banda dominan el paisaje sonoro. Pero debajo de la ferocidad, hay una belleza inconfundible, que entrelaza influencias Folk y atmósferas contemplativas que crean una experiencia inmersiva.

Temáticamente, "The Imperious Horizon" continúa el viaje de la banda a través de paisajes tanto literales como metafóricos. Si bien los álbumes anteriores (que nuevamente con esta gente no se porque no había escrito todavía) han explorado la historia pagana y la naturaleza, Winterfylleth no solo crea un sonido, elabora una narrativa.  

Los riffs golpean como avalanchas y temas como Like Brimming Fire y Dishonour Enthroned brindan suficientes blast beats como para apaciguar incluso a los puristas del Black más empedernidos. Aún así, hay madurez aquí, una delicadeza en el caos. Las canciones se construyen y evolucionan en lugar de golpearte hasta la sumisión, llegando a su punto culminante con Upon This Shore, una oda que no solo es la mejor del disco, sino uno de los temas del año.

Uno de los aspectos más destacados del álbum es su producción. Limpia pero no estéril, la mezcla permite que cada elemento brille sin sacrificar la intensidad cruda. Hay una riqueza en las guitarras, una profundidad en la batería e incluso las voces parecen más dominantes que nunca, gruñendo una sensación de propósito en lugar de pura rabia. "The Imperious Horizon" de Winterfylleth reescribe nada, pero sin duda habla de la madurez y crecimiento del Black, que tanta falta le hizo durante varios años y lo convierte en un estilo -nuevamente- urgentemente relevante.

8/10

Galneryus - "The Stars Will Lead The Way" (Power /J-Metal)

"The Stars Will Lead The Way", el nuevo álbum de la mejor banda japonesa de Power, Galneryus, es una exhibición enérgica del estilo característico de la banda, que combina la maestría musical a la que nos tienen acostumbrados, junto con melodías imponentes. Este álbum marca otro capítulo en la dilatada carrera de Galneryus, ofreciendo a los fans elementos familiares y algunas progresiones refrescantes.

El álbum comienza con una introducción cinematográfica que marca un tono que conduce a la trepidante The Reason We Fight, la que se convierte en la mejor pista del disco y que muestra el sello distintivo de Galneryus: tempos rápidos, solos de guitarra y teclado duales, y el intrincado trabajo de guitarra de Syu que cambia entre florituras melódicas y solos desgarradores. El poderoso tenor del vocalista principal Masatoshi Ono es, como siempre, un elemento definitorio del sonido de la banda, que ofrece claridad y emoción, especialmente en los momentos más destacados del álbum.

Este disco si tiene un cambio de perspectiva que puede hablar de cierto desarrollo en la visión de la banda, el cual no se si están todos listos para aceptar. Me refiero a que fuera de los temas rápidos y épicos de Galneryus, hay canciones más lentas, quizás contemplativas, las cuales no se si terminarán de satisfacer el gusto del seguidor promedio. A mi me pareció un experimento interesante, pero siendo -como debo serlo- totalmente franco, no se si es lo que esperaba. 

Ojo, Galneryus no sabe hacer un mal disco y no es ésta la primera oportunidad en la que ello iba a ocurrir, sencillamente mi gusto con ellos deriva de la absurda velocidad a la que acostumbran desplegar su arte. De hecho, en temas que mezclan ambas perspectivas, la tranquila y la potencia, también se consiguen cosas interesantes, como por ejemplo In Water's Gaze. Luego hay un poco de todo, quizás Crying For You no me terminó de convencer, me pareció demasiado balada ochentosa, a lo Asia o Journey, eso no me parece que les quede tanto.

En todo caso, el uso de teclados por parte de Galneryus, cortesía de Yuhki, sigue siendo un punto fuerte. Ya sea acentuando los solos de guitarra o proporcionando fondos atmosféricos, las teclas agregan profundidad a las pistas que se apoyan en gran medida en sus cualidades sinfónicas. Puede que otro sitio donde el álbum falle sea en su dependencia de estructuras de canciones formulistas. Si bien se escuchan temas como Voices In Sadness  que están innegablemente bien ejecutadas, con crescendos dramáticos y cambios dinámicos, el esquema general se siente algo repetitivo en todo el disco. 

No se puede pretender que una gente que es tan prolífica como Galneryus, quienes sacaban casi un disco anual no bajen un tanto el nivel aquí o allá, pero en este caso con "The Stars Will Lead The Way", quería más de la genialidad que los herederos por derecho propio de X-Japan habían mostrado en discos como "Into The Purgatory" (2019), "Between The Dread And Valor" (2023), "Ultimate Sacrifice" (2017), "Vetelgyus" (2014), "Under The Force Of Courage" (2015),

A pesar de esto, el álbum sigue siendo una buena incorporación a la discografía de Galneryus. La musicalidad es de nivel, la guitarra de Syu es un punto destacado, mientras que la voz de Ono sigue ofreciendo tanto alcance como emoción. En general, "The Stars Will Lead The Way" es una propuesta sólida que debería satisfacer a la base de fans dedicada de la banda, aunque puede que no amplíe su alcance mucho más allá de ella y por momentos el songwriting no sea tan excelso como acostumbran. Es un trabajo refinado y pulido que muestra las fortalezas de Galneryus y algún detalle menor -por qué no decirlo- sin abrir nuevos caminos.

7.5/10

Wintersun - "Time II" (Extreme Power / Melodic Death)

¿¡Pero que pasó en estos seis meses!? Leer o escuchar gente diciendo que "Time II" de Wintersun es corto, que no tiene realmente sino dos canciones, que no tiene el nivel de "Time I", que llega muy tarde (bueno, eso es verdad...), me hace preguntarme si las neuronas se secaron o si quizás Babymetal tomó por asalto las carteleras. Pues si, hay gente que cree que Wintersun no ha presentado un buen disco, oh the humanity! Menos mal que los lugares referentes de costumbre (Amusia, Angry, Truemetal, et al) se han encargado de poner en su sitio a tales desvergonzados. Ahora me toca a mi :)

Aunque doce años no es tiempo para hacer el bis de nada, digamos que obviaremos el punto para no caer en diatribas que finalmente son insustanciales. Lo verdaderamente importante es que "Time II" está aquí y lo está para bien, para demostrar que el Extreme Power o el Death Melódico, como quiera que se le desee catalogar, sigue fuerte, con gente digna dispuesta a jugarse el prestigio de un género que puede estar pasando horas bajas.

Lo mejor de todo es lo que me ha gustado el trabajo. "Time I", uno de los primeros discos que revisé en ELOMC, no me impactó tanto, quizás no entendía tan bien el género, quizás ese día no me sentó el almuerzo, quizás Ensiferum me tenía más entretenido que este proyecto paralelo de Jari Mäenpää, quien ya no está en esa banda Folk (la verdad Ensiferum pasa horas bastante bajas). El punto es que un aceptable fue todo lo que le pude dar. Hoy es diferente, creo que "II" es una mejora obvia y ha valido la pena.

Este disco tiene dos vertientes, el sonido suave y amable del Sinfónico por un lado y el brinco repentino a la emoción y totalidad épica del Melodeath-a-la-finlandesa que tanto emociona. La mezcla de sonido me parece que le ha quedado de primer nivel a Wintersun. Es verdad que algún momento del disco puede parecer sobreproducido, no lo niego, pero entiendo que ha logrado un equilibrio que le permite ser escuchado todos sus casi cuarenta y nueve minutos y no empalagar. Emoción, cohesividad, mantenimiento del interés y buena técnica instrumental hacen de esta grabación un gusto para los seguidores de los sonidos poderosos y melódicos.

Los toques experimentales que le agregan los sonidos orientales le brindan un elemento interesante, los riffs me parecieron bien trabajados y recordables, los coros intensos y como dato más destacado, su repetición es bienvenida, no se hace excesivo, se le descubren cosas y tiene relación con "I", diría que trata de hacer notar por que tardó tanto tiempo en llegar la segunda parte. Este sería un disco que escucharía muy satisfecho en vivo, especialmente los temas Storm y The Way Of The Fire, los mejores.

8/10

Powerwolf - "Wake Up The Wicked" (Power)

Si este es tu primer o segundo disco de Powerwolf, bienvenido al club de seguidores incondicionales de los lobos anti-sistema, si es tu duodécimo (o digamos, el séptimo larga duración de temas originales), yo se que presientes lo que voy a decir porque ambos lo sentimos, todos lo sentimos. Powerwolf está jugando con el riesgo de convertirse en el nuevo AC/DC, versión alemana. Sus discos serán todos buenos, escuchables, no habrá concierto en el que se presenten que no esté hasta la bandera, todos cantaremos sus temas, pero cada vez se auto plagian con más fuerza.

"Wake Up The Wicked" es un poco más de lo mismo, con buen gusto -si-, algunos temas que destacan y que siguen una fórmula que ellos crearon, que han sabido explotar y transmitir y que básicamente se compone de Power, muy melódico, con la voz de Attila Dorn como guía, luz y paradigma, mucho uso de teclados con elementos de música eclesiástica, campanas, lírica divertida, bastante anticlerical y anti todo y algo de insinuación sexy. Siempre encontramos épica, alta energía, imaginería gótica, uso del latín y una fuerte presencia en el escenario, donde son muy divertidos.

Este trabajo tiene sus canciones emblemáticas, como no podría ser diferente, Bless 'Em With The Blade, Sinners Of The Seven Seas y 1589, la mejor del disco, se meten en el cerebro y no salen con facilidad. Pero si tengo que comparar lo que Powerwolf ha realizado en el pasado, tiene mejores discos, puede que sea que había más frescura o que sencillamente me gustaron más, pero todavía encuentro que "Blood Of The Saints" (2011), "Preachers Of The Night" (2013), "Blessed & Possessed" (2015) y "Sacrament Of The Sin" (2018) son sus mejores entregas, todavía hoy los escucho con asiduidad.

Recibir exactamente lo que los fanáticos queremos tiene doble filo, sigo pensando que algo de sorpresa, de atrevimiento, especialmente a estas alturas donde ya es difícil perder a la base de seguidores por algún 'faux pas' -que puede ocurrir, ha ocurrido y es permisible- no es siempre lo mejor. Eso hecho en falta de Powerwolf, una sorpresa, una reinvención, algo que muestre que queda sangre en las venas.

"Wake Up The Wicked" es un disco más en la discografía de Powerwolf con sus momentos interesantes, pero no como creo que fueron algunos de los aquí nombrados: grandes trabajos donde costaba encontrar decaimiento. No voy a dejar de sugerir que le den su correspondiente repaso, especialmente si están descubriendo a la banda, mayormente para que les nazca el deseo de buscar lo hecho antes, pero este, en el contexto general de su discografía, solo meh.

6/10