Theurgy - "Emanations Of Unconscious Luminescence" (Brutal Death)

El Metal extremo, el que realmente rompe paradigmas, no busca sino impactar... en un marco de sonido. Cuando se navegan estas aguas durante años se llega a entender que hay bandas, discos, gente, que no quiere trascender por enigmáticos, ni  oscuros, ni siquiera por -eso- extremos, sino que quieren que se sepa que les sabe a mierda lo que piensen de ellos, el punto es hacer esa cochinada estruendosa y atropellante, dejar claro que su momento son los treinta minutos que dura el disco, siga y sume si puede. Un atrevimiento como el de Theurgy con "Emanations Of Unconscious Luminescence" es prueba palmaria.

Este disco jamás será en la puta vida Disco de Año de una web metalera 'decente', no está hecho para eso, pero si es la grabación de 'cada momento' en el que se tienen lo webos para ponerlo a sonar. Un trabajo absolutamente asqueroso, en el mejor sentido de la palabra, cuyo fin último en dejarte tirado en la cuneta de la autopista del Brutal para que te levanten luego de encontrarte con los gusanos saliéndote por todos tus orificios (me encanta el término 'orificios' en el contexto de esta música).

De una vez advierto, por si acaso para este momento no ha sido intuido: estamos hablando de lo que musicalmente hay más allá de 'más allá'. Definitivamente abstenerse neófitos, posers y chiquillada, esto está elaborado para generar verdadero impacto en vivo en una sala con cien personas, una experiencia casi más física que musical. De entrada, el querubín cantor de Brian Mohler tiene un squeal acochinado que puede generar infartos a los no iniciados, las cuerdas en pizzicato y rasgadas totalmente disonantes son un trago grueso y los cueros milimétricos y obstinados de Tyutin se llevan al oyente por delante.

Este debut me deja con las dudas usuales: ¿Serán capaces de repetir este nivel? ¿Seremos flor de un día? Todo está por ver. Pero en treinta minutos (con este grado de agresión no podía ser más) tenemos uno de los trabajos más destructores, animales, intensos y extremos del año. Ninguna 'melodía' podrá permitirte recordar lo que Theurgy ha mostrado con "Emanations Of Unconscious Luminescence", porque -de hecho- no existen, es todo Metal grueso, nunca fue esa su intención, sin embargo, para quienes aprecien este nivel de asquerosidad sonora, estarán fascinados.

Al disco le falta algo de diferenciación entre temas y que la de cerrar, Harmonization of Sentiments Through the Lush, Spiritual Insights of the Flourishing Inner Shrine pareciera que tiende a suavizar intencionalmente el discurrir del trabajo, por lo demás, la grabación es el atropello de un tren de mercancías. Puto discazo debut porque eso de que lo extremo esté por encima de todo -aunque no te entiendan- es de valientes... bien por Theurgy.

8/10

Opeth - "The Last Will And Testament" (Progressive Death)

"Pale Communion" (2014) es para mi el pináculo de la actividad tardo-musical de Opeth, refrendado por lo realizado posteriormente con "Sorceress" (2016). Ahora con "The Last Will and Testament", el decimocuarto álbum de estudio de la banda, me encuentro con un tapiz sonoro que entrelaza sus sensibilidades de Rock / Metal Progresivo y raíces Death, un pequeño retorno a casa. Este disco es una clase magistral de narración, que canaliza la grandeza de la música pesada de los años 70s con la intensidad visceral de sus inicios.

Conceptualmente, el álbum está ambientado en un contexto posterior a la Primera Guerra Mundial, y desentraña el drama que rodea el testamento del patriarca, una narrativa realzada por la narración de Ian Anderson (de Jethro Tull) y las contribuciones de flauta. El resultado es una historia gótica melodramática llena de tensión y atmósfera. Musicalmente, Opeth logra un equilibrio entre sus eras. Temas como §3 muestran riffs de inspiración oriental, mientras que §5 ofrece growls y riffs que recuerdan la agresión de su era "Watershed" (2008).

El álbum se siente centrado y cohesivo con cada canción estructurada como un capítulo en la historia que se desarrolla. Los momentos destacados incluyen la voz cruda de Mikael Åkerfeldt, los solos de guitarra de Fredrik Åkesson y los toques barrocos de teclado de Joakim Svalberg y el debut de Waltteri Väyrynen en la batería que agrega ritmos intrincados, aunque carece del estilo distintivo de sus predecesores.

A pesar de la escala cinematográfica del concepto tanto por lírica como por excesiva duración, "The Last Will and Testament" mantiene la accesibilidad. Si bien la narrativa ofrece giros y peso emocional, que van desde revelaciones de ilegitimidad hasta corrupción moral, el álbum evita la indulgencia excesiva, manteniendo las pistas concisas según los estándares de Opeth. Esta moderación permite que el álbum fluya sin problemas, con pasajes interconectados que forman un todo. La balada de cierre, A Story Never Told, es un final exquisito y conmovedor, que resalta la voz limpia de Åkerfeldt junto con delicadas melodías de piano y guitarra, obvia nominación a Canción del Año.

En general, este disco es un triunfo de la evolución creativa de Opeth. Combina su estilo anterior más pesado con la experimentación Progresiva de su era más reciente, ofreciendo algo para los fanáticos de todo el espectro de su discografía y creo que sirve como culminación de su viaje de cuatro décadas: un trabajo reflexivo, ambicioso y elaborado por expertos. Tanto para los seguidores como para los nuevos oyentes, "The Last Will and Testament" exige y recompensa la atención, consolidando su lugar entre los lanzamientos de primer nivel de Opeth.

8/10

Fellowship - "The Skies Above Eternity" (Power)

Si alguna vez te has preguntado cómo suena cuando un grupo de entusiastas de Dungeons & Dragons excesivamente optimistas se encuentran un sintetizador y pantalones de spandex, no busques más allá de "The Skies Above Eternity" de Fellowship. Esta obra de Power es menos un álbum y más una recreación teatral de cada lugar común del género que hayas escuchado, interpretado por personas que claramente no tienen miedo al ridículo.

El primer disco de la banda, "The Saberlight Chronicles" (2022) me impactó más favorablemente, estábamos saliendo de la pandemia y se necesitaba alegría. En esta oportunidad el disco tiene menos duración -gracias-, pero también menos de otras cosas. El disco es lo que cabe esperar, cada canción trata sobre elevarse hacia los cielos, triunfar sobre la oscuridad o alguna otra cosa similar que hace que "The Skies Above Eternity" suene como si hubiera sido escrito inspirado en tarjetas Hallmark y -lo menos bueno- caras B de Dragonforce. Para un álbum que aparentemente trata sobre heroísmo, está sorprendentemente desprovisto de originalidad o, quizás, estaba dentro de mis expectativas que hubiera algo de crecimiento.

Musicalmente, la banda es compacta, demasiado compacta. Es casi sospechoso lo pulido que suena este álbum, como si lo hubieran grabado bajo presión de un productor entusiasta con un fetiche por el metrónomo. Los solos de guitarra son abrasadores, sí, pero también parecen sacados directamente del libro 'Power Metal 101'. A la tercera pista has escuchado tantas escalas y arpegios que podrías comenzar a marearte. ¿Y los teclados? Es como si alguien le hubiera dado un Casio a un duende y le hubiera dicho: vuélvase loco XD

Esto no quiere decir que "The Skies Above Eternity" no tenga mérito. Es divertidísimo. Es el tipo de álbum que pondrías en una fiesta para confundir a tus amigos 'paint corpse' o para convocar a una horda de entusiastas del Señor De Los Anillos. Hay un cierto encanto en lo exagerado que es, como una película de serie B que se inclina hacia lo caricaturesco. Al final, Fellowship no hace tanto un viaje musical como una historia con moraleja sobre lo que sucede cuando nadie en el estudio dice: 'Quizás deberíamos bajarle un poco'. Si te gusta el Power y tienes una gran tolerancia a lo cursi, estás en tu terreno. Veredicto final: tres espadas esmeraldas de cinco.

6/10

 

Thy Catafalque - "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" (Blackened Progressive / Folk)

Thy Catafalque, el proyecto que originalmente era Avant-Garde de Tamás Kátai, ha ocupado durante mucho tiempo un nicho único en el mundo de la música: un espacio donde el Black, el Folk, la Electrónica y el Progresivo colisionan en un caleidoscopio de sonido. En "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" (que se traduce algo así como XII: Los bellos sueños que vienen después), Kátai profundiza en su sonido característico, pero que como ya adelantaba en "Vadak" (2021), se ha venido alejando cada vez más del estilo extraño que centró entregas anteriores, como "Naiv" (2020), "Meta" (2016) y "Sgurr" (2015), entregando en esta oportunidad un álbum ricamente texturizado y ecléctico que se siente a la vez introspectivo y expansivo.

Primero, dejemos algo en claro: este álbum es innegablemente ambicioso. La capacidad de Kátai para tejer géneros dispares en un tapiz sonoro cohesivo sigue siendo inigualable. Las canciones de abrir, Piros kocsi, fekete éj y Mindenevő, sirven como un microcosmos perfecto del espíritu del álbum. Comienzan con capas de sintetizador  antes de explotar en un frenesí de riffs distorsionados y melodías Folk. Es una declaración audaz: espera lo inesperado.

A lo largo de "XII", hay un énfasis distintivo en los contrastes. en los temas se yuxtaponen voces operísticas elevadas con guturales, mientras que se mezclan pasajes acústicos suaves con ritmos electrónicos pulsantes. Esta interacción crea momentos de belleza, particularmente en el uso de motivos folclóricos húngaros, que anclan el álbum en un sentido de lugar y tradición.

Sin embargo, hay una delgada línea entre lo ecléctico y lo abrumador y "XII" ocasionalmente se tambalea al borde. Temas como Nyárfa, nyírfa,  Lydiához y Vakond viran hacia la indulgencia, con largas secciones instrumentales que pueden sentirse más como una exhibición de destreza técnica que como una progresión narrativa significativa. Con casi una hora de duración, el álbum exige paciencia y repetidas escuchas, lo que podría disuadir a los oyentes ocasionales.

"XII" realmente destaca en su producción. Thy Catafalque como siempre es un ejército de creatividad de un solo hombre que equilibra magistralmente las densas capas de instrumentación. Cada herramienta, desde el rechinido metálico de las guitarras hasta las delicadas cuerdas del violín, tiene espacio para brillar. El álbum se siente vivo, respirando con calidez orgánica incluso durante sus momentos más mecánicos y electrónicos.

En cuanto a las letras, "XII" es totalmente enigmático. Como es típico de Thy Catafalque, el húngaro sigue siendo el idioma elegido, lo que agrega una capa adicional de misticismo para los no nativos, es decir, el 99% de la humanidad. Entiendo por lo que busqué que la naturaleza, la memoria y la trascendencia se repiten en todo momento, lo que -supongo- le otorga al álbum una profundidad filosófica que recompensa a quienes están dispuestos a involucrarse con la lírica.

A pesar de sus excesos ocasionales, "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" es un logro notable. Es un álbum que desafía e inspira. Para los fanáticos del Avant-Garde este ya quizás no sea el patio de recreo acostumbrado, pero en materia de Blackened Prog, o para cualquiera que anhele música que se atreva a ser diferente, "XII" es una escucha necesaria.

8/10

Crypt Sermon - "The Stygian Rose" (Doom / Heavy)

Escribí hace unas semanas de Warpriest, un dúo que hace Heavy Doom, el disco es malo con avaricia pero los músicos que lo ejecutan han salido a defenderlo con entereza, sin internalizar que el trabajo es un desastre, pero con mucho coraje y amor propio... les admiro la entereza, eso si. En el mismo género -y en todo- hay gente cuyos argumentos son simplemente lo que hacen, la verdad se defiende ella misma es la idea que quiero expresar. Para demostrar que este género puede tener cosas interesantes, Crypt Sermon es un buen ejemplo.

Este sexteto filis tiene con el que comentaremos tres discos, demasiados espaciados entre si, más de cuatro años, pero cada uno de ellos ha sido bien recibido, "The Stygian Rose", su último trabajo, es una clase de Epic Doom, que combina grandeza y profundidad emocional con madurez. El álbum cumple con las expectativas del género en cuanto a teatralidad y pesadez, pero también muestra un enfoque matizado que enfatiza la narración y la atmósfera.

El disco de seis pistas, que dura menos de cuarenta y cinco minutos, demuestra una notable moderación sin sacrificar las cualidades dramáticas y arrolladoras que esperan los fanáticos. La mezcla característica de la banda de riffs premonitorios, melodías melancólicas y la interpretación vocal imponente de Brooks Wilson logra un equilibrio más que adecuado. Temas como Thunder (Perfect Mind) y Heavy Is the Crown of Bone presentan momentos de reflexión tranquila que acentúan los crescendos más pesados ​​del álbum. Esta interacción dinámica hace que la experiencia auditiva sea inmersiva en lugar de abrumadora.

El otro tema destacados es The Scrying Orb, donde los teclados góticos y las voces evocan un aura inquietante pero triunfante, el tema de cierre 11 minutos, The Stygian Rose sirve como un final épico, aunque no me terminó de convencer tanto como el resto. Si bien "The Stygian Rose" claramente se inspira en leyendas del Doom como los grandes Cirith Ungol, no se siente derivado. Siento que reinventa un tanto el sonido con un tono oscuro e introspectivo.

Crypt Sermon ha creado un disco que respeta la tradición mientras traspasa un tanto los límites. "The Stygian Rose" es un viaje a través de lo sombrío y lo hermoso, con toque épicos, consolidando a la banda como uno de los actos de Doom que vale la pena seguir de cerca. Los seguidores del género lo encontrarán una buen adición a su discografía y alguien en quien fijarse, ojalá que se tomen menos tiempo para volver a entregarnos algo.

7.5/10

Paysage d'Hiver - "Die Berger" (Atmospheric Black)

"Die Berger" de Paysage d’Hiver es una odisea en la vastedad helada de la imaginación de su creador, en la misma onda del otro disco revisado aquí, "Im Wald" (2020). El enigmático Wintherr (Tobias Möckl), conocido por crear Black Atmosférico impregnado de la estética helada de los inviernos suizos, continúa su tradición de paisajes sonoros lo-fi inmersivos. Con "Die Berger" (en alemán, "Las montañas"), el proyecto asciende a nuevas alturas, tanto metafórica como sonoramente.

Con una duración imponente y totalmente exagerada desde mi punto de vista, este disco no es para los débiles de corazón. Como una tormenta de nieve que oscila entre la belleza tranquila y la furia implacable, el álbum exige paciencia para quienes están dispuestos a perderse en su extensión. Fiel al espíritu de Paysage d’Hiver, "Die Berger" se deleita en su producción cruda, donde el silbido y la distorsión actúan menos como defectos y más como elementos atmosféricos, similar al viento que aúlla en los pasos alpinos.

El tema de apertura, Urgrund, encarna la intención del álbum: una escalada inquebrantable hacia el caos de la naturaleza, con más de dieciocho minutos ya se intuye por donde va a ir el resto. Riffs de trémolo arremolinados, blast beats contundentes y cuasi voces aulladoras se fusionan en una vorágine que es a la vez abrumadora e hipnótica. Sin embargo, los momentos ocasionales de respiro melódico recuerdan a los oyentes que incluso en medio de las pruebas más duras de la naturaleza, hay alguna belleza.

Canciones como Ausstieg muestran la capacidad de Wintherr en la dinámica. La interacción entre pasajes frenéticos de Black e interludios ambientales crea una tensión que se siente viva, como si la música misma respirara el aire frío de la montaña. El cierre del disco, Gipfel, cierra el círculo del viaje con melodías inquietantes que se sienten como los primeros rayos de sol después de una noche gélida.

"Die Berger" puede frustrar a los recién llegados al género. Su producción sin pulir y su gran duración alejarán a los oyentes que no estén familiarizados con las complejidades del estilo. Sin embargo, los fanáticos de Paysage d’Hiver reconocerán esto como una continuación y una evolución de la visión de Wintherr. Es un disco que captura no solo el frío sino también el poder sublime de las montañas, una fuerza cruda e imponente que empequeñece la existencia humana. Este disco me ha dejado un tanto sorprendido porque aunque está bien, no se si termina de parecerme la joya que algunos han querido ver en él, lo dejo a juicio de los oidores.

Reitero, si bien "Die Berger" no reinventa la fórmula de Paysage d’Hiver, ciertamente si refuerza la reputación del proyecto como uno de los actos más 'populares' -por favor, enmarcar el término dentro de lo que estamos hablando- del Black Atmosférico. A partes casi iguales castigador y poético, este álbum es una forma de comprobar la capacidad del género para evocar no solo el sonido sino la esencia misma del lugar. Una escucha desafiante pero de a ratos gratificante, "Die Berger" puede ser viaje que vale la pena emprender, si se lleva suficiente paciencia.

7.5/10

Yoth Iria - "Blazing Inferno" (Melodic Black)

"Blazing Inferno" de Yoth Iria es una inmersión en los reinos oscuros y fantasmales del Black griego, donde las guitarras pesadas y las melodías inquietantes evocan una atmósfera oculta distintiva. Yoth Iria, un proyecto formado por veteranos de la escena del Metal griego y ha ganado atención por revitalizar un sonido pionero de a principios de los años 90, al tiempo que lo actualiza con una producción moderna y un enfoque más sofisticado y en capas. Este lanzamiento logra un equilibrio entre homenaje e innovación, mostrando la reverencia de la banda por las raíces del estilo mientras se aventura en territorios nuevos.

Una de las fortalezas que definen el álbum es su atmósfera cohesiva, que transporta inmediatamente al oyente a un espacio oscuro y de otro mundo con matices góticos. La primera pista establece un tono ominoso, utilizando cánticos ominosos e instrumentación de construcción lenta que insinúa el siniestro viaje que se avecina. El sonido característico de Yoth Iria es denso y teatral, inspirado en el Black de primera ola, pero diseñado intencionadamente para despertar la expectación de los oyentes. Yoth Iria es hábil para crear tensión sin caer en trucos demasiado usados, una habilidad que probablemente proviene de la amplia experiencia de los miembros de la banda.

En cuanto a la voz, el álbum se destaca por su interpretación cruda pero inteligible. Las voces son inquietantes y feroces, y añaden un elemento casi litúrgico a la música. A diferencia de muchos grupos, donde las letras pueden perderse en el fango de una producción dura, el estilo vocal de Yoth Iria es lo suficientemente claro para que los oyentes aprecien los temas líricos, que se adentran en la mitología, la oscuridad y lo sobrenatural. En cuanto a las letras, el álbum está lleno de lenguaje simbólico y poético, creando un aire de misticismo sin sentirse forzado o demasiado esotérico. "Blazing Inferno" se destaca por lograr este equilibrio entre claridad y misticismo, que es un sello distintivo de la composición madura.

La producción de "Blazing Inferno" es limpia pero conserva suficiente crudeza para satisfacer a los puristas del género, evitando las tendencias crudas y lo-fi que suelen asociarse con el Black. Las guitarras son nítidas y crujientes, con un amplio rango dinámico, lo que permite cambios entre riffs vertiginosos y pasajes más lentos y cargados de fatalidad. La batería es contundente y está bien mezclada y respalda las densas capas de guitarra sin dominarlas. Existe la sensación de que cada elemento del paisaje sonoro ha sido cuidadosamente seleccionado para contribuir al estado de ánimo siniestro del álbum.

El álbum no es perfecto. Algunas pistas, particularmente en la sección intermedia, se sienten repetitivas. Si bien Yoth Iria se apega a un sonido cohesivo, un poco más de variación podría haber agregado algo de profundidad. Dicho esto, la continuidad del álbum también puede ser una fortaleza para los oyentes que prefieren una experiencia auditiva hipnótica.

En esencia, "Blazing Inferno" es a la vez un homenaje nostálgico y un álbum vanguardista. Captura la atmósfera misteriosa y oculta que anhelan los aficionados al Black, al tiempo que ofrece una producción nítida y un sentido maduro de la melodía. Puede que el álbum no convenza a quienes no están familiarizados con el estilo o se resisten a él, pero para los fanáticos específicos, especialmente aquellos amantes de sus raíces helénicas, "Blazing Inferno" es una experiencia gratificante. Yoth Iria demuestra que el estilo negro, incluso con sus temas trillados, aún tiene potencial de reinvención cuando se aborda con arte y reverencia.

7.5/10

Sólstafir - "Hin Helga Kvöl" (Post / Folk / Shoegaze)

"Hin Helga Kvöl" de Sólstafir es uno de esos discos que se siente como un fantasma no invitado: no estás muy seguro de si está aquí para atormentarte, inspirarte o simplemente hacerte tomar otra cerveza. Esta banda islandesa de Post tiene un don para crear álbumes que se perciben como folclore antiguo desenterrado de una tumba cubierta de musgo y salpicado con suficiente distorsión atmosférica para hacerte sentir como si hubieras marcado accidentalmente una estación de radio de una dimensión diferente. Pero este no es el típico cuento de fogatas amigables. La mezcla de Doom cinematográfico y Black, con infusión de Folk de Sólstafir es densa, a veces lo suficientemente densa como para hacerte preguntarte si simplemente no eres lo suficientemente sombrío como para entenderlos.

El álbum comienza con el tipo de paisaje sonoro envolvente que te hace sentir como si te hubiera recogido el viento en una oscura costa islandesa. Pero, como ocurre con muchos de los trabajos de Sólstafir, este no es tanto un sonido que te relaje y te haga vibrar, sino más bien una prueba de resistencia. Con cuarenta y ocho minutos de duración, "Hin Helga Kvol" tiene temas que se desarrollan como novelas, que exigen que te sientes, te abroches el cinturón y dejes que la narración te inunde, desafortunadamente ninguno me terminó de impactar. Y aunque el álbum rezuma cierta mística poética, hay una sensación inquebrantable de que podría haber sido diez minutos más corto sin perder mucho. Cada tema parece aferrarse al peso existencial del mundo, lo que da lugar a un disco que a menudo es más pesado que verdaderamente profundo.

Pero hay algo innegablemente encantador en la forma en que Sólstafir equilibra la crudeza cruda con una melodía inquietante. Su vocalista Aðalbjörn Tryggvason (así se escribe, pero dígame alguien como se pronuncia) es en parte poeta torturado, en parte chamán, canalizando un espíritu que suena a partes iguales exhausto y enfurecido. Su voz tiene el peso del antiguo folclore islandés, no importa si entiendes o no el islandés: las canciones te atraviesan como una guadaña y te deja mirando perplejo de lo que acabas de oir.

La producción aquí es otra mezcla de todo. Por un lado, captura el sonido central de la banda: neblina Shoegaze y estruendo Post a partes iguales. Pero, a veces, es difícil no sentir que todo es demasiado ruidoso, demasiado implacable. Hay una cualidad monótona en algunas de las pistas que, en lugar de ser hipnótica, termina sintiéndose como si estuvieras atrapado en un sonido que no termina. Cuando estás inmerso en ella, la retroalimentación ambiental y la reverberación sónica crean este paisaje inmersivo y salvaje que es a partes iguales fascinante y agotador. Pero tras varias escuchas, es fácil empezar a sentir que el sonido de Sólstafir en este disco tiene tanto que ver con la atmósfera como con la ocasional canción de relleno disfrazada de un viaje épico.

Cuando llegué al final de "Hin Helga Kvol", me quedé a la vez desconcertado y algo aliviado. Este no es un álbum fácil de digerir. Ni siquiera es particularmente divertido. Hubiera querido que me gustara más; desde "Svartir Sandar" (2011) y "Ótta" (2014), incluso todavía con "Berdreyminn" (2017) no hacen esa cosas geniales que los dieron a conocer fuera de su terruño.., mira que es difícil destacar cantando en ese idioma. Es verdad que Sólstafir tiene una manera única de convertir el terror existencial en un viaje sonoro que es a la vez miserable y extrañamente mágico, como si estuvieran aquí para recordarte la belleza de las cosas rotas, pero esta vez no vengas esperando un éxito: es más como mirar fijamente un hermoso acantilado islandés mientras te congelas: extraño y brutal... no se si vale la pena cada escalofrío.

6.5/10

Flotsam And Jetsam - "I Am The Weapon" (Thrash / Heavy)

El último lanzamiento de Flotsam and Jetsam, "I Am The Weapon", golpea con el tipo de fuerza implacable que los fanáticos podrían esperar del veterano grupo de Thrash. La banda muestra que aún tiene el vigor para competir con sus versiones más jóvenes, entregando una colección de temas de alta energía y cargados de riffs que se sienten nostálgicos y modernizados.

Este álbum se inclina hacia una mezcla de Thrash clásico con un toque de Power, mostrando la voz de Erik A.K Knutson en su usual forma áspera pero potente, mientras que el acompañamiento instrumental de los guitarristas Michael Gilbert y Steve Conley es tan ajustado y enérgico como siempre.

La banda es tan antigua como el género mismo, remontándose sus orígenes a inicios de los ochenta; yo siempre los he sentido ubicados como en una segunda línea del Thrash, un poco desconocidos, un poco demasiado imbuidos en solo hacer su música y sin mayores intenciones de destacar en el mundillo comercial. Esto puede ser interpretado desde varias perspectivas, pero creo que la principal es que son fieles a sí mismos... me pregunto si habrán podido pagar las cuentas, pero fuera de eso, ya nadie les puede quitar su estatus de glorias del estilo.

Con temas como A New Kind Of Hero y Primal, el álbum comienza con una intensidad rápida y cargada de ganchos, gracias a la batería contundente de Ken Mary y un estilo de producción animado y poderoso. Este es un álbum con algunos puntos bajos; aunque Beneath the Shadows se aventura en un ritmo más suelto que puede sentirse un poco fuera de lugar, el álbum rápidamente vuelve a su forma con una alineación poderosa que equilibra la delicadeza técnica con la agresión. Algunas pistas, como The Head of The Snake, tienen un estilo de producción pulido pero contundente que mantiene el disco constantemente atractivo, aunque puede que un tanto demasiado 'límpio' para los puristas del Thrash.

La dirección de Flotsam and Jetsam ha virado hacia un híbrido de Heavy/Thrash, su "The End Of Chaos" (2019) lo anunciaba, puesto que con toques de Power muestran su voluntad de mezclar la furia de la vieja escuela con nuevos ganchos melódicos. Si bien "I Am the Weapon" no es demasiado especial, marca una adición de calidad a su catálogo de dieciséis discos ya. El resultado de este trabajo, con un sonido revitalizado, demuestra la capacidad de la banda para adaptarse y entregar energía implacable a cuarenta años de su debut.

7/10

High On Fire - "Cometh The Storm" (Sludge / Thrash)

"Cometh the Storm" de High On Fire llega con toda la intensidad cruda que los fans esperan, mezclando su clásico poder de Sludge con toques nuevos y experimentales. Este álbum, el primero en seis años, se mantiene fiel a su camino de riffs feroces y percusión potente, pero añade nuevos sabores, en particular las influencias de Oriente Medio en temas como Karanlık Yol, que incorpora el bağlama turco para una pausa inquietante y cinematográfica en medio de la embestida sónica.

Como conversaba con el amable equipo de Rocktambulos.com cuando esta semana grababamos el podcast de recomendaciones del mes, High On Fire siempre es una banda interesantes para redescubir, yo tengo la sensación de que siempre están evolucionando, que cada disco pretende algo nuevo, aún cuando su sonido es bastante reconocible. Mi único comentario de la banda data de doce años atrás, con "De Vermis Mysteriis" (2012), y revisarlo me confirma lo que pienso de ellos.

La incorporación del baterista Coady Willis infunde al sonido de High On Fire una energía indómita. Canciones como Lambsbread y Burning Down desatan riffs con mucho Thrash, mientras que la canción principal y homónima del disco se ralentiza para ofrecer ritmos aplastantes y cargados de fatalidad. La interacción entre Willis, el bajista Jeff Matz y el líder, pitcher abridor y novio de la madrina, el guitarrista Matt Pike es precisa, a menudo al borde del caos pero un tributo a la producción. Las texturas ásperas y el rango dinámico evitan que el álbum se sienta predecible, con cada canción equilibrada entre una agresión implacable y un ritmo estratégico.

Los puntos destacados incluyen el tema Trismegistus, que vira abiertamente hacia el Thrash y The Beating, apisonante. El álbum cierra con la oscura y atmosférica Darker Fleece, que deja a los oyentes con una nota aprensiva, sumergiéndolos en el tormentoso y bastante demoníaco -por cierto- mundo de High On Fire. A pesar su carácter crudo, "Cometh the Storm" no es solo fuerza bruta; sus toques progresivos y su energía implacable muestran una banda dispuesta a experimentar sin perder su identidad central.

Tanto para los fanáticos de toda la vida como para los recién llegados, este álbum ofrece emociones familiares y sorpresas refrescantes: un lanzamiento brutal pero ingenioso que consolida aún más el legado de High On Fire en el Metal moderno. Con casi treinta años en actividad, aunque sólo nueve largas duración, este power trio no decepciona.

7.5/10

Gaerea - "Coma" (Melodic Black / Post Black)

"Coma" de Gaerea es un álbum que se adentra en las profundidades crudas del Post Black mientras expande los límites del género. Lleva tanto la desolación característica del Black como una voluntad de innovación, llevando a los oyentes a un viaje que es al mismo tiempo caótico y comedido. En la superficie, "Coma" es oscuro e implacable, y sin embargo exuda intensidad controlada que se siente casi meditativa en algunos lugares, un acto de equilibrio que Gaerea logra bastante bien. Su anterior "Mirage" (2022) me parece que no logró el impacto que querían, en esta nueva oportunidad está mejor logrado.

Gaerea, un misterioso grupo de Portugal que pone el anonimato en primer plano, evitando las identidades individuales para mantener el foco firmemente en la música. Este anonimato, combinado con su estilo visceral y catártico, agrega un toque enigmático a su actuación. Con "Coma" llevan esa identidad aún más lejos, adoptando un enfoque expansivo y moderno que tiene una calidad que lo ha hecho destacar este año.

Musicalmente, "Coma" está estructurado con un sólido dominio del ritmo y la atmósfera, llevando a los oyentes a través de diferentes intensidades y paisajes sonoros. Temas como The Poet's Ballet, Suspend, World Ablaze y Unknown golpean con fuerza pero son sorprendentemente melódicos, lo que da a entender la aptitud de Gaerea para crear canciones que se sienten a la vez castigadoras y hermosas. Los riffs iniciales son como una serie de tormentas que ofrecen líneas de bajo vibrantes y tambores implacables, creando un sonido que envuelve al oyente. Luego, justo cuando crees que sabes qué esperar, Gaerea presenta algunos pasajes melancólicos y reflexivos en los que resaltan una superposición de sonido, eso me gustó, el toque de sorpresa.

Temáticamente, "Coma" explora temas de aislamiento, pavor existencial y la fractura del yo, profundizando en letras introspectivas que se alinean con el paisaje sombrío de la música. Esta crudeza emocional, junto con el ritmo sombrío, a veces recuerda a grupos como Mgła, pero Gaerea infunde su propio toque distintivo, manteniéndolo fresco y distinto. Las voces, brutales pero mesuradas, logran un equilibrio entre expresar angustia y dejar espacio para los matices, fusionándose con la atmósfera del álbum.

Sin embargo, el tono implacable puede resultar algo repetitivo, el disco aunque trata de hacerlo un poco, no es tampoco un dechado de innovación. Para los seguidores del estilo, "Coma" es una experiencia destacada, una combinación convincente de agresión y ambiente que refleja una visión madura y bien elaborada. Es una escucha intensa, pero que recompensa a quienes se dejan llevar por su tormenta. Con este trabajo, Gaerea se gana unos puntos en el ambiente y puede destacar en algunas listas del fin de año y claramente su mejor trabajo a la fecha.

8/10