Warning - "Rituals Of Shame" (Doom / Funeral Doom)

Dos décadas es mucho tiempo para dejar una obra maestra sin respuesta. Desde "Watching from A Distance" (2006) -un disco tan devastador que se cita habitualmente como uno de los puntos álgidos del Doom- Patrick Walker se ha mantenido bastante discreto en el frente de Warning, canalizando su talento compositivo en 40 Watt Sun. Así que cuando se anunció que Warning finalmente regresaría con material nuevo, la presión no era tanto si sería bueno, sino más bien si podrían superarse a sí mismos. "Rituals Of Shame" no intenta escapar de la sombra de su predecesor. Simplemente irrumpe, sin prisas, y demuestra que el don de Walker para transformar el dolor en arquitectura sigue intacto.

A lo largo de cinco temas y cuarenta y cinco minutos, este es un Doom (cuasi Funeral) ejecutado con verdadera disciplina. Los tempos son gélidos, los riffs tienen espacio para respirar hasta que prácticamente gimen bajo su propio peso emocional y nada se apresura hacia un coro fácil. El tema que abre el disco y le da título, Rituals of Shame, se extiende más allá de los doce minutos sin resultar 'demasiado' repetitivo, desplegando una melodía sombría y envolvente que marca la pauta para todo lo que sigue. Stations y la espaciosa Landing Lights exploran esa misma desolación épica.

Pero el verdadero instrumento aquí -el que realmente sostiene el disco- es la voz de Walker. No es una demostración técnica; es algo más parecido a un elixir hipnótico, un goteo lento que se te mete bajo la piel y se queda ahí. No canta a gritos ni dramatiza el dolor, simplemente lo deja fluir, quebrado y sin reservas, sobre guitarras que giran en lugar de aplastar. Esa voz marca la diferencia entre el Doom como espectáculo y el Doom como confesión.

También hay que reconocer el mérito de la sección rítmica: el bajista Marcus Hatfield y el baterista Andy Prestidge mantienen un sonido sencillo y enérgico en lugar de ostentoso, lo que permite que las líneas melódicas de guitarra y la voz de Walker tengan el espacio necesario para resonar. Adicionalmente la ausencia de teclados es interesante porque obliga crear sonidos atmosféricos sin esa muletilla.

Si hay algún punto débil en el álbum, es que su paciencia a veces roza la monotonía: un par de pasajes a medio tempo se extienden más de lo que la recompensa emocional exige, y quienes esperen variedad podrían encontrar la paleta sonora limitada. No es un disco para escuchar repetidamente; exige toda tu atención y ofrece muy poco respiro a cambio.

Aun así, si bien volver a escucharlos después de veinte años es una cosa, regresar con tanta moderación, con tan pocas concesiones y manteniendo intacta gran parte de su identidad original es otra historia. Warning no solo regresó, sino que lo hizo con clase.

8/10

Speedslut - "Cimbrian Rites" (Speed / Thrash)

La banda danesa Speedslut lleva tiempo anunciando un álbum completo, y con "Cimbrian Rites" finalmente cumplen la promesa. Se trata de Speed de la vieja escuela en estado puro: un disco que exhibe abiertamente sus influencias de finales de los 70s y principios de los 80s, inscribiéndose en esa tradición del Speed/Thrash. Se puede apreciar el ADN de Judas Priest en los ritmos galopantes y en la forma en que los riffs están construidos para ser tocados con la mayor velocidad y agresividad posible.

A lo largo de nueve temas y aproximadamente treinta y cinco minutos, el álbum no da tregua. El tema inicial, Pestridden Stallions, marca la pauta de inmediato: crudo, urgente y un tanto desquiciado. Lo que destaca primero es la interpretación vocal: áspera, casi desquiciada, y ejecutada a un ritmo que se ajusta a la instrumentación en lugar de eclipsarla. Esto le da al disco energía y potencia.

El trabajo de guitarra es el verdadero punto fuerte del disco. Los riffs son frenéticos y físicamente exigentes para seguirlos, pero hay más que pura velocidad: hay suficientes ganchos melódicos ocultos en el caos para evitar que las canciones se fundan en una sola pared de ruido. No es un disco melódico en absoluto, pero los hilos melódicos que emergen son los que hacen que cada canción sea memorable en lugar de intercambiable.

La parte central es donde el álbum cobra mayor protagonismo. Stench of Evil es un cambio de ritmo inteligente: ralentiza el tempo y se inclina hacia riffs más sucios y con mucho groove, y ese contraste hace que las canciones que lo rodean impacten con más fuerza. Prepara el terreno a la perfección para Armageddon, que sin duda es el punto álgido del disco: brutal, caótico y lleno de actitud, fusionando el Thrash de los pioneros con el Speed, que -juntos- recordemos que toman mucho del Black de primera  ola.

Donde el disco flaquea un poco es en la consistencia. Algunos de los temas más cortos y rápidos empiezan a sonar como variaciones de la misma fórmula de riff y blastbeat, y la producción, aunque apropiadamente cruda, a veces aplana los graves de una manera que resta impacto a la batería y el bajo. Ninguna canción es mala, pero no todos los temas tienen la identidad de las nombradas.

"Cimbrian Rites" no redefine el género y no necesita hacerlo, se trata de una auténtica e intensa pieza de Speed de la vieja escuela que sabe exactamente lo que quiere ser y lo ejecuta con convicción. Exige atención incluso cuando no es perfecto y para un álbum debut, eso es una base sólida. Speedslut ha creado un disco que los fans del género querrán escuchar una y otra vez, aunque todavía parezca que le faltan alguna experiencia para que alcance su máximo potencial.

7.5/10

Moonspell - "Far From God" (Gothic)

Seré sincero: no tenía grandes expectativas con "Far From God". Tras trece álbumes previos, las bandas suelen vivir de la nostalgia o seguir tendencias. Por eso, fue una grata sorpresa descubrir que el último trabajo de Moonspell es una pieza de Gótico apasionada e intensa que realmente merece las comparaciones.

Para mí, los dos primeros temas son lo mejor del álbum. Cross Your Heart abre el disco con una nota melancólica y de ritmo medio; reflexiona sobre santuarios al borde de la carretera y vidas truncadas prematuramente, con la sección rítmica reflejando el movimiento incesante del camino, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC. La voz de Fernando Ribeiro es la protagonista, oscilando entre un barítono cansado y explosiones contenidas de intensidad sin caer nunca en el melodrama. Luego, la canción que da título al disco, Far From God, retoma el romanticismo vampírico sobre el que la banda forjó su reputación y le da un aire genuinamente fresco. Ribeiro ha hablado de su deseo de rescatar la imagen del vampiro de los clichés baratos y reconectar con la figura trágica y romántica que reside en su esencia. Juntas, estas dos canciones establecen un estándar que el resto del disco no siempre alcanza, pero por sí solas justifican escucharlo.

Sin embargo, lo que más me impactó fue lo notablemente diferente que suena este álbum en comparación con los trabajos recientes de Moonspell. Discos como "Extinct" (2015) y algunas partes de "Hermitage" (2021) se inclinaban hacia una agresividad más fría y cercana al Black: riffs con trémolo, atmósferas gélidas y una voz más agresiva. "Far From God" se aleja casi por completo de eso. Las guitarras cambian los blast beats por la atmósfera, los teclados tienen mayor peso emocional que los riffs, y la voz áspera de Ribeiro aparece en momentos oportunos, en lugar de dominar. Sería fácil calificarlo como un disco más suave, pero eso no le hace justicia: se trata de un cambio deliberado y maduro que funciona. La banda parece menos interesada en la intensidad a través de la velocidad y más en la intensidad a través de la atmósfera, y ese equilibrio se nota en la mayoría de las canciones.

Temas destacados posteriores como The Great Wolf In The Sky y la pesadez con tintes Doom de Our Freedom to Fall, mantienen el ritmo, incluso si un par de temas intermedios parecen depender de la atmósfera en lugar de ganarla por sí mismos. No es un disco impecable -algunas canciones se confunden al escucharlas repetidamente-, pero en conjunto, es una declaración segura y emocionalmente directa de una banda que claramente aún tiene algo que decir. Esperaba un lanzamiento rutinario de su etapa final, pero me encontré con una de las escuchas de metal gótico más gratificantes del año.

8/10

Blindead 23 - "Deuterium" (Progressive Sludge)

Surgido de las cenizas de la veterana banda polaca de Post Blindead, este proyecto renovado llega con un debut que se siente a la vez como una continuación y un renacimiento. Liderados por el guitarrista Mateusz 'Havoc' Śmierzchalski, junto a una formación repleta de experiencia en el género, Blindead 23 (tampoco es que se rompieron el coco buscando nombre) utiliza "Deuterium" para presentar una ambiciosa y extensa declaración de intenciones: pesado, atmosférico, melancólico,  un tanto melódico y bastante sombrío, a menudo todo dentro de un mismo tema.

La base del disco es inconfundiblemente Sludge: graves densos y distorsionados, ritmos fúnebres y una aplastante sensación de peso sustentan casi todas las canciones. Pero lo que hace que "Deuterium" sea realmente sorprendente es hasta dónde llega la banda más allá de esa base. Las estructuras Progresivas transforman el material en formas inesperadas: cambios de tempo, desvíos jazzísticos y riffs intrincados recuerdan la composición inquieta de bandas como Opeth o Between The Buried And Me. Los pasajes atmosféricos, construidos con piano, sintetizadores y paisajes sonoros ambientales, permiten que el álbum respire entre sus explosiones más intensas. El resultado es una sensibilidad que impide que el oyente se acomode en un solo modo durante demasiado tiempo.

La suite inicial de dieciocho minutos, Immersion 1 y 2, marca la pauta de inmediato: versos estridentes y vertiginosos chocan con estribillos limpios y melódicos, y las transiciones entre ambos llegan sin previo aviso. El tema Wither ofrece un giro más tranquilo y vulnerable, Worst Laid Plans regresa a una contundencia monolítica, con su extensa sección central que se sumerge en una atmósfera difusa antes de que la batería vuelva con toda su fuerza. El tema que da título al disco es, sin duda, el punto culminante más directo del álbum, combinando un riff vibrante y maximalista. Towards the Dark es la incursión más peculiar del álbum: con un sonido Country, sincopado e inconfundiblemente psicodélico, una auténtica sorpresa que no siempre funciona. El tema final, You Are the Universe, cierra el disco con una nota de optimismo, una resolución brillante para un álbum que, por lo demás, está impregnado de melancolía.

Dicho esto, la ambición de "Deuterium" es también su mayor obstáculo. Con casi una hora de duración, los pasajes más lentos y ambientales a veces se alargan demasiado, restando impulso a partes que impactarían más si se acortaran. Algunos de los desvíos más experimentales parecen añadidos a la fuerza en lugar de estar completamente integrados en el arco emocional del álbum, y la segunda mitad no logra mantener la intensidad del inicio.

Aun así, "Deuterium" es una escucha realmente interesante, un disco que se atreve a explorar ideas en lugar de conformarse con lo seguro. No todas las canciones son perfectas, pero sus mejores momentos son sólidos y su gama emocional lo suficientemente amplia como para que el álbum merezca ser escuchado varias veces. Un regreso seguro de Blindead (23), a veces desordenado, pero en definitiva gratificante.

7.5/10. Portada llamativa

A Forest Of Stars - "Stack Overflow in Corpse Pile Interface" (Melodic Black / Avant-Garde)

Ocho años después de "Grave Mounds and Grave Mistakes" (2018), el septeto de Leeds, Reino Unido, conocido por vestir con atuendos funerarios victorianos, regresa con su sexto álbum de larga duración, el cual es un auténtico monstruo: seis temas, cada uno de más de nueve minutos, que suman setenta y tres minutos de duración total. Según dice una leyenda que corre en la red, la banda desechó un álbum completo ya terminado antes de comenzar con este desde cero, y ese perfeccionismo se percibe en cada rincón.

Musicalmente, "Stack Overflow In Corpse Pile Interface" es A Forest Of Stars en su máxima expresión. El violín sigue siendo el arma secreta del disco, tejiendo melodías melancólicas, casi de música de cámara, entre muros de guitarra trémolo disonante; existe una tensión constante entre la belleza y la decadencia en la que la banda siempre se ha especializado, y aquí se siente completamente dominada, no solo intentada. Las cuerdas eléctricas le dan a los riffs una extraña y peculiar esencia inglesa, mientras que los sintetizadores y samples mantienen la música inclinada hacia lo teatral en lugar de lo meramente pesado. El tema inicial, Ascension of the Clowns, establece un tono lúgubre y ceremonial, y para cuando llegas al final con Sway, Draped In Vague y Not Drinking Water -la mejor del disco y nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC-, el álbum ha construido una sensación casi cinematográfica de pavor y liberación.

Ahora bien, el tema difícil: la voz. Es un gusto adquirido, y lo digo como advertencia, no como crítica. La interpretación desquiciada de Mister Curse es el tipo de actuación que o te resulta fascinante o completamente insoportable; no hay término medio. La interpretación oscila entre la palabra hablada recitativa, los gritos frenéticos y las burlas teatrales, a veces dentro del mismo verso. Puede parecer que desentona con la música magnífica y meticulosamente arreglada que la acompaña, como si dos bandas diferentes compartieran la misma habitación, pero esa fricción es precisamente la clave: A Forest Of Stars nunca se ha interesado por voces que simplemente se superpongan a la instrumentación.

Y aquí está la cuestión: incluso si la voz no es de tu agrado, la maestría musical de la banda hace que el disco valga la pena. Esto es arte, sin más: cada transición entre secciones se siente meditada, cada estructura extensa justifica su duración en lugar de alargarla innecesariamente. Es un disco construido con verdadera delicadeza y buen gusto, el tipo de álbum que recompensa sumergirse en él en lugar de escucharlo superficialmente. Ciertamente su duración lo convierte es una escucha verdaderamente exigente, pero a diferencia de muchos discos de Metal excesivamente largos, rara vez se hace pesado.

Este no es un álbum para escuchar a ratos; necesitas dedicarle una noche, atenuar las luces y dejarte envolver por completo. Algunos lo encontrarán un tanto repetitivo en comparación con obras cumbre anteriores como "A Shadowplay for Yesterdays" (2012); otros lo considerarán un firme candidato a ROTY. Ambos bandos coincidirán en una cosa: es inconfundible y contundentemente, A Forest of Stars. Si logras conectar con la voz, te espera un disco genuinamente rico, singular y hermoso y para mi, lo mejor que ha creado la banda en toda su carrera.

8.5/10

Tarja - "Frisson Noir" (Symphonic)

Tarja Turunen regresa con "Frisson Noir", un álbum que llega con una fuerza sorprendentemente potente. La propia cantante lo describe como el disco más pesado de su carrera en solitario y la descripción es cierta: la canción que da título al álbum -y que es la mejor del álbum- tiene una fuerza que rara vez alcanzaba en sus trabajos anteriores, acompañada de un trabajo de guitarra más crudo de lo que suele permitir la cuidada producción orquestal. 

Temas como Blaze Forever se centran casi por completo en la agresividad sostenida, con los elementos orquestales relegados a un segundo plano, permitiendo que las guitarras lleven el peso del álbum en lugar de esconderse tras un brillo sinfónico. Para una artista cuyo catálogo a menudo se ha inclinado hacia lo cinematográfico y lo contenido, este giro hacia algo más crudo y directo es la cualidad más inesperada del disco. Lo que no ha cambiado -y podría decirse que nunca lo hará- es su voz. 

Dos décadas después de su salida de Nightwish, la voz de Tarja permanece sorprendentemente intacta. Su interpretación es segura en todo momento, manteniéndose firme incluso en los arreglos más pesados ​​del álbum con gran dominio de los registros, ciertamente sigue sonando como una cantante en la cima de su carrera, en lugar de una que vive de su reputación. 

Es verdad que Tarja siempre será recordada como la voz original de Nightwish, pero "Frisson Noir" es una prueba más de que ha construido una respetable identidad en solitario, mucho más allá de esa etapa. Algunos críticos -entre los que me incluyo- han argumentado que este álbum supera incluso los trabajos más recientes de su ex-banda, lo que dice tanto de su continua relevancia como de viejas rivalidades. 

Donde el disco resulta menos convincente es en su permanencia. Es una escucha interesante -hay momentos individuales potentes- y es evidente que se ha dedicado mucho esfuerzo a la producción y los arreglos, pero las canciones en sí no son del todo brillantes, y a menudo hay demasiados elementos en juego como para que una sola idea se consolide por completo, que las tiene buenas, pero rara vez se convierten en el tipo de canción que tarareas días después.

Las colaboraciones son un punto fuerte. Dani Filth, Apocalyptica, Marko Hietala y Chad Smith, baterista de Red Hot Chili Peppers, participan en el álbum y las colaboraciones se justifican por sí solas, sin parecer meros argumentos de marketing. El reencuentro con Hietala, excompañero de Nightwish y también ex de esa banda, en Leap Of Faith tiene una gran carga emocional. Al final, "Frisson Noir" es un hito en la carrera de Tarja, contundente y melódico, bien elaborado y en ocasiones, emocionante, pero no del todo definitivo.

7.5/10. Excelente portada.

Fires In The Distance - "Circadian Promise" (Melodic Death)

Dicen que una promesa es una deuda con el futuro. Fires in the Distance, acaba de pagar la suya, con intereses y penalidades. "Circadian Promise", el tercer álbum de larga duración de la banda, no es solo un gran disco de Melodic Death. Podría ser el disco que esperaba en 2026: un disco que llega como una tormenta que se forma lentamente en el horizonte, inevitable y aniquiladora, y que te deja mirando al cielo preguntándote qué te acaba de pasar.

Originalmente formado como un proyecto en solitario por el guitarrista, tecladista y compositor Yegor Savonin en 2016, Fires in the Distance evolucionó rápidamente hasta convertirse en una banda completa y uno de los nombres más interesantes de la escena del Melodeath. Su anterior lanzamiento, "Air Not Meant For Us" (2023), disco del año de este sitio, los impulsó definitivamente, demostrando cómo una banda puede atemperar las emociones crudas del Death y canalizarlas con una interpretación melódica contundente. "Circadian Promise" toma todo lo que hizo que ese disco fuera extraordinario y lo lleva, sin piedad, a un nivel superior. 

Ha habido un cambio en el micrófono. Kristian Grimaldi se ha ido, y su ausencia es algo que un oyente fiel notará de inmediato. Los enormes y profundos growls de Grimaldi eran una piedra angular de la identidad de la banda, dicho esto, descartar al nuevo componente vocal, Brendan Hayter, sería un error garrafal. Hayter aporta una intensidad arrolladora, y su versatilidad es justo lo que la banda necesita para capturar toda la gama visceral de su música. 

Los seis temas que componen el disco se entrelazan alrededor del oyente como la hiedra y echan raíces profundas en el alma. Componer lo colosal es algo que Fires in the Distance hace con naturalidad, y el tema de apertura Of Radiance And Levitation encapsula la esencia de la banda a la perfección: movimientos épicos y melódicos, momentos de delicada complejidad que se entrelazan con una potente entrega rítmica.

En To You, Author Of My Fade, posiblemente la mejor canción del álbum, el riff acecha casi en cada momento, siendo simultáneamente su punto más pesado y delicado, más vivo y más melancólico. Esta va a quedar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC. Pero cualquiera de los temas es un gusto total, quizas un escalón menos Lightless Days Of A Songless Bird, pero nada que dañe el producto final.

Potente, inteligente y completamente absorbente, "Circadian Promise" es uno de esos álbumes que te atrapa desde el principio y no te suelta. En esta oportunidad el disco se convierte en algo pleno a medida que sus poderosas piezas se fusionan en un embrujo irresistible. Puede que un vocalista haga guturales un poco más grave que el otro, pero una banda tan buena no necesita la perfección, necesita una promesa y esta, la han cumplido.

9/10 Nominado como Disco del Año de ELOMC.

Anna Fiori - "Metztli" (Symphonic)

Hay algo realmente admirable en la ambición de Anna Fiori con "Metztli", su tercer álbum de estudio en solitario. Descrito por la propia artista como Metal Azteca Cinematográfico, es un disco conceptual que intenta entrelazar la mitología prehispánica, letras en náhuatl, la grandiosidad orquestal y la potente maquinaria del Sinfónico en un viaje único y coherente a través de la pérdida y el duelo. El concepto es impactante. Sin embargo, la ejecución es decididamente irregular.

Fiori no es una novata. La cantante mexicana ha estado desarrollando su proyecto en solitario desde hace años, ha colaborado con artistas europeos como Fabio Lione (esto no se si es necesariamente un galón en la chatarrera) y Timo Somers (Delain) y se ha ganado el reconocimiento en los círculos del Metal latinoamericano. Definitivamente se puede decir que es una voz experimentada en el género.

El álbum comienza con Luna Creciente (Axnoaxka Noojtli), una introducción envolvente y atmosférica que eleva el listón con su instrumentación prehispánica y su densa textura orquestal. Más adelante Luna Llena (Xiki Noeso), con sus nueve minutos de duración, es la pieza más cinematográfica del disco, pero un tema que en ocasiones se pierde en su propia inmensidad. El Vacío y Entre Mil Voces suenan regulares, se me antojan el tipo de relleno que una edición más rigurosa podría haber recortado. Luego varios temas añaden algo de atmósfera, pero no siento que alcancen el clímax dramático que parece estar buscando.

El momento cumbre es, sin duda, Luna Menguante (Nimotemak). Aquí, todo encaja bastante mejor: la letra en náhuatl le confiere una gravedad emocional a la que aspira el resto del álbum, el arreglo orquestal tiene una urgencia genuina y la melodía perdura después de que termina la canción. Es la pieza que mejor justifica el concepto del álbum y sugiere lo que "Metztli" podría haber sido en su totalidad si se hubiera aplicado el mismo enfoque a lo largo de todo el disco. 

Luego está la cuestión de la voz de Anna Fiori, la cualidad que será más debatida luego de escuchar "Metztli". En sus mejores momentos posee una calidad mezzosoprano expresiva que transmite un sentimiento genuino. El problema surge cuando las canciones exigen una mayor grandiosidad. En esos momentos, Fiori recurre a la potencia operística y el dramatismo al estilo de las voces más icónicas del género, de tipo Simone Simons de Epica, cuya autoridad cristalina se ha convertido en un referente para los vocalistas de género a nivel mundial. La imitación es evidente y la brecha entre la aspiración y la ejecución es demasiado grande como para ignorarla. Fiori a veces parece esforzarse por alcanzar un techo que aún no ha llegado. El resultado es una interpretación vocal oscilante: a veces genuinamente conmovedora, otras caricaturesca.

En conjunto, "Metztli" es un disco aceptable, donde hecho de menos temas de esos que el estilo acostumbra a hacer que se queden contigo, aunque está sostenido por un concepto notable y algunos momentos destacables. Es el tipo de álbum que insinúa grandeza sin llegar a materializarla.

6.5/10. Excelente portada, eso si.

Funebrarum - "Beckoning The Void Of Eternal Silence" (Death / Doom)

Dicen que no se puede nadar dos veces al mismo río, pero nadie dijo nada sobre meterse dos veces en la misma tumba. Tras diecisiete años sin un álbum completo, los Death metaleros de Nueva Jersey, Funebrarum, han regresado de la cripta oscura que ocupaban para recordarnos, a todo volumen, que el vacío nunca fue realmente silencioso.

"Beckoning The Void Of Eternal Silence", el cuarto álbum de estudio de la banda, es un disco que no solo rinde homenaje a las tradiciones del Death cavernoso y clásico, sino que se sumerge en ellas de cabeza, con los brazos cruzados sobre el pecho, perfectamente satisfecho de no volver a la superficie. Formada en Nueva Jersey, en 1999 por veteranos del underground con profundas raíces en las escenas Hardcore y del Metal extremo, Funebrarum siempre ha sido una banda fuera de su tiempo, y este álbum no es la excepción. Suena como si hubiera sido grabado en una cámara subterránea donde la luz del día no solo está ausente, sino que está formalmente prohibida.

El álbum comienza con una introducción cinematográfica y amenazante que evoca el crujido de la tapa de un ataúd que se abre lentamente desde el interior. Es ominosa en el sentido más deliberado: no como ambientación, sino como advertencia. Le sigue la canción que da título al álbum, una aplastante pieza de Doom Death que oscila entre un ritmo atmosférico pausado y explosiones abrasivas y atronadoras. La producción es densa y asfixiante: un sonido deliberadamente cavernoso que recuerda la oscuridad turbia de los primeros trabajos de Incantation, a la vez que forja su propia identidad nocturna.

Dentro de lo más destacado está el tema Ša Nagba Amāru, que se traduce como 'el que presenció el abismo', es uno de los momentos más atmosféricos y misteriosos del álbum, un descenso lento y demoledor a través de riffs cargados de Doom y percusión sísmica. Es el tipo de tema que te hace sentir el peso de una oscuridad antigua e indiferente que te oprime desde arriba. Luego Through the Barren Halls of Grieving Emptiness da un giro, irrumpiendo con uno de los riffs más agresivos y virulentos del álbum, demostrando que Funebrarum puede cambiar de ritmo sin abandonar jamás su atmósfera asfixiante. Finalmente Into Dark Domains es quizás el momento más pesado del disco: un monolito demoledor que canaliza la ferocidad primigenia del Death clásico de los 90s con una facilidad inquietante. 

Cierra el trabajo The Whispering Cathedral – Epilogue, que es una obra de casi nueve minutos que encarna todo lo que este álbum busca: épico, nocturno, profundamente misterioso y, a ratos, violentamente implacable. Es, en el sentido más arcaico y genuino de la palabra una declaración de final pronunciada con una convicción enorme y pausada; ésta va a quedar nominada como seria contendiente a Canción del Año de ELOMC.

La verdadera esencia de este disco, el instrumento que cohesiona su atmósfera ritualística, es la voz de Daryl Kahan. Único miembro fundador que permanece en pie tras más de dos décadas y media, Kahan es el corazón oscuro y permanente de Funebrarum. Profundo, inhumano, de una caverna imposible: la voz de Kahan no solo acompaña la música (le recuerdo a los novatos que en el Metal extremo la voz no es sino un instrumento más, no debe tratar de percibirse como protagonista, sino no se entiende nada), sino que es una fuerza de la naturaleza. Hay una ferocidad que se siente merecida, la clase de ferocidad que solo puede provenir de alguien que construyó esta entidad desde cero.

Con "Beckoning The Void Of Eternal Silence", Funebrarum confirma lo que sus discípulos más devotos ya sabían: el estatus se afianza con el paso del tiempo. Resulta que el vacío ha estado esperando con la misma paciencia que ellos.

8/10

As The Sun Falls - "Songs From The Veil" (Melodic Death)

Hay álbumes rugen como un incendio forestal; "Songs From The Veil" prefiere arder lentamente como brasas derritiendo la nieve finlandesa. As The Sun Falls presenta un disco que sabe exactamente a qué lugar pertenece: al rincón frío y melancólico del Death Melódico, donde la atmósfera importa casi tanto como los riffs y cada estribillo parece llevar un toque de escarcha.

Por momentos, "Songs From The Veil" es una experiencia auditiva convincente e inmersiva. La banda se inclina con fuerza hacia la melancolía nórdica que se ha convertido en un rasgo distintivo de la escena del Melodeath finlandés, y el resultado es un disco que se siente expansivo, pausado y cargado de emotividad. Hay una clara identidad aquí: el concepto del álbum, impregnado de mitología, arraigado en el folclore finlandés, las creencias ancestrales, el duelo y la difusa frontera entre el mundo visible e invisible, otorga a las canciones una sólida columna vertebral temática. Esa cohesión hace que el disco fluya como una larga noche de invierno, en lugar de una colección aleatoria de canciones.

Musicalmente, el álbum logra un sólido equilibrio entre guitarras, melodías elevadas, pasajes acústicos y una atmósfera pesada. La banda comprende claramente la fórmula: solos emotivos, ritmo melancólico y la disposición a dejar que las canciones respiren antes de descargar toda su fuerza. En ese sentido, los ecos de gente como Insomnium son innegables, especialmente en la forma en que la música alterna entre la reflexión fatalista y la elevación dramática.

Sin embargo, a pesar de su atmósfera y pulido sonido, "Songs From The Veil" no termina de desmarcarse de la saturada escena en la que se encuentra. El álbum es un disco decente, e incluso bueno en algunos momentos, pero a veces resulta más admirable que inolvidable. La atmósfera es intensa, el concepto convincente y la calidad musical claramente competente, pero las canciones no siempre logran ese impacto inmediato que distingue un buen disco de género de uno verdaderamente esencial. Ese es el verdadero problema: en un estilo ya repleto de bandas que exploran el mismo terreno emocional, el margen para destacar es estrecho.

En definitiva, "Songs From The Veil" es un buen intento de As The Sun Falls, y uno que debería complacer a los oyentes que disfrutan de la melodía gélida y la grandeza solemne. Se trata de un álbum respetable y bien producido, con claras reminiscencias de las bandas icónicas del género, pero aún necesita canciones más potentes para destacar realmente entre la multitud. Por ahora, se presenta como un paso prometedor más que como una obra definitiva.

7/10