Archspire - "Too Fast To Die" (Technical Death)

En "Too Fast To Die", Archspire pisa el acelerador a fondo y lo deja ahí pegado con cinta adhesiva. Le das al play y al instante te sumerges en su familiar torbellino de riffs contundentes, voces ametralladora y ejecuciones matemáticamente imposibles: ese tipo de Death Técnico que te deja las muñecas doloridas solo de escucharlo. En ese sentido, este disco continúa la senda original de la banda: más rápido, más compacto y más descabellado que casi cualquier otro.

Pero aquí está el truco: si bien es otra sólida incorporación a su discografía, no eleva su legado a otro nivel. "Too Fast To Die" es más una vuelta de honor que un nuevo hito; un disco que dice 'seguimos siendo los mejores en esto'. Comparado con "Relentless Mutation" (2017) y "Bleed the Future" (2021), este álbum se siente como la primera vez que Archspire no se supera a sí mismo. En el primero fue el momento en que fusionaron una precisión inhumana con composiciones realmente memorables, y el segundo lo perfeccionó hasta convertirlo en un Deathtech casi perfecto.

"Too Fast To Die", en cambio, a menudo se siente como un poco como un dlc de "Bleed the Future": el mismo motor principal, pero con menos momentos de asombro. Los temas pasan volando en tan solo treinta y nueve minutos, pero hay menos picos distintivos; es más una explosión continua de competencia que un viaje lleno de hitos destacados. Los fans que buscan velocidad y brutalidad pura quedarán satisfechos; los que esperan otro salto evolutivo podrían encogerse de hombros y volver a "Bleed the Future".

El inconveniente más evidente de este trabajo reside en la grabación y la producción. "Too Fast To Die" está masterizado con un volumen ensordecedor, donde todo suena fuerte constantemente. La mezcla se siente sobrecomprimida, y las guitarras, en particular, suenan extrañamente apagadas y congestionadas, careciendo de la nitidez característica de sus discos anteriores. En álbumes anteriores, incluso a máxima velocidad, se podían distinguir los riffs y las líneas melódicas; aquí, esa claridad se pierde en una masa sonora densa con demasiada frecuencia. Para una banda cuyo estilo se basa en microdetalles a una velocidad vertiginosa, esto supone una desventaja considerable.

Dentro de lo más positivo está el nuevo baterista, Spencer Moore. Ocupar el puesto de uno de los bateristas más respetados del género parecía una misión suicida, pero Moore lo clava. Las críticas señalan, con razón, que 'se defiende a la perfección', y si no supieras que la formación ha cambiado, probablemente ni lo notarías, salvo que algunos redobles y transiciones suenan aún más fluidos y dinámicos.

"Too Fast To Die" es un muy buen disco, divertido, vertiginoso y absolutamente desmesurado que ofrece exactamente lo que se espera de Archspire, y esa es a la vez su mayor fortaleza y su límite. Continúa la trayectoria original de la banda, caracterizada por una velocidad frenética y una maestría musical asombrosa, pero no expande su legado de forma significativa como lo hicieron sus dos álbumes anteriores.

8/10

Power Paladin - “Beyond The Reach Of Enchantment” (Power)

“Beyond The Reach Of Enchantment” es el sonido de Power Paladin redoblando la apuesta por dragones, mazmorras y dopamina, solo que esta vez han cambiado parte de la sorpresa de su álbum debut por un sonido más contundente y listo para la batalla. Es absolutamente épico, gloriosamente impregnado de fantasía, tremendamente enérgico, melódico y descaradamente inspirador; y sí, blande una espada más pesada que “With The Magic Of Windfyre Steel” (2022).

Desde el tema inicial la banda se lanza directamente a la batalla con riffs abrasadores, ritmos de doble bombo y un estribillo que suena como si hubiera sido creado por un consejo de magos. La producción le da un toque extra de fuerza: las guitarras rítmicas golpean con más fuerza, la batería tiene un golpe más profundo y todo se siente como el debut después de un largo descanso. Se percibe esa mayor contundencia en la forma en que los riffs retumban bajo los estribillos y en el ocasional toque thrash que se cuela en canciones como la épica final, Valediction.

El factor fantástico, por supuesto, está presente. Glade Lords Of Athel Loren suena exactamente como su título: un recorrido galopante por los bosques de Warhammer con solos que se disparan como proyectiles mágicos perdidos. The Royal Road y Aegis Of Eternity continúan con la especialidad de la banda: Power melódico y turboalimentado que, de alguna manera, te hace creer que deberías llevar una capa mientras lavas los platos. Y The Arcane Tower, con la participación especial de Tommy Johansson, es básicamente una declaración de principios en forma de canción: solos triunfales, voces imponentes y un estribillo tan potente que se puede ver desde el espacio.

Una de las virtudes ocultas del álbum es su carácter juguetón sin perder ritmo. Camelot Rock City es puro rock heroico con un toque de humor negro, fusionando la arrogancia del Rock 'n Roll con la grandilocuencia del Power. Sin embargo, hay un detalle: este disco no es tan impactante como su debut. Aquel debut llegó como un ataque sorpresa: fresco, ágil y repleto de temas que se convirtieron en clásicos instantáneos, dejando a los fanáticos del Power boquiabiertos, preguntándose: ¿De dónde salieron estos islandeses?. El nuevo disco se siente más como una secuela segura que como una revelación: más grande, más pesado, más pulido, pero sin ese par de temas impactantes que te elevan a la estratosfera desde la primera escucha.

En otras palabras, "Beyond The Reach Of Enchantment" es una aventura épica, llena de fantasía, enérgica, melódica y estimulante que demuestra que Power Paladin no es un grupo pasajero, simplemente no alcanza el nivel mágico de "With The Magic Of Windfyre Steel". Para los seguidores específicos vale la pena.

7/10

Triumpher - "Piercing The Heart Of The World" (True / Heavy)

"Piercing The Heart Of The World" de Triumpher es una declaración de una de las bandas de Metal épico más emocionantes de la década de 2020, y llega con la intención -al menos, honesta- de convertirse en un clásico del género. Con raíces en el Heavy tradicional, fusiona riffs contundentes, himnos de batalla y melodías envolventes con matices más duros, sonando como los herederos de Manowar, quienes de alguna manera conservaron el buen gusto y añadieron nuevos matices a su sonido.

Desde el primer ataque de Black Blood -la mejor del disco- junto a la de cerrar Naus Apidalia, Triumpher deja claro dónde reside su esencia: un Metal potente y épico, construido sobre riffs monumentales y ritmos galopantes. Las guitarras marchan con la melodía clásica del Heavy y el Power, mientras que la sección rítmica impulsa todo con potentes golpes de doble bombo y ritmos marciales que parecen hechos a medida para puños en alto y gargantas roncas en primera fila. Estilísticamente, se percibe la influencia de los mencionado Manowar y Virgin Steele en la atmósfera heroica y la composición épica, pero Triumpher evita los excesos caricaturescos en favor de una composición concisa y una auténtica tensión dramática.

Vocalmente, su cantante Mars Triumph ofrece uno de los puntos fuertes del álbum, con una interpretación versátil, no tan impactante como el Eric Adams de los inicios, pero muy competente. Pasa de un barítono ronco y autoritario a growls más ásperos, con coros y voces superpuestas que recuerdan a Bathory y al Metal épico clásico, sin perder su toque personal. Para mi, el lema del álbum, es ser 'herederos in pectore de Manowar, pero con buen gusto', cosa que sus ungidos públicamente y ya desaparecidos legatarios, Majesty, no lograron nunca.

En cuanto a la producción, el disco logra un equilibrio entre claridad y potencia bruta, manteniendo un sonido orgánico y contundente, a la vez que permite que cada instrumento respire. Las guitarras penetran sin sonar estériles, el bajo brilla con un tono redondo, y la batería golpea con fuerza sin opacar los matices ni los coros. 

En definitiva, “Piercing The Heart Of The World” se siente como un hito para Triumpher, aunque todavía le falte un par de temas verdaderamente transcendentes. Sin embargo se trata de una buena colección de canciones de Heavy/True, impulsadas por una voz versátil e instrumentación inteligente que nunca traiciona la esencia del género. Si alguna vez te has preguntado cómo sonaría Manowar con blast beats, un sonido más oscuro y una mayor atención a la dinámica y la atmósfera, este álbum ofrece esa respuesta.

7.5/10

Hellripper - "Coronach" (Melodic Black / Thrash / Speed)

"Coronach", el más reciente álbum de Hellripper, es la declaración más completa y letal hasta la fecha del genio escocés James McBain, único miembro permanente y artífice de esta máquina de velocidad. Partiendo de la reputación del proyecto, el álbum lleva su mezcla de Black, Speed, Punk y Thrash a un sitio más oscuro, expansivo e innegablemente interesante. Se siente como su disco donde cada aspecto del sonido se enfoca con mas precisión, dando como resultado lo que se erige como su mejor trabajo hasta la fecha.

Desde los primeros segundos, "Coronach" es oscuro, galopante e implacablemente enérgico, avanzando constantemente con riffs vertiginosos y una actitud salvaje. Temas como Hunderprest irrumpen con una batería atronadora, líneas de trémolo abrasadoras y cambios rítmicos que mantienen la violencia contenida, siempre al borde de la explosión. McBain infunde velocidad y agresividad con una sorprendente dosis de melodía, permitiendo que los solos épicos atraviesen el caos sin atenuar el tono siniestro del álbum. El resultado es una música satánica y feroz, pero extrañamente contagiosa y divertida, que captura el espíritu exagerado del Metal sin caer jamás en la parodia.

Lo que para mi realmente eleva a "Coronach" es el trabajo de guitarra, que se sitúa entre las mejores interpretaciones de guitarra grabadas en lo que va de año. Los solos -uno de los grandes olvidados de los últimos años por el Metal- llegan en el momento preciso, con una técnica depurada y una estructura meticulosa. Los temas donde más destaca este elemento son el mencionado en el párrafo anterior, Kinchyle (Goatkraft and Granite) y la de cierre, Coronach, esta última nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

A pesar de su violencia, "Coronach" nunca se desmorona en un caos absoluto gracias a su sólida instrumentación y una producción clara y potente. Cada instrumento destaca en la mezcla, preservando la esencia independiente de un proyecto en solitario, pero con un sonido lejos de ser lo-fi. Los growls-barra-screams de McBain se alzan con una presencia imponente. Se percibe que este músico ha volcado todo lo que ama del Metal extremo —el horror escocés, el Thrash clásico, la furia oscura y la actitud Punk— en los ocho temas y cuarenta y cinco minutos que dura el trabajo.

"Coronach" perfecciona la fórmula de Hellripper: riffs vertiginosos y oscuros, descarada actitud y el Speed Thrash con tintes ocultistas de sus trabajos anteriores elevándolos a un nivel más duro, rápido y afilado que nunca. En un año ya repleto de lanzamientos de Metal de gran calidad, este trabajo destaca como uno de los favoritos a estar en las listas de todo el mundo.

8.5/10. Portadaza.

Gaerea - "Loss" (Alternative / Melodic Metalcore)

Quiero titular este comentario 'Cuando la evolución conduce a la erosión'. Pocas bandas de Metal moderno han logrado combinar ferocidad y emoción con tanta fuerza como Gaerea. Con "Coma" (2024) y "Mirage" (2022), el colectivo portugués forjó una voz propia dentro del Black, fusionando una agresividad sombría con una atmósfera cinematográfica y una profundidad melódica. Estos discos no solo eran intensos, sino también emocionalmente inteligentes, equilibrando la desesperación y la trascendencia con un singular sentido de propósito. Desafortunadamente, su último lanzamiento, "Loss", supone un decepcionante alejamiento de esa maestría.

Mientras que "Mirage" es bastante escuchable y "Coma" rebosaba intensidad, "Loss" simplemente se estanca. El giro de la banda, alejándose de sus raíces de Black Melódico para adentrarse en un híbrido de Alternativo y Metalcore Melódico, que pudo haber sido interesante en teoría, pero en la práctica resulta desacertado y extrañamente vacío. En lugar de expandir su sonido, Gaerea parece haberlo diluido, suavizando las texturas desgarradoras y la rabia catártica que alguna vez los definieron, hasta convertirlas en algo excesivamente pulido y emocionalmente inerte.

La diferencia más evidente radica en la producción. "Loss" suena limpio, incluso aséptico, despojado de la crudeza que alguna vez hizo que la música de Gaerea fuera tan visceral. Las guitarras carecen de fuerza; la batería, antes un torbellino de precisión y caos, ahora suena mecánica. El vocalista Guilherme Henriques aún tiene presencia, pero sus gritos se ven relegados en la mezcla, como si el álbum mismo se resistiera a confrontar la crudeza que solía ser el sello distintivo de la banda.

Estilísticamente, Gaerea experimenta con estribillos melódicos, cambios de ritmo predecibles y un enfoque más cercano al Metal comercial de lo que sus fans podrían esperar. Los momentos que buscan la introspección resultan vacilantes en lugar de conmovedores. El resultado no es una evolución hacia la profundidad emocional, sino una pérdida -acertadamente titulada- de la intensidad y el propósito que alguna vez los hicieron tan cautivadores. Incluso cuando la banda intenta generar impulso, las canciones rara vez prenden; se mantienen latentes, dan vueltas y se disuelven sin dejar una huella duradera.

Es importante señalar que el cambio, en sí mismo, no es el problema. Las bandas evolucionan; el estancamiento es la muerte del arte. Pero "Loss" no suena a progresión artística, sino a concesión. Las melodías son formuladas, las letras carecen de la oscuridad poética de sus trabajos anteriores y la experiencia general es curiosamente impersonal. En esencia, "Loss" no representa una transformación, sino una erosión: de poder, de emoción, de identidad. Para una banda que alguna vez fue aclamada como la abanderada de la vanguardia emocional del estilo, esa erosión se siente verdaderamente trágica.

6/10

Neurosis - “An Undying Love For A Burning World” (Sludge)

“An Undying Love For A Burning World” es una declaración de intenciones tardía -esta gente tiene cuarenta años haciendo esto- que muestra a Neurosis refinando sus instintos Sludge hasta convertirlos en algo grandioso, centrado y emocionalmente devastador. Suena como una banda plenamente consciente de su legado, pero decidida a seguir adelante en lugar de vivir de glorias pasadas.

Desde los primeros compases, el disco es inconfundiblemente atmosférico y ominoso, envolviendo sus riffs en texturas reverberantes, retroalimentación suspendida y electrónica distante que evoca nubes de tormenta que se acumulan en el horizonte. Las guitarras se mantienen densas y abrasivas, pero la banda deja mucho espacio a su alrededor, permitiendo que sintetizadores y percusión se integren en la mezcla hasta que todo se siente denso y casi asfixiante. Esta densidad nunca se convierte en desorden; al contrario, contribuye a una atmósfera sombría y melancólica que recorre todo el álbum.

La ira siempre ha sido una parte esencial del lenguaje de Neurosis, y aquí se siente más madura, más controlada y más desesperada, en lugar de juvenil o explosiva. Las voces estallan en aullidos desgarradores sobre progresiones de acordes lentas y aplastantes, dotando a las canciones de una rabia apenas contenida que encaja a la perfección con los temas del álbum: crisis, pérdida y perseverancia en un mundo en llamas.

El ruido se utiliza tanto como arma como atmósfera, haciendo del álbum una experiencia ruidosa e hipnótica a la vez. En lugar de un estruendo constante, Neurosis emplea oleadas de distorsión, electrónica y bajos saturados que suben y bajan, atrayendo al oyente a patrones largos y cíclicos. La repetición se convierte en una herramienta de trance: los riffs regresan ligeramente alterados, los ritmos se desfasan y uno se encuentra atrapado en el pulso interno de la banda casi sin darse cuenta.

Sus mejores canciones son First Red Rays y Last Light. la primera se desarrolla lentamente desde unos comienzos tranquilos, casi frágiles, hasta unos riffs imponentes y majestuosos que canalizan tanto tristeza como furia, encarnando la mezcla de reflexión y agresividad del álbum. La segunda y que cierra el disco se extiende por unos epopéyicos diecisiete minutos, entrelazando electrónica pulsante, sonoridades expansivas de Space Rock y colosales riffs de Sludge en un único y catártico final. En conjunto todo hace que “An Undying Love For A Burning World” sea atmosférico, ominoso, furioso, denso, sombrío, ruidoso e hipnótico; prueba de que Neurosis aún puede encontrar nuevos territorios emocionales dentro del lenguaje del Sludge que ayudaron a codificar.

8/10

Angus McSix - “Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye” (Power)

“Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye” es una muestra divertida y exagerada del Power épico y extravagante que uno espera del proyecto post-Gloryhammer de Thomas Winkler, pero que rara vez supera lo aceptable y nunca llega a rivalizar con su antigua banda en su mejor momento.

El álbum se centra en ritmos vertiginosos, coros grandilocuentes y -demasiados- teclados sinfónicos, todo ello envuelto en una producción pulida que evoca fantasía y el lore que Angus McSix desarrolla en sus canciones. 6666, I Am Adam McSix son, junto con The Power Of Metal, de los temas más destacados: himnos con grandes orquestaciones, una batería ágil y solos de guitarra llamativos, perfectos para corear en festivales. 

La calidad musical es aceptable, desde la melodía principal hasta la sólida base rítmica, pero con un abuso descarado y casi abusivo de los teclados, lo que le quita bastante organicidad. La voz de Winkler sigue siendo potente y carismática, alcanzando los agudos heroicos y el fraseo teatral que lo convirtieron en uno de los favoritos del público, además de que el universo de Angus McSix se ha expandido en directo y en sencillos donde la banda ha colaborado con grupos como Feuerschwanz, Warkings, y Orden Ogan, todos parte del mismo ecosistema teatral del Power/Folk. En este disco, Angus McSix invita a Van Canto, Freedom Call, Rhapsody Of Fire y algún otro, lo que subraya la naturalidad con la que este proyecto encaja en una red de bandas del norte de Europa.

Sin embargo, este trabajo sigue siendo menos comparado con los mejores trabajos de Gloryhammer y respecto al anterior de la banda, "Angus McSix and the Sword of Power" (2023), no le veo mayores diferencias, incluso puede que hasta un poco más plástico, si se puede, aunque captura una sensación similar de diversión grandilocuente. Total, es tu Power cursi estándar, con algunas canciones y momentos disfrutables, pero que carece de dientes más afilados que lo hagan memorable.

6.5/10

PD. Un amable lector me hizo caer en cuenta del error de que Winkler no seguía siendo el cantante de la banda, lo que más allá del 'mea culpa', comprueba que el disco es solo aceptable y bastante formulista. Como dicen los andaluces: es igua'

Miserere Luminis - "Sidera" (Black / Atmospheric Black / Art Metal)

"Sidera" de los canadienses francófonos Miserere Luminis, es una impresionante muestra del Black, un álbum donde la agresividad, la melancolía y la ambición artística se fusionan en una experiencia profundamente emotiva. A lo largo de sus cinco extensas canciones, la banda refina su sonido hasta convertirlo en algo a la vez atmosférico, íntimo y explosivamente catártico.

"Sidera" se presenta como una continuación y culminación del camino abierto en "Ordalie" (2023), pero todo se siente más nítido, más enfocado y más audaz -discazo que deben también oir-. El trío de Montreal entrelaza un Black angustioso con paisajes sonoros cinematográficos y texturas contemplativas, creando un disco que funciona como un cuerpo emocional en constante transformación. Esto le confiere a "Sidera" un aura distintivamente artística: para mi es Art Metal en el sentido de que la estructura, la dinámica y el timbre se tratan como herramientas narrativas en lugar de obligaciones del género.

Estilísticamente, el álbum se sitúa en la intersección del Black y su subgénero, el Atmosférico, pero constantemente desafía los tópicos esperados de ambos. En lugar de recurrir a interminables pasajes de trémolo o clímax de blast beat directos, Miserere Luminis construye composiciones fluidas donde los estados de ánimo evolucionan orgánicamente, a veces deteniéndose en una frágil introspección antes de estallar en una violencia salvaje. El resultado es una música melancólica y cambiante, que oscila constantemente entre la desesperación susurrada y los estallidos aterradores, pero siempre anclada en una sólida línea melódica y emocional.

La lista de canciones -Les fleurs de l’exil, Aux bras des vagues & des vomissures, À la douleur de l’aube y ans la voie de nos lumières— se lee como una suite poética, y las canciones hacen honor a esos títulos, la segunda pieza De cris & de cendres me parece de una calidad especial y la voy a dejar nominada a Canción del Año de ELOMC, pero realmente cualquiera podría alzarse con ese título, siento que es un disco que de punta a punta es un refugio para el espíritu. El piano y las cuerdas crean espacios introspectivos, casi litúrgicos, sobre los que las guitarras despliegan arpegios hipnóticos y solos vertiginosos que remiten tanto al Post como al Black Depresivo. Cuando finalmente estallan la batería y los gritos, el impacto es total, pero nunca gratuito; cada explosión se siente merecida.

Emocionalmente, "Sidera" es una epopeya melancólica, impregnada de tristeza, anhelo y tensión existencial, pero animada por una feroz voluntad de vivir. La banda explora con gran profundidad la tensión entre la fragilidad humana y la inmensidad cósmica, entre el instinto y el significado, lo que convierte al álbum no solo en una obra emotiva, sino también genuinamente reflexiva. En definitiva, "Sidera" es melancólico, agresivo, explosivo, profundo, cambiante y emotivo a partes iguales: un álbum que recompensa la escucha atenta y que destaca como una de las fusiones más fascinantes de Black Metal, Black Metal Atmosférico y Art Metal de los últimos tiempos.

10/10 Un disco perfecto y para atesorar, clarísimo contendiente a Disco del Año de ELOMC.

Exhumed - "Red Asphalt" (Death / Grindcore)

"Red Asphalt" de Exhumed es un álbum contundente, caótico y macabro que trata sobre una sola cosa: accidentes de vehículos y todas las pesadillas sangrientas que surgen cuando los metaleros pasan demasiado tiempo mirando a la carretera. Anunciado por la banda y la prensa como un disco obsesionado con las carreteras estadounidenses, "Red Asphalt" se aleja de las morgues y quirófanos habituales de la banda para acercarse a una carnicería vehicular que recorre cada tema, lo que hace que llamarlo 'álbum conceptual' suene irónico. 

Desde Unsafe at Any Speed hasta Death on Four Wheels y Symphorophilia, el álbum se centra en choques múltiples, gases tóxicos y metal retorcido como eje narrativo, centrándose en curiosos asesinos en serie con vehículos y demonios de carretera que usan la autopista como su matadero personal. Exhumed siempre ha estado obsesionado con el terror, pero aquí canalizan esa fijación hacia lo más mundano y cotidiano de simplemente ponerse al volante.

Musicalmente, "Red Asphalt" es todo lo que un buen álbum de Death con tintes Grindcore debería ser: rápido, directo y absolutamente despiadado y extrañamente divertido. El disco tiene la duración ideal de treinta y seis minutos, ofreciendo diez temas compactos sin interludios innecesarios, solo ritmos que te dejan con blastbeats y riffs que oscilan entre la brutalidad del trémolo de la vieja escuela y secciones demoledoras que hacen que la cabeza se bata.

La producción es contundente y caótica como exigen los esquemas: sucia pero lo suficientemente clara para que se puede seguir cada riff. El ataque vocal dual de Matt Harvey y Ross Sewage sigue siendo una de las armas más fiables de Exhumed. Al final, "Red Asphalt" puede que esté usando el término 'álbum conceptual' con bastante ligereza, pero ese enfoque despreocupado forma parte de su encanto; es menos una narrativa ordenada y más una extensa acumulación de riffs y gritos de horror. 

Como un contundente, caótico y macabro disco de Death, dedicado por completo a accidentes automovilísticos, ofrece exactamente lo que promete la premisa y quizás un poco más, demostrando que Exhumed no solo ha encontrado una nueva forma de ser repugnante, sino también de ser divertido.

8/10

 

Mayhem - "Liturgy Of Death" (Black)

"Liturgy Of Death" de Mayhem no es una reinvención del legado de la banda, sino una declaración vigorosa y sorprendentemente interesante al final de su carrera, donde refinan armas conocidas en lugar de forjar otras nuevas. Dentro de ese marco, logra ofrecer varias ideas interesantes, especialmente en su segunda mitad, rica en texturas, que se convierte silenciosamente en el principal atractivo del álbum.

El disco surge siete años después de "Daemon" (2019), con la formación ya consolidada de Attila Csihar, Necrobutcher, Teloch, Ghul y Hellhammer, que suena cómoda en su piel actual -recordarle a los neófitos que esta es 'La Banda' de Black, junto con dos o tres más-. Temas iniciales como Ephemeral Eternity y Despair se apoyan en arreglos densos, alternando entre violencia asfixiante y pasajes inquietantes, casi cinematográficos, y demuestran claramente que Mayhem sigue comprometido con la abstracción y la disonancia, en lugar del enfoque basado en ganchos más melódicos que muchos colegas han adoptado. Por momentos, este primer tramo parece una continuación de la estética refinada de "Daemon" y "Esoteric Warfare" (2014).

A partir de Funeral Of Existence, el disco cobra una velocidad mucho más convincente, convirtiendo su segunda mitad en la parte más memorable y cohesiva de la experiencia. Realm Of Endless Misery y Propitious Death impulsan esto aún más, jugando con el tempo y la textura para que cada explosión de velocidad se sienta ganada en lugar de obligatoria, y el control de la banda sobre el flujo del sonido se convierte en uno de los placeres silenciosos del álbum. Este tramo se siente como Mayhem en su momento más concentrado en años, no necesariamente innovador para su catálogo, pero sí agudo, variado y consistentemente cautivador.

La pieza central de cierre, The Sentence Of Absolution, es donde "Liturgy Of Death" se impone con fuerza. Construida sobre solos mordaces y una base rítmica impenetrable, la canción muta gradualmente de un asalto ansioso de Black a algo más ritualista, permitiendo que sintetizadores y guitarras disonantes se arremolinen alrededor de la voz cambiante de Attila antes de que la composición se disuelva en una coda de percusión tribal, similar a un canto. Aquí, Mayhem entreteje melodías y patrones de percusión con sabor árabe, lo que refuerza el aura de la pieza. El resultado es un final que se siente a la vez teatral y extrañamente íntimo, cerrando el álbum con pulsos de tambores y voces espectrales que perduran mucho después de que se desvanece el último growl. Nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

En definitiva, "Liturgy Of Death" no revoluciona la historia de Mayhem ni derriba sus lanzamientos canónicos, pero sí presenta un refinamiento seguro y a veces un poco aventurero, de su sonido moderno que recompensa la escucha completa del álbum. Es menos un nuevo capítulo que un oscuro epílogo de una historia ya escrita, pero aun así es apasionante, divertido y, en ocasiones, fascinante.

7.5/10