Lo Mejor del Metal 2024 - Premiación virtual de El Lado Oscuro - Metal Crítica

Pensaba que no iba a ser posible, pero me pude poner al día, lo que para efectos prácticos me da el suficiente material para realizar una lista de fin de año medianamente decente. Con el recordatorio usual de las inevitables ausencias que produce el hecho de que me es imposible cubrir todo lo que debería conformar una lista completa, me permito hacer esta recopilación con los casi sesenta trabajos revisados, de una manera más sucinta que en años anteriores, con el objeto -mayormente- de leer sus comentarios.

2024 se puede definir como el año en que el Metal demostró que está tan imparable como siempre. Las leyendas volvieron rugiendo con álbumes que nos recordaban por qué son los mejores, mientras que los recién llegados arrasaron en la escena, hambrientos e implacables.

Movimos la cabeza al ritmo de historias de caos, rebelión e himnos que nos hicieron sentir invencibles. Ya fueran epopeyas progresivas, canciones cargadas de fatalidad o alborotos alimentados por la distorsión, el fuego del Metal ardió como siempre. Así que, sube el volumen al 11 y sumerjámonos en los lanzamientos más impactantes del año.

Al punto:

MEJOR DISCO PROGRESSIVE:

Los nominados son:

Caligula's Horse - "Charcoal Grace" (Progressive)

Iotunn - "Kinship" (Progressive / Melodic Death)

In Vain - "Solemn" (Melodic Death / Melodic Black / Progressive)

Opeth - "The Last Will And Testament" (Progressive Death)

Thy Catafalque - "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" (Blackened Progressive / Folk)

Extraordinaria competencia, cualquiera de ellos estaría justificada su elección. Pero como solo uno puede ser el que prevalezca, pues elijo como el Mejor Disco Progressive:

Thy Catafalque - "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" (Blackened Progressive / Folk)

 

 

MEJOR DISCO POWER / HEAVY / NWOBHM:

Los nominados son:

 

Judas Priest - "Invincible Shield" (NWOBHM)

Savage Oath - "Divine Battle" (American Heavy Metal)

Vhäldemar - "Sanctuary Of Death" (Power / Heavy / Speed)

Wintersun - "Time II" (Extreme Power / Melodic Death)

Un año memorable para el estilo con el que todos nos iniciamos, el Mejor Disco es quizás el más obvio ganador de 2024:

Judas Priest - "Invincible Shield" (NWOBHM)

MEJOR DISCO BLACK / MELODIC BLACK / ATMOSPHERIC BLACK:

No ha sido de fácil escogencia, los nominados son:

Oranssi Pazuzu - "Muuntautuja" (Black / Psychedelic / Avant-Garde)

Hail Spirit Noir - "Fossils Garden" (Black / Electronic / Synthwave / Psychedelic)

Yoth Iria - "Blazing Inferno" (Melodic Black)

Gaerea - "Coma" (Melodic Black / Post Black)

Panzerfaust - "The Suns of Perdition - Chapter IV: To Shadow Zion" (Black / Post / Sludge)

Winterfylleth - "The Imperious Horizon" (Melodic Black / Atmospheric Black)

Alcest - "Les Chants de l'Aurore" (Post-Black / Shoegaze / Blackgaze)

Excelentes muestras en 2024, el Mejor Disco Black es:

Oranssi Pazuzu - "Muuntautuja" (Black / Psychedelic / Avant-Garde)

MEJOR DISCO MELODIC DEATH / SYMPHONIC DEATH:

Una buena añada para el estilo de mi preferencia.

Los nominados son:

Iotunn - "Kinship" (Progressive / Melodic Death)

In Vain - "Solemn" (Melodic Death / Melodic Black / Progressive)

Wintersun - "Time II" (Extreme Power / Melodic Death)

Eternal Storm - "A Giant Bound To Fall" (Melodic Death / Doom)

Fleshgod Apocalypse - "Opera" (Symphonic Death)

Opeth - "The Last Will And Testament" (Progressive Death)

 

Mi selección como Disco Melodic Death del Año es:

Iotunn - "Kinship" (Progressive / Melodic Death)

MEJOR DISCO DEATH:

Extraordinario período para el género brutal:

Los Nominados son:

Vitriol - "Suffer & Become" (Death / Technical Death)

Ulcerate - "Cutting The Throat Of God" (Technical Death / Sludge)

Pyrrhon - "Exhaust" (Death / Noise / Avant-Garde)

Blood Incantation - "Absolute Elsewhere" (Technical Death / Ambient)

Theurgy - "Emanations Of Unconscious Luminescence" (Brutal Death)

Muy, muy difícil escoger, diría que hasta podrá justificarse un triple empate con Pyrrohm y Ulcerate, pero como no me voy a decantar por una salida fácil, el Mejor Disco Death no podría ser otro:

Blood Incantation - "Absolute Elsewhere" (Technical Death / Ambient)

Debo decir que no escojo a Ulcerate porque su presentación en vivo del trabajo, la cual vi en Madrid, me dejo decepcionado, no me parecieron capaces de replicar el trabajo del álbum... un mal día, quizás.


MEJOR DISCO THRASH:

Nuevamente no conseguí demasiados trabajos destacados para comentar, sin embargo los dos escogidos mostraron muy buena forma.

High On Fire - "Cometh The Storm" (Sludge / Thrash)

Mayhemic - "Toba" (Blackened Thrash)

Demasiado fácil la selección, el mejor disco del género que menos escucho es:

Mayhemic - "Toba" (Blackened Thrash)

 

MEJOR DISCO DOOM / GOTHIC:

Así pasa, mientras el año pasado el Doom fue quien se alzó con el disco del año, éste la competencia está desierta, no hubo nada que realmente destacara. Lo de siempre, el Doom es probablemente el más difícil de ejecutar de los géneros, el tempo no perdona errores, este año lo confirmó.

 
MEJOR DISCO GRIND / SLUDGE / NOISE / POWERVIOLENCE / EXTREME:

Los nominados son:

Hoplites {Ὁπλίτης} - "Paramainomeni" {Παραμαινομένη} (Progressive Blackened Dissonant Avant-Garde)

Infant Island - "Obsidian Wreath" (Screamo / Post-Metal)

Pyrrhon - "Exhaust" (Death / Noise / Avant-Garde)

Nails - "Every Bridge Burning" (Powerviolence / Grindcore)

 

El sector de más allá en lo que a música se refiere, al que cada vez me siento más inclinado, hizo cosas excelentes, con toda justicia el ganador es: 

 

Pyrrhon - "Exhaust" (Death / Noise / Avant-Garde)

EL DISCO DEL AÑO 2024 DE
EL LADO OSCURO - METAL CRÍTICA

 

El mejor disco de 2024 año es casi un abuso, mi único 10/10:

Iotunn - "Kinship" (Progressive / Melodic Death)

 

Trabajo este al que me rindo, no creo que tenga momento bajo. Un claro ganador.

 
Le siguen en orden de llegada:

2. Judas Priest - "Invincible Shield" (NWOBHM)
3. Blood Incantation - "Absolute Elsewhere" (Technical Death / Ambient)

4. Pyrrhon - "Exhaust" (Death / Noise / Avant-Garde)

5. Oranssi Pazuzu - "Muuntautuja" (Black / Psychedelic / Avant-Garde)

6.Thy Catafalque - "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" (Blackened Progressive / Folk)

7. Mayhemic - "Toba" (Blackened Thrash)
8. Eternal Storm - "A Giant Bound To Fall" (Melodic Death / Doom)
9. Winterfylleth - "The Imperious Horizon" (Melodic Black / Atmospheric Black)

10. Ulcerate - "Cutting The Throat Of God" (Technical Death / Sludge)

 

CANCIÓN DEL AÑO 2024 DE EL LADO OSCURO - METAL CRÍTICA

Earth To Sky de Iotunn

 
Le siguen en orden de llegada:

Kinship Elegiac de Iotunn

Winter Storm Vigilante de Ensiferum

Upon This Shore de Winterfylleth
The Temple Of Curved Space de Hail Spirit Noir
Deathwalker de Vhäldemar

The Stargate (Tablet I) de Blood Incantation
A Distant Glow de Wormwood
Seasons Of Unrest de In Vain
A Story Never Told de Opeth
Piros kocsi, fekete éj de Thy Catafalque

Aquí el enlace a la playlist de 2024 en Spotify

 

LA DECEPCIÓN DEL AÑO:

En el fondo de mi corazoncito melódico esta Nightwish, es una banda que me ha dado largos momentos de placer metalero, sin embargo ya no son lo que fueron y -probablemente peor- es oficial que nunca más lo serán:

Nightwish - "Yesterwynde" (Symphonic / Soundtrack)

 

No es un disco malo, es sencillamente que el camino que han escogido es otro, más comercial, poco o nada metalero.

LA MEJOR PORTADA DEL AÑO:
 

Ensiferum - "Winter Storm" (Power / Folk)

 

 

Épica, nada más.

 
EL PEOR DISCO DEL AÑO:

Bueno, este es fácil.

Warpriest - "Gloombreaker" (Doom)

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Agradezco la paciencia que me tuvieron, que me hayan aceptado como si nada luego luego de mi ausencia, sus mensajes y participación. Los metaleros somos -de lejos- lo mejor que tiene el Metal, quizás incluso más que un mosh gigante.

Alfonso \m/

Sgàile - "Traverse The Bealach" (Post / Progressive)

"Traverse The Bealach" del unipersonal escoces Sgàile es una exploración cautivadora de Post Progresivo y Atmosférico que invita a los oyentes a un reino de paisajes serenos y un terreno emocional tumultuoso. Aunque el título del álbum hace referencia al bealach (un término gaélico para un paso de montaña), este trabajo es mucho más que un mero viaje geográfico. Es, en esencia, un viaje sonoro a través de picos y valles de sonido, emoción y ritmo, que ofrece tranquilidad y tensión en igual medida.

En esencia, "Traverse The Bealach" es un disco que sabe cómo crear un estado de ánimo. El disco muestra un escenario con oleadas de guitarra reverberantes y sintetizadores ambientales que crean una sensación envolvente, atrayendo a un mundo que se siente vasto, abierto y ligeramente abrumador. La estructura de las canciones son relativamente simples, pero su dinámica cambia con fluidez, capturando la sensación de moverse. 

La instrumentación del álbum se caracteriza por su enfoque un tanto minimalista. Las guitarras suelen ser escasas, lo que crea amplios espacios para que los llenen los demás elementos. La batería, cuando aparece, es tenues pero propulsora, en varias zonas se combina líneas de piano y percusión distante, creando una sensación etérea, casi catártica. Hay un delicado equilibrio entre la fragilidad y la fuerza en los arreglos del álbum, y casi nunca se siente forzado, quizás simple, repito.

Sgàile, cuyo hombre detrás se llama Tony Dunn, introduce arreglos y múltiples líneas de guitarra que se entrelazan y se entrecruzan en una danza hipnótica. Hay una sensación inconfundible de ascender a través de un laberinto, en el que cada giro revela algo nuevo y familiar. La tensión resultante entre la repetición y la progresión es uno de los puntos fuertes del álbum, que atrae sutilmente a los oyentes hacia adelante sin exigir abiertamente su atención. Sin embargo, no todo es introspección a gran altitud. Temas como Silence, The Ptarmigans Cry y Lamentations By The Lochan inyectan una urgencia necesaria, una influencia más agresiva. La distorsión creciente y la sección rítmica palpitante ofrecen un alejamiento del estado de ánimo por lo demás suave del álbum. 

Si hay algún inconveniente en "Traverse The Bealach", es, uno, que es otra vez muy largo, pasada la hora y dos, que a veces puede apoyarse demasiado en sus tendencias ambientales, hasta el punto en que ciertas pistas se confunden. A veces, parece como si Sgàile estuviera más centrado en evocar un estado emocional específico que en crear canciones distintas. Si bien esto funciona en el contexto de un álbum destinado a ser experimentado como un todo, las pistas individuales no siempre se destacan tan claramente como podrían.

Aun así, "Traverse The Bealach" es un segundo disco notable, su primero "Ideals & Morality" (2021) fue bien recibido, entiendo que gustando incluso un poco más que éste. Ya sea que se esté buscando algo para musicalizar una reflexión tranquila o para acompañar un largo viaje por un terreno desconocido, este álbum es un compañero digno. Recorrer este paso de montaña musical no es solo una experiencia pasiva; recompensa a quienes escuchan atentamente los matices y capas sutiles que solo se revelan con el tiempo.

7.5/10

Panzerfaust - "The Suns of Perdition - Chapter IV: To Shadow Zion" (Black / Post / Sludge)

El grupo canadiense de Black, Panzerfaust siempre ha sabido tejer conceptos grandiosos y filosóficos en su música, y "The Suns of Perdition - Chapter IV: To Shadow Zion" continúa esa tradición con una feroz y sugerente introducción a su ambiciosa saga de varios capítulos. Este álbum, el cuarto de una serie que explora temas de guerra, decadencia espiritual y el fin de las civilizaciones, sube la apuesta con su atmósfera implacable, estructuras complejas y una intensidad casi operística. Es un álbum que exige paciencia y compromiso de sus oyentes, pero recompensa a quienes se atreven a involucrarse con él a un nivel más profundo.

Lo primero que llama la atención de "To Shadow Zion" es su atmósfera implacable. Panzerfaust siempre se ha destacado por crear paisajes sonoros expansivos y emocionalmente pesados, y este álbum no es una excepción. Desde el primer tema, The Hesychasm Unchained, la banda te envuelve en una tormenta de riffs helados, percusión marcial y growls. Es un muro de sonido que evoca la sensación de vagar por una ruina antigua y decadente, pero el sonido está lejos de estar estancado; la sensación de movimiento es constante, aunque se adentra cada vez más en el frío abismo.

Donde Panzerfaust brilla es en su capacidad de mezclar los elementos tradicionales del Black con momentos de introspección Post y agresiones Sludge. Las guitarras se mantienen afiladas en todo momento, ofreciendo riffs fríos, punteados con trémolo, que son hipnóticos. Sin embargo, la habilidad de la banda en la dinámica es lo que los distingue del resto. Las secciones más suaves y atmosféricas del álbum, como en The Damascene Conversions, están acentuadas por conmovedores arreglos orquestales que añaden una capa adicional de profundidad, sin resultar nunca exagerados ni autocomplacientes.

El tema To Shadow Zion (No Sanctuary) habla de la narrativa más amplia del álbum, que explora el colapso de una visión utópica, la caída de Sion como concepto físico y metafísico. Con influencias de la literatura apocalíptica y críticas a la fe ciega, las letras presentan un mundo que se precipita hacia el olvido, donde los ideales se corrompen y la idea misma de la salvación se vuelve obsoleta. Aunque las letras de Panzerfaust suelen ser densas y requieren varias leídas/escuchas para desentrañarlas por completo, nunca son menos que convincentes. el disco construye un retrato escalofriante de un mundo donde la ideología se convierte en el catalizador de la destrucción.

Las interpretaciones técnicas son de primer nivel, el baterista Brad May, ofrece una interpretación que va desde blastbeats de furia hasta patrones más lentos y melancólicos que complementan los momentos más oscuros y contemplativos del álbum. El trabajo de cuerdas, a cargo de Brock Van Dyk y Wojtek Sokolowski, es a la vez castigador e intrincado, con muchas armonías discordantes y melodías en tonos menores que resuenan a lo largo del álbum como un estribillo inquietante. Mientras tanto, la voz del líder Thomas Remigio varía desde rugidos guturales hasta gritos angustiados, capturando perfectamente el sombrío paisaje emocional que la banda crea con tanto cuidado.

"To Shadow Zion" es un esfuerzo que combina ferocidad e inteligencia. Si bien exige concentración y persistencia, la recompensa es un álbum que ofrece mucho más que la suma de sus riffs y voces abrasadoras. Panzerfaust ha creado algo que se siente a la vez personal y universal, una visión sombría de un mundo al borde del colapso y, sin embargo, hay un rayo de esperanza enterrado en la oscuridad. Para los oyentes que estén dispuestos a soportar su peso y complejidad, "The Suns of Perdition - Chapter IV: To Shadow Zion" demuestra ser una experiencia que vale la pena.

8.5/10

Mayhemic - "Toba" (Blackened Thrash)

Por ahí leía en estos días una de esas discusiones bizantinas en algún foro en el que alguien argumentaba que el Black brasileño y colombiano era mas trve que que noruego o el suizo... y coñazos iban y venían. Eso -según mi también limitado criterio- es imposible de confirmar, en todos lados hay gente con y sin talento, punto. Pueden ser guatemaltecos o sudaneses del sur, porque no es una vaina que venga dada por el aire que se respira al nacer, es bastante más complejo que eso. Y como no hay otra manera para demostrarlo que traer las pruebas, helo aquí: Blackened Thrash de Chile, para que te enteres.

Mayhemic -obvia y notoria referencia a la seminal agrupación Black, Mayhem- debutan con un disco llamado "Toba" que si se toma con descuido podría causar algún infarto. Este disco, de cortos y precisos treinta y seis y un pelo minutos, tiene ocho temazos que bien han valido la pena repasar largamente. Un nivel de agresión interesante, una voz que canaliza el espíritu de Mike Petrozza (Kreator), unas cuerdas potentes y una batería precisa (junto con algunos teclados inusuales), hacen de este trabajo uno de los descubrimientos más interesantes del año.

Mayhemic me ha gustado por varios motivos, quizás uno de los más importantes el nivel de su guitarrista, el señor Doom (Nacho Perez cuando anda por casa), el cual debe sangrar haciendo algunas de las cosas que muestra; la voz de Noctumbra (Javier Salgado, creo que también es el baterista), me transporta a los años noventa, quien francamente debe hacerse ver por algún especialista en posesiones; pero especialmente porque la banda, con todas la influencias discernibles, es un dechado de sonido propio, más bien, hasta pasan un poco del estándar estribillo-coro-estribillo para ensimismarse largos minutos en un jamming más usual de otros estilos, dejándose llevar por el sonido que hacen, desarrollando música. Digamos que el tema Eschatological Symphony es el que mejor puede ilustrar el punto.

"Toba" suena en lo que respecta a producción muy bien, sin caer en excesos de masterización, incluso algún matiz de sonido garaje me parece que se permite... esto me lleva al otro elemento distintivo de la banda: no se casan tampoco con lugares comunes que habría sido fáciles de asumir, como una grabación vieja escuela con sonido apelotonado. El disco está realizado para ser disfrutado en un buen equipo y sin embargo, de alguna manera que tendrán que explicar alguna vez, se parecen a los primeros de Sodom, Marduk y Burzum.

Estoy muy impresionado con Mayhemic, me parece que están dentro de lo más destacado el Thrash ennegrecido de lo que va de año y sin duda debería ser pasto de los seguidores específicos del género. Espero tener en algún momento la oportunidad de verlos en vivo en algún futuro temprano, o que algún colega de Rocktambulos.com -que están basados en esa zona- me lo confirme. Este puede ser uno de los descubrimientos más interesantes del año, totalmente recomendables. Otros temas destacados: Kollarbone Crushed Neanderthal y Toba

8.5/10

Theurgy - "Emanations Of Unconscious Luminescence" (Brutal Death)

El Metal extremo, el que realmente rompe paradigmas, no busca sino impactar... en un marco de sonido. Cuando se navegan estas aguas durante años se llega a entender que hay bandas, discos, gente, que no quiere trascender por enigmáticos, ni  oscuros, ni siquiera por -eso- extremos, sino que quieren que se sepa que les sabe a mierda lo que piensen de ellos, el punto es hacer esa cochinada estruendosa y atropellante, dejar claro que su momento son los treinta minutos que dura el disco, siga y sume si puede. Un atrevimiento como el de Theurgy con "Emanations Of Unconscious Luminescence" es prueba palmaria.

Este disco jamás será en la puta vida Disco de Año de una web metalera 'decente', no está hecho para eso, pero si es la grabación de 'cada momento' en el que se tienen lo webos para ponerlo a sonar. Un trabajo absolutamente asqueroso, en el mejor sentido de la palabra, cuyo fin último en dejarte tirado en la cuneta de la autopista del Brutal para que te levanten luego de encontrarte con los gusanos saliéndote por todos tus orificios (me encanta el término 'orificios' en el contexto de esta música).

De una vez advierto, por si acaso para este momento no ha sido intuido: estamos hablando de lo que musicalmente hay más allá de 'más allá'. Definitivamente abstenerse neófitos, posers y chiquillada, esto está elaborado para generar verdadero impacto en vivo en una sala con cien personas, una experiencia casi más física que musical. De entrada, el querubín cantor de Brian Mohler tiene un squeal acochinado que puede generar infartos a los no iniciados, las cuerdas en pizzicato y rasgadas totalmente disonantes son un trago grueso y los cueros milimétricos y obstinados de Tyutin se llevan al oyente por delante.

Este debut me deja con las dudas usuales: ¿Serán capaces de repetir este nivel? ¿Seremos flor de un día? Todo está por ver. Pero en treinta minutos (con este grado de agresión no podía ser más) tenemos uno de los trabajos más destructores, animales, intensos y extremos del año. Ninguna 'melodía' podrá permitirte recordar lo que Theurgy ha mostrado con "Emanations Of Unconscious Luminescence", porque -de hecho- no existen, es todo Metal grueso, nunca fue esa su intención, sin embargo, para quienes aprecien este nivel de asquerosidad sonora, estarán fascinados.

Al disco le falta algo de diferenciación entre temas y que la de cerrar, Harmonization of Sentiments Through the Lush, Spiritual Insights of the Flourishing Inner Shrine pareciera que tiende a suavizar intencionalmente el discurrir del trabajo, por lo demás, la grabación es el atropello de un tren de mercancías. Puto discazo debut porque eso de que lo extremo esté por encima de todo -aunque no te entiendan- es de valientes... bien por Theurgy.

8/10

Opeth - "The Last Will And Testament" (Progressive Death)

"Pale Communion" (2014) es para mi el pináculo de la actividad tardo-musical de Opeth, refrendado por lo realizado posteriormente con "Sorceress" (2016). Ahora con "The Last Will and Testament", el decimocuarto álbum de estudio de la banda, me encuentro con un tapiz sonoro que entrelaza sus sensibilidades de Rock / Metal Progresivo y raíces Death, un pequeño retorno a casa. Este disco es una clase magistral de narración, que canaliza la grandeza de la música pesada de los años 70s con la intensidad visceral de sus inicios.

Conceptualmente, el álbum está ambientado en un contexto posterior a la Primera Guerra Mundial, y desentraña el drama que rodea el testamento del patriarca, una narrativa realzada por la narración de Ian Anderson (de Jethro Tull) y las contribuciones de flauta. El resultado es una historia gótica melodramática llena de tensión y atmósfera. Musicalmente, Opeth logra un equilibrio entre sus eras. Temas como §3 muestran riffs de inspiración oriental, mientras que §5 ofrece growls y riffs que recuerdan la agresión de su era "Watershed" (2008).

El álbum se siente centrado y cohesivo con cada canción estructurada como un capítulo en la historia que se desarrolla. Los momentos destacados incluyen la voz cruda de Mikael Åkerfeldt, los solos de guitarra de Fredrik Åkesson y los toques barrocos de teclado de Joakim Svalberg y el debut de Waltteri Väyrynen en la batería que agrega ritmos intrincados, aunque carece del estilo distintivo de sus predecesores.

A pesar de la escala cinematográfica del concepto tanto por lírica como por excesiva duración, "The Last Will and Testament" mantiene la accesibilidad. Si bien la narrativa ofrece giros y peso emocional, que van desde revelaciones de ilegitimidad hasta corrupción moral, el álbum evita la indulgencia excesiva, manteniendo las pistas concisas según los estándares de Opeth. Esta moderación permite que el álbum fluya sin problemas, con pasajes interconectados que forman un todo. La balada de cierre, A Story Never Told, es un final exquisito y conmovedor, que resalta la voz limpia de Åkerfeldt junto con delicadas melodías de piano y guitarra, obvia nominación a Canción del Año.

En general, este disco es un triunfo de la evolución creativa de Opeth. Combina su estilo anterior más pesado con la experimentación Progresiva de su era más reciente, ofreciendo algo para los fanáticos de todo el espectro de su discografía y creo que sirve como culminación de su viaje de cuatro décadas: un trabajo reflexivo, ambicioso y elaborado por expertos. Tanto para los seguidores como para los nuevos oyentes, "The Last Will and Testament" exige y recompensa la atención, consolidando su lugar entre los lanzamientos de primer nivel de Opeth.

8/10

Fellowship - "The Skies Above Eternity" (Power)

Si alguna vez te has preguntado cómo suena cuando un grupo de entusiastas de Dungeons & Dragons excesivamente optimistas se encuentran un sintetizador y pantalones de spandex, no busques más allá de "The Skies Above Eternity" de Fellowship. Esta obra de Power es menos un álbum y más una recreación teatral de cada lugar común del género que hayas escuchado, interpretado por personas que claramente no tienen miedo al ridículo.

El primer disco de la banda, "The Saberlight Chronicles" (2022) me impactó más favorablemente, estábamos saliendo de la pandemia y se necesitaba alegría. En esta oportunidad el disco tiene menos duración -gracias-, pero también menos de otras cosas. El disco es lo que cabe esperar, cada canción trata sobre elevarse hacia los cielos, triunfar sobre la oscuridad o alguna otra cosa similar que hace que "The Skies Above Eternity" suene como si hubiera sido escrito inspirado en tarjetas Hallmark y -lo menos bueno- caras B de Dragonforce. Para un álbum que aparentemente trata sobre heroísmo, está sorprendentemente desprovisto de originalidad o, quizás, estaba dentro de mis expectativas que hubiera algo de crecimiento.

Musicalmente, la banda es compacta, demasiado compacta. Es casi sospechoso lo pulido que suena este álbum, como si lo hubieran grabado bajo presión de un productor entusiasta con un fetiche por el metrónomo. Los solos de guitarra son abrasadores, sí, pero también parecen sacados directamente del libro 'Power Metal 101'. A la tercera pista has escuchado tantas escalas y arpegios que podrías comenzar a marearte. ¿Y los teclados? Es como si alguien le hubiera dado un Casio a un duende y le hubiera dicho: vuélvase loco XD

Esto no quiere decir que "The Skies Above Eternity" no tenga mérito. Es divertidísimo. Es el tipo de álbum que pondrías en una fiesta para confundir a tus amigos 'paint corpse' o para convocar a una horda de entusiastas del Señor De Los Anillos. Hay un cierto encanto en lo exagerado que es, como una película de serie B que se inclina hacia lo caricaturesco. Al final, Fellowship no hace tanto un viaje musical como una historia con moraleja sobre lo que sucede cuando nadie en el estudio dice: 'Quizás deberíamos bajarle un poco'. Si te gusta el Power y tienes una gran tolerancia a lo cursi, estás en tu terreno. Veredicto final: tres espadas esmeraldas de cinco.

6/10

 

Thy Catafalque - "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" (Blackened Progressive / Folk)

Thy Catafalque, el proyecto que originalmente era Avant-Garde de Tamás Kátai, ha ocupado durante mucho tiempo un nicho único en el mundo de la música: un espacio donde el Black, el Folk, la Electrónica y el Progresivo colisionan en un caleidoscopio de sonido. En "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" (que se traduce algo así como XII: Los bellos sueños que vienen después), Kátai profundiza en su sonido característico, pero que como ya adelantaba en "Vadak" (2021), se ha venido alejando cada vez más del estilo extraño que centró entregas anteriores, como "Naiv" (2020), "Meta" (2016) y "Sgurr" (2015), entregando en esta oportunidad un álbum ricamente texturizado y ecléctico que se siente a la vez introspectivo y expansivo.

Primero, dejemos algo en claro: este álbum es innegablemente ambicioso. La capacidad de Kátai para tejer géneros dispares en un tapiz sonoro cohesivo sigue siendo inigualable. Las canciones de abrir, Piros kocsi, fekete éj y Mindenevő, sirven como un microcosmos perfecto del espíritu del álbum. Comienzan con capas de sintetizador  antes de explotar en un frenesí de riffs distorsionados y melodías Folk. Es una declaración audaz: espera lo inesperado.

A lo largo de "XII", hay un énfasis distintivo en los contrastes. en los temas se yuxtaponen voces operísticas elevadas con guturales, mientras que se mezclan pasajes acústicos suaves con ritmos electrónicos pulsantes. Esta interacción crea momentos de belleza, particularmente en el uso de motivos folclóricos húngaros, que anclan el álbum en un sentido de lugar y tradición.

Sin embargo, hay una delgada línea entre lo ecléctico y lo abrumador y "XII" ocasionalmente se tambalea al borde. Temas como Nyárfa, nyírfa,  Lydiához y Vakond viran hacia la indulgencia, con largas secciones instrumentales que pueden sentirse más como una exhibición de destreza técnica que como una progresión narrativa significativa. Con casi una hora de duración, el álbum exige paciencia y repetidas escuchas, lo que podría disuadir a los oyentes ocasionales.

"XII" realmente destaca en su producción. Thy Catafalque como siempre es un ejército de creatividad de un solo hombre que equilibra magistralmente las densas capas de instrumentación. Cada herramienta, desde el rechinido metálico de las guitarras hasta las delicadas cuerdas del violín, tiene espacio para brillar. El álbum se siente vivo, respirando con calidez orgánica incluso durante sus momentos más mecánicos y electrónicos.

En cuanto a las letras, "XII" es totalmente enigmático. Como es típico de Thy Catafalque, el húngaro sigue siendo el idioma elegido, lo que agrega una capa adicional de misticismo para los no nativos, es decir, el 99% de la humanidad. Entiendo por lo que busqué que la naturaleza, la memoria y la trascendencia se repiten en todo momento, lo que -supongo- le otorga al álbum una profundidad filosófica que recompensa a quienes están dispuestos a involucrarse con la lírica.

A pesar de sus excesos ocasionales, "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" es un logro notable. Es un álbum que desafía e inspira. Para los fanáticos del Avant-Garde este ya quizás no sea el patio de recreo acostumbrado, pero en materia de Blackened Prog, o para cualquiera que anhele música que se atreva a ser diferente, "XII" es una escucha necesaria.

8/10

Crypt Sermon - "The Stygian Rose" (Doom / Heavy)

Escribí hace unas semanas de Warpriest, un dúo que hace Heavy Doom, el disco es malo con avaricia pero los músicos que lo ejecutan han salido a defenderlo con entereza, sin internalizar que el trabajo es un desastre, pero con mucho coraje y amor propio... les admiro la entereza, eso si. En el mismo género -y en todo- hay gente cuyos argumentos son simplemente lo que hacen, la verdad se defiende ella misma es la idea que quiero expresar. Para demostrar que este género puede tener cosas interesantes, Crypt Sermon es un buen ejemplo.

Este sexteto filis tiene con el que comentaremos tres discos, demasiado espaciados entre si, más de cuatro años, pero cada uno de ellos ha sido bien recibido, "The Stygian Rose", su último trabajo, es una clase de Epic Doom, que combina grandeza y profundidad emocional con madurez. El álbum cumple con las expectativas del género en cuanto a teatralidad y pesadez, pero también muestra un enfoque matizado que enfatiza la narración y la atmósfera.

El disco de seis pistas, que dura menos de cuarenta y cinco minutos, demuestra una notable moderación sin sacrificar las cualidades dramáticas y arrolladoras que esperan los fanáticos. La mezcla característica de la banda de riffs premonitorios, melodías melancólicas y la interpretación vocal imponente de Brooks Wilson logra un equilibrio más que adecuado. Temas como Thunder (Perfect Mind) y Heavy Is the Crown of Bone presentan momentos de reflexión tranquila que acentúan los crescendos más pesados ​​del álbum. Esta interacción dinámica hace que la experiencia auditiva sea inmersiva en lugar de abrumadora.

El otro tema destacados es The Scrying Orb, donde los teclados góticos y las voces evocan un aura inquietante pero triunfante, el tema de cierre 11 minutos, The Stygian Rose sirve como un final épico, aunque no me terminó de convencer tanto como el resto. Si bien "The Stygian Rose" claramente se inspira en leyendas del Doom como los grandes Cirith Ungol, no se siente derivado. Siento que reinventa un tanto el sonido con un tono oscuro e introspectivo.

Crypt Sermon ha creado un disco que respeta la tradición mientras traspasa un tanto los límites. "The Stygian Rose" es un viaje a través de lo sombrío y lo hermoso, con toque épicos, consolidando a la banda como uno de los actos de Doom que vale la pena seguir de cerca. Los seguidores del género lo encontrarán una buen adición a su discografía y alguien en quien fijarse, ojalá que se tomen menos tiempo para volver a entregarnos algo.

7.5/10

Paysage d'Hiver - "Die Berger" (Atmospheric Black)

"Die Berger" de Paysage d’Hiver es una odisea en la vastedad helada de la imaginación de su creador, en la misma onda del otro disco revisado aquí, "Im Wald" (2020). El enigmático Wintherr (Tobias Möckl), conocido por crear Black Atmosférico impregnado de la estética helada de los inviernos suizos, continúa su tradición de paisajes sonoros lo-fi inmersivos. Con "Die Berger" (en alemán, "Las montañas"), el proyecto asciende a nuevas alturas, tanto metafórica como sonoramente.

Con una duración imponente y totalmente exagerada desde mi punto de vista, este disco no es para los débiles de corazón. Como una tormenta de nieve que oscila entre la belleza tranquila y la furia implacable, el álbum exige paciencia para quienes están dispuestos a perderse en su extensión. Fiel al espíritu de Paysage d’Hiver, "Die Berger" se deleita en su producción cruda, donde el silbido y la distorsión actúan menos como defectos y más como elementos atmosféricos, similar al viento que aúlla en los pasos alpinos.

El tema de apertura, Urgrund, encarna la intención del álbum: una escalada inquebrantable hacia el caos de la naturaleza, con más de dieciocho minutos ya se intuye por donde va a ir el resto. Riffs de trémolo arremolinados, blast beats contundentes y cuasi voces aulladoras se fusionan en una vorágine que es a la vez abrumadora e hipnótica. Sin embargo, los momentos ocasionales de respiro melódico recuerdan a los oyentes que incluso en medio de las pruebas más duras de la naturaleza, hay alguna belleza.

Canciones como Ausstieg muestran la capacidad de Wintherr en la dinámica. La interacción entre pasajes frenéticos de Black e interludios ambientales crea una tensión que se siente viva, como si la música misma respirara el aire frío de la montaña. El cierre del disco, Gipfel, cierra el círculo del viaje con melodías inquietantes que se sienten como los primeros rayos de sol después de una noche gélida.

"Die Berger" puede frustrar a los recién llegados al género. Su producción sin pulir y su gran duración alejarán a los oyentes que no estén familiarizados con las complejidades del estilo. Sin embargo, los fanáticos de Paysage d’Hiver reconocerán esto como una continuación y una evolución de la visión de Wintherr. Es un disco que captura no solo el frío sino también el poder sublime de las montañas, una fuerza cruda e imponente que empequeñece la existencia humana. Este disco me ha dejado un tanto sorprendido porque aunque está bien, no se si termina de parecerme la joya que algunos han querido ver en él, lo dejo a juicio de los oidores.

Reitero, si bien "Die Berger" no reinventa la fórmula de Paysage d’Hiver, ciertamente si refuerza la reputación del proyecto como uno de los actos más 'populares' -por favor, enmarcar el término dentro de lo que estamos hablando- del Black Atmosférico. A partes casi iguales castigador y poético, este álbum es una forma de comprobar la capacidad del género para evocar no solo el sonido sino la esencia misma del lugar. Una escucha desafiante pero de a ratos gratificante, "Die Berger" puede ser viaje que vale la pena emprender, si se lleva suficiente paciencia.

7.5/10

Yoth Iria - "Blazing Inferno" (Melodic Black)

"Blazing Inferno" de Yoth Iria es una inmersión en los reinos oscuros y fantasmales del Black griego, donde las guitarras pesadas y las melodías inquietantes evocan una atmósfera oculta distintiva. Yoth Iria, un proyecto formado por veteranos de la escena del Metal griego y ha ganado atención por revitalizar un sonido pionero de a principios de los años 90, al tiempo que lo actualiza con una producción moderna y un enfoque más sofisticado y en capas. Este lanzamiento logra un equilibrio entre homenaje e innovación, mostrando la reverencia de la banda por las raíces del estilo mientras se aventura en territorios nuevos.

Una de las fortalezas que definen el álbum es su atmósfera cohesiva, que transporta inmediatamente al oyente a un espacio oscuro y de otro mundo con matices góticos. La primera pista establece un tono ominoso, utilizando cánticos ominosos e instrumentación de construcción lenta que insinúa el siniestro viaje que se avecina. El sonido característico de Yoth Iria es denso y teatral, inspirado en el Black de primera ola, pero diseñado intencionadamente para despertar la expectación de los oyentes. Yoth Iria es hábil para crear tensión sin caer en trucos demasiado usados, una habilidad que probablemente proviene de la amplia experiencia de los miembros de la banda.

En cuanto a la voz, el álbum se destaca por su interpretación cruda pero inteligible. Las voces son inquietantes y feroces, y añaden un elemento casi litúrgico a la música. A diferencia de muchos grupos, donde las letras pueden perderse en el fango de una producción dura, el estilo vocal de Yoth Iria es lo suficientemente claro para que los oyentes aprecien los temas líricos, que se adentran en la mitología, la oscuridad y lo sobrenatural. En cuanto a las letras, el álbum está lleno de lenguaje simbólico y poético, creando un aire de misticismo sin sentirse forzado o demasiado esotérico. "Blazing Inferno" se destaca por lograr este equilibrio entre claridad y misticismo, que es un sello distintivo de la composición madura.

La producción de "Blazing Inferno" es limpia pero conserva suficiente crudeza para satisfacer a los puristas del género, evitando las tendencias crudas y lo-fi que suelen asociarse con el Black. Las guitarras son nítidas y crujientes, con un amplio rango dinámico, lo que permite cambios entre riffs vertiginosos y pasajes más lentos y cargados de fatalidad. La batería es contundente y está bien mezclada y respalda las densas capas de guitarra sin dominarlas. Existe la sensación de que cada elemento del paisaje sonoro ha sido cuidadosamente seleccionado para contribuir al estado de ánimo siniestro del álbum.

El álbum no es perfecto. Algunas pistas, particularmente en la sección intermedia, se sienten repetitivas. Si bien Yoth Iria se apega a un sonido cohesivo, un poco más de variación podría haber agregado algo de profundidad. Dicho esto, la continuidad del álbum también puede ser una fortaleza para los oyentes que prefieren una experiencia auditiva hipnótica.

En esencia, "Blazing Inferno" es a la vez un homenaje nostálgico y un álbum vanguardista. Captura la atmósfera misteriosa y oculta que anhelan los aficionados al Black, al tiempo que ofrece una producción nítida y un sentido maduro de la melodía. Puede que el álbum no convenza a quienes no están familiarizados con el estilo o se resisten a él, pero para los fanáticos específicos, especialmente aquellos amantes de sus raíces helénicas, "Blazing Inferno" es una experiencia gratificante. Yoth Iria demuestra que el estilo negro, incluso con sus temas trillados, aún tiene potencial de reinvención cuando se aborda con arte y reverencia.

7.5/10

Sólstafir - "Hin Helga Kvöl" (Post / Folk / Shoegaze)

"Hin Helga Kvöl" de Sólstafir es uno de esos discos que se siente como un fantasma no invitado: no estás muy seguro de si está aquí para atormentarte, inspirarte o simplemente hacerte tomar otra cerveza. Esta banda islandesa de Post tiene un don para crear álbumes que se perciben como folclore antiguo desenterrado de una tumba cubierta de musgo y salpicado con suficiente distorsión atmosférica para hacerte sentir como si hubieras marcado accidentalmente una estación de radio de una dimensión diferente. Pero este no es el típico cuento de fogatas amigables. La mezcla de Doom cinematográfico y Black, con infusión de Folk de Sólstafir es densa, a veces lo suficientemente densa como para hacerte preguntarte si simplemente no eres lo suficientemente sombrío como para entenderlos.

El álbum comienza con el tipo de paisaje sonoro envolvente que te hace sentir como si te hubiera recogido el viento en una oscura costa islandesa. Pero, como ocurre con muchos de los trabajos de Sólstafir, este no es tanto un sonido que te relaje y te haga vibrar, sino más bien una prueba de resistencia. Con cuarenta y ocho minutos de duración, "Hin Helga Kvol" tiene temas que se desarrollan como novelas, que exigen que te sientes, te abroches el cinturón y dejes que la narración te inunde, desafortunadamente ninguno me terminó de impactar. Y aunque el álbum rezuma cierta mística poética, hay una sensación inquebrantable de que podría haber sido diez minutos más corto sin perder mucho. Cada tema parece aferrarse al peso existencial del mundo, lo que da lugar a un disco que a menudo es más pesado que verdaderamente profundo.

Pero hay algo innegablemente encantador en la forma en que Sólstafir equilibra la crudeza cruda con una melodía inquietante. Su vocalista Aðalbjörn Tryggvason (así se escribe, pero dígame alguien como se pronuncia) es en parte poeta torturado, en parte chamán, canalizando un espíritu que suena a partes iguales exhausto y enfurecido. Su voz tiene el peso del antiguo folclore islandés, no importa si entiendes o no el islandés: las canciones te atraviesan como una guadaña y te deja mirando perplejo de lo que acabas de oir.

La producción aquí es otra mezcla de todo. Por un lado, captura el sonido central de la banda: neblina Shoegaze y estruendo Post a partes iguales. Pero, a veces, es difícil no sentir que todo es demasiado ruidoso, demasiado implacable. Hay una cualidad monótona en algunas de las pistas que, en lugar de ser hipnótica, termina sintiéndose como si estuvieras atrapado en un sonido que no termina. Cuando estás inmerso en ella, la retroalimentación ambiental y la reverberación sónica crean este paisaje inmersivo y salvaje que es a partes iguales fascinante y agotador. Pero tras varias escuchas, es fácil empezar a sentir que el sonido de Sólstafir en este disco tiene tanto que ver con la atmósfera como con la ocasional canción de relleno disfrazada de un viaje épico.

Cuando llegué al final de "Hin Helga Kvol", me quedé a la vez desconcertado y algo aliviado. Este no es un álbum fácil de digerir. Ni siquiera es particularmente divertido. Hubiera querido que me gustara más; desde "Svartir Sandar" (2011) y "Ótta" (2014), incluso todavía con "Berdreyminn" (2017) no hacen esa cosas geniales que los dieron a conocer fuera de su terruño.., mira que es difícil destacar cantando en ese idioma. Es verdad que Sólstafir tiene una manera única de convertir el terror existencial en un viaje sonoro que es a la vez miserable y extrañamente mágico, como si estuvieran aquí para recordarte la belleza de las cosas rotas, pero esta vez no vengas esperando un éxito: es más como mirar fijamente un hermoso acantilado islandés mientras te congelas: extraño y brutal... no se si vale la pena cada escalofrío.

6.5/10

Flotsam And Jetsam - "I Am The Weapon" (Thrash / Heavy)

El último lanzamiento de Flotsam and Jetsam, "I Am The Weapon", golpea con el tipo de fuerza implacable que los fanáticos podrían esperar del veterano grupo de Thrash. La banda muestra que aún tiene el vigor para competir con sus versiones más jóvenes, entregando una colección de temas de alta energía y cargados de riffs que se sienten nostálgicos y modernizados.

Este álbum se inclina hacia una mezcla de Thrash clásico con un toque de Power, mostrando la voz de Erik A.K Knutson en su usual forma áspera pero potente, mientras que el acompañamiento instrumental de los guitarristas Michael Gilbert y Steve Conley es tan ajustado y enérgico como siempre.

La banda es tan antigua como el género mismo, remontándose sus orígenes a inicios de los ochenta; yo siempre los he sentido ubicados como en una segunda línea del Thrash, un poco desconocidos, un poco demasiado imbuidos en solo hacer su música y sin mayores intenciones de destacar en el mundillo comercial. Esto puede ser interpretado desde varias perspectivas, pero creo que la principal es que son fieles a sí mismos... me pregunto si habrán podido pagar las cuentas, pero fuera de eso, ya nadie les puede quitar su estatus de glorias del estilo.

Con temas como A New Kind Of Hero y Primal, el álbum comienza con una intensidad rápida y cargada de ganchos, gracias a la batería contundente de Ken Mary y un estilo de producción animado y poderoso. Este es un álbum con algunos puntos bajos; aunque Beneath the Shadows se aventura en un ritmo más suelto que puede sentirse un poco fuera de lugar, el álbum rápidamente vuelve a su forma con una alineación poderosa que equilibra la delicadeza técnica con la agresión. Algunas pistas, como The Head of The Snake, tienen un estilo de producción pulido pero contundente que mantiene el disco constantemente atractivo, aunque puede que un tanto demasiado 'límpio' para los puristas del Thrash.

La dirección de Flotsam and Jetsam ha virado hacia un híbrido de Heavy/Thrash, su "The End Of Chaos" (2019) lo anunciaba, puesto que con toques de Power muestran su voluntad de mezclar la furia de la vieja escuela con nuevos ganchos melódicos. Si bien "I Am the Weapon" no es demasiado especial, marca una adición de calidad a su catálogo de dieciséis discos ya. El resultado de este trabajo, con un sonido revitalizado, demuestra la capacidad de la banda para adaptarse y entregar energía implacable a cuarenta años de su debut.

7/10