Winterfylleth - "The Unyielding Season" (Atmospheric Black)

En "The Unyielding Season", noveno trabajo de Winterfylleth, la banda hace lo que mejor sabe hacer: sonar como el final del invierno, el comienzo de una batalla y la banda sonora de un documental azotado por el viento que no puedes dejar de ver. Es muy melódico y épico, con una amplitud cinematográfica, propia de una banda sonora, que hace que las canciones parezcan grandes.

El lado atmosférico de Black de la banda está en excelente forma aquí. Las guitarras brillan y resplandecen, los teclados añaden ese brillo brumoso que se extiende hasta el horizonte, y todo se envuelve en una atmósfera sombría, noble y extrañamente inspiradora a la vez. Lo que le impide ser verdaderamente intocable es que, después de un tiempo, la fórmula empieza a repetirse. Las canciones son potentes, pero el álbum puede volverse un poco monótono porque Winterfylleth está tan entregado a su grandiosa procesión azotada por el viento que a veces olvida cambiar de escenario.

Dicho esto, la hora plus de duración es prácticamente un requisito del género, y "The Unyielding Season" luce su extensión como una capa medieval: pesada, impresionante y un poco más larga de lo estrictamente necesario. Algo de contención no le habría venido mal, aunque los fans del Black Atmosférico saben que la brevedad nunca ha sido la virtud favorita del estilo. Me gustaría recomendar el tema A Hollow Existence como la mejor del trabajo, tiene mucho que decir esa canción.

En definitiva, Winterfylleth sigue siendo una banda que se disfruta de principio a fin. Sus álbumes suelen ofrecer una escucha gratificante mientras se reproducen, aunque no siempre perduren en la memoria con la misma fuerza una vez que se desvanece la última nota. Este álbum sigue ese patrón a la perfección: potente, envolvente, memorable en el momento y lo suficientemente esquivo después como para mantener a la banda en la categoría de 'grandes por momentos'. Siento que todavía su anterior, "The imperious Horizon" (2024) sigue siendo lo mejor de su discografía, pero este vale bastante la pena.

7.5/10

Ethereal Darkness - "Echoes" (Melodic Death / Doom)

Ethereal Darkness, banda belga de Death Melódico con influencias de Black y Doom, regresa con su segundo álbum, "Echoes". Seis extensas composiciones que abarcan demasiado largos sesenta minutos, con un disco que traza un viaje a través del duelo, la pérdida y el peso silencioso de la condición humana. El resultado es una experiencia auditiva melódica, oscura y melancólica que resonará entre los fans en búsqueda de Metal emocional.

"Echoes" es innegablemente melódico, construido sobre armonías de guitarra melancólicas y una atmósfera densa que entrelaza voces limpias y growls en algo vasto y personal. El álbum se inscribe en la tradición del Melodeath finlandés, creando un paisaje sonoro fuerte y triste. Temas como la vida, la muerte, la pérdida y el amor impregnan cada tema, con canciones como On The Edge Of The Cliff, la mejor del trabajo, profundiza en la desesperación y la depresión sin perder su agresividad.

Sin embargo, "Echoes" no es un disco revolucionario. Su sonido tiende a evocar -como dije- a bandas finlandesas del género, diría que en particular a Insomnium-con melancolía y líneas de guitarra solista melódicas que resultan más familiares que innovadoras. Si bien la banda ejecuta este estilo con competencia, el álbum carece del impacto visceral y la fuerza que caracterizan a los discos pioneros de los que se inspira. Los riffs al estilo de Gotemburgo y los elementos de Doom atmosférico están bien elaborados, pero no aportan nada nuevo.

Lo que sí logra Ethereal Darkness es un disco que invita a la escucha. Es un álbum al que se puede volver una y otra vez, especialmente si te apasiona el estilo y se deja colar fácil. "Echoes" posee clase melódica que puede consolar sin ser suave e impactar sin insensibilizar. Otros temas como The Cycle y  el magnus opus de cierre, Realization construyen canciones elaboradas y multifacéticas que transmiten intensidad emocional.

Sin embargo, la ambición del álbum se convierte en su limitación. Con una duración aproximada de sesenta minutos y seis composiciones, se siente demasiado largo, sobre todo hacia el final. Alguna canción o dos podrían haber sido más concisas, por lo que el disco, por su vertiente amplia, a veces se pierde en sí mismo. Si bien alcanza una genuina intensidad la mayor parte del tiempo, nunca llega a lograr la contundencia arrolladora de sus influencias. 

"Echoes" es una obra interesante en un año donde el Melodeath todavía no ha terminado de mostrar sus colores. Es un álbum serio y sustancial para los oyentes que buscan este tipo de sonidos. Sin embargo, quienes esperen innovación o la contundencia del Death Melódico clásico podrían encontrarlo sólido pero poco destacable: un disco digno de escuchar, pero sin la fuerza de los discos que lo inspiran.

7.5/10

Immolation - "Descent" (Death)

Immolation vuelve con un muy buen trabajo, de los que nos tienen mal acostumbrados. Está claro porque son una de las mejores bandas de Death, esta gente tuvo una trayectoria legendaria a finales de los 90's y un poco más con clásicos como "Here In After" (1996), "Close to A World Below" (1999) y "Unholy Cult" (2002), y desde entonces sus álbumes se han mantenido en un punto intermedio entre decentes y buenos. Ahora siguen demostrando que aún tienen que ofrecer.

Con precisos cuarenta y dos minutos de duración, "Descent" es conciso, directo e implacablemente brutal, una poderosa declaración de que siguen estando entre los mejores del Metal extremo. Este no es el álbum con cinco años de retraso como parecía "Acts of God" (2022); es más nítido y directo, cambiando los pasajes extensos y relativamente melódicos por una agresividad universal. Mientras que ese trabajo fue su álbum más largo hasta la fecha y a veces divagaba, "Descent" golpea sin dar respiro.

Comparado con "Kingdom Of Conspiracy" (2013), que para mí sigue siendo el mejor de su etapa moderna y que califico como imprescindible, "Descent" redobla la apuesta por lo que hace que Immolation sea aterrador: un ritmo implacable, una atmósfera asfixiante y un control infalible que pocas bandas pueden igualar.  Immolation demuestra una técnica impecable y una ejecución precisa de principio a fin, adentrándose en sus intrincadas estructuras musicales que se retuercen como un laberinto de terror. 

Las guitarras de "Descent" son ardientes, la batería ruidosa y caótica, y todo te deja atónito. Los riffs son contundentes y pegadizos -algo poco común en el Death-, mientras que la voz de Ross Dolan se alza imponente e inamovible, tan potente como siempre, con unos guturales que no parecen haber envejecido. Los solos del guitarrista Robert Vigna se elevan con una intensidad descontrolada que añade un toque casi psicótico a la agresividad.

Lo verdaderamente asombroso es ver a Immolation en esta forma después de tantos años. Suenan como ellos mismos; nadie más suena como Immolation; muchos solo parecen influenciados por ellos. La producción moderna aporta claridad sin mermar su capacidad de arrollar y dominar, potenciando su fuerza en lugar de diluirla. Temas como el que abre el álbum, These Vengeful Winds, y el que le da título, Descent (un resumen de seis minutos de todo lo que explora el disco), demuestran que el cuarteto dedicó tiempo a perfeccionar este trabajo. Si pensabas que la época dorada del Death había terminado, piénsalo de nuevo, Immolation acaba de demostrar que el trono aún tiene dueño.

8.5/10. Excelente portada.

Archspire - "Too Fast To Die" (Technical Death)

En "Too Fast To Die", Archspire pisa el acelerador a fondo y lo deja ahí pegado con cinta adhesiva. Le das al play y al instante te sumerges en su familiar torbellino de riffs contundentes, voces ametralladora y ejecuciones matemáticamente imposibles: ese tipo de Death Técnico que te deja las muñecas doloridas solo de escucharlo. En ese sentido, este disco continúa la senda original de la banda: más rápido, más compacto y más descabellado que casi cualquier otro.

Pero aquí está el truco: si bien es otra sólida incorporación a su discografía, no eleva su legado a otro nivel. "Too Fast To Die" es más una vuelta de honor que un nuevo hito; un disco que dice 'seguimos siendo los mejores en esto'. Comparado con "Relentless Mutation" (2017) y "Bleed the Future" (2021), este álbum se siente como la primera vez que Archspire no se supera a sí mismo. En el primero fue el momento en que fusionaron una precisión inhumana con composiciones realmente memorables, y el segundo lo perfeccionó hasta convertirlo en un Deathtech casi perfecto.

"Too Fast To Die", en cambio, a menudo se siente como un poco como un dlc de "Bleed the Future": el mismo motor principal, pero con menos momentos de asombro. Los temas pasan volando en tan solo treinta y nueve minutos, pero hay menos picos distintivos; es más una explosión continua de competencia que un viaje lleno de hitos destacados. Los fans que buscan velocidad y brutalidad pura quedarán satisfechos; los que esperan otro salto evolutivo podrían encogerse de hombros y volver a "Bleed the Future".

El inconveniente más evidente de este trabajo reside en la grabación y la producción. "Too Fast To Die" está masterizado con un volumen ensordecedor, donde todo suena fuerte constantemente. La mezcla se siente sobrecomprimida, y las guitarras, en particular, suenan extrañamente apagadas y congestionadas, careciendo de la nitidez característica de sus discos anteriores. En álbumes anteriores, incluso a máxima velocidad, se podían distinguir los riffs y las líneas melódicas; aquí, esa claridad se pierde en una masa sonora densa con demasiada frecuencia. Para una banda cuyo estilo se basa en microdetalles a una velocidad vertiginosa, esto supone una desventaja considerable.

Dentro de lo más positivo está el nuevo baterista, Spencer Moore. Ocupar el puesto de uno de los bateristas más respetados del género parecía una misión suicida, pero Moore lo clava. Las críticas señalan, con razón, que 'se defiende a la perfección', y si no supieras que la formación ha cambiado, probablemente ni lo notarías, salvo que algunos redobles y transiciones suenan aún más fluidos y dinámicos.

"Too Fast To Die" es un muy buen disco, divertido, vertiginoso y absolutamente desmesurado que ofrece exactamente lo que se espera de Archspire, y esa es a la vez su mayor fortaleza y su límite. Continúa la trayectoria original de la banda, caracterizada por una velocidad frenética y una maestría musical asombrosa, pero no expande su legado de forma significativa como lo hicieron sus dos álbumes anteriores.

8/10

Power Paladin - “Beyond The Reach Of Enchantment” (Power)

“Beyond The Reach Of Enchantment” es el sonido de Power Paladin redoblando la apuesta por dragones, mazmorras y dopamina, solo que esta vez han cambiado parte de la sorpresa de su álbum debut por un sonido más contundente y listo para la batalla. Es absolutamente épico, gloriosamente impregnado de fantasía, tremendamente enérgico, melódico y descaradamente inspirador; y sí, blande una espada más pesada que “With The Magic Of Windfyre Steel” (2022).

Desde el tema inicial la banda se lanza directamente a la batalla con riffs abrasadores, ritmos de doble bombo y un estribillo que suena como si hubiera sido creado por un consejo de magos. La producción le da un toque extra de fuerza: las guitarras rítmicas golpean con más fuerza, la batería tiene un golpe más profundo y todo se siente como el debut después de un largo descanso. Se percibe esa mayor contundencia en la forma en que los riffs retumban bajo los estribillos y en el ocasional toque thrash que se cuela en canciones como la épica final, Valediction.

El factor fantástico, por supuesto, está presente. Glade Lords Of Athel Loren suena exactamente como su título: un recorrido galopante por los bosques de Warhammer con solos que se disparan como proyectiles mágicos perdidos. The Royal Road y Aegis Of Eternity continúan con la especialidad de la banda: Power melódico y turboalimentado que, de alguna manera, te hace creer que deberías llevar una capa mientras lavas los platos. Y The Arcane Tower, con la participación especial de Tommy Johansson, es básicamente una declaración de principios en forma de canción: solos triunfales, voces imponentes y un estribillo tan potente que se puede ver desde el espacio.

Una de las virtudes ocultas del álbum es su carácter juguetón sin perder ritmo. Camelot Rock City es puro rock heroico con un toque de humor negro, fusionando la arrogancia del Rock 'n Roll con la grandilocuencia del Power. Sin embargo, hay un detalle: este disco no es tan impactante como su debut. Aquel debut llegó como un ataque sorpresa: fresco, ágil y repleto de temas que se convirtieron en clásicos instantáneos, dejando a los fanáticos del Power boquiabiertos, preguntándose: ¿De dónde salieron estos islandeses?. El nuevo disco se siente más como una secuela segura que como una revelación: más grande, más pesado, más pulido, pero sin ese par de temas impactantes que te elevan a la estratosfera desde la primera escucha.

En otras palabras, "Beyond The Reach Of Enchantment" es una aventura épica, llena de fantasía, enérgica, melódica y estimulante que demuestra que Power Paladin no es un grupo pasajero, simplemente no alcanza el nivel mágico de "With The Magic Of Windfyre Steel". Para los seguidores específicos vale la pena.

7/10

Triumpher - "Piercing The Heart Of The World" (True / Heavy)

"Piercing The Heart Of The World" de Triumpher es una declaración de una de las bandas de Metal épico más emocionantes de la década de 2020, y llega con la intención -al menos, honesta- de convertirse en un clásico del género. Con raíces en el Heavy tradicional, fusiona riffs contundentes, himnos de batalla y melodías envolventes con matices más duros, sonando como los herederos de Manowar, quienes de alguna manera conservaron el buen gusto y añadieron nuevos matices a su sonido.

Desde el primer ataque de Black Blood -la mejor del disco- junto a la de cerrar Naus Apidalia, Triumpher deja claro dónde reside su esencia: un Metal potente y épico, construido sobre riffs monumentales y ritmos galopantes. Las guitarras marchan con la melodía clásica del Heavy y el Power, mientras que la sección rítmica impulsa todo con potentes golpes de doble bombo y ritmos marciales que parecen hechos a medida para puños en alto y gargantas roncas en primera fila. Estilísticamente, se percibe la influencia de los mencionado Manowar y Virgin Steele en la atmósfera heroica y la composición épica, pero Triumpher evita los excesos caricaturescos en favor de una composición concisa y una auténtica tensión dramática.

Vocalmente, su cantante Mars Triumph ofrece uno de los puntos fuertes del álbum, con una interpretación versátil, no tan impactante como el Eric Adams de los inicios, pero muy competente. Pasa de un barítono ronco y autoritario a growls más ásperos, con coros y voces superpuestas que recuerdan a Bathory y al Metal épico clásico, sin perder su toque personal. Para mi, el lema del álbum, es ser 'herederos in pectore de Manowar, pero con buen gusto', cosa que sus ungidos públicamente y ya desaparecidos legatarios, Majesty, no lograron nunca.

En cuanto a la producción, el disco logra un equilibrio entre claridad y potencia bruta, manteniendo un sonido orgánico y contundente, a la vez que permite que cada instrumento respire. Las guitarras penetran sin sonar estériles, el bajo brilla con un tono redondo, y la batería golpea con fuerza sin opacar los matices ni los coros. 

En definitiva, “Piercing The Heart Of The World” se siente como un hito para Triumpher, aunque todavía le falte un par de temas verdaderamente transcendentes. Sin embargo se trata de una buena colección de canciones de Heavy/True, impulsadas por una voz versátil e instrumentación inteligente que nunca traiciona la esencia del género. Si alguna vez te has preguntado cómo sonaría Manowar con blast beats, un sonido más oscuro y una mayor atención a la dinámica y la atmósfera, este álbum ofrece esa respuesta.

7.5/10

Hellripper - "Coronach" (Melodic Black / Thrash / Speed)

"Coronach", el más reciente álbum de Hellripper, es la declaración más completa y letal hasta la fecha del genio escocés James McBain, único miembro permanente y artífice de esta máquina de velocidad. Partiendo de la reputación del proyecto, el álbum lleva su mezcla de Black, Speed, Punk y Thrash a un sitio más oscuro, expansivo e innegablemente interesante. Se siente como su disco donde cada aspecto del sonido se enfoca con mas precisión, dando como resultado lo que se erige como su mejor trabajo hasta la fecha.

Desde los primeros segundos, "Coronach" es oscuro, galopante e implacablemente enérgico, avanzando constantemente con riffs vertiginosos y una actitud salvaje. Temas como Hunderprest irrumpen con una batería atronadora, líneas de trémolo abrasadoras y cambios rítmicos que mantienen la violencia contenida, siempre al borde de la explosión. McBain infunde velocidad y agresividad con una sorprendente dosis de melodía, permitiendo que los solos épicos atraviesen el caos sin atenuar el tono siniestro del álbum. El resultado es una música satánica y feroz, pero extrañamente contagiosa y divertida, que captura el espíritu exagerado del Metal sin caer jamás en la parodia.

Lo que para mi realmente eleva a "Coronach" es el trabajo de guitarra, que se sitúa entre las mejores interpretaciones de guitarra grabadas en lo que va de año. Los solos -uno de los grandes olvidados de los últimos años por el Metal- llegan en el momento preciso, con una técnica depurada y una estructura meticulosa. Los temas donde más destaca este elemento son el mencionado en el párrafo anterior, Kinchyle (Goatkraft and Granite) y la de cierre, Coronach, esta última nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

A pesar de su violencia, "Coronach" nunca se desmorona en un caos absoluto gracias a su sólida instrumentación y una producción clara y potente. Cada instrumento destaca en la mezcla, preservando la esencia independiente de un proyecto en solitario, pero con un sonido lejos de ser lo-fi. Los growls-barra-screams de McBain se alzan con una presencia imponente. Se percibe que este músico ha volcado todo lo que ama del Metal extremo —el horror escocés, el Thrash clásico, la furia oscura y la actitud Punk— en los ocho temas y cuarenta y cinco minutos que dura el trabajo.

"Coronach" perfecciona la fórmula de Hellripper: riffs vertiginosos y oscuros, descarada actitud y el Speed Thrash con tintes ocultistas de sus trabajos anteriores elevándolos a un nivel más duro, rápido y afilado que nunca. En un año ya repleto de lanzamientos de Metal de gran calidad, este trabajo destaca como uno de los favoritos a estar en las listas de todo el mundo.

8.5/10. Portadaza.

Gaerea - "Loss" (Alternative / Melodic Metalcore)

Quiero titular este comentario 'Cuando la evolución conduce a la erosión'. Pocas bandas de Metal moderno han logrado combinar ferocidad y emoción con tanta fuerza como Gaerea. Con "Coma" (2024) y "Mirage" (2022), el colectivo portugués forjó una voz propia dentro del Black, fusionando una agresividad sombría con una atmósfera cinematográfica y una profundidad melódica. Estos discos no solo eran intensos, sino también emocionalmente inteligentes, equilibrando la desesperación y la trascendencia con un singular sentido de propósito. Desafortunadamente, su último lanzamiento, "Loss", supone un decepcionante alejamiento de esa maestría.

Mientras que "Mirage" es bastante escuchable y "Coma" rebosaba intensidad, "Loss" simplemente se estanca. El giro de la banda, alejándose de sus raíces de Black Melódico para adentrarse en un híbrido de Alternativo y Metalcore Melódico, que pudo haber sido interesante en teoría, pero en la práctica resulta desacertado y extrañamente vacío. En lugar de expandir su sonido, Gaerea parece haberlo diluido, suavizando las texturas desgarradoras y la rabia catártica que alguna vez los definieron, hasta convertirlas en algo excesivamente pulido y emocionalmente inerte.

La diferencia más evidente radica en la producción. "Loss" suena limpio, incluso aséptico, despojado de la crudeza que alguna vez hizo que la música de Gaerea fuera tan visceral. Las guitarras carecen de fuerza; la batería, antes un torbellino de precisión y caos, ahora suena mecánica. El vocalista Guilherme Henriques aún tiene presencia, pero sus gritos se ven relegados en la mezcla, como si el álbum mismo se resistiera a confrontar la crudeza que solía ser el sello distintivo de la banda.

Estilísticamente, Gaerea experimenta con estribillos melódicos, cambios de ritmo predecibles y un enfoque más cercano al Metal comercial de lo que sus fans podrían esperar. Los momentos que buscan la introspección resultan vacilantes en lugar de conmovedores. El resultado no es una evolución hacia la profundidad emocional, sino una pérdida -acertadamente titulada- de la intensidad y el propósito que alguna vez los hicieron tan cautivadores. Incluso cuando la banda intenta generar impulso, las canciones rara vez prenden; se mantienen latentes, dan vueltas y se disuelven sin dejar una huella duradera.

Es importante señalar que el cambio, en sí mismo, no es el problema. Las bandas evolucionan; el estancamiento es la muerte del arte. Pero "Loss" no suena a progresión artística, sino a concesión. Las melodías son formuladas, las letras carecen de la oscuridad poética de sus trabajos anteriores y la experiencia general es curiosamente impersonal. En esencia, "Loss" no representa una transformación, sino una erosión: de poder, de emoción, de identidad. Para una banda que alguna vez fue aclamada como la abanderada de la vanguardia emocional del estilo, esa erosión se siente verdaderamente trágica.

6/10

Neurosis - “An Undying Love For A Burning World” (Sludge)

“An Undying Love For A Burning World” es una declaración de intenciones tardía -esta gente tiene cuarenta años haciendo esto- que muestra a Neurosis refinando sus instintos Sludge hasta convertirlos en algo grandioso, centrado y emocionalmente devastador. Suena como una banda plenamente consciente de su legado, pero decidida a seguir adelante en lugar de vivir de glorias pasadas.

Desde los primeros compases, el disco es inconfundiblemente atmosférico y ominoso, envolviendo sus riffs en texturas reverberantes, retroalimentación suspendida y electrónica distante que evoca nubes de tormenta que se acumulan en el horizonte. Las guitarras se mantienen densas y abrasivas, pero la banda deja mucho espacio a su alrededor, permitiendo que sintetizadores y percusión se integren en la mezcla hasta que todo se siente denso y casi asfixiante. Esta densidad nunca se convierte en desorden; al contrario, contribuye a una atmósfera sombría y melancólica que recorre todo el álbum.

La ira siempre ha sido una parte esencial del lenguaje de Neurosis, y aquí se siente más madura, más controlada y más desesperada, en lugar de juvenil o explosiva. Las voces estallan en aullidos desgarradores sobre progresiones de acordes lentas y aplastantes, dotando a las canciones de una rabia apenas contenida que encaja a la perfección con los temas del álbum: crisis, pérdida y perseverancia en un mundo en llamas.

El ruido se utiliza tanto como arma como atmósfera, haciendo del álbum una experiencia ruidosa e hipnótica a la vez. En lugar de un estruendo constante, Neurosis emplea oleadas de distorsión, electrónica y bajos saturados que suben y bajan, atrayendo al oyente a patrones largos y cíclicos. La repetición se convierte en una herramienta de trance: los riffs regresan ligeramente alterados, los ritmos se desfasan y uno se encuentra atrapado en el pulso interno de la banda casi sin darse cuenta.

Sus mejores canciones son First Red Rays y Last Light. la primera se desarrolla lentamente desde unos comienzos tranquilos, casi frágiles, hasta unos riffs imponentes y majestuosos que canalizan tanto tristeza como furia, encarnando la mezcla de reflexión y agresividad del álbum. La segunda y que cierra el disco se extiende por unos epopéyicos diecisiete minutos, entrelazando electrónica pulsante, sonoridades expansivas de Space Rock y colosales riffs de Sludge en un único y catártico final. En conjunto todo hace que “An Undying Love For A Burning World” sea atmosférico, ominoso, furioso, denso, sombrío, ruidoso e hipnótico; prueba de que Neurosis aún puede encontrar nuevos territorios emocionales dentro del lenguaje del Sludge que ayudaron a codificar.

8/10

Angus McSix - “Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye” (Power)

“Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye” es una muestra divertida y exagerada del Power épico y extravagante que uno espera del proyecto post-Gloryhammer de Thomas Winkler, pero que rara vez supera lo aceptable y nunca llega a rivalizar con su antigua banda en su mejor momento.

El álbum se centra en ritmos vertiginosos, coros grandilocuentes y -demasiados- teclados sinfónicos, todo ello envuelto en una producción pulida que evoca fantasía y el lore que Angus McSix desarrolla en sus canciones. 6666, I Am Adam McSix son, junto con The Power Of Metal, de los temas más destacados: himnos con grandes orquestaciones, una batería ágil y solos de guitarra llamativos, perfectos para corear en festivales. 

La calidad musical es aceptable, desde la melodía principal hasta la sólida base rítmica, pero con un abuso descarado y casi abusivo de los teclados, lo que le quita bastante organicidad. La voz de Winkler sigue siendo potente y carismática, alcanzando los agudos heroicos y el fraseo teatral que lo convirtieron en uno de los favoritos del público, además de que el universo de Angus McSix se ha expandido en directo y en sencillos donde la banda ha colaborado con grupos como Feuerschwanz, Warkings, y Orden Ogan, todos parte del mismo ecosistema teatral del Power/Folk. En este disco, Angus McSix invita a Van Canto, Freedom Call, Rhapsody Of Fire y algún otro, lo que subraya la naturalidad con la que este proyecto encaja en una red de bandas del norte de Europa.

Sin embargo, este trabajo sigue siendo menos comparado con los mejores trabajos de Gloryhammer y respecto al anterior de la banda, "Angus McSix and the Sword of Power" (2023), no le veo mayores diferencias, incluso puede que hasta un poco más plástico, si se puede, aunque captura una sensación similar de diversión grandilocuente. Total, es tu Power cursi estándar, con algunas canciones y momentos disfrutables, pero que carece de dientes más afilados que lo hagan memorable.

6.5/10

PD. Un amable lector me hizo caer en cuenta del error de que Winkler no seguía siendo el cantante de la banda, lo que más allá del 'mea culpa', comprueba que el disco es solo aceptable y bastante formulista. Como dicen los andaluces: es igua'