El Lado Oscuro Metal Critica

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viernes, 14 de febrero de 2025

Saor - "Amidst The Ruins" (Atmospheric Black / Folk)

Lo más reciente de Saor, "Amidst The Ruins", se erige como un testimonio monumental de la inquebrantable dedicación de Andy Marshall a sus raíces caledonias. El sexto álbum de estudio de este unipersonal invita a los oyentes a un viaje épico a través de las tierras altas cubiertas de niebla de Escocia, mezclando elementos feroces del Black con melodías Folk de una belleza inquietante.

El álbum comienza con la canción principal, Amidst The Ruins, una odisea de casi trece minutos que encapsula la esencia del sonido característico de Saor. Tambores trepidantes que dan paso a riffs con  un trémolo electrizante. A medida que avanza la canción, los instrumentos tradicionales como las flautas y las gaitas irlandesas se entrelazan con el tapiz sonoro, creando un paisaje que es a la vez feroz y melódico. Los minutos finales se intensifican con una enorme armonización de guitarras y cuerdas, que culmina en una demostración auditiva de orgullo y heroísmo escoceses.

Echoes Of The Ancient Land sigue, adoptando inmediatamente un enfoque de composición más punzante. La canción mezcla riffs predeciblemente rápidos y pasajes impredeciblemente técnicos, creando un aura de deambular por paisajes antiguos. La instrumentación Blackened Folk evoca paisajes sonoros que inspiran sentimientos de caminar por terrenos antiguos. El tema Glen Of Sorrow se destaca como un momento destacado conmovedor, que recupera la devastación, la pérdida y la traición sufridas en la Masacre de Glencoe, una de esas oportunidades en el siglo diecisiete en la que los humanos dejamos de serlo. La atmósfera envolvente de la canción transporta a los oyentes al corazón de las Highlands de Escocia, con sus majestuosos paisajes sonoros y melodías melancólicas. 

El disco toma un giro contemplativo con The Sylvan Embrace, una sentida y melancólica pieza Neofolk que incluye voces susurrantes, violonchelo y suaves guitarras acústicas. Esta pista sirve como un respiro bienvenido, ofreciendo un delicado contraste con sus empalagosas progresiones de acordes y dulces melodías. Rebirth cierra el álbum con una nota triunfal, forjando una armonización de guitarras y cuerdas con capas de voces cantadas limpiamente, siendo éste el tema que más me gusto. El cambio de tono vertiginoso en la sección intermedia es un momento conmovedor que hace terminar el álbum de manera espectacular.

Con "Amidst The Ruins", Saor ha creado un álbum que es a la vez un tributo a la rica historia de Escocia y un testimonio del poder perdurable del género. Es un viaje que vale la pena emprender, incluso si eso significa perderse un poco en el camino y algunos momentos baja la intensidad un poco demás desarrollados, pero en general el disco me ha parecido una de las cosas más destacadas del reciente año.

8/10. Buena portada.


martes, 11 de febrero de 2025

Dream Theater - "Parasomnia" (Progressive)

El último trabajo de Dream Theater, "Parasomnia" marca un capítulo monumental en la legendaria carrera de la banda. No solo es su decimosexto álbum de estudio, sino que también anuncia el esperado regreso del baterista fundador Mike Portnoy después de una pausa de quince años. La reunión de la formación clásica, Portnoy, el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el tecladista Jordan Rudess y el vocalista James LaBrie, tiene a los fanáticos y a los críticos entusiasmados.

Temáticamente, "Parasomnia" se adentra en el enigmático reino de los trastornos del sueño, explorando temas como los terrores nocturnos, la parálisis del sueño y los sueños lúcidos. La estructura del álbum recuerda trabajos anteriores y cada tema ofrece una narrativa relacionada con el tema general, muy similar al enfoque adoptado en "Six Degrees of Inner Turbulence" (2002).

El tema de apertura, In the Arms of Morpheus, prepara el escenario con una introducción ambiental que gradualmente se convierte en un tapiz complejo de sonido. La interacción entre los intrincados riffs de guitarra de Petrucci y los teclados atmosféricos de Rudess crea un ambiente onírico, que atrae al oyente al mundo conceptual del álbum. Night Terror sigue, sumergiéndose en la desgarradora experiencia de pesadillas vívidas. La voz de LaBrie transmite una sensación palpable de terror, cantando líneas como 'La carne se arrastra; necesito abrirme paso con garras fuera de este infierno', capturando la esencia del miedo nocturno. Los cambios dinámicos de la canción y las firmas de tempo impredecibles reflejan la naturaleza inquietante de los propios terrores nocturnos.

Un momento destacado del álbum es Midnight Messiah -probablemente la mejor del trabajo-, que sorprende a los oyentes con un estribillo feroz y de alto octanaje que evoca la energía del metal de los '80s. Este giro inesperado muestra la capacidad de la banda para mezclar la nostalgia con su estilo progresivo característico, lo que da como resultado una canción que es a la vez estimulante e innovadora. La balada Bend the Clock ofrece un momento de introspección en medio de la intensidad del álbum. Descrita por algunos como 'una de las cosas más hermosas que la banda ha escrito en décadas', la canción mantiene una atmósfera tensa y oscura, sin abrazar nunca por completo la serenidad, pero cautivando con sus lánguidos giros y vueltas.

El disco culmina con la épica de veinte minutos, The Shadow Man Incident. Esta extensa composición entrelaza elementos de Speed, interludios ambientales y melodías altísimas, encapsulando la inclinación de la banda por contar historias ambiciosas a través de la música. El regreso de Portnoy es innegablemente un punto focal de "Parasomnia". Su batería aporta una energía y complejidad renovadas a las composiciones, recordando a los oyentes la química que definió los trabajos anteriores de Dream Theater. 

En conclusión, para una banda que atrae tanto hate como love por parte de todo el mundillo del Metal e incluso fuera de él, las altas expectativas que se tenían de este come back y la dificultad propia del Progresivo puro (me tomó varios intentos terminarlo, tiene demasiado para un solo bocado), "Parasomnia" es un testimonio de la perdurable destreza de Dream Theater en el género. Yo lo ubico, si de preferencias se trata, por detrás de "Metropolis Pt.2..." (1999), "Image And Words" (1992), "Awake" (1994), "Six Degrees..." (2002) y "A Dramatic Turn Of Events" (2011), al menos a la altura de "DT" (2013) y por encima del resto de su discografía, especialmente del que-no debe-ser-nombrado (2016), "Distance Over Time" (2019) y "A View..." (2021), es decir los más reciente. 

Como no sería menos de esperar, el álbum combina a la perfección el virtuosismo técnico con una narrativa emotiva y un buen songwriting, a veces incluso muy bueno, todo mientras reúne una formación que muchos fanáticos consideran la formación por excelencia. Ya seas un devoto desde hace mucho tiempo o un recién llegado a su sonido, "Parasomnia" ofrece una experiencia rica e inmersiva que se percibe como un punto destacado en la impresionante discografía de Dream Theater.

8/10


viernes, 7 de febrero de 2025

Dragonknight - "Legions" (Symphonic Power)

Cambiando el tercio totalmente respecto al comentario anterior, hablaremos de la otra punta del Metal, el Power melódico, en este caso del álbum debut de Dragonknight, "Legions", el cual es una odisea que transporta a los oyentes a reinos de fantasía y valor. Originaria de Finlandia, esta enigmática banda está compuesta por miembros enmascarados conocidos solo por sus apodos: Lord Gryphon, Lord Kharatos, Lord Solarius, Lord Orthrakis y Lord Salo Khan.

El viaje comienza con Ascendance - Through Sea and Fire, un preludio instrumental que establece un tono majestuoso, mezclando melodías etéreas con una sensación de aventura inminente. Esto da paso a The Legions of Immortal Dragonlords, una canción que avanza a paso rápido con ritmos poderosos, riffs melódicos y voces imponentes, encapsulando el sonido característico de la banda.

A lo largo de "Legions", Dragonknight muestra un tapiz de influencias y cada tema hace eco de los estilos de los incondicionales del género. En el disco se canalizan la grandeza de Gloryhammer o se evoca el estilo energético de Edenbridge. A pesar de estos guiños, el álbum mantiene cierta cohesión a través de sus elementos sinfónicos generales, lo que garantiza una experiencia de escucha unificada.

Temas como Pirates, Bloody Pirates! -la mejor del disco- infunden una energía audaz y agregan variedad al repertorio temático del álbum. Mientras tanto, Defender of Dragons y Astarte Rise presentan melodías inspiradas en el Folk, incorporando instrumentos de viento clásicos y arreglos acústicos que ofrecen un contraste refrescante con los momentos más grandilocuentes del álbum. Si bien el disco es un testimonio de la habilidad técnica y producción pulida, pisa terreno familiar sin aventurarse en territorios inexplorados. Las melodías, aunque agradables, a veces carecen de la audacia que define a los himnos destacados del Power. Sin embargo, el evidente entusiasmo de la banda infunde al álbum una energía contagiosa que resuena en los oyentes.

En esencia, "Legions" es una celebración de los temas grandiosos y la musicalidad del sector amable del Metal. Dragonknight no está reinventando nada, pero maneja su estilo con buen gusto y por sobre todo tienen un buen songwriting (lo de siempre: ¡escribe unas putas buenas canciones!). La banda entrega un álbum que es a la vez un homenaje a los gigantes del género y una introducción prometedora a su propio mito. Para los fanáticos de los cuentos épicos, las melodías imponentes y el encanto atemporal de los dragones y los caballeros, "Legions" ofrece un viaje que vale la pena emprender, ojalá se encuentren más con su propio yo.

7.5/10


miércoles, 5 de febrero de 2025

Revenge - "Violation.Strife.Abominate" (War Metal)

El War Metal es una especie de Raw Black mezclado con Powerviolence, esto es seriamente extremo, incluso hay gente que lo ubica en la zona del NSBM, es decir, agárrese que vienen curvas. En estas aguas se baña el séptimo álbum de estudio de Revenge, "Violation.Strife.Abominate", que continúa el implacable asalto de la banda a los límites de la música. El dúo canadiense, formado por J. Read y su compañero Vermin, se ha ganado una reputación por su sonido caótico y abrasivo, y esta última propuesta no es una excepción.

El álbum consta de doce temas, cada uno de ellos un testimonio del compromiso de la banda con su estilo único de sonido extremo. Desde 'la canción' de apertura hasta la de cierre, el oyente se ve sometido a un bombardeo implacable de guitarras frenéticas, bajos decapitadores y gritos primarios. El álbum ha generado una variedad de reacciones de los oyentes en las redes, pues realmente es difícil entender semejante pared sonora. Reitero mi visión con el sector extremo: es un tema de disposición, a veces te parecerá un espectáculo andante, otras no podrás superar el minuto de atención.

En términos de producción, el álbum mantiene la estética cruda y sin pulir que se ha convertido en un sello distintivo del sonido de Revenge. Las guitarras son abrasivas, la batería implacable y las voces se entregan con una ferocidad que raya en lo inhumano. Este es un álbum  que ofrece mucho en cuanto a agresión y poco en cuanto a respiro. Lo que no se puede negar es que el disco es un testimonio del compromiso de la banda con con su arte, con la visión más nihilista posible: no creen en nadie, les complace que a ellos les guste, si lo escuchan dos personas o doscientas mil, les da igual.

En conclusión, "Violation.Strife.Abominate" es Metal extremo en crudo, en el estilo de lo que hizo hace más de dos décadas gente como Blasphemy, yo los escucho en determinadas ocasiones y se convierte en una especie de telón de fondo, no se puede pretender que haya demasiada novedad entre tema y tema y el concepto es agredir, exorcizar demonios... o algo así. Si paseas por el sector que esta gente habita, el disco ofrece una experiencia sonora que es tan castigadora como intransigente, pero emocionante, lástima que cada disco de este género sea literalmente el mismo disco, nicho con apenas algún matiz aquí y otro allá. Especialmente en vivo es donde este tipo de Metal destaca, eso es cierto.

7.5/10


martes, 4 de febrero de 2025

The Great Old Ones - "Kadath" (Atmospheric Black / Sludge)

En el universo en constante expansión del Black Atmosférico, The Great Old Ones se han ganado un nicho como los abanderados del horror lovecraftiano. Su último trabajo, "Kadath" lanzado a través de Season of Mist, es un testimonio de su compromiso con el género, unido con las narrativas inquietantes de H.P. Lovecraft. Este quinto álbum de estudio es un viaje extenso e inmersivo que se adentra en los paisajes surrealistas del libro 'The Dream-Quest of Unknown Kadath'... así de aplicaditos son los muchachos.

Con una duración de más de una hora, "Kadath" es el álbum más largo de la banda hasta la fecha. La canción de apertura, Me, The Dreamer, marca el tono con sus guitarras acústicas reflexivas pero siniestras y sus sutiles melodías, que se convierten en una imponente pared de sonido. Esta dinámica está presente en todo el álbum, con temas como Under The Sign Of Koth que se despliegan con intrincadas capas de riffs, paisajes sonoros siniestros y una batería implacable. La capacidad de la banda para entrelazar grandeza e inquietud es evidente, creando una atmósfera que es a la vez cautivadora y desconcertante.

El momento más destacado del disco es la pieza instrumental de quince minutos Leng, donde The Great Old Ones muestran su talento compositivo. La pista presenta un Sludge excepcional y elementos de Post, con varios cambios de tempo y una parte solista memorable en el medio. Si bien no es la parte más 'comercial' del álbum, la canción es el punto culminante, demostrando la capacidad de la banda para crear paisajes sonoros expansivos e inmersivos.

Temáticamente, "Kadath" captura el viaje surrealista de Randolph Carter mientras camina entre dioses caprichosos y entidades monstruosas en la Tierra de los Sueños. El álbum resuena con su anhelo y determinación, encarnando el camino traicionero que recorre. El uso que hace la banda de estructuras poco convencionales y la disonancia subyacente da la impresión de un mundo que se tambalea al borde del caos, un tema recurrente en el mito de Lovecraft.

Sin embargo, la complejidad del álbum son un arma de doble filo y lo cierto es que en algún momento cae en la indulgencia de alargar las canciones en exceso. Si bien los fanáticos del Black encontrarán que "Kadath" es una experiencia gratificante, las composiciones densas y las largas duraciones de las pistas son un desafío para los no iniciados. El álbum exige paciencia y múltiples escuchas para apreciar completamente su profundidad y complejidades. En conclusión, "Kadath" es un viaje a través del horror y la majestuosidad del Atmosférico, The Great Old Ones han creado una obra difícil y absorbente que honra la visión de Lovecraft mientras lleva su sonido a nuevas alturas.

8/10

sábado, 1 de febrero de 2025

Harakiri for the Sky - "Scorched Earth" (Blackgaze / Post / Atmospheric Black)

Y hablando de Blackgaze se aparece una de las bandas más interesantes de lo últimos años en este sector, Harakiri For The Sky me sorprendió desde sus inicios, con "Aokigahara" (2014) ya se les presentía el buen hacer, con "III:Trauma" siguió dando esperanzas y al llegar "Arson" (2018) alacanzaron lo que para mi ha sido el pináculo de su carrera, decayendo algo con "Mære" (2021) dejándome esa sensación de que podían más. Ahora con "Scorched Earth" siento que demuestran que esa percepción era cierta, aunque el disco sea -nuevamente- demasiado largo.

El último trabajo de Harakiri for the Sky es una clase de sonido melancólico que equilibra hábilmente la tristeza y la agresión. Con él, este dúo austríaco continúa su tradición de mezclar Post y Black Atmosférico en una experiencia cohesiva y emocionalmente resonante. El álbum abre con Heal Me,  la cual establece un tono sombrío con sus melodías inquietantes y voces emotivas. La pista pasa sin problemas entre pasajes serenos y crescendos intensos, encapsulando el sonido característico de la banda. En este tema destaca un riff dirigido por los teclados que cala en el cerebro, la mejor del disco probablemente y que voy a nominar como contendiente a Canción del Año de ELOMC

Luego el tema Keep Me Longing sigue, mostrando la capacidad de la banda para crear un intrincado trabajo de guitarra que se entrelaza con letras conmovedoras. La estructura de la canción permite una exploración dinámica de los temas, equilibrando la agresión con momentos introspectivos. Otro tema destacado es Without You I'm Just a Sad Song, que comienza con delicadas notas de piano antes de evolucionar hacia una composición poderosa. La yuxtaposición de una instrumentación suave y voces crudas crea una narrativa convincente de pérdida y anhelo.

En el resto de "Scorched Earth" se muestra la destreza de la banda para mezclar elementos melódicos con una intensidad ennegrecida. Se ofrecen ritmos enérgicos y líneas de guitarra evocadoras, mientras que la atmósfera se siente reflexiva, destacando la versatilidad de la banda. Yo podría decir que Harakiri For The Sky ha evolucionado hacia un sonido menos agresor en favor de más melodía y sensación atmosférica, lo han hecho sin olvidar sus raíces Black, pero sin duda esta es la grabación menos 'brvtal' de su discografía.

En "Scorched Earth", Harakiri for the Sky ha creado un álbum profundamente conmovedor que resuena tanto en los fans de toda la vida como en los recién llegados. Sus intrincadas composiciones y su profundidad emocional lo convierten en un lanzamiento destacado en el género del Post Black y su ligero cambio de dirección me ha parecido bien logrado, ciertamente recuperando una buena forma. Me gustó mucho y habiendo logrado algo de contención en la duración del trabajo, podría haber sido un disco extraordinario, sin embargo, no puedo dejar de alabar su gran calidad.

8.5/10


lunes, 27 de enero de 2025

Avatarium - "Between You, God, The Devil And The Dead" (Stoner / Psych)

Los primeros discos de Avatarium, especialmente su debut "Avatarium" (2013), "The Girl With The Raven Mask" (2015) y "Hurricanes And Halos" (2017), fueron geniales, decayendo un poco en mi gusto con "The Fire I Long For" (2019), habiéndoseme pasado comentar su anterior, "Death, Where Is Your Sting" (2022), aunque también me parece que era un trabajo menor respecto a sus tres primeros. Ahora no voy a eludir la obligación y placer de conversar sobre "Between You, God, The Devil And The Dead", lo más reciente de los suecos liderados por la gran cantante, Jennie-Ann Smith.

Este sexto álbum de estudio de Avatarium, marca una evolución significativa en el viaje musical de la banda. Fundada originalmente por Leif Edling, de Candlemass, pero ya ido de la agrupación, ha pasado de sus raíces de Doom a un sonido más diverso, más Stoner, Rock y Psych. El álbum comienza con Long Black Waves, una canción que inmediatamente establece un tono premonitorio con su riff tambaleante y siniestro y su acompañamiento de órgano. La voz de Smith brilla, mezclando el drama con tonos de Jazz y mostrando su rango dinámico y su entrega emotiva.

El tema I See You Better In The Dark acelera el ritmo, con un energía palpable, siendo el mejor del trabajo a mi parecer, ya que ofrece un contraste con los momentos más sombríos del álbum, siendo este ultimo calificativo lo que creo que define el conjunto al disco, este es un trabajo de tonos oscuros, de poca facilidad melódica y esta visión es la que puede resultar el elemento divisivo con "Between You, God, The Devil And The Dead", va a depender bastante del estado de ánimo del oyente y posiblemente del recuerdo que de discos anteriores se tenga para apreciarlo más o menos.

El álbum incluye elementos melancólicos y transiciones suaves pero intrigantes con giros apasionados, mientras hay una base rítmica sólida. La voz de Smith se destaca y es un testimonio de su liderazgo. me parece que han logrado crear un sonido único, muy de ellos, siendo difícil encontrar bandas que hagan cosas similares, lo que les gana mucho en innovación. 

En resumen, la última propuesta de Avatarium es una colección singular y convincente de temas según se tenga dispuesto el ánimo, pero con una musicalidad diferente, interesante, pero mucho menos asequible que lo que mostraron en sus inicios, lo que muestra a la banda continuando su crecimiento después de la partida de su fundador. "Between You, God, The Devil And The Dead" es un álbum que, sin duda, resonará más entre los fanáticos nuevos que entre los que los que añoramos un poco de los realizado en sus inicios.

7/10


viernes, 24 de enero de 2025

Besna - "Krásno" ( Post / Blackgaze)

Los eslovacos Besna han emergido con "Krásno" (su segundo disco, en realidad), un álbum que es a partes iguales catarsis emocional y viaje atmosférico. Con una mezcla de grandeza Post y Blackgaze, el disco ofrece un viaje que hala de las fibras sensibles y de los tímpanos. Pero si bien el disco muestra las capacidades técnicas y emocionales de la banda, ocasionalmente se tambalea con clichés familiares.

Desde las notas iniciales de "Krásno", Besna crea un estado de ánimo que se siente como ver una tormenta eléctrica atravesar una vasta llanura. La producción es exuberante, con capas de guitarras que brillan, todo apuntalado por ritmos enérgicos y una sensación de urgencia contenida. Las pistas a menudo se construyen con paciencia, tejiendo melodías delicadas antes de desatar poder crudo y distorsionado. Es una fórmula dinámica y, si bien no es revolucionaria, la banda la ejecuta con precisión.

La cualidad sobresaliente del álbum es su profundidad emocional. El vocalista hace uso de letras en eslovaco, lo que añade una capa de autenticidad y resonancia cultural a la música. Sin entender para nada el idioma, la interpretación sugiere suavidad inquietante e intensidad. Abundan los aspectos destacados, temas como Krásno ejemplifican la capacidad de la banda para generar tensión con intrincadas líneas de guitarra antes de ofrecer el clímax sonoro. Por otro lado, canciones como Oceán Prachu muestran la voluntad de la banda de bajar el ritmo y apoyarse en su lado más melódico, ofreciendo a los oyentes la oportunidad de respirar en medio de las canciones más pesadas, especialmente Bezhviezdna Obloha, la más interesante del trabajo.

A pesar de todas sus virtudes, "Krásno" tropieza ocasionalmente con su propia ambición. La tendencia a los clímax prolongados pueden -a veces- ser un exceso en el manual del Post y no siempre aportan suficientes ideas nuevas para diferenciarse de bandas similares, tipo Harakiri For The Sky, de quienes se les percibe inspiración. Los momentos de previsibilidad corren el riesgo de opacar el impacto emocional del álbum, especialmente para los oyentes que ya están familiarizados con el estilo. Pero aunque a "Krásno" le falta en originalidad innovadora creo que lo compensa con corazón, existe la sensación de que este disco es muy personal para sus creadores.

En definitiva, "Krásno" es un disco que puede cautivar a los fans del Post y el Blackgaze. No reinventa el género, pero su resonancia emocional y su ejecución lo convierten en una incorporación interesante. Besna demuestra que es capaz de crear música evocadora; si logra refinar su enfoque para encontrar un sentido de identidad más propio, su próximo trabajo podría ser admirable.

7.5/10


miércoles, 22 de enero de 2025

Grave Digger - "Bone Collector" (Power / Heavy)

Grave Digger ha sido durante mucho tiempo un fiel de la escena del Heavy / Power alemán, ofreciendo himnos grandilocuentes y cargados de historia desde sus inicios. Sin embargo su última entrega, "Bone Collector", encapsula tanto las fortalezas como las debilidades evidentes de la banda. Si bien el disco es una sólida representación de su estilo característico, también subraya el estancamiento creativo y la previsibilidad que han plagado su producción más reciente.

En este disco lo más interesante es el trabajo de guitarra de Tobias Kersting, ciertos riffs puede evocar entusiasmo, pero rápidamente el disco se convierte en un bucle repetitivo y sin inspiración que parece reciclado de materiales anteriores de Grave Digger, desafortunadamente "Bone Collector" suena como si hubiera sido hecho con una plantilla que la banda tiene guardada, con pequeños ajustes realizados para diferenciar una canción de la siguiente.

En cuanto a las letras, "Bone Collector" es una pequeña decepción también, aunque Grave Digger se ha labrado una carrera tejiendo narrativas históricas y mitológicas en su música, este esfuerzo parece forzado. Las letras son una colección de clichés góticos, carentes de verdadera creatividad o profundidad. Muchas frases genéricas y un tanto cringe, no le conseguí el impacto que en algunos de sus mejores temas del pasado les escuché. 

La sección rítmica del trabajo no sale mejor parada. Las líneas de bajo de Jens Becker son prácticamente inexistentes en la mezcla, y no aportan nada a la textura o dinámica de las canciones. La batería es funcional pero poco inspirada, con patrones predecibles que hacen poco por mejorar la energía o el impulso del disco. La falta general de ambición de la sección rítmica solo se suma a la sensación de mediocridad de "Bone Collector".

La producción, como no puede ser diferente para una banda como Grave Digger, es limpia y pulida, quizás higienizada, pero en lo que se refiere a producir impacto, es realmente poco lo que hay, quizás los temas The Rich The Poor The Dying y Killing Is My Pleasure destacan un poco más. En definitiva, "Bone Collector" es una entrada mediocre en el catálogo de Grave Digger, no ofrece nada nuevo para los fans, le falta inspiración, se siente que recicla sonidos de mejores épocas y su dependencia de clichés lo convierten en un trabajo olvidable. Para una banda con tal legado, esté disco es un recordatorio decepcionante de su estancamiento, que ya puede estar durando diez años.

Comentario al margen: La portada es creada con IA, lo que es una vergüenza en un mundo donde artistas como ellos merecen la oportunidad. Inaceptable.

5.5/10


martes, 21 de enero de 2025

Hazzerd - "The 3rd Dimension" (Thrash / Speed)

Me encuentro con una de esas disyuntivas interesantes, de antiguo es sabido que mi gusto y seguimiento por el Thrash es, cuando menos, limitado, cuando más, pobre. Me gusta mucho oír hablar a gente que sabe del género porque no hago sino aprender, es que no se porqué... entiendo que por mi edad este estilo debería ser uno de los de mi preferencia, pero no lo es, yo soy más de Melodeath, Black y cuando me saturo, Progresivo o Power. Pero como el saber [equivocarse] no ocupa espacio, me permitiré hablar de Hazzerd y su disco, "The 3rd Dimension".

Thrash clásico de los 80, con un toque Speed, con sonidos inspirados en gente como Death Angel o Havok, con riffs hiperactivos, batería desbocada y unos buenos -de verdad- solos de guitarra. Exactamente como se hacía y exactamente como le gusta a los seguidores, pero con una composición que se deja llevar por momentos de improvisación sonora, que son -muy por de lejos- lo mejor del trabajo. 

Con variedad en sus cuarenta y pocos minutos, sin excesos de invención ciertamente, pero sonando como una banda que sabe que hace y eso que estos canadienses son gente con una experiencia limitada, siendo "The 3rd Dimension" apena su tercer trabajo, pero el primero que parece que va a ser ampliamente conocido.

El disco comienza tan exactamente como me lo había imaginado por lo que creí que no pasaría de una oída y basta, pero me he encontrado que la banda incorpora un interesante nivel de instrumentación, no exactamente enfocada estrictamente en la velocidad, que la tiene, sino en lo que respecta a musicalidad, es -como dije antes- una exhibición de calidad sonora, incorporando desarrollos estrictamente instrumentales largos de bastante buen gusto, como queriendo dar a entender que aunque cultivan Thrash no son un grupete de garaje, aquí hay sustancia.

Que lo mencionado no haga suponer  que Hazzerd no es una banda divertida y con su nivel de agresión; cuando les da por acelerar la velocidad y afilar las guitarras al máximo, la banda se muestra también muy capaz. Hay quien critica la voz de Dylan 'Shoes' Westendorp y que les faltan un par de temas bandera, creo que lo primero no es cierto, que el hombre canta muy bien, pero lo segundo si me puede parecer cierto, en general "The 3rd Dimension" es muy homogéneo pero nada destaca particularmente, siendo los mejores temas Deathbringer y Scars y los dos más flojitos Control y Paguels.

7.5/10


lunes, 20 de enero de 2025

Am I In Trouble? - "Spectrum" (Blackened Avant-Gard)

"Spectrum", la propuesta del proyecto Avant-Gard (con otras cosas en el guiso) Am I In Trouble? es una exploración audaz de los límites del género y las convenciones musicales. Con todos los instrumentos y voces realizados por Steve Wiener y algunas colaboraciones, el álbum es un testimonio de una visión musical interesante. Constando solo de siete temas, cada uno con el nombre de un color, lo que sugiere un viaje temático a través de un prisma musical, el trabajo tiene cosas que decir.

Un tanto demás inusual con un intro y un outro que, a pesar de ser hermosas composiciones no se si realmente pegan con el resto de la temática, se pueden encontrar temas serpenteantes y hasta potentes. Sin embargo, con White, el álbum cambia de rumbo, presentando una batería precisa y un trabajo de guitarra en capas que se construye poco a poco, aunque con ciertos motivos repetitivos que podrían haber sido más impactantes con una edición un tanto más concisa.

Pink sirve como puente, incorporando elementos electrónicos sutiles que insinúan una dirección más experimental. Sin embargo, la brevedad de la canción me deja la sensación de que estas ideas se podían haber desarrollado más, siendo quizás una oportunidad perdida para una exploración más profunda. 

Red se destaca, presentando un solo de guitarra interesante. Luego Blue se adentra en territorios melancólicos y melodías sombrías. Black es la mejor de "Spectrum" , pues muestra una interacción dinámica entre la voz limpia y los guturales que crean impacto. La complejidad y la dinámica cambiante de esta canción muestra el verdadero potencial de Am I In Trouble?

"Spectrum" parece es un esfuerzo ambicioso que atraviesa una amplia gama de paisajes musicales. Si bien su eclecticismo es encomiable, el álbum ocasionalmente falla en cohesión y ritmo. La producción está pulida. En esencia, esta grabación ofrece una experiencia auditiva multifacética que incluye Black y que a pesar de sus imperfecciones, brinda una perspectiva fresca dentro del género del Avant-Garde, siendo lo más inusual el escapar de las disonancias tan usuales en el estilo. Es un álbum que desafía, sin duda, pero es lo suficientemente melódico como para entenderlo con razonable facilidad, buen equilibrio.

7/10


miércoles, 15 de enero de 2025

Obscure Sphinx - "Emovere" (Atmospheric Sludge)

Después de una pausa de ocho años, Obscure Sphinx de Polonia ha resurgido con "Emovere", un disco de treinta minutos, casi -o sin casi- un EP, que sirve como un potente recordatorio de su destreza en el ámbito del Sludge Atmosférico. Lanzado el 6 de enero de 2025, la tríada de pistas que lo compone encapsula la combinación característica de la banda de intensidad melancólica y paisajes sonoros etéreos, dejando a los oyentes satisfechos y hasta con ganas de un poco más.

El trabajo comienza con Scarcity Hunter, una pista que sumerge inmediatamente al oyente en un mundo donde las melodías inquietantes se entrelazan con riffs aplastantes. La vocalista Zofia 'Wielebna' Fraś muestra su rango dinámico, pasando sin problemas de cánticos etéreos a guturales viscerales. La instrumentación es igualmente convincente, con la banda navegando a través de tempos y estados de ánimo cambiantes.

La segunda canción, As I Stood Upon The Shore, presenta un enfoque más melódico sin sacrificar la intensidad inherente de la banda. La canción tiene un buen coro y secciones interesantes, lo que demuestra la capacidad de Obscure Sphinx para innovar. La voz de Fraś es particularmente notable aquí, brindando una interpretación conmovedora que resuena profundamente. Su mejor momento en el disco.

El disco culmina con Nethergrove, una obra de trece minutos que muestra el talento de la banda para crear composiciones expansivas e inmersivas. La canción se desarrolla gradualmente, con comienzos ambientales que se convierten en un crescendo de guitarras distorsionadas y una batería poderosa. La voz se eleva por encima de la instrumentación, agregando una belleza inquietante a los momentos culminantes de la canción. 

"Emovere" se beneficia de una buena producción, siendo el resultado un sonido pulido y crudo a la vez, que captura la energía de la banda y resalta las complejidades de sus arreglos. Si bien algunos pueden lamentar la brevedad de "Emovere", está claro que Obscure Sphinx ha utilizado este trabajo como una muestra concentrada de su evolución durante sus años fuera del estudio. Cada tema es un testimonio de su capacidad para combinar pesadez con melodía, creando música que es tan emocionalmente resonante como sonoramente poderosa. En resumen, "Emovere" es un regreso convincente para Obscure Sphinx, los tres temas ofrecen un viaje a través del sonido de la banda, que deja a los oyentes ansiosos por lo que les espera. 

7.5/10


viernes, 10 de enero de 2025

The Halo Effect - "March Of The Unheard" (Melodic Death)

Deseo que este disco me sorprenda, la verdad que si; los supergrupos son una caja de sorpresas, se les intuye una gran calidad y más que menos veces, causan decepción... nunca he terminado de entender los motivos, se me ocurre que es como en esos grandes equipos de fútbol, que a cuenta de llenarse de estrellas nadie termina brillando. Bueno, lo que sea, en todo caso hablemos de "March Of The Unheard" de The Halo Effect, la banda conformada por miembros (o ex-miembros) de In Flames, Dark Tranquility, Hammerfall y Nightrage, entre otras.

Melodeath por un tubo, obviamente no podía ser diferente, "March Of The Unheard" es el segundo trabajo de la agrupación después de su "Days Of The Lost" (2022) disco que fue bien recibido. Compuesto de doce canciones en cuarenta y cuatro minutos, es probablemente uno de los lanzamientos más esperados del año, aún en enero. Bajo el sello de Nuclear Blast, como no podía ser diferente, esta grabación tiene que encender los apetitos metaleros sin duda.

Pero más allá de los detalles técnicos está el sonido y para ir saliendo de dudas, esto es claramente un homenaje a las bandas de las que que proceden sus componentes, un Death Melódico, Gotemburgo style, agresor, más bien en la acera contraria del estilo finlandés, es decir menos atmosférico pero con fuerte dosis de melodía, casi a la Extreme Power, pero sin llegar a tanto. En lo que se refiere entonces al estilo están dentro de mi radar de preferencia.

Sin embargo el disco no es sorprendente, tiene buenos temas, pero nada realmente que me parezca que destaca, quizás las primeras tres canciones del trabajo son lo mejor, Conspire To Deceive, Detonate y Our Channel To The Darkenss siento que son las mejores logradas, luego hay un poco de todo, algo de más de zonas instrumentales y decayendo un tanto en temas como This Curse Of Silence, pero manteniendo -digamos- aceptable nivel en el contexto general. Buenas guitarras, precisa batería y especialmente la voz de Mickael Stanne, la cual se mantiene intacta y por lo que muestra seguirá así mucho tiempo más.

No entiendo bien como gente con tanta capacidad demostrada no se atreve a un poco más, a incorporar algo de innovación, algún salto mortal, no tienen nada que perder desde mi punto de vista. Ese es quizás el problema de "March Of The Unheard" es un disco sobre seguro, un poco de autoplagio en cosas que les hemos escuchado al quinteto en otros momentos y bandas. Sin embargo, que mis expectativas no hayan sido totalmente satisfechas no quiere decir que no le encuentre substancia al trabajo, la tiene y me imagino que logrará el efecto deseado ante el público, especialmente el que sigue este género.

"March Of The Unheard" es un buen disco para los nostálgicos del Melodeath, tiene suficiente agresión y melodía como para hacer pasar un buen rato, pero The Halo Effect tiene potencial para más, para mucho más, luego de varias oídas se puede hacer un tanto genérico ya que su nivel de novedad es escaso. Aún así sugiero darle su debido repaso a ver si le consiguen más impacto que el que me causó a mi.

7/10


jueves, 9 de enero de 2025

Mutagenic Host - "The Diseased Machine" (Death)

El álbum debut de Mutagenic Host, "The Diseased Machine" tiene como objetivo causar impacto dentro de la nueva ola del Death británico. Desafortunadamente, a pesar del evidente entusiasmo de la banda y la pulida producción del álbum, no logra ofrecer una experiencia memorable o innovadora.

 
El álbum comienza con Neurological Necrosis, que intenta establecer un tono premonitorio, pero en cambio parece una fórmula. Las armonías y los cortes disonantes de la guitarra se sienten reciclados, sin la originalidad necesaria para cautivar a los oyentes experimentados en el género. Este patrón persiste a lo largo del álbum, con temas como Genestealer, The Twisted Helix y siguientes que ofrecen poco más que riffs y tempos predecibles que no logran distinguirlos de innumerables otros lanzamientos del género.

Uno de los problemas más evidentes del álbum es su ejecución temática. Si bien el concepto de explorar un mundo distópico dominado por la IA y los regímenes opresivos tiene potencial, el enfoque de Mutagenic Host es torpe y carece de matices. El intento de la banda de transmitir urgencia resulta superficial y en lugar de proporcionar momentos interesantes, parece un telón de fondo artificial para composiciones musicales sin inspiración.

La calidad de la producción, aunque limpia y pulida, resalta inadvertidamente las deficiencias del álbum. El sonido nítido elimina el borde crudo que a menudo le da al Death su impacto visceral, lo que hace que las pistas sean estériles y carentes de profundidad emocional. Las voces, aunque técnicamente competentes, carecen del rango dinámico y la intensidad necesarios para transmitir los supuestos temas del álbum de manera efectiva.

En términos de musicalidad, si bien los miembros de la banda demuestran competencia técnica, sus interpretaciones carecen de la pasión y la innovación necesarias para elevar el material. El trabajo de guitarra es particularmente poco inspirado, con solos que parecen obligatorios en lugar de parte integral de las canciones. La sección rítmica, aunque sólida, hace poco para impulsar la música o agregar peso significativo a las composiciones.

En conclusión, "The Diseased Machine" es un debut decepcionante de Mutagenic Host. A pesar de las claras habilidades técnicas de la banda y los altos valores de producción del álbum, no ofrece nada nuevo o atractivo para el género. La falta de originalidad, combinada con una ejecución temática poco inspirada y una composición monótona, da como resultado un álbum olvidable que no distingue a la banda de sus contemporáneos. Para una banda que busca dejar su huella en una escena repleta, "The Diseased Machine" es una oportunidad perdida que está muy lejos de su potencial.

5.5/10


martes, 7 de enero de 2025

Paleface Swiss - "Cursed" (Deathcore)

El año todavía está flojo en lo que respecta a nuevos lanzamientos, por lo que me encuentro que voy a hablar de algo que rarísima vez hago, Deathcore. Sin embargo el disco no me ha resultado tan molesto como es usual en el género de los breakdowns. Me refiero a "Cursed" de los suizos Paleface Swiss, el cual es un mazazo auditivo, una exploración contundente de crisis nerviosas intensas y veneno lírico sin complejos. 

Lo más obvio de este, el quinto trabajo de la banda, es la implacable agresión del álbum, la cual será un maná para los fanáticos acérrimos del Beatdown Hardcore, el cual -a su vez- puede alienar a los oyentes que buscan matices o variedad. Desde el primer riff luego del intro, el álbum declara su intención: este no es un disco para escuchar casualmente de fondo. Cada pista se siente como un mosh pit condensado en tres a cinco minutos. Canciones como Hatred, ...And With Hope You'll Be Damned y Don't You Ever Stop, muestran a la banda en su forma más feroz, combinando guturales, tonos de guitarra abrasivos y patrones de batería quebrados. La entrega del vocalista Marc Zelli es particularmente notable, es obviamente el alma de la agrupación.

Donde "Cursed" brilla más es en su capacidad de convertir la simplicidad en un arma. Los riffs son sencillos, pero están elaborados con precisión y fuerza. La precisión del baterista ancla el caos, impulsando las canciones con un impulso inquebrantable. Sin embargo, existe el riesgo de que los rendimientos sean decrecientes, cuando llegas a la segunda mitad del álbum los temas comienzan a desdibujarse, sus estructuras pesadas y tempos similares los hacen menos distintos. Aunque me pareció muy intenso el tema Enough, con un estilo diferente, Nu Metal y una lírica basada en la homofobia, la cual me pareció muy lograda, incluso a mí, quien le huye al género, me impactó, la mejor del disco seguro.

Lo que más salva al álbum de la monotonía es su aceptación sin complejos de lo extremo, Paleface Swiss no está interesado en atender a sensibilidades ni en diluir su sonido para lograr un atractivo más amplio. "Cursed" se siente como un disco hecho exclusivamente para la escena underground del Deathcore: un dedo medio desafiante para cualquiera que espere temas pulidos o coros aptos para la radio. Este enfoque agresor está bien logrado.

En conclusión, se que no soy especialista en el estilo porque sencillamente me cuesta entrarle -la verdad en ninguno, pero en éste menos-, pero "Cursed" es un álbum que conoce a su audiencia y ofrece exactamente lo que quieren: agresión implacable, crisis colosales y una sensación visceral de catarsis, aunque nada de innovación y los excesos y carencias propias del género, a los seguidores seguro les vale la pena revisarlo.

7.5/10


viernes, 3 de enero de 2025

Patriarkh - "Prophet Ilja" (Melodic Black / Folk)

"Prophet Ilja", el último trabajo de Patriarkh, anteriormente conocida como Batushka, quienes han experimentado una transformación que es a la vez un renacimiento y una reafirmación de su visión artística. Ya superada la etapa de la división que vino a dar con el cambio de nombre, pareciera que el camino por andar es prometedor.

El álbum conformado por ocho canciones, llamadas Wierszalin, numeradas de la I a la VIII; palabra que es el nombre de un profeta bielorruso o a sí me ha parecido entender, sumerge inmediatamente al oyente en un paisaje sonoro donde lo sagrado se entrelaza con lo profano. El uso de cantos litúrgicos tradicionales yuxtapuestos con riffs de guitarra Black y un toque de Folk marcan el tono para una experiencia que es tanto evocadora como sonoramente intensa.

La calidad de producción del álbum es notable. La intrincada superposición de arreglos corales y elementos orquestales crea un rico tapiz de sonido. Especialmente los temas más largos, III, VII y VIII, muestran esta complejidad, con melodías inquietantes que perduran. El vocalista ofrece una interpretación que es a la vez imponente y llena de matices. Sus guturales transmiten una sensación de seriedad, mientras que su voz limpia agrega una capa de vulnerabilidad, esto unido a unos coros que tienden a sonar eclesiales le dan mucho carácter al trabajo.

Musicalmente, Patriarkh sigue mezclando elementos del Black con la música litúrgica ortodoxa oriental que exploró en "Panihida" (2019) cuando se llamaban diferente. Esta fusión que se ha convertido en su estilo característico. Sin embargo, creo que en esta oportunidad la banda está llevando estos límites aún más lejos, incorporando estructuras progresivas y firmas de tiempo poco convencionales.

Si bien el álbum es un testimonio del crecimiento artístico de Patriarkh, no está exento de momentos de indulgencia. Algunas pistas serpentean hacia pasajes instrumentales extensos que, si bien son Atmosféricos, pueden poner a prueba la paciencia de los oyentes que buscan una gratificación más inmediata. En conclusión, "Prophet Ilja" es un trabajo audaz y ambicioso que mejora mi percepción de Patriarkh, especialmente por lo innovador de la grabación. Para comenzar el año está bastante bien.

7.5/10