Hellripper - "Coronach" (Melodic Black / Thrash / Speed)

"Coronach", el más reciente álbum de Hellripper, es la declaración más completa y letal hasta la fecha del genio escocés James McBain, único miembro permanente y artífice de esta máquina de velocidad. Partiendo de la reputación del proyecto, el álbum lleva su mezcla de Black, Speed, Punk y Thrash a un sitio más oscuro, expansivo e innegablemente interesante. Se siente como su disco donde cada aspecto del sonido se enfoca con mas precisión, dando como resultado lo que se erige como su mejor trabajo hasta la fecha.

Desde los primeros segundos, "Coronach" es oscuro, galopante e implacablemente enérgico, avanzando constantemente con riffs vertiginosos y una actitud salvaje. Temas como Hunderprest irrumpen con una batería atronadora, líneas de trémolo abrasadoras y cambios rítmicos que mantienen la violencia contenida, siempre al borde de la explosión. McBain infunde velocidad y agresividad con una sorprendente dosis de melodía, permitiendo que los solos épicos atraviesen el caos sin atenuar el tono siniestro del álbum. El resultado es una música satánica y feroz, pero extrañamente contagiosa y divertida, que captura el espíritu exagerado del Metal sin caer jamás en la parodia.

Lo que para mi realmente eleva a "Coronach" es el trabajo de guitarra, que se sitúa entre las mejores interpretaciones de guitarra grabadas en lo que va de año. Los solos -uno de los grandes olvidados de los últimos años por el Metal- llegan en el momento preciso, con una técnica depurada y una estructura meticulosa. Los temas donde más destaca este elemento son el mencionado en el párrafo anterior, Kinchyle (Goatkraft and Granite) y la de cierre, Coronach, esta última nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

A pesar de su violencia, "Coronach" nunca se desmorona en un caos absoluto gracias a su sólida instrumentación y una producción clara y potente. Cada instrumento destaca en la mezcla, preservando la esencia independiente de un proyecto en solitario, pero con un sonido lejos de ser lo-fi. Los growls-barra-screams de McBain se alzan con una presencia imponente. Se percibe que este músico ha volcado todo lo que ama del Metal extremo —el horror escocés, el Thrash clásico, la furia oscura y la actitud Punk— en los ocho temas y cuarenta y cinco minutos que dura el trabajo.

"Coronach" perfecciona la fórmula de Hellripper: riffs vertiginosos y oscuros, descarada actitud y el Speed Thrash con tintes ocultistas de sus trabajos anteriores elevándolos a un nivel más duro, rápido y afilado que nunca. En un año ya repleto de lanzamientos de Metal de gran calidad, este trabajo destaca como uno de los favoritos a estar en las listas de todo el mundo.

8.5/10. Portadaza.

Gaerea - "Loss" (Alternative / Melodic Metalcore)

Quiero titular este comentario 'Cuando la evolución conduce a la erosión'. Pocas bandas de Metal moderno han logrado combinar ferocidad y emoción con tanta fuerza como Gaerea. Con "Coma" (2024) y "Mirage" (2022), el colectivo portugués forjó una voz propia dentro del Black, fusionando una agresividad sombría con una atmósfera cinematográfica y una profundidad melódica. Estos discos no solo eran intensos, sino también emocionalmente inteligentes, equilibrando la desesperación y la trascendencia con un singular sentido de propósito. Desafortunadamente, su último lanzamiento, "Loss", supone un decepcionante alejamiento de esa maestría.

Mientras que "Mirage" es bastante escuchable y "Coma" rebosaba intensidad, "Loss" simplemente se estanca. El giro de la banda, alejándose de sus raíces de Black Melódico para adentrarse en un híbrido de Alternativo y Metalcore Melódico, que pudo haber sido interesante en teoría, pero en la práctica resulta desacertado y extrañamente vacío. En lugar de expandir su sonido, Gaerea parece haberlo diluido, suavizando las texturas desgarradoras y la rabia catártica que alguna vez los definieron, hasta convertirlas en algo excesivamente pulido y emocionalmente inerte.

La diferencia más evidente radica en la producción. "Loss" suena limpio, incluso aséptico, despojado de la crudeza que alguna vez hizo que la música de Gaerea fuera tan visceral. Las guitarras carecen de fuerza; la batería, antes un torbellino de precisión y caos, ahora suena mecánica. El vocalista Guilherme Henriques aún tiene presencia, pero sus gritos se ven relegados en la mezcla, como si el álbum mismo se resistiera a confrontar la crudeza que solía ser el sello distintivo de la banda.

Estilísticamente, Gaerea experimenta con estribillos melódicos, cambios de ritmo predecibles y un enfoque más cercano al Metal comercial de lo que sus fans podrían esperar. Los momentos que buscan la introspección resultan vacilantes en lugar de conmovedores. El resultado no es una evolución hacia la profundidad emocional, sino una pérdida -acertadamente titulada- de la intensidad y el propósito que alguna vez los hicieron tan cautivadores. Incluso cuando la banda intenta generar impulso, las canciones rara vez prenden; se mantienen latentes, dan vueltas y se disuelven sin dejar una huella duradera.

Es importante señalar que el cambio, en sí mismo, no es el problema. Las bandas evolucionan; el estancamiento es la muerte del arte. Pero "Loss" no suena a progresión artística, sino a concesión. Las melodías son formuladas, las letras carecen de la oscuridad poética de sus trabajos anteriores y la experiencia general es curiosamente impersonal. En esencia, "Loss" no representa una transformación, sino una erosión: de poder, de emoción, de identidad. Para una banda que alguna vez fue aclamada como la abanderada de la vanguardia emocional del estilo, esa erosión se siente verdaderamente trágica.

6/10

Neurosis - “An Undying Love For A Burning World” (Sludge)

“An Undying Love For A Burning World” es una declaración de intenciones tardía -esta gente tiene cuarenta años haciendo esto- que muestra a Neurosis refinando sus instintos Sludge hasta convertirlos en algo grandioso, centrado y emocionalmente devastador. Suena como una banda plenamente consciente de su legado, pero decidida a seguir adelante en lugar de vivir de glorias pasadas.

Desde los primeros compases, el disco es inconfundiblemente atmosférico y ominoso, envolviendo sus riffs en texturas reverberantes, retroalimentación suspendida y electrónica distante que evoca nubes de tormenta que se acumulan en el horizonte. Las guitarras se mantienen densas y abrasivas, pero la banda deja mucho espacio a su alrededor, permitiendo que sintetizadores y percusión se integren en la mezcla hasta que todo se siente denso y casi asfixiante. Esta densidad nunca se convierte en desorden; al contrario, contribuye a una atmósfera sombría y melancólica que recorre todo el álbum.

La ira siempre ha sido una parte esencial del lenguaje de Neurosis, y aquí se siente más madura, más controlada y más desesperada, en lugar de juvenil o explosiva. Las voces estallan en aullidos desgarradores sobre progresiones de acordes lentas y aplastantes, dotando a las canciones de una rabia apenas contenida que encaja a la perfección con los temas del álbum: crisis, pérdida y perseverancia en un mundo en llamas.

El ruido se utiliza tanto como arma como atmósfera, haciendo del álbum una experiencia ruidosa e hipnótica a la vez. En lugar de un estruendo constante, Neurosis emplea oleadas de distorsión, electrónica y bajos saturados que suben y bajan, atrayendo al oyente a patrones largos y cíclicos. La repetición se convierte en una herramienta de trance: los riffs regresan ligeramente alterados, los ritmos se desfasan y uno se encuentra atrapado en el pulso interno de la banda casi sin darse cuenta.

Sus mejores canciones son First Red Rays y Last Light. la primera se desarrolla lentamente desde unos comienzos tranquilos, casi frágiles, hasta unos riffs imponentes y majestuosos que canalizan tanto tristeza como furia, encarnando la mezcla de reflexión y agresividad del álbum. La segunda y que cierra el disco se extiende por unos epopéyicos diecisiete minutos, entrelazando electrónica pulsante, sonoridades expansivas de Space Rock y colosales riffs de Sludge en un único y catártico final. En conjunto todo hace que “An Undying Love For A Burning World” sea atmosférico, ominoso, furioso, denso, sombrío, ruidoso e hipnótico; prueba de que Neurosis aún puede encontrar nuevos territorios emocionales dentro del lenguaje del Sludge que ayudaron a codificar.

8/10

Angus McSix - “Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye” (Power)

“Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye” es una muestra divertida y exagerada del Power épico y extravagante que uno espera del proyecto post-Gloryhammer de Thomas Winkler, pero que rara vez supera lo aceptable y nunca llega a rivalizar con su antigua banda en su mejor momento.

El álbum se centra en ritmos vertiginosos, coros grandilocuentes y -demasiados- teclados sinfónicos, todo ello envuelto en una producción pulida que evoca fantasía y el lore que Angus McSix desarrolla en sus canciones. 6666, I Am Adam McSix son, junto con The Power Of Metal, de los temas más destacados: himnos con grandes orquestaciones, una batería ágil y solos de guitarra llamativos, perfectos para corear en festivales. 

La calidad musical es aceptable, desde la melodía principal hasta la sólida base rítmica, pero con un abuso descarado y casi abusivo de los teclados, lo que le quita bastante organicidad. La voz de Winkler sigue siendo potente y carismática, alcanzando los agudos heroicos y el fraseo teatral que lo convirtieron en uno de los favoritos del público, además de que el universo de Angus McSix se ha expandido en directo y en sencillos donde la banda ha colaborado con grupos como Feuerschwanz, Warkings, y Orden Ogan, todos parte del mismo ecosistema teatral del Power/Folk. En este disco, Angus McSix invita a Van Canto, Freedom Call, Rhapsody Of Fire y algún otro, lo que subraya la naturalidad con la que este proyecto encaja en una red de bandas del norte de Europa.

Sin embargo, este trabajo sigue siendo menos comparado con los mejores trabajos de Gloryhammer y respecto al anterior de la banda, "Angus McSix and the Sword of Power" (2023), no le veo mayores diferencias, incluso puede que hasta un poco más plástico, si se puede, aunque captura una sensación similar de diversión grandilocuente. Total, es tu Power cursi estándar, con algunas canciones y momentos disfrutables, pero que carece de dientes más afilados que lo hagan memorable.

6.5/10

PD. Un amable lector me hizo caer en cuenta del error de que Winkler no seguía siendo el cantante de la banda, lo que más allá del 'mea culpa', comprueba que el disco es solo aceptable y bastante formulista. Como dicen los andaluces: es igua'

Miserere Luminis - "Sidera" (Black / Atmospheric Black / Art Metal)

"Sidera" de los canadienses francófonos Miserere Luminis, es una impresionante muestra del Black, un álbum donde la agresividad, la melancolía y la ambición artística se fusionan en una experiencia profundamente emotiva. A lo largo de sus cinco extensas canciones, la banda refina su sonido hasta convertirlo en algo a la vez atmosférico, íntimo y explosivamente catártico.

"Sidera" se presenta como una continuación y culminación del camino abierto en "Ordalie" (2023), pero todo se siente más nítido, más enfocado y más audaz -discazo que deben también oir-. El trío de Montreal entrelaza un Black angustioso con paisajes sonoros cinematográficos y texturas contemplativas, creando un disco que funciona como un cuerpo emocional en constante transformación. Esto le confiere a "Sidera" un aura distintivamente artística: para mi es Art Metal en el sentido de que la estructura, la dinámica y el timbre se tratan como herramientas narrativas en lugar de obligaciones del género.

Estilísticamente, el álbum se sitúa en la intersección del Black y su subgénero, el Atmosférico, pero constantemente desafía los tópicos esperados de ambos. En lugar de recurrir a interminables pasajes de trémolo o clímax de blast beat directos, Miserere Luminis construye composiciones fluidas donde los estados de ánimo evolucionan orgánicamente, a veces deteniéndose en una frágil introspección antes de estallar en una violencia salvaje. El resultado es una música melancólica y cambiante, que oscila constantemente entre la desesperación susurrada y los estallidos aterradores, pero siempre anclada en una sólida línea melódica y emocional.

La lista de canciones -Les fleurs de l’exil, Aux bras des vagues & des vomissures, À la douleur de l’aube y ans la voie de nos lumières— se lee como una suite poética, y las canciones hacen honor a esos títulos, la segunda pieza De cris & de cendres me parece de una calidad especial y la voy a dejar nominada a Canción del Año de ELOMC, pero realmente cualquiera podría alzarse con ese título, siento que es un disco que de punta a punta es un refugio para el espíritu. El piano y las cuerdas crean espacios introspectivos, casi litúrgicos, sobre los que las guitarras despliegan arpegios hipnóticos y solos vertiginosos que remiten tanto al Post como al Black Depresivo. Cuando finalmente estallan la batería y los gritos, el impacto es total, pero nunca gratuito; cada explosión se siente merecida.

Emocionalmente, "Sidera" es una epopeya melancólica, impregnada de tristeza, anhelo y tensión existencial, pero animada por una feroz voluntad de vivir. La banda explora con gran profundidad la tensión entre la fragilidad humana y la inmensidad cósmica, entre el instinto y el significado, lo que convierte al álbum no solo en una obra emotiva, sino también genuinamente reflexiva. En definitiva, "Sidera" es melancólico, agresivo, explosivo, profundo, cambiante y emotivo a partes iguales: un álbum que recompensa la escucha atenta y que destaca como una de las fusiones más fascinantes de Black Metal, Black Metal Atmosférico y Art Metal de los últimos tiempos.

10/10 Un disco perfecto y para atesorar, clarísimo contendiente a Disco del Año de ELOMC.

Exhumed - "Red Asphalt" (Death / Grindcore)

"Red Asphalt" de Exhumed es un álbum contundente, caótico y macabro que trata sobre una sola cosa: accidentes de vehículos y todas las pesadillas sangrientas que surgen cuando los metaleros pasan demasiado tiempo mirando a la carretera. Anunciado por la banda y la prensa como un disco obsesionado con las carreteras estadounidenses, "Red Asphalt" se aleja de las morgues y quirófanos habituales de la banda para acercarse a una carnicería vehicular que recorre cada tema, lo que hace que llamarlo 'álbum conceptual' suene irónico. 

Desde Unsafe at Any Speed hasta Death on Four Wheels y Symphorophilia, el álbum se centra en choques múltiples, gases tóxicos y metal retorcido como eje narrativo, centrándose en curiosos asesinos en serie con vehículos y demonios de carretera que usan la autopista como su matadero personal. Exhumed siempre ha estado obsesionado con el terror, pero aquí canalizan esa fijación hacia lo más mundano y cotidiano de simplemente ponerse al volante.

Musicalmente, "Red Asphalt" es todo lo que un buen álbum de Death con tintes Grindcore debería ser: rápido, directo y absolutamente despiadado y extrañamente divertido. El disco tiene la duración ideal de treinta y seis minutos, ofreciendo diez temas compactos sin interludios innecesarios, solo ritmos que te dejan con blastbeats y riffs que oscilan entre la brutalidad del trémolo de la vieja escuela y secciones demoledoras que hacen que la cabeza se bata.

La producción es contundente y caótica como exigen los esquemas: sucia pero lo suficientemente clara para que se puede seguir cada riff. El ataque vocal dual de Matt Harvey y Ross Sewage sigue siendo una de las armas más fiables de Exhumed. Al final, "Red Asphalt" puede que esté usando el término 'álbum conceptual' con bastante ligereza, pero ese enfoque despreocupado forma parte de su encanto; es menos una narrativa ordenada y más una extensa acumulación de riffs y gritos de horror. 

Como un contundente, caótico y macabro disco de Death, dedicado por completo a accidentes automovilísticos, ofrece exactamente lo que promete la premisa y quizás un poco más, demostrando que Exhumed no solo ha encontrado una nueva forma de ser repugnante, sino también de ser divertido.

8/10

 

Mayhem - "Liturgy Of Death" (Black)

"Liturgy Of Death" de Mayhem no es una reinvención del legado de la banda, sino una declaración vigorosa y sorprendentemente interesante al final de su carrera, donde refinan armas conocidas en lugar de forjar otras nuevas. Dentro de ese marco, logra ofrecer varias ideas interesantes, especialmente en su segunda mitad, rica en texturas, que se convierte silenciosamente en el principal atractivo del álbum.

El disco surge siete años después de "Daemon" (2019), con la formación ya consolidada de Attila Csihar, Necrobutcher, Teloch, Ghul y Hellhammer, que suena cómoda en su piel actual -recordarle a los neófitos que esta es 'La Banda' de Black, junto con dos o tres más-. Temas iniciales como Ephemeral Eternity y Despair se apoyan en arreglos densos, alternando entre violencia asfixiante y pasajes inquietantes, casi cinematográficos, y demuestran claramente que Mayhem sigue comprometido con la abstracción y la disonancia, en lugar del enfoque basado en ganchos más melódicos que muchos colegas han adoptado. Por momentos, este primer tramo parece una continuación de la estética refinada de "Daemon" y "Esoteric Warfare" (2014).

A partir de Funeral Of Existence, el disco cobra una velocidad mucho más convincente, convirtiendo su segunda mitad en la parte más memorable y cohesiva de la experiencia. Realm Of Endless Misery y Propitious Death impulsan esto aún más, jugando con el tempo y la textura para que cada explosión de velocidad se sienta ganada en lugar de obligatoria, y el control de la banda sobre el flujo del sonido se convierte en uno de los placeres silenciosos del álbum. Este tramo se siente como Mayhem en su momento más concentrado en años, no necesariamente innovador para su catálogo, pero sí agudo, variado y consistentemente cautivador.

La pieza central de cierre, The Sentence Of Absolution, es donde "Liturgy Of Death" se impone con fuerza. Construida sobre solos mordaces y una base rítmica impenetrable, la canción muta gradualmente de un asalto ansioso de Black a algo más ritualista, permitiendo que sintetizadores y guitarras disonantes se arremolinen alrededor de la voz cambiante de Attila antes de que la composición se disuelva en una coda de percusión tribal, similar a un canto. Aquí, Mayhem entreteje melodías y patrones de percusión con sabor árabe, lo que refuerza el aura de la pieza. El resultado es un final que se siente a la vez teatral y extrañamente íntimo, cerrando el álbum con pulsos de tambores y voces espectrales que perduran mucho después de que se desvanece el último growl. Nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

En definitiva, "Liturgy Of Death" no revoluciona la historia de Mayhem ni derriba sus lanzamientos canónicos, pero sí presenta un refinamiento seguro y a veces un poco aventurero, de su sonido moderno que recompensa la escucha completa del álbum. Es menos un nuevo capítulo que un oscuro epílogo de una historia ya escrita, pero aun así es apasionante, divertido y, en ocasiones, fascinante.

7.5/10

 

Cryptic Shift - "Overspace & Supertime" (Technical Thrash / Technical Death / Jazz / Avant-Prog)

El segundo álbum de larga duración de Cryptic Shift, "Overspace & Supertime", es una inmersión de casi ochenta minutos y cinco canciones en el exceso de la ciencia ficción Techdeath que o bien te hará sentir con una emocionante liberación de la estructura... o como estar atrapado en una lavadora. Es deliberadamente amorfo, orgullosamente demasiado largo y casi cómicamente hostil a la oída desprejuiciada, las listas de reproducción o la escucha casual de fondo.

El disco consta de tan solo cinco temas, con tres piezas de unos diez minutos, una cerca de los veinte minutos y un coloso que roza la media hora. Títulos como Cryogenically Frozen, Hexagonal Eyes (Diverity Trepaphymphasyzm) y Stratocumulus Evergaol indican inmediatamente que estamos en territorio de abstracción: la narrativa de ciencia ficción y la atmósfera alienígena importan mucho más que la memorabilidad o el gancho. En lugar de construir canciones en torno a temas recurrentes o arcos argumentales convencionales, Cryptic Shift opta por largas cadenas de estallidos de sonido, riffs, explosiones, cambios de tempo y cambios de textura que aparecen, se queman y desaparecen. En teoría, cada composición es una suite épica de múltiples movimientos; en la práctica, a menudo da la sensación de que la canción comienza en algún punto, rebota a través de una docena de giros intencionales y tangentes accidentales, y solo llega a un final porque la banda decide dejar de tocar.

Estilísticamente, "Overspace & Supertime" se sitúa en una extraña intersección de Thrash Técnico, Death, Jazz y Avant-Prog. La experiencia general se acerca más a géneros muy under, tipo Chaos Core o Death Fusion: un bombardeo continuo de ideas donde los sonidos Grind coexisten con pasajes extensos, casi jazzísticos, y una atmósfera cósmica.

Hay momentos de brillantez, pero estas islas de estructura reconocible están rodeadas de océanos de caos, y para muchos oyentes la experiencia resultará más arbitraria que épica, más agotadora que inmersiva. "Overspace & Supertime" no es 'malo' en ningún sentido directo; es profundamente comprometido, desbordantemente imaginativo y ejecutado con una destreza asombrosa. También es caótico, intangible y, por momentos, exasperantemente inaccesible; un álbum que parece priorizar la extrema duración y complejidad por encima de la claridad emocional o la narrativa.

Si necesitas que los riffs resurjan, que los elementos raros resuelvan o que las canciones se sientan como viajes en lugar de sonidos cohesionados, "Overspace & Supertime" probablemente será un objeto fascinante, para mí es desconcertante, impresionante y casi único, pero imposible de amar sin compromisos, demasiado raro aunque tiene sus momentos y probablemente su público.

7/10

 

Lovebites - "Outstanding Power" (J-Power)

"Outstanding Power" marca el quinto álbum de estudio de la banda femenina japonesa de Power, Lovebites. El disco llega en medio de la creciente presencia global de la banda, una contrato con Napalm Records y una actuación histórica en el icónico Budokan de Tokio programada poco después del lanzamiento, yo las vi hace dos años y me sorprendieron gratamente.

A primera vista, "Outstanding Power" suena exactamente como lo promete el título: una exhibición de maestría técnica, riffs potentes y un ritmo trepidante. Temas como The Castaway abren con un Power dramático y potente y las brillantes líneas de tinte Neoclasical que los fans esperan de Lovebites. El ataque característico de la banda con dos guitarras, cortesía de Midori y Miyako, es, como siempre, nítido y logrado, y la batería de Haruna es tan precisa y ultra rápida como siempre.

Sin embargo, donde "Outstanding Power" se diferencia de los trabajos previos más aclamados de la banda no es en la instrumentación ni en la maestría, sino en la composición y la memorabilidad. En "Judgement Day" (2023), Lovebites presentó un disco que muchos críticos y fans consideramos uno de los más cohesivos y convincentes, con estribillos sobresalientes y un ritmo implacable que, sin embargo, encontró espacio para la melodía y la energía de un himno. Las reseñas de la época elogiaron sus vigorosos riffs y su entrega llena de energía, y algunos críticos lo calificaron como una declaración definitiva y una sólida evolución para la banda.

En contraste, "Outstanding Power" a menudo se siente más como una recopilación de trucos metaleros competentes que como un conjunto de canciones realmente cautivadoras. A lo largo de sus doce temas, es sorprendentemente difícil encontrar momentos verdaderamente pegadizos. La actuación de la banda es técnicamente impecable, pero el álbum lucha por justificar consistentemente sus sesenta y cuatro minutos de duración con material inolvidable; muchos temas se funden sin los ganchos emotivos o memorables que hicieron que las canciones de su anterior perduraran mucho después de la última nota. No se trata de habilidad -Lovebites  toca con fluidez y estilo-, sino de la composición.

Algunas piezas individuales brillan algo: arreglos de medio tiempo como Dream of King ofrecen un contraste ligeramente más contemplativo que el ariete de la alta velocidad, y la inclusión de una balada Eternally demuestra la voluntad de la banda de respirar y diversificarse. Pero incluso estos momentos tienden a sentirse aislados en lugar de ser fundamentales para la trayectoria del álbum. En general, "Outstanding Power" a veces se siente demasiado largo y carente de momentos verdaderamente sobresalientes, a pesar de los momentos de estilo instrumental.

En definitiva, "Outstanding Power" es un trabajo bien ejecutado que satisfará a los fans incondicionales de Lovebites y a los entusiastas del J-power que aprecian la destreza técnica. Sin embargo, en comparación con su anterior álbum, se queda corto, dejando la sensación de que la banda ha perfeccionado su maquinaria, pero aún no ha creado los himnos memorables que elevarían este disco a las mismas alturas. A pesar de toda su energía y destreza, "Outstanding Power" está, irónicamente, lejos de ser realmente excepcional

6.5/10

Fossilization - "Advent Of Wounds" (Death)

“Advent Of Wounds” de Fossilization es una imponente pieza de Death donde los elementos más oscuros y sofocantes del género se llevan a un extremo abrumador. Sobre todo, su mayor característica diferencial es su oscuridad y densidad: cada tema se siente como si uno se arrastrara por una cueva llena de humo y ceniza. El disco es denso, cavernoso, siniestro, macabro y atmosférico, uniendo Death, Doom y texturas Black en una única visión opresiva que nunca pierde su enfoque.

Fossilization, un dúo brasileño elogiado en varios sitios por su trabajo en “Leprous Daylight” (2023), destaca por su inclinación hacia el Death turbio y Doom de la vieja escuela, manteniendo una composición precisa y decidida, evitando divagar. La producción se siente deliberadamente envuelta en la sombra: las guitarras vibran como maquinaria subterránea, la batería retumba y las voces emergen cavernosas.

Lo que realmente eleva "Advent Of Wounds" es la composición de riffs. El álbum está repleto de riffs muy interesantes que van más allá de la forma habitual 'mono-estructural', a menudo parten de un motivo sencillo y luego evolucionan hacia una secuencia mucho más elaborada y de varias partes. Las canciones respiran y mutan: los tempos se tambalean, las líneas de trémolo se transforman en disonancias atmosféricas y las figuras recurrentes reaparecen en formas alteradas, dotando al disco de una sensación narrativa y cohesión. 

El trío de canciones iniciales es especialmente devastador, y las mejores el disco, Cremation Of A Seraph, Disentombed And Reassembled By The Ages y Scalded By His Sacred Halo. La primera marca el tono con ritmos y riffs frenéticos e inexorables que se enroscan como invocaciones sepulcrales, sumergiendo al oyente en un mundo sonoro desolador y aplastante. La segunda destaca por su arco dinámico, que se ralentiza hacia pasajes Doom antes de redoblar la velocidad, una evolución estructural que se siente a la vez épica y castigadora y la tercera profundiza aún más la atmósfera, entrelazando figuras melódicas inquietantes con su violencia, de modo que la canción se siente a la vez litúrgica y enfermiza, como un ritual realizado en un templo en ruinas, clara nominación a Canción del Año de ELOMC. 

A lo largo de su metraje, “Advent Of Wounds” ofrece una excelente lección de cómo el Metal extremo puede ser a la vez brutalmente directo y audaz en su composición. Es oscuro y denso, pero rico en detalles e intención, recompensando la escucha atenta con capas de textura y desarrollo que van mucho más allá de los clichés del género. Para quienes buscan un Death cavernoso, siniestro, macabro y atmosférico cuidadosamente construido, lo último de Fossilization no solo es recomendable, sino que se siente imprescindible.

8.5/10