Bloody Valkyria - "Requiem: Reveries Of The Dying" (Atmospheric Black)

"Requiem: Reveries Of The Dying" muestra al unipersonal del finlandés Jere Kervinen, denominado Bloody Valkyria, con un trabajo estandar de Black Atmosférico, melancólico y centrado en la mente atormentada de un moribundo, un cambio de la usual temática de lugares fantásticos que entiendo había sido la lírica desarrollada en sus sus dos trabajos anteriores. El disco, en esencia, se trata de un lanzamiento que prioriza la magnitud, la atmósfera y la introspección sobre el impacto o la intensidad.

Lo que más destaca es la naturalidad con la que la grabación se integra en su atmósfera. Los teclados desempeñan un papel fundamental, otorgando a las canciones un aire sombrío y cinematográfico que permite que la música respire y evita que los arreglos resulten demasiado minimalistas. También hay algunos riffs que captan la atención, especialmente cuando las líneas de guitarra se abren paso entre la niebla con una melodía más nítida.

Dicho esto, el álbum no reinventa el estilo. Sus puntos fuertes residen en la ejecución más que en la originalidad, y lo mismo puede decirse de gran parte de los elogios que se leen en la red: el disco es efectivo, envolvente y está bien construido, pero se mantiene dentro del territorio habitual del Black Atmosférico. Para quienes ya conocen el género, el atractivo residirá más en la textura y la fluidez que en la novedad.

La producción y el ritmo también respaldan este enfoque. El sonido es lo suficientemente nítido como para que las capas de teclados y guitarras interactúen adecuadamente, y las canciones mantienen un tono emocional consistente a lo largo de los siete temas del álbum. En sus mejores momentos, el disco crea un espacio frío, reflexivo, casi melancólico, que se ajusta perfectamente al concepto.

Sin embargo, la mayor limitación del álbum es que rara vez sorprende. Bloody Valkyria sabe cómo crear atmósfera y la composición es sólida, pero no hay mucho aquí que se sienta especialmente nuevo o revolucionario para la escena. El disco gusta porque está bien hecho y es emocionalmente coherente, no porque lleve el Black Atmosférico a un terreno desconocido.

En resumen, "Requiem: Reveries Of The Dying" es un disco decente y disfrutable, con algunos riffs interesantes, un trabajo de teclados sólido y una convincente sensación de melancolía. Merece la pena escucharlo si te gusta el estilo, es de ritmo medio y con una fuerte carga atmosférica, pero es más un buen ejemplo de lo que se está haciendo en el ambiente que un lanzamiento histórico.

7/10

Metal Church - "Dead To Rights" (Heavy / Thrash)

"Dead To Rights" es un disco tradicional de Metal Church, que se apoya demasiado en el lenguaje familiar del Heavy Thrash sin ofrecer nada realmente novedoso. El álbum tiene la fuerza, la mordacidad vocal y la actitud clásica adecuadas, pero a menudo suena más como un ejercicio disciplinado de dominio del género que como un disco con una verdadera chispa de innovación.

Lo que hace de Metal Church un nombre perdurable es su longevidad y consistencia. Desde la década de 1980, se han mantenido como una de las instituciones más sólidas del US Power, una banda conocida por equilibrar los ganchos tradicionales del Metal con la agresividad propia del Thrash, y esa identidad les sigue dando credibilidad décadas después. Dicho esto, la larga trayectoria de su carrera también deja algo claro: en los últimos treinta años, aproximadamente, no han producido nada tan impactante como sus trabajos clásicos de los 80s y principios de los 90s.

Esa brecha es importante porque "Dead To Rights" se siente como el producto de una banda cómoda en sus propias costumbres. Los riffs son contundentes, el ritmo eficiente y las interpretaciones profesionales, pero la composición rara vez se sale de los patrones esperados, lo que hace que el álbum resulte familiar antes de ser emocionante. Incluso las críticas que elogian la mayor precisión musical señalan que las canciones a menudo siguen plantillas rutinarias y carecen de los ganchos memorables necesarios para realzarlas.

El trabajo de guitarra es especialmente revelador. Es potente, directo y totalmente acorde con los valores del Metal clásico de los 90s, pero también tiene un aire desgastado, como si la banda repitiera un lenguaje que ya dominaba hace tiempo en lugar de expandirlo. En ese sentido, el disco suena como un álbum de Metal puro de los 90s en lo mejor y en lo peor: contundente, sólido y bien ejecutado, pero también un poco cansado en tono y enfoque.

La mejor cualidad del álbum es su profesionalismo. La voz de Brian Allen, la sólida sección rítmica y las potentes líneas de guitarra mantienen el disco anclado en el estilo adecuado. Nunca cae en la incompetencia ni en la torpeza; en cambio, se mueve con la seguridad de una banda que sabe exactamente cómo debe sonar. Pero la seguridad por sí sola no genera emoción, y ahí es donde el disco flaquea.

"Dead To Rights" es otro aceptable álbum de Metal Church, de una manera contenida y predecible. Utiliza bien los recursos habituales del género, pero no ofrece ninguna innovación real, y por eso a veces resulta aburrido incluso cuando la ejecución musical es impecable. El material va en la dirección correcta, pero la realidad es que, en su mayor parte, es poco emocionante: la tonalidad y las voces correctas, pero sin la suficiente sorpresa como para que sea realmente memorable.

6.5/10. Otra portada creada por la insultante IA.

At The Gates - "The Ghost Of A Future Dead" (Melodic Death)

At The Gates siempre ha cargado con el peso de su legado, pero "The Ghost Of A Future Dead" se siente como el momento en que ese legado se cristaliza en algo definitivo, casi elegíaco. Con el triste fallecimiento de su icónico vocalista, Tomas Lindberg, este disco inevitablemente llega con una mayor carga emocional, transformándolo de un simple lanzamiento en algo más cercano a una declaración de despedida, ya sea intencional o no.

Desde el principio, queda claro que este es el trabajo más sólido de la banda desde su reunión. Todo se siente cohesionado con un sentido de propósito que solo se había vislumbrado en sus anteriores álbumes de regreso. Los riffs son afilados como navajas, equilibrando agresividad y melodía de una manera que recuerda por qué At The Gates son considerados los pioneros del Death Melódico. Hay una claridad aquí, un refinamiento de su sonido característico que no diluye su intensidad, sino que la agudiza hasta la perfección.

La batería merece una mención especial. Impulsa el disco con una precisión implacable, a la vez que permite cambios dinámicos que evitan que las canciones suenen mecánicas. A lo largo del álbum se percibe un flujo natural que refleja la carga emocional que lo impregna. Nunca se siente sobreproducido ni estéril, todo lo contrario. La producción logra un equilibrio perfecto entre crudeza y claridad, permitiendo que cada instrumento respire mientras mantiene esa arrolladora muralla de sonido que los fans esperan.

Lo que hace que "The Ghost Of A Future Dead" destaque aún más es su cohesión. No se trata solo de una colección de canciones; es una declaración artística completa. Incluso el arte gráfico de la portada complementa la música a la perfección, reforzando los temas de mortalidad, legado y cierre que recorren el álbum. Es uno de esos casos excepcionales donde cada elemento se alinea, desde la composición hasta la presentación, creando una experiencia artística completa.

En muchos sentidos, este disco se siente como el cierre de un capítulo, no solo para At The Gates, sino para el género que ayudaron a definir. Se perciben ecos de su influencia en toda la escena, pero aquí regresan para recordarnos cómo suena su estilo cuando se ejecuta al máximo nivel. Hay una sensación de cierre en estos temas, como si la banda, consciente o inconscientemente, estuviera poniendo fin a su trayectoria.

Sin embargo, lejos de sentirse como una simple repetición nostálgica, el álbum se erige con confianza junto a su clásico "Slaughter of the Soul" (1995). No es una afirmación menor, pero se siente justificada. Si bien "Slaughter..." capturó la magia y transformó todo un género, "The Ghost Of A Future Dead" se siente como la reflexión madura de ese momento: más sabio, más potente y con mayor resonancia emocional.

Si este es realmente el cierre que parece, entonces At The Gates se ha despedido a su manera, entregando un disco que honra su pasado a la vez que consolida su lugar en la historia del Metal. No es solo un gran álbum de regreso, es uno de sus mejores trabajos, sin duda. Los temas más recomendables son The Dissonant Void -nominada como Canción del Año-, Of Interstellar Death, Tomb of Heaven y Black Hole Emission.

9/10 Nominado como contendiente a Disco del Año de ELOMC.

Winterfylleth - "The Unyielding Season" (Atmospheric Black)

En "The Unyielding Season", noveno trabajo de Winterfylleth, la banda hace lo que mejor sabe hacer: sonar como el final del invierno, el comienzo de una batalla y la banda sonora de un documental azotado por el viento que no puedes dejar de ver. Es muy melódico y épico, con una amplitud cinematográfica, propia de una banda sonora, que hace que las canciones parezcan grandes.

El lado atmosférico de Black de la banda está en excelente forma aquí. Las guitarras brillan y resplandecen, los teclados añaden ese brillo brumoso que se extiende hasta el horizonte, y todo se envuelve en una atmósfera sombría, noble y extrañamente inspiradora a la vez. Lo que le impide ser verdaderamente intocable es que, después de un tiempo, la fórmula empieza a repetirse. Las canciones son potentes, pero el álbum puede volverse un poco monótono porque Winterfylleth está tan entregado a su grandiosa procesión azotada por el viento que a veces olvida cambiar de escenario.

Dicho esto, la hora plus de duración es prácticamente un requisito del género, y "The Unyielding Season" luce su extensión como una capa medieval: pesada, impresionante y un poco más larga de lo estrictamente necesario. Algo de contención no le habría venido mal, aunque los fans del Black Atmosférico saben que la brevedad nunca ha sido la virtud favorita del estilo. Me gustaría recomendar el tema A Hollow Existence como la mejor del trabajo, tiene mucho que decir esa canción.

En definitiva, Winterfylleth sigue siendo una banda que se disfruta de principio a fin. Sus álbumes suelen ofrecer una escucha gratificante mientras se reproducen, aunque no siempre perduren en la memoria con la misma fuerza una vez que se desvanece la última nota. Este álbum sigue ese patrón a la perfección: potente, envolvente, memorable en el momento y lo suficientemente esquivo después como para mantener a la banda en la categoría de 'grandes por momentos'. Siento que todavía su anterior, "The imperious Horizon" (2024) sigue siendo lo mejor de su discografía, pero este vale bastante la pena.

7.5/10

Ethereal Darkness - "Echoes" (Melodic Death / Doom)

Ethereal Darkness, banda belga de Death Melódico con influencias de Black y Doom, regresa con su segundo álbum, "Echoes". Seis extensas composiciones que abarcan demasiado largos sesenta minutos, con un disco que traza un viaje a través del duelo, la pérdida y el peso silencioso de la condición humana. El resultado es una experiencia auditiva melódica, oscura y melancólica que resonará entre los fans en búsqueda de Metal emocional.

"Echoes" es innegablemente melódico, construido sobre armonías de guitarra melancólicas y una atmósfera densa que entrelaza voces limpias y growls en algo vasto y personal. El álbum se inscribe en la tradición del Melodeath finlandés, creando un paisaje sonoro fuerte y triste. Temas como la vida, la muerte, la pérdida y el amor impregnan cada tema, con canciones como On The Edge Of The Cliff, la mejor del trabajo, profundiza en la desesperación y la depresión sin perder su agresividad.

Sin embargo, "Echoes" no es un disco revolucionario. Su sonido tiende a evocar -como dije- a bandas finlandesas del género, diría que en particular a Insomnium-con melancolía y líneas de guitarra solista melódicas que resultan más familiares que innovadoras. Si bien la banda ejecuta este estilo con competencia, el álbum carece del impacto visceral y la fuerza que caracterizan a los discos pioneros de los que se inspira. Los riffs al estilo de Gotemburgo y los elementos de Doom atmosférico están bien elaborados, pero no aportan nada nuevo.

Lo que sí logra Ethereal Darkness es un disco que invita a la escucha. Es un álbum al que se puede volver una y otra vez, especialmente si te apasiona el estilo y se deja colar fácil. "Echoes" posee clase melódica que puede consolar sin ser suave e impactar sin insensibilizar. Otros temas como The Cycle y  el magnus opus de cierre, Realization construyen canciones elaboradas y multifacéticas que transmiten intensidad emocional.

Sin embargo, la ambición del álbum se convierte en su limitación. Con una duración aproximada de sesenta minutos y seis composiciones, se siente demasiado largo, sobre todo hacia el final. Alguna canción o dos podrían haber sido más concisas, por lo que el disco, por su vertiente amplia, a veces se pierde en sí mismo. Si bien alcanza una genuina intensidad la mayor parte del tiempo, nunca llega a lograr la contundencia arrolladora de sus influencias. 

"Echoes" es una obra interesante en un año donde el Melodeath todavía no ha terminado de mostrar sus colores. Es un álbum serio y sustancial para los oyentes que buscan este tipo de sonidos. Sin embargo, quienes esperen innovación o la contundencia del Death Melódico clásico podrían encontrarlo sólido pero poco destacable: un disco digno de escuchar, pero sin la fuerza de los discos que lo inspiran.

7.5/10

Immolation - "Descent" (Death)

Immolation vuelve con un muy buen trabajo, de los que nos tienen mal acostumbrados. Está claro porque son una de las mejores bandas de Death, esta gente tuvo una trayectoria legendaria a finales de los 90's y un poco más con clásicos como "Here In After" (1996), "Close to A World Below" (1999) y "Unholy Cult" (2002), y desde entonces sus álbumes se han mantenido en un punto intermedio entre decentes y buenos. Ahora siguen demostrando que aún tienen que ofrecer.

Con precisos cuarenta y dos minutos de duración, "Descent" es conciso, directo e implacablemente brutal, una poderosa declaración de que siguen estando entre los mejores del Metal extremo. Este no es el álbum con cinco años de retraso como parecía "Acts of God" (2022); es más nítido y directo, cambiando los pasajes extensos y relativamente melódicos por una agresividad universal. Mientras que ese trabajo fue su álbum más largo hasta la fecha y a veces divagaba, "Descent" golpea sin dar respiro.

Comparado con "Kingdom Of Conspiracy" (2013), que para mí sigue siendo el mejor de su etapa moderna y que califico como imprescindible, "Descent" redobla la apuesta por lo que hace que Immolation sea aterrador: un ritmo implacable, una atmósfera asfixiante y un control infalible que pocas bandas pueden igualar.  Immolation demuestra una técnica impecable y una ejecución precisa de principio a fin, adentrándose en sus intrincadas estructuras musicales que se retuercen como un laberinto de terror. 

Las guitarras de "Descent" son ardientes, la batería ruidosa y caótica, y todo te deja atónito. Los riffs son contundentes y pegadizos -algo poco común en el Death-, mientras que la voz de Ross Dolan se alza imponente e inamovible, tan potente como siempre, con unos guturales que no parecen haber envejecido. Los solos del guitarrista Robert Vigna se elevan con una intensidad descontrolada que añade un toque casi psicótico a la agresividad.

Lo verdaderamente asombroso es ver a Immolation en esta forma después de tantos años. Suenan como ellos mismos; nadie más suena como Immolation; muchos solo parecen influenciados por ellos. La producción moderna aporta claridad sin mermar su capacidad de arrollar y dominar, potenciando su fuerza en lugar de diluirla. Temas como el que abre el álbum, These Vengeful Winds, y el que le da título, Descent (un resumen de seis minutos de todo lo que explora el disco), demuestran que el cuarteto dedicó tiempo a perfeccionar este trabajo. Si pensabas que la época dorada del Death había terminado, piénsalo de nuevo, Immolation acaba de demostrar que el trono aún tiene dueño.

8.5/10. Excelente portada.

Archspire - "Too Fast To Die" (Technical Death)

En "Too Fast To Die", Archspire pisa el acelerador a fondo y lo deja ahí pegado con cinta adhesiva. Le das al play y al instante te sumerges en su familiar torbellino de riffs contundentes, voces ametralladora y ejecuciones matemáticamente imposibles: ese tipo de Death Técnico que te deja las muñecas doloridas solo de escucharlo. En ese sentido, este disco continúa la senda original de la banda: más rápido, más compacto y más descabellado que casi cualquier otro.

Pero aquí está el truco: si bien es otra sólida incorporación a su discografía, no eleva su legado a otro nivel. "Too Fast To Die" es más una vuelta de honor que un nuevo hito; un disco que dice 'seguimos siendo los mejores en esto'. Comparado con "Relentless Mutation" (2017) y "Bleed the Future" (2021), este álbum se siente como la primera vez que Archspire no se supera a sí mismo. En el primero fue el momento en que fusionaron una precisión inhumana con composiciones realmente memorables, y el segundo lo perfeccionó hasta convertirlo en un Deathtech casi perfecto.

"Too Fast To Die", en cambio, a menudo se siente como un poco como un dlc de "Bleed the Future": el mismo motor principal, pero con menos momentos de asombro. Los temas pasan volando en tan solo treinta y nueve minutos, pero hay menos picos distintivos; es más una explosión continua de competencia que un viaje lleno de hitos destacados. Los fans que buscan velocidad y brutalidad pura quedarán satisfechos; los que esperan otro salto evolutivo podrían encogerse de hombros y volver a "Bleed the Future".

El inconveniente más evidente de este trabajo reside en la grabación y la producción. "Too Fast To Die" está masterizado con un volumen ensordecedor, donde todo suena fuerte constantemente. La mezcla se siente sobrecomprimida, y las guitarras, en particular, suenan extrañamente apagadas y congestionadas, careciendo de la nitidez característica de sus discos anteriores. En álbumes anteriores, incluso a máxima velocidad, se podían distinguir los riffs y las líneas melódicas; aquí, esa claridad se pierde en una masa sonora densa con demasiada frecuencia. Para una banda cuyo estilo se basa en microdetalles a una velocidad vertiginosa, esto supone una desventaja considerable.

Dentro de lo más positivo está el nuevo baterista, Spencer Moore. Ocupar el puesto de uno de los bateristas más respetados del género parecía una misión suicida, pero Moore lo clava. Las críticas señalan, con razón, que 'se defiende a la perfección', y si no supieras que la formación ha cambiado, probablemente ni lo notarías, salvo que algunos redobles y transiciones suenan aún más fluidos y dinámicos.

"Too Fast To Die" es un muy buen disco, divertido, vertiginoso y absolutamente desmesurado que ofrece exactamente lo que se espera de Archspire, y esa es a la vez su mayor fortaleza y su límite. Continúa la trayectoria original de la banda, caracterizada por una velocidad frenética y una maestría musical asombrosa, pero no expande su legado de forma significativa como lo hicieron sus dos álbumes anteriores.

8/10

Power Paladin - “Beyond The Reach Of Enchantment” (Power)

“Beyond The Reach Of Enchantment” es el sonido de Power Paladin redoblando la apuesta por dragones, mazmorras y dopamina, solo que esta vez han cambiado parte de la sorpresa de su álbum debut por un sonido más contundente y listo para la batalla. Es absolutamente épico, gloriosamente impregnado de fantasía, tremendamente enérgico, melódico y descaradamente inspirador; y sí, blande una espada más pesada que “With The Magic Of Windfyre Steel” (2022).

Desde el tema inicial la banda se lanza directamente a la batalla con riffs abrasadores, ritmos de doble bombo y un estribillo que suena como si hubiera sido creado por un consejo de magos. La producción le da un toque extra de fuerza: las guitarras rítmicas golpean con más fuerza, la batería tiene un golpe más profundo y todo se siente como el debut después de un largo descanso. Se percibe esa mayor contundencia en la forma en que los riffs retumban bajo los estribillos y en el ocasional toque thrash que se cuela en canciones como la épica final, Valediction.

El factor fantástico, por supuesto, está presente. Glade Lords Of Athel Loren suena exactamente como su título: un recorrido galopante por los bosques de Warhammer con solos que se disparan como proyectiles mágicos perdidos. The Royal Road y Aegis Of Eternity continúan con la especialidad de la banda: Power melódico y turboalimentado que, de alguna manera, te hace creer que deberías llevar una capa mientras lavas los platos. Y The Arcane Tower, con la participación especial de Tommy Johansson, es básicamente una declaración de principios en forma de canción: solos triunfales, voces imponentes y un estribillo tan potente que se puede ver desde el espacio.

Una de las virtudes ocultas del álbum es su carácter juguetón sin perder ritmo. Camelot Rock City es puro rock heroico con un toque de humor negro, fusionando la arrogancia del Rock 'n Roll con la grandilocuencia del Power. Sin embargo, hay un detalle: este disco no es tan impactante como su debut. Aquel debut llegó como un ataque sorpresa: fresco, ágil y repleto de temas que se convirtieron en clásicos instantáneos, dejando a los fanáticos del Power boquiabiertos, preguntándose: ¿De dónde salieron estos islandeses?. El nuevo disco se siente más como una secuela segura que como una revelación: más grande, más pesado, más pulido, pero sin ese par de temas impactantes que te elevan a la estratosfera desde la primera escucha.

En otras palabras, "Beyond The Reach Of Enchantment" es una aventura épica, llena de fantasía, enérgica, melódica y estimulante que demuestra que Power Paladin no es un grupo pasajero, simplemente no alcanza el nivel mágico de "With The Magic Of Windfyre Steel". Para los seguidores específicos vale la pena.

7/10

Triumpher - "Piercing The Heart Of The World" (True / Heavy)

"Piercing The Heart Of The World" de Triumpher es una declaración de una de las bandas de Metal épico más emocionantes de la década de 2020, y llega con la intención -al menos, honesta- de convertirse en un clásico del género. Con raíces en el Heavy tradicional, fusiona riffs contundentes, himnos de batalla y melodías envolventes con matices más duros, sonando como los herederos de Manowar, quienes de alguna manera conservaron el buen gusto y añadieron nuevos matices a su sonido.

Desde el primer ataque de Black Blood -la mejor del disco- junto a la de cerrar Naus Apidalia, Triumpher deja claro dónde reside su esencia: un Metal potente y épico, construido sobre riffs monumentales y ritmos galopantes. Las guitarras marchan con la melodía clásica del Heavy y el Power, mientras que la sección rítmica impulsa todo con potentes golpes de doble bombo y ritmos marciales que parecen hechos a medida para puños en alto y gargantas roncas en primera fila. Estilísticamente, se percibe la influencia de los mencionado Manowar y Virgin Steele en la atmósfera heroica y la composición épica, pero Triumpher evita los excesos caricaturescos en favor de una composición concisa y una auténtica tensión dramática.

Vocalmente, su cantante Mars Triumph ofrece uno de los puntos fuertes del álbum, con una interpretación versátil, no tan impactante como el Eric Adams de los inicios, pero muy competente. Pasa de un barítono ronco y autoritario a growls más ásperos, con coros y voces superpuestas que recuerdan a Bathory y al Metal épico clásico, sin perder su toque personal. Para mi, el lema del álbum, es ser 'herederos in pectore de Manowar, pero con buen gusto', cosa que sus ungidos públicamente y ya desaparecidos legatarios, Majesty, no lograron nunca.

En cuanto a la producción, el disco logra un equilibrio entre claridad y potencia bruta, manteniendo un sonido orgánico y contundente, a la vez que permite que cada instrumento respire. Las guitarras penetran sin sonar estériles, el bajo brilla con un tono redondo, y la batería golpea con fuerza sin opacar los matices ni los coros. 

En definitiva, “Piercing The Heart Of The World” se siente como un hito para Triumpher, aunque todavía le falte un par de temas verdaderamente transcendentes. Sin embargo se trata de una buena colección de canciones de Heavy/True, impulsadas por una voz versátil e instrumentación inteligente que nunca traiciona la esencia del género. Si alguna vez te has preguntado cómo sonaría Manowar con blast beats, un sonido más oscuro y una mayor atención a la dinámica y la atmósfera, este álbum ofrece esa respuesta.

7.5/10

Hellripper - "Coronach" (Melodic Black / Thrash / Speed)

"Coronach", el más reciente álbum de Hellripper, es la declaración más completa y letal hasta la fecha del genio escocés James McBain, único miembro permanente y artífice de esta máquina de velocidad. Partiendo de la reputación del proyecto, el álbum lleva su mezcla de Black, Speed, Punk y Thrash a un sitio más oscuro, expansivo e innegablemente interesante. Se siente como su disco donde cada aspecto del sonido se enfoca con mas precisión, dando como resultado lo que se erige como su mejor trabajo hasta la fecha.

Desde los primeros segundos, "Coronach" es oscuro, galopante e implacablemente enérgico, avanzando constantemente con riffs vertiginosos y una actitud salvaje. Temas como Hunderprest irrumpen con una batería atronadora, líneas de trémolo abrasadoras y cambios rítmicos que mantienen la violencia contenida, siempre al borde de la explosión. McBain infunde velocidad y agresividad con una sorprendente dosis de melodía, permitiendo que los solos épicos atraviesen el caos sin atenuar el tono siniestro del álbum. El resultado es una música satánica y feroz, pero extrañamente contagiosa y divertida, que captura el espíritu exagerado del Metal sin caer jamás en la parodia.

Lo que para mi realmente eleva a "Coronach" es el trabajo de guitarra, que se sitúa entre las mejores interpretaciones de guitarra grabadas en lo que va de año. Los solos -uno de los grandes olvidados de los últimos años por el Metal- llegan en el momento preciso, con una técnica depurada y una estructura meticulosa. Los temas donde más destaca este elemento son el mencionado en el párrafo anterior, Kinchyle (Goatkraft and Granite) y la de cierre, Coronach, esta última nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

A pesar de su violencia, "Coronach" nunca se desmorona en un caos absoluto gracias a su sólida instrumentación y una producción clara y potente. Cada instrumento destaca en la mezcla, preservando la esencia independiente de un proyecto en solitario, pero con un sonido lejos de ser lo-fi. Los growls-barra-screams de McBain se alzan con una presencia imponente. Se percibe que este músico ha volcado todo lo que ama del Metal extremo —el horror escocés, el Thrash clásico, la furia oscura y la actitud Punk— en los ocho temas y cuarenta y cinco minutos que dura el trabajo.

"Coronach" perfecciona la fórmula de Hellripper: riffs vertiginosos y oscuros, descarada actitud y el Speed Thrash con tintes ocultistas de sus trabajos anteriores elevándolos a un nivel más duro, rápido y afilado que nunca. En un año ya repleto de lanzamientos de Metal de gran calidad, este trabajo destaca como uno de los favoritos a estar en las listas de todo el mundo.

8.5/10. Portadaza.