Mother Of Graves - "The Periapt Of Absence" (Death / Doom)

"The Periapt of Absence", el segundo disco de la banda de Death Doom de Indiana, Mother of Graves, es un buen trabajo que combina melancolía, atmósfera y pesadez en una experiencia bien elaborada y emocionalmente evocadora. El trabajo demuestra dominio de la banda de los elementos clásicos del género, al tiempo que deja espacio para matices sutiles que lo hacen destacar entre las bandas más nuevas del género.

Desde el principio, está claro que Mother of Graves se inspira en bandas icónicas de estilo venidas de los 90's como My Dying Bride, Paradise Lost y Katatonia, con un enfoque centrado en melodías inquietantes, riffs aplastantes y voces guturales. La calidad de producción es nítida, pero conserva una crudeza que realza la atmósfera en lugar de restarle valor. Las guitarras principales son un punto destacado, tejiendo melodías melancólicas a través de cada pista que elevan el material más allá de la mera pesadez.

El disco abre con Gallows, que marca el tono con sus líneas de guitarra lúgubres y una sección rítmica densa y agitada. La voz de Brandon Howe es profunda, alternando entre gruñidos y una entrega más quejumbrosa que se adapta a la naturaleza depresiva de las letras. Este equilibrio de elementos agresivos y sombríos se mantiene a lo largo de las diez pistas y cuarenta y cinco minutos del trabajo.

Una de las pistas destacadas es Shatter The Visage, donde el grupo explora un lado más melódico y atmosférico de su sonido. El uso de pasajes de guitarra, combinados con un canto fúnebre de medio tiempo, crea un paisaje desolado pero hermoso que se siente a la vez introspectivo y catártico. El tema Upon Burdened Hands, es otro punto culminante, con su ritmo pesado y carácter metódico que crea una sensación de fatalidad inminente antes de estallar en un crescendo final y aplastante.

En cuanto a las letras, "The Periapt of Absence" se adentra en temas de pérdida, dolor y desesperación existencial, motivos comunes en el género, pero la banda los presenta con sinceridad y profundidad emocional. Hay una clara sensación de catarsis personal en la música, lo que la hace resonar a un nivel más profundo. Si bien el disco no plantea nada especialmente novedoso, es un trabajo sólido y bien ejecutado que muestra una banda con una visión clara y un fuerte potencial de crecimiento. Para los fanáticos del Doom que aprecian tanto la pesadez como la profundidad emocional del género, esta es una escucha recomendable. Mother of Graves es una banda a la que hay que seguir de cerca mientras continúan refinando su sonido.

7.5/10

Oranssi Pazuzu - "Muuntautuja" (Black / Psychedelic / Avant-Garde)

La banda finlandesa de Black Psicodélico Oranssi Pazuzu es conocida por su enfoque poco convencional y transgresor de géneros y "Muuntautuja" no es una excepción. Entiendo que este trabajo es una especie de segunda parte de su genial "Värähtelijä" (2016) y continúa el estilo que mezcla sonidos embriagadores y ambiente siniestro, agresión y locura psicodélica. En poco más de cuarenta y tres minutos, logran crear un paisaje sonoro dinámico y cautivador que probablemente dejará a los oyentes fascinados y ligeramente desconcertados.

El título del disco, se traduce como 'cambia formas' y el tema de la transformación se refleja en su estructura. Desde el principio sumerge en una atmósfera inquietante y palpitante, con sintetizadores hipnóticos que crean una sensación de aprensión. Los ritmos repetitivos -pero fascinantes- del baterista Korjak se suman al efecto de trance, mientras que las guitarras alternan entre riffs monótonos y ráfagas agudas y discordantes altamente distorsionadas. La banda no tiene reparos en superponer su sonido, ya que entrelazan varios elementos sonoros en un asalto auditivo desorientador pero cautivador.

Vocalmente, la entrega Jun-His atraviesa la densa mezcla como un sermón demoníaco de otra dimensión. Las voces se utilizan más como un instrumento atmosférico que como un punto focal, fusionándose con el caos instrumental en lugar de dominarlo. Esta elección se suma a la sensación general de inmersión, dejando que el oyente experimente el disco como un viaje sonoro continuo y cambiante en lugar de una composición de Metal típica con secciones distintas.

La brillantez de "Muuntautuja" radica en su capacidad para equilibrar la estructura y el caos. A pesar de su fuerte naturaleza experimental, el disco nunca parece sin rumbo. La banda mantiene una corriente subyacente de ritmo y propósito, lo que permite que fluya orgánicamente de una fase a la siguiente. Crea muy bien tensión, con momentos de caos disonante que dan paso a breves respiros de calma antes de lanzarse nuevamente a un abismo de ruido y distorsión.

Los fanáticos recordamos también "Mestarin Kynsi" (2020) y siento que Oranssi Pazuzu continúa explorando los márgenes del Metal, aunque aquellos que no están familiarizados con su estilo pueden encontrarlos inicialmente desafiantes. Sin embargo, "Muuntautuja" recompensa las escuchas repetidas, ya que sus intrincadas capas y paisajes sonoros en evolución revelan nuevas profundidades cada vez. Este es Black que se ha liberado de sus limitaciones tradicionales y se ha adentrado en un territorio Psicodélico inexplorado, con resultados inquietantes.

Darle una calificación a este estilo de música es difícil, en una sala con cien metaleros el puntaje bandeará en todo el espectro posible, yo me siento fascinado con lo que hacen, hipnotizado y aunque pienso que sus dos anteriores son algo superiores, "Muuntautuja" mantiene todas las características de la que estos genios son capaces. Otro disco que está reservado para una minoría de gusto exquisito. Destacan los temas Uusi Teknokratia, Kuulen ääniä maan alta, Saturaatio y especialmente la de cerrar, homónima del disco.

8.5/10

Hail Spirit Noir - "Fossils Garden" (Black / Electronic / Synthwave / Psychedelic)

"Fossil Gardens" de Hail Spirit Noir es un viaje extraño y aventurero a través de un paisaje sonoro que se siente extrañamente nostálgico y desafiantemente futurista. La banda griega se ha ganado un nombre al mezclar el Black con una variedad de géneros, desde el Rock Progresivo hasta la Electrónica y este lanzamiento consolida su lugar como una de las fuerzas experimentales en el mundo del Metal. Pero "Fossil Gardens" no es un álbum fácil de definir y esa es tanto su fortaleza como su potencial trampa.

El álbum comienza con Starfront Promenade, una canción que inmediatamente marca el tono con sintetizadores oscuros y siniestros y sonidos atmosféricos inquietantes. Es como si el oyente estuviera siendo transportado a un planeta distante, uno que es en parte distópico, en parte paisaje onírico de ciencia ficción retro. A partir de ahí, la banda se adentra en territorios impredecibles. En un momento, estás atrapado en el barrido cósmico de sintetizadores; al siguiente, eres golpeado por explosiones de fuerte agresión. Canciones como The Temple Of Curved Space y Curse You, Entropia combinan estos elementos con buen gusto, creando una experiencia inquietante, casi cinematográfica y ciertamente el mayor fuerte del trabajo está en los riffs, alguno de los cuales es francamente bueno, como el del tema The Road To Awe, una de las mejores canciones del año.

Los estilos vocales cambian tan a menudo como la música misma. Hay momentos de encantamientos susurrados, distorsiones vocales robóticas e incluso coros fantasmales que le dan al álbum una sensación inquietante y de otro mundo. Sin embargo, a diferencia de algunos discos anteriores de Hail Spirit Noir, como en "Oi Magoi" (2014) -que sigue siendo su mejor trabajo- y "Mayhem In Blue" (2016) en "Fossil Gardens" se resta unta tanto la importancia al Black a favor de un enfoque más Electrónico y Psicodélico, acercándolo a los reinos del Synthwave o el Rock Progresivo.

Sin embargo, "Fossil Gardens" no está exento de desafíos. Los cambios de tono y género pueden ser desorientadores y el álbum a veces parece que está tirando en demasiadas direcciones a la vez. Algunos oyentes pueden encontrar la falta de cohesión difícil de digerir, mientras que otros apreciarán el salto intrépido de género. Es un álbum que recompensa la paciencia, con sus densas capas que se revelan lentamente tras varias escuchas.

En definitiva, "Fossil Gardens" es un experimento audaz que desafía los géneros y que continúa la tendencia de evolución musical de Hail Spirit Noir. Si bien puede que no sea para todos, es un álbum que abraza el riesgo, invitando a los oyentes a un mundo inquietante. Es Metal para curiosos, para aquellos a quienes no les importa perderse un poco en el camino.

8/10

Pyrrhon - "Exhaust" (Death / Noise / Avant-Garde)

Si buscas un álbum que aplaste tus sentidos hasta someterlos y luego pisotee los restos, "Exhaust" de Pyrrhon se ofrecerá con entusiasmo para el trabajo. Y lo hará con precisión quirúrgica, como un dentista usando un martillo neumático. Este cuarteto de Death con base en Brooklyn ha estado superando los límites durante años, no entiendo como es que es la primera vez que escribo de ellos. En todo caso, de lo que les he escuchado "Exhaust" es quizás el más caótico hasta ahora, un horno de ruido que funde los géneros que incorporan: Noise, Avant-Garde, Dissonant, Mathcore... ¿me faltará alguno?

Lo primero que se nota con el disco es que no es una escucha educada. No te facilita la entrada; te catapulta a un torbellino disonante. Este es el equivalente musical de ser arrojado a un vórtice de aguas negras. Y, sin embargo, en medio de la cacofonía, hay una belleza retorcida por descubrir. Las guitarras son difíciles pero quirúrgicas, el bajista Erik Malave y el baterista Steve Schwegler forman una sección rítmica que se siente menos como una base y más como un huracán, una fuerza de la naturaleza que no puedes predecir, sin duda lo mejor del trabajo.

La interpretación del vocalista Doug Moore es una clase de extremidad. Suena como si estuviera tratando de exorcizar demonios que ni siquiera el infierno podría contener. Sin embargo, no se trata solo de gritar por el gusto de gritar; su voz es un instrumento en sí mismo, entrando y saliendo de la locura con una versatilidad inquietante. En cuanto a las letras, Pyrrhon aborda temas de decadencia social, terror existencial y grotescas situaciones de la vida moderna, busquen las líricas porque por mucho inglés que sepan, no es su intención que se entiendan directamente.

Temas como The Greatest City On Earth  y Last Gap son menos canciones y más pruebas de resistencia, First As Tradegy, Then As Farce me pareció un asalto sensorial, la mejor del disco, también destacan Hell Medicine, Out Of Gas y Strange Pains. En general nada desdice y hasta se les agradece que en la duración se hayan contenido, parando el reloj es más que suficientes treinta y ocho minutos. Repito, no se como es que no había escrito antes de Pyrrhon, mala mía.

En resumen, "Exhaust" no es solo un álbum; para quien no esté entrenado en las artes superiores del Metal, el trago puede resultar venenoso, pero para quienes disfrutan de lo extremo, es una experiencia, una que puede dejarte atontado pero extrañamente satisfecho. Esto es una exploración desenfrenada, brutal y a veces, genial de sonido que -repito- no es para los débiles de corazón. Y honestamente, ¿no es eso exactamente lo que debería ser la música extrema?

9/10. Puto discazo, estará dentro de lo mejor del año.

Cemetery Skyline - "Nordic Gothic" (Gothic / Modern)

"Nordic Gothic" de Cemetery Skyline promete una cosa y entrega otra, por un lado esta puede ser la mejor forma de definir lo que es una super banda, tome nota: vocales, Stanne de Dark Tranquility; guitarra, Vanhala de Insomnium; teclados, Kallio de Amorphis; bajo, Brandt de Dimmu Borgir y batería, Rant de Sentenced... al que no le transpiren las glándulas sudoríparas metaleras, es que está muerto. Pero pasa una y otra vez cuando las expectativas son tan altas que en vez de tensión atmosférica, se ofrece un cóctel sombrío de tropos reciclados y una producción plana. Es como si la banda hubiera arrojado todos los clichés góticos contra la pared, con la esperanza de que algo se pegara, excepto que nada lo hace.

Primero, la atmósfera. Uno podría esperar que el término "Nordic Gothic" evocara imágenes de fiordos melancólicos, vientos helados y noches largas y opresivas. Sin embargo, el álbum solo logra una imitación superficial de ese ambiente, con algo que me parece que es más Modern que otra cosa. Es como si buscaran en Google 'oscuro' y 'frío' y pusieran una mesa al lado de una tienda de Halloween. Lo que debería ser inquietante y profundamente melancólico se siente más como una pista de fondo que no produce mayor emoción. Si estás buscando un viaje evocador a través de la penumbra nórdica, por aquí no es.

Luego, está la composición. Cemetery Skyline parece tomó un puñado de líneas de cada canción gótica escrita y las mezcló sin ningún propósito real. Cada canción se funde en una niebla homogénea de sufrimiento vago, que no ofrece conexión emocional. Las letras apuntan a la introspección, pero caen en algún punto entre lo pretencioso y lo incoherente.

Musicalmente, el álbum está atrapado en su propia monotonía. Pista tras pista se ve empantanada por guitarras lentas que parecen moverse a un ritmo extraño, ni rápido ni lento, pero sin ningún peso o gravedad. Y no me hagas hablar de las voces. El cantante intenta ofrecer ese sonido gótico etéreo pero atormentado, pero termina sonando como si estuviera leyendo noticias. No hay realmente emoción, dejando al oyente con una experiencia solo meh...

En cuanto a la producción, el álbum se siente débil, como si se hubiera grabado con un presupuesto escaso. La mezcla es turbia, los instrumentos aparecen y desaparecen de foco y hay una falta general de claridad. Cualquier belleza que pudiera haber estado latente bajo la superficie se ve sofocada por una ingeniería descuidada. En resumen, "Nordic Gothic" es un ejercicio decepcionante de estilo sobre sustancia. Cemetery Skyline tenía TODOS los ingredientes para crear algo evocador e impresionante, pero en cambio ofreció un paisaje sombrío a medio hacer.

5.5/10

Chapel Of Disease - "Echoes Of Light" (Black / Heavy / Black 'n Roll)

En su álbum de regreso tras seis años fuera del radar, Chapel of Disease, continúa con "Echoes of Light"  la senda de lo mostrado y se atreve a fusionar lo inquietante con lo etéreo y la melodía, una contradicción sonora que quizás no debería funcionar pero, de alguna manera, lo hace. Lanzado para un grupo de seguidores específicos -este disco es muy 'nicho'-, la grabación exuda una devoción sin complejos por el Heavy tradicional y el Black, con algún toque Prog y Doom, a la vez que salpica con una interesante cantidad de melodía y atmósferas ambientales. Pero no dejes que el nombre angelical del disco te engañe; se siente más como un paseo por una catedral embrujada que por un bosque iluminado por el sol.

En esencia, este álbum ofrece seis temas de metal atmosférico y melancólico que a menudo suenan como si hubieran sido escritos en la cripta de una iglesia abandonada hace mucho tiempo. El tema de apertura, homónimo al disco, marca el tono con riffs cambiantes y algo monótonos que se mueven como la niebla en una mañana fría. Para la voz imagina el más puro semi growl del Black primera ola, mitad gruñendo, mitad suplicando, aunque no faltan voces limpias también. La banda elige  no sobrecargar al oyente con blast beats incesantes, en lugar de eso permite que el sonido se filtre a través de pasajes minimalistas y cargados de fatalidad. Las guitarras gimen, la batería hace eco en patrones y sin embargo, en algún lugar en la penumbra, la luz del Heavy parpadea.

La segunda canción, A Death Though No Loss, se destaca como la mejor del trabajo. Si bien mantiene el tono característico del álbum, es donde más se percibe la mezcla de las guitarras vivas del Heavy y la atmosfera Black. En general el disco discurre con esta amalgama que se puede encontrar en bandas como Bewithcher o Cloak, algo que los muy especialistas llaman Black 'n Roll... las etiquetas que los metaleros usamos son para hacérnoslo mirar.

En términos de composición, Chapels of Disease es bastante simple. "Echoes of Light" no está abriendo nuevos caminos pero su sonido está bien elaborado, ejecutado con precisión y atmosféricamente rico. Ocasionalmente, sin embargo, el ritmo puede sentirse glacial. Algunas canciones podrían haberse beneficiado de un toque más de urgencia; cuando todo es sombrío, es difícil que los momentos individuales destaquen.

Si hay una crítica que se pueda hacer, es que el álbum a veces se ahoga en su propia tristeza, virando peligrosamente cerca de la parodia, el tema Shallow Nights es prueba patente. Uno solo puede soportar cierta cantidad tristeza antes de preguntarse si "Echoes of Light" realmente tiene un interruptor de apagado. Y por otro lado lo mejor son los solos de guitarra que ejecuta Laurent Teubl, quien puede que sea el único miembro de la banda (un unipersonal, pero antes no era así, en resumen, no me queda demasiado claro).

Aun así, Chapel of Disease ofrece un buen punto de entrada para que nuevos fanáticos conozcan el Black sin necesariamente tener que quemarse en fosos de sonido árido. El trabajo en "Echoes Of Light" es inquietante, atmosférico y con la cantidad justa de melodía y atmósfera: una buena escucha para cualquiera a quien le guste el Metal sombrío pero no sin belleza.

7/10

Ad Infinitum - "Abyss" (Melodic Metalcore)

A mi las cosas que quieren aparentar ser algo que, cuando se raspa apenas la pinturita, se ve que no son, pues no las soporto. Debe ser la edad y que con el tiempo se prefiere tener/oír/ver/saber/sentir pocas cosas, pero que tengan calidad... poco pero bueno. Por eso este tipo de bandas, a la Amaranthe o Babymetal, siempre las cojo con pinzas porque me imagino lo que viene. Es es en el fondo el pecado del Metalcore, que se les ven las costuras 'poser', no todos -es verdad-. Vengan de a uno.

En el caso de Ad Infinitum escojo hablar de ellos porque están en el radar de los trabajos mentados y bueno, a veces hay sorpresas. Lo que realmente me llama la atención es que su vocalista Melissa Bonny está en boga porque hace bastante tiempo le presta un apoyo notable a las presentaciones en vivo de Kamelot y eso le otorga galones, aunque no se si se hace un favor con este disco, llamado "Abyss" pues la verdad es que no tiene demasiado que ofrecer, un poco más de lo mismo. Es exactamente el mismo disco que decenas de bandas del estilo han grabado antes, con exactamente las mismas melodías, los mismos breakdowns, los mismos teclados. La innovación en el Metalcore Melódico ha fallecido, oremos por él.

¿Es malo el disco? Joder, ya ni se. Creo que si a alguien le gusta este estilo puede que lo acepte, pero el que me diga que pasará a engrandecer el panteón de género va a tener que argumentarlo muy bien. "Abyss" es una oda a los lugares comunes y la falta de originalidad, no está mal instrumentado y la voz de misia Bonny destaca, como no podía ser diferente porque tiene un gañote, pero en el apartado de hacer canciones se queda rezagado, el disco comienza y termina y repito, creo haberlo oído antes, tocado por otras bandas. Digamos que si la copia es un halago, Ad Infinitum son muy corteses con alguien.

Decir que se perderá el tiempo quizás no sea justo, la producción y arreglos son buenos, la duración es aceptable en sus treinta y siete minutos, algún momento del disco atrae algo la atención y hay canciones que son pasables. El punto es que nada es memorable, la autenticidad del sonido es inexistente y la originalidad tiende a cero. Este tipo de bandas, al menos este disco, no pasa de ser primera o segunda presentación del segundo día del un festival de cuatro jornadas, se acercarán doscientas personas y habrá unas veinte que se sabrán unos coros, de resto, si te vi no me acuerdo.

Reitero lo que siempre digo con respecto a críticas que como esta no son favorables: mi eterno respeto a los músicos a los que tanto les cuesta crear, grabar, distribuir, ganar algo de dinero, ser entendidos, hacer todos los esfuerzos que se que hacen, lo se, me consta, pero las cosas como son, "Abyss" de Ad Infinitum es mediocre, no tiene nada que lo haga destacar fuera de la individualidad de la cantante, es plástico y como todo lo inanimado, no tiene alma, no esperen conseguir mucho aquí, a menos -repito- que sean muy-muy fanáticos del Melodic Metalcore.

5/10

Vhäldemar - "Sanctuary Of Death" (Power / Heavy / Speed)

Por razones poco discutidas y probablemente interesadas, el Metal que sale de sitios menos usuales, -digo- fuera de la zona anglosajona, nórdica y por excepción, de la Bota, parece que lo tiene más difícil de llegar a conocimiento general, no digamos a las carteleras y sitios de comentarios usuales. Es totalmente injusto, pero es así y no me gusta que sea de esa manera, por eso es un poco obligación y mucho placer hablar de gente como Vhäldemar, una banda vasca, española por su puesto, que hace un Power/Heavy/Speed muy al uso de Gamma Ray, Hellowen y similares, con un toque Manowar en lo que a épica refiere.

Con "Sanctuary Of Death" son siete sus larga duración y al menos éste -porque recién es que los vengo descubriendo- es el tipo de álbum que te agarra por el cuello y se niega a soltarte hasta que estás cantando sus himnos a todo pulmón. Esta banda no se contiene: golpea con la sutileza de un martillo de guerra y la velocidad de un tren desbocado.

Desde el inicio del disco la banda no pierde tiempo en marcar el tono: implacable, agresiva, pero innegablemente melódica. Si eres fanático de los solos de guitarra y las voces imponentes, aquí es donde te sentirás como en casa. La voz de Carlos Escudero es un grito primario que resuena con influencias de la vieja escuela, pero hay una ferocidad refrescante que se siente todo menos anticuada. Es como si el Metal clásico hubiera recibido una inyección de adrenalina y una mala actitud.

Temas hay por doquier, quizás no todos geniales, es cierto pero el disco tiene la virtud de mantener buen nivel, agregando eso que yo adoro, una canción que te lo recuerde por los siglos de los siglos, amen... me refiero a Deathwalker, un espectáculo en dos patas que tiene que ser escuchado, muy Accept o Axxis, muy alemana; agrégele a eso temas como Forevermore, Devil's Child, Dreambreaker, o Old King's Vision (Pt.VII) que aportan la energía que mantiene vivo el disco, todo aderezado con riffs sencillos pero afilados y una sección rítmica excelente. La alquimia está lograda.

Este no es un álbum que reinvente la rueda, a "Sanctuary of Death" le pudo haber sobrado una canción o dos, lo que realmente quiere hacer Vhäldemar con la rueda es atarle unos clavos, prenderle fuego y lanzarla a la batalla colina abajo. Para los fanáticos de los solos de guitarra épicos, los gritos de lucha y el Metal que te hace sentir como si estuvieras cargando hacia la guerra (así de ridículo y épico, jajaja), Vhäldemar cumple de sobra. De santuario nada, tierra arrasada.

8/10

Warpriest - "Gloombreaker" (Doom)

"Gloombreaker" de Warpriest es uno de esos álbumes de los que hay que hablar, sea ya porque ha golpeado el mundillo de revisiones con las peores calificaciones posibles o porque es necesaria la labor social que aleje a los desprevenidos del riesgo que este tipo de trabajos entraña. Hago aclaración: aunque este es uno de los peores discos en años, no quiero que mi comentario se interprete como una falta de respeto a los músicos que lo crearon, respeto su esfuerzo y creo que todo el mundo tiene derecho a intentarlo y equivocarse.

El trabajo dice prometer intensidad Doom pero ofrece mediocridad envuelta en una capa de teatralidad cargada de fatalidad. Desde el principio la banda (el dúo, de hecho, los esposos Wilson de Atlanta, GA) parece decidida a enterrar cualquier energía potencial bajo una montaña de riffs lentos y atmósferas sobrecargadas, creando una experiencia auditiva que se siente más como una tarea impuesta que como un rato divertido. Si estás buscando un disco que redefina lo que significa ser 'sombrío', este podría serlo, pero solo porque podría ponerte a dormir.

El álbum comienza con lo que presumiblemente se supone que es una apertura melancólica, pero en cambio, Dogs Of Doom es un canto fúnebre sin rumbo que avanza lentamente con toda la emoción de ver cómo se seca la pintura de la pared. Warpriest intenta evocar la vibra siniestra del Doom clásico, pero solo logran sonar como si estuvieran imitando los elementos del género sin entender qué los hace funcionar. Los riffs, que suelen ser el corazón de cualquier buen disco son -cuando medio aciertan- olvidables y reciclados, hasta el punto de la parodia, cuando no aciertan -que es la más de las veces-, dan vergüenza ajena. Cuando llegas a la tercera canción te preguntas si estás escuchando el mismo riff una y otra vez a ritmos ligeramente diferentes y cuántas horas han pasado.

El gruñido monótono del vocalista es otra decepción, pero lo peor es que cuando intenta hacer algo de esfuerzo, desafina y lo hace tanto que tiene que venir a auxiliar el sonido de la guitarra en forma de outro. Si bien está claro que Warpriest busca una presencia siniestra, su interpretación se siente caricaturesca, sin vida y forzada, como alguien que hace su mejor imitación de un villano de película de terror tipo B.

La producción tampoco le hace ningún favor a "Gloombreaker". La mezcla es turbia y desequilibrada, lo que dificulta distinguir entre los instrumentos en los momentos claves. Esto puede ser intencional para darle al disco esa sensación underground, pero termina sintiéndose barato y apresurado. Los intentos de Warpriest de incorporar elementos atmosféricos resultan torpes, con efectos mal colocados que no mejoran el estado de ánimo y que restan valor a cualquier pizca de interés que la banda podría generar.

"Gloombreaker" es un ejercicio poco inspirado de clichés del Doom que ponen a prueba la paciencia y los nervios. Sugiero tocar el trabajo solo con un palo, especialmente si se es novato en estas artes, no vaya a ser que la decepción les haga creer que todo el Doom es así.

2/10

Blood Incantation - "Absolute Elsewhere" (Technical Death / Ambient)

"Absolute Elsewhere" de Blood Incantation, heredero espiritual de su EP de 2022 "Timewave Zero", es un giro audaz del tipo de Death por el que es conocida la banda con sede en Denver. El álbum es menos un disco de Metal y más una banda sonora para una exploración cósmica, intercambiando guturales feroces y guitarras abrasadoras por sintetizadores celestiales y paisajes sonoros espaciosos. Es como si Blood Incantation se hubiera tomado en serio su fascinación por el universo y hubiera creado una pieza musical que muy bien podría acompañar los viajes interestelares, o quizás los momentos tranquilos entre galaxias.

"Absolute Elsewhere" ofrece dos temas largos y serpenteantes de tres partes cada uno, The Stargate y The Message, y que tienen más que ver con evocar estados de ánimo que con mostrar talento musical. Esto es claramente deliberado y aunque algunos fanáticos de los trabajos anteriores de la banda, especialmente "Hidden History of the Human Race" (2019) podríamos habernos quedado anhelando algunos blast beats y agresión, la ausencia de elementos tradicionales del Death no es algo negativo. En cambio, el álbum baña a los oyentes en una atmósfera, invitando a navegar a través de paisajes sonoros nebulosos con una sensación de asombro distante.

La canción de apertura, Tablet I de The Stargate, se siente como un deslizamiento a través de un sistema estelar distante, con sintetizadores analógicos cálidos que reverberan como si rebotaran en el vacío. El disco en general tiene una vibra retrofuturista tangible, que recuerda a las bandas sonoras de ciencia ficción de los años '70s (piense en "Blade Runner" y "2001"). El sonido es a la vez vintage y atemporal, un retroceso a una era de fantasías de exploración espacial pero inquietantemente revelador.

Hay temas más meditativos, con un enfoque minimalista que podrían describirse como la banda sonora de observar un agujero negro a corta distancia. Es el equivalente musical de mirar fijamente al abismo y sentir que el abismo, en lugar de mirar de vuelta, te arrulla en una extraña paz. Por supuesto, "Absolute Elsewhere" no es para todos. Los fans de Blood Incantation que busquen riffs complejos, pesadez o gruñidos pueden sentirse perdidos en este mar de Ambient. Sin embargo, aquellos con paciencia, y quizás un cariño especial por algo novedoso, encontrarán en esta experiencia una recompensa.

Al final, este álbum trata más sobre traspasar límites. Ya sea que te guste el Ambient con temática espacial o simplemente sientas curiosidad por lo que sucede cuando una banda de Metal da un giro brusco, "Absolute Elsewhere" es un viaje que vale la pena emprender. Este es el disco conceptual del este año sin duda, reitero que no tiene nada sencillo y que toma tiempo agarrarle la vuelta, pero al comprenderlo se abre y te atrapa. No le falta mucho a Blood Incantation para la perfección, sino es que ya está ahí.

8.5/10

Nails - "Every Bridge Burning" (Powerviolence / Grindcore)

"Every Bridge Burning" de Nails es nuevamente, una feroz pieza de Powerviolence y Grindcore que ofrece una agresión implacable en apenas minutos. Fieles a su esencia, el trío con base en California vuelve a crear una experiencia sonora que combina una velocidad brutal con riffs densos y sofocantes. Conocidos por su enfoque intenso y crudo, Nails no se contiene en este disco, ofreciendo a los oyentes una experiencia brutal y catártica de principio a fin.

La banda no es muy prolífica, su anterior trabajo "You Will Never Be One Of Us" (2016) ya vio luz hace ocho años, sin embargo quedó grabado a fuego en mi memoria, primero porque con él los descubrí y segundo porque desde entonces me han parecido una de las bandas más auténticas del sector extremo del Metal. Si además sacamos cuentas que cada disco tiene apenas unos dieciocho minutos de música, pues con sus cuatro entregas apenas hay una hora en total de sonido de Nails, pero, por demás interesante, ello no desdice, al contrario, refuerza que cantidad no es igual a calidad.

El álbum se sumerge desde el vamos en un asalto caótico de tambores atronadores, guitarras distorsionadas y la voz de Todd Jones. La producción es intencionalmente -desde mi punto de vista- cruda, con los instrumentos y las voces mezclándose en un muro de sonido castigador. Muchos momentos del álbum capturan la sensación de ira implacable y nihilismo por el que Nails se ha hecho conocido. La mezcla de la velocidad del Grindcore y la pesadez de los elementos Powerviolence lo convierte en una escucha agotadora pero gratificante.

La canción principal del trabajo, Every Bridge Burning, se destaca como el centro temático y sonoro del álbum. Con poco más de tres minutos de duración, encapsula la rabia y la visión sombría del mundo que Nails canaliza a lo largo del disco. El título sugiere una ruptura de los lazos con el pasado, una declaración de guerra contra el mundo, que se refleja en el enfoque intransigente de la música.

Aunque "Every Bridge Burning" no se aleja mucho de la fórmula que Nails ha perfeccionado a lo largo de los años, su brevedad garantiza que el impacto sea puro. Esto no va de variedad o sutileza; es un ejercicio para ofrecer una experiencia visceral y primaria. Para los fanáticos de la banda, ofrece exactamente lo que queremos: furia pura y sin diluir. Aunque no es para los débiles de corazón, "Every Bridge Burning" es un testimonio de la capacidad de Nails para superar constantemente los límites de la música extrema. En el video inserto, todo el disco.

8/10 

Wormwood - "The Star" (Melodic Black / Folk)

"The Star" de Wormwood es una interesante mezcla de Melodic Black (quizás hasta Ultra Melodic) y Folk Atmosférico, impregnada de misticismo y la oscuridad del norte de Europa. Esta banda sueca es conocida por ofrecer un sonido agresivo pero melódico y este disco continúa el legado del camino abierto con "Ghostlands - Wounds From A Bleeding Earth" (2017), Disco del Año del género de este sitio. Sin embargo "The Star" no necesariamente abre nuevos caminos para ellos, solo aprieta los tornillos de lo que ya hacen bien.

El álbum tiene torbellinos apocalípticos de riffs de trémolo y blast beats que establecen un tono sombrío. Un ritmo implacable se siente como un descenso al caos, pero no sin su propia belleza retorcida y cambios a pasajes lentos y meditativos que ayudan a apreciar la entrega. La yuxtaposición de growls y coros limpios, junto con líneas de guitarra melódicas, sigue siendo uno de sus puntos fuertes. Cometen el pecado de los coros de niños, pero digamos que no les queda tan mal, sin embargo no termino de entender la razón de hacer esto. Los riffs de "The Star" son fáciles de entender y a menudo dan paso a interludios melódicos que evocan una sensación de paisajes antiguos, indómitos y vastos.

Los temas A Distant Glow -lo mejor del disco y uno de los mejores del año-, Liminal y Ro, son lo más destacado del trabajo, introducen influencias Folk a través de pasajes de guitarra acústica y atmósferas sombrías, brindando un respiro del material más pesado. Estos momentos se sienten casi cinematográficos, como la banda sonora de alguna saga vikinga. Wormwood no rehúye de la grandiosidad, y si bien más que ocasionalmente pisa la línea de la autocomplacencia, el ritmo general del álbum evita que se vuelva demasiado inflado.

Vocalmente, la entrega se adapta al estado de ánimo, pero no se destaca mucho del mar de actos de Black que ofrecen un sonido similar. Las letras se inclinan hacia temas de muerte, destrucción y sabiduría esotérica, lo cual es normal en este género, pero parecen más poéticas que sermoneadoras, un cambio bienvenido que a menudo también plaga álbumes similares.

Donde "The Star" realmente brilla es en su producción. El sonido es nítido, con cada instrumento perfectamente equilibrado. La mezcla fría, casi clínica, funciona a favor del álbum, permitiendo al oyente perderse en las complejidades de los arreglos sin sentirse abrumado por el sonido del conjunto. Al final, "The Star" es una incorporación sólida, aunque no innovadora, a la discografía de Wormwood. Honesto buen disco que si no se le escucha demasiado seguido mejora su percepción porque es demasiado melódico y empalaga, pero destaca en 2024.

7.5/10

Wolfheart - "Draconian Darkness" (Melodic Death)

"Draconian Darkness" de Wolfheart ofrece una potente mezcla de Death Metal melódico con toques sinfónicos, manteniéndose fiel al estilo característico de 'metal invernal' de la banda. El álbum se reitera en los temas característicos de la agrupación finlandesa al tiempo que refina su sonido con elementos cinematográficos y atmosféricos. Wolfheart ha realizado un buen disco, pero demasiado sobre seguro.

El álbum abre con Ancient Cold, una feroz canción marcada por su orquestación masiva e intensa energía Melodeath. Le siguen temas como Trial By Fire y Grave, en que destacan sus transiciones dinámicas de riffs brutales a momentos más suaves y atmosféricos. En general el disco muestra todos los trucos y denominadores comunes que los han llevado a ser apreciados como representantes genuinos del género.

No se podrá decir que no le he prestado atención al trabajo de Tuomas Saukkonen, siendo con éste seis los discos comentados aquí, los cinco primeros bandeando entre lo genial y lo bueno; todavía me parece que "Constellation Of The Black Light" (2018) es su buque insignia, pero con "Draconian Darkness" baja un peldaño, a niveles de "Shadow World" (2016), su gran productividad quizás merma un tanto la calidad, pero nada que lamentar como grave.

La calidad de producción es uno de los puntos fuertes de "Draconian Darkness", donde cada instrumento suena nítido y claro, mejorando la experiencia auditiva general. Reitero que a pesar de sus puntos fuertes, algunas críticas sugieren y yo lo comparto, que algunas pistas, como Evenfall, se sienten repetitivas, apegándose demasiado a la fórmula de laboratorio sin suficiente experimentación.

En definitiva, "Draconian Darkness" es una adición más que decente en la discografía de Saukkonen, que equilibra la intensidad cruda con melodías inquietantes y ofrece una experiencia convincente para los fanáticos del Melodeath. Si bien va a lo seguro a veces, es un álbum que consolida -si se puede- la posición de Wolfheart en el género.

7.5/10

Alcest - "Les Chants de l'Aurore" (Post-Black / Shoegaze / Blackgaze)

Si "Les Chants de l'Aurore" fuera un cuadro, pintaría un valle lleno de niebla donde la luz del sol duda en abrirse paso entre las nubes, pero cuando lo hace, es trascendente. La última propuesta de Alcest es un delicado acto de equilibrio entre el sueño y la realidad, que combina la intensidad del Post-Black con la belleza etérea y atmosférica que Neige, el cerebro, pitcher abridor, novio de la madrina y demás funciones de la banda, ha convertido en su sello.

El título en sí, que se traduce como 'las canciones del amanecer', establece el estado de ánimo para un álbum que parece la banda sonora del mundo que despierta de un antiguo letargo. Pero no esperes una mera oda al amanecer, "Les Chants de l'Aurore" se desarrolla como un viaje espiritual que te lleva desde los rincones más profundos de la noche melancólica hasta el primer aliento de la luz de la mañana. Es como si el francés hubiera tomado el concepto de 'amanecer' y lo hubiera extendido a todo el espectro de la emoción humana.

Musicalmente, el álbum oscila entre el Shoegaze y el Blackgaze más duro por el que Alcest es conocido, con la voz fantasmal de Neige flotando sobre paisajes sonoros exuberantes como un ser espectral. Aquí es donde reside la verdadera fortaleza de la banda: en su capacidad de evocar sentimientos de nostalgia por algo que nunca has visto. Es una sensación paradójica, muy similar a la forma en que las guitarras con trémolo pesado chocan con las melodías limpias y elevadas, pero las complementan.

Temas como Komorebi, Améthyste y L'envol encapsulan el núcleo del álbum: un estado onírico que oscila entre la esperanza y la desesperación. Alcest siempre ha tenido esta habilidad para hacer que la tristeza suene como algo sagrado. Sin embargo, si buscas riffs contundentes o gritos guturales, este no es el álbum para ti. Pero esa es la belleza de Alcest: no intentan golpearte hasta que te rindas. En cambio, "Les Chants de l'Aurore" es una invitación a sumergirse en un sueño despierto, un espacio donde la luz y la sombra se encuentran, y nada es lo que parece.

En resumen, Alcest ofrece un trabajo introspectivo y maravillosamente inquietante que se siente como un momento tranquilo antes del amanecer, una meditación sobre los momentos fugaces de la vida. Es melancólico pero alentador, perfecto para los soñadores y claramente un buen disco, no perfecto, con un par de temas menos agraciados o quizás menos impactantes que el resto, pero realmente un trabajo destacado para 2024 y sin duda el mejor disco a la fecha del de Occitania, Francia.

8/10

Dark Tranquility - "Endtime Signals" (Melodic Death)

El último álbum de Dark Tranquillity, "Endtime Signals", es una mezcla de puntos fuertes y débiles de una banda que ha tenido mejores años. Si bien el disco ofrece destellos de la brillantez del Melodeath que una vez los convirtió en pioneros del género, en última instancia sufre de falta de innovación y toma de riesgos creativos, lo que lo deja con una sensación de estar algo estancado en comparación con su mejor trabajo, "Atoma" (2016) un disco para recordar más que éste ciertamente.

Las canciones que componen el disco contienen sus líneas de guitarra melódicas familiares y una musicalidad precisa, pero rápidamente queda claro que Dark Tranquillity está pisando terreno familiar. El trabajo de guitarra, aunque sólido y ocasionalmente atractivo, carece de la frescura o la mordacidad que definieron sus álbumes anteriores como el mencionado en el primer párrafo, "Construct" (2013) o "Moment" (2020). Las armonías de guitarra duales y los solos de Mikael Stanne y  Johan Reinholdz son competentes, pero rara vez se aventuran en territorio demasiado emocionante. Los riffs se sienten cómodos, casi demasiado, como si la banda estuviera jugando a lo seguro en lugar de empujar sus límites creativos.

La interpretación vocal de Mikael Stanne es, como siempre, un punto clave, pero incluso aquí, hay una sensación de estancamiento. Sus growls siguen siendo potentes, pero carecen de la intensidad cruda que tenían antes. Las voces limpias se sienten bien. La mezcla es clara y pulida, aunque a menudo se siente estéril, privando a la música de parte de su potencial de dureza e impacto. La sección rítmica, sigue siendo la fuerza impulsora en la música de Dark Tranquillity, el recién llegado Joakim Strandberg-Nilsson, ex In Mourning, hace bien el trabajo pero no se le escucha demasiado con el tipo de producción escogida.

En cuanto a las letras, "Endtime Signals" retoma temas de colapso social, terror existencial y escenarios apocalípticos. Si bien la banda todavía crea paisajes sonoros atmosféricos, el contenido temático se siente como una repetición de ideas anteriores. En definitiva, "Endtime Signals" es un álbum competente pero poco inspirado de una banda que parece reacia a abandonar su zona de confort. Los fanáticos de toda la vida pueden disfrutar de su familiaridad, pero es poco probable que destaque como un punto especial en la discografía de Dark Tranquillity.

Un disco de Melodeath, especialmente salido de las manos de gente que ha demostrado con constancia que son capaces de sacar lo mejor de sí mismos, debe ser -para mí- una experiencia vital. Con "Endtime Signals" solo consigo un poco de eso. Ciertamente el mejor tema del trabajo es Neuronal Fire, con un excelente riff y puede que también destaquen Not Nothing, Unforgivable y Shivers And Voids, de resto, pues como he dicho, no ha habido ese atrevimiento que antaño le percibí a la banda. Que de los cinco componentes haya tres que son nuevos puede que haya influido y estemos ante un trabajo de ajuste antes de volver a las glorias conocidas.

7/10

In Vain - "Solemn" (Melodic Death / Melodic Black / Progressive)

"Solemn" de In Vain podría ser la banda sonora de un apocalipsis vikingo, si los vikingos también hubieran tenido una sesión de improvisación de Metal justo antes del Ragnarok. La agrupación se ha ganado un nicho como alquimistas sónicos, mezclando Blackened Death, Melodic Death y Prog con toda la gravedad emotiva que esperarías de un álbum con el nombre de "Solemn". Pero no dejes que el título te engañe; este no es un álbum que se queda quieto en un rincón mientras te pones el luto: es una buena tormenta de riffs, growls y grandeza atmosférica.

In Vain es capaz de muchas cosas, incluso de hacer discos mediocres como su anterior "Currents" (2018) que me decepcionó tanto después de la genialidad de "Ænigma" (2013) que a veces lo uso como ejemplo del desplome de una banda. Ahora con "Solemn" creo que los de Noruega logran el equilibrio. Desde la primera canción, la banda establece el estado de ánimo con una fuerte intensidad melancólica. No solo tocan Metal, sino que pintan en tonos de oscuridad, lanzando ráfagas de luz para mantener las cosas interesantes. La fuerza del álbum radica en su capacidad de equilibrar la brutalidad con la belleza.

Uno de los mejores ejemplos de este delicado acto de balance es el tema Seasons Of Unrest, que se siente como el equivalente musical de recibir un puñetazo en la cara y luego un abrazo inmediato. Las guitarras son dinámicas y ajustadas, combinando riffs feroces con momentos de delicadeza melódica. Es como si hubieran invitado a Gorgoroth y Opeth a la misma fiesta y los hubieran hecho llevarse bien.

Luego está la batería, que es nada menos que implacable. De alguna manera, la banda evita que todos estos elementos intrincados se conviertan en un caos, lo que es una hazaña en sí misma. La producción es lo suficientemente limpia como para dejar que los detalles brillen, pero lo suficientemente cruda como para hacerte sentir como si estuvieras parado al borde de un acantilado con la tormenta formándose detrás de ti.

Al final, "Solemn" es tan serio y épico como suena y sobre todo, es el retorno de In Vain al buen camino. El disco es oscuro, melancólico y complejo, pero también atractivo y gratificante para cualquiera que le guste que su Metal venga con un toque de aventura musical. Como principal elemento negativo destaco que nuevamente es demasiado largo, superando la hora, lo que lo hace agotador, pero con algo de paciencia se le logra acabar. Bien por In Vain.

8.5/10

Winterfylleth - "The Imperious Horizon" (Melodic Black / Atmospheric Black)

Winterfylleth ha vuelto con su octavo larga duración, "The Imperious Horizon" y es todo lo que se puede esperar de estos incondicionales del Black Melódico con tintes Atmosféricos y tal vez un poco más. Para una banda conocida por forjar su sonido en los fuegos de la naturaleza y la historia, este álbum no solo refina lo que han mostrado, sino que también se adentra en un territorio que se siente como aire fresco que barre ruinas antiguas.

Desde el principio, "The Imperious Horizon" te recuerda porque Winterfylleth ocupa un lugar tan prestigioso en el panteón del estilo. El álbum es denso pero expansivo, como estar parado en el borde de un antiguo campo de batalla y contemplar las consecuencias. Gruesos muros de punteo de trémolo, tambores poderosos y la característica voz áspera de la banda dominan el paisaje sonoro. Pero debajo de la ferocidad, hay una belleza inconfundible, que entrelaza influencias Folk y atmósferas contemplativas que crean una experiencia inmersiva.

Temáticamente, "The Imperious Horizon" continúa el viaje de la banda a través de paisajes tanto literales como metafóricos. Si bien los álbumes anteriores (que nuevamente con esta gente no se porque no había escrito todavía) han explorado la historia pagana y la naturaleza, Winterfylleth no solo crea un sonido, elabora una narrativa.  

Los riffs golpean como avalanchas y temas como Like Brimming Fire y Dishonour Enthroned brindan suficientes blast beats como para apaciguar incluso a los puristas del Black más empedernidos. Aún así, hay madurez aquí, una delicadeza en el caos. Las canciones se construyen y evolucionan en lugar de golpearte hasta la sumisión, llegando a su punto culminante con Upon This Shore, una oda que no solo es la mejor del disco, sino uno de los temas del año.

Uno de los aspectos más destacados del álbum es su producción. Limpia pero no estéril, la mezcla permite que cada elemento brille sin sacrificar la intensidad cruda. Hay una riqueza en las guitarras, una profundidad en la batería e incluso las voces parecen más dominantes que nunca, gruñendo una sensación de propósito en lugar de pura rabia. "The Imperious Horizon" de Winterfylleth reescribe nada, pero sin duda habla de la madurez y crecimiento del Black, que tanta falta le hizo durante varios años y lo convierte en un estilo -nuevamente- urgentemente relevante.

8/10

Galneryus - "The Stars Will Lead The Way" (Power /J-Metal)

"The Stars Will Lead The Way", el nuevo álbum de la mejor banda japonesa de Power, Galneryus, es una exhibición enérgica del estilo característico de la banda, que combina la maestría musical a la que nos tienen acostumbrados, junto con melodías imponentes. Este álbum marca otro capítulo en la dilatada carrera de Galneryus, ofreciendo a los fans elementos familiares y algunas progresiones refrescantes.

El álbum comienza con una introducción cinematográfica que marca un tono que conduce a la trepidante The Reason We Fight, la que se convierte en la mejor pista del disco y que muestra el sello distintivo de Galneryus: tempos rápidos, solos de guitarra y teclado duales, y el intrincado trabajo de guitarra de Syu que cambia entre florituras melódicas y solos desgarradores. El poderoso tenor del vocalista principal Masatoshi Ono es, como siempre, un elemento definitorio del sonido de la banda, que ofrece claridad y emoción, especialmente en los momentos más destacados del álbum.

Este disco si tiene un cambio de perspectiva que puede hablar de cierto desarrollo en la visión de la banda, el cual no se si están todos listos para aceptar. Me refiero a que fuera de los temas rápidos y épicos de Galneryus, hay canciones más lentas, quizás contemplativas, las cuales no se si terminarán de satisfacer el gusto del seguidor promedio. A mi me pareció un experimento interesante, pero siendo -como debo serlo- totalmente franco, no se si es lo que esperaba. 

Ojo, Galneryus no sabe hacer un mal disco y no es ésta la primera oportunidad en la que ello iba a ocurrir, sencillamente mi gusto con ellos deriva de la absurda velocidad a la que acostumbran desplegar su arte. De hecho, en temas que mezclan ambas perspectivas, la tranquila y la potencia, también se consiguen cosas interesantes, como por ejemplo In Water's Gaze. Luego hay un poco de todo, quizás Crying For You no me terminó de convencer, me pareció demasiado balada ochentosa, a lo Asia o Journey, eso no me parece que les quede tanto.

En todo caso, el uso de teclados por parte de Galneryus, cortesía de Yuhki, sigue siendo un punto fuerte. Ya sea acentuando los solos de guitarra o proporcionando fondos atmosféricos, las teclas agregan profundidad a las pistas que se apoyan en gran medida en sus cualidades sinfónicas. Puede que otro sitio donde el álbum falle sea en su dependencia de estructuras de canciones formulistas. Si bien se escuchan temas como Voices In Sadness  que están innegablemente bien ejecutadas, con crescendos dramáticos y cambios dinámicos, el esquema general se siente algo repetitivo en todo el disco. 

No se puede pretender que una gente que es tan prolífica como Galneryus, quienes sacaban casi un disco anual no bajen un tanto el nivel aquí o allá, pero en este caso con "The Stars Will Lead The Way", quería más de la genialidad que los herederos por derecho propio de X-Japan habían mostrado en discos como "Into The Purgatory" (2019), "Between The Dread And Valor" (2023), "Ultimate Sacrifice" (2017), "Vetelgyus" (2014), "Under The Force Of Courage" (2015),

A pesar de esto, el álbum sigue siendo una buena incorporación a la discografía de Galneryus. La musicalidad es de nivel, la guitarra de Syu es un punto destacado, mientras que la voz de Ono sigue ofreciendo tanto alcance como emoción. En general, "The Stars Will Lead The Way" es una propuesta sólida que debería satisfacer a la base de fans dedicada de la banda, aunque puede que no amplíe su alcance mucho más allá de ella y por momentos el songwriting no sea tan excelso como acostumbran. Es un trabajo refinado y pulido que muestra las fortalezas de Galneryus y algún detalle menor -por qué no decirlo- sin abrir nuevos caminos.

7.5/10

Wintersun - "Time II" (Extreme Power / Melodic Death)

¿¡Pero que pasó en estos seis meses!? Leer o escuchar gente diciendo que "Time II" de Wintersun es corto, que no tiene realmente sino dos canciones, que no tiene el nivel de "Time I", que llega muy tarde (bueno, eso es verdad...), me hace preguntarme si las neuronas se secaron o si quizás Babymetal tomó por asalto las carteleras. Pues si, hay gente que cree que Wintersun no ha presentado un buen disco, oh the humanity! Menos mal que los lugares referentes de costumbre (Amusia, Angry, Truemetal, et al) se han encargado de poner en su sitio a tales desvergonzados. Ahora me toca a mi :)

Aunque doce años no es tiempo para hacer el bis de nada, digamos que obviaremos el punto para no caer en diatribas que finalmente son insustanciales. Lo verdaderamente importante es que "Time II" está aquí y lo está para bien, para demostrar que el Extreme Power o el Death Melódico, como quiera que se le desee catalogar, sigue fuerte, con gente digna dispuesta a jugarse el prestigio de un género que puede estar pasando horas bajas.

Lo mejor de todo es lo que me ha gustado el trabajo. "Time I", uno de los primeros discos que revisé en ELOMC, no me impactó tanto, quizás no entendía tan bien el género, quizás ese día no me sentó el almuerzo, quizás Ensiferum me tenía más entretenido que este proyecto paralelo de Jari Mäenpää, quien ya no está en esa banda Folk (la verdad Ensiferum pasa horas bastante bajas). El punto es que un aceptable fue todo lo que le pude dar. Hoy es diferente, creo que "II" es una mejora obvia y ha valido la pena.

Este disco tiene dos vertientes, el sonido suave y amable del Sinfónico por un lado y el brinco repentino a la emoción y totalidad épica del Melodeath-a-la-finlandesa que tanto emociona. La mezcla de sonido me parece que le ha quedado de primer nivel a Wintersun. Es verdad que algún momento del disco puede parecer sobreproducido, no lo niego, pero entiendo que ha logrado un equilibrio que le permite ser escuchado todos sus casi cuarenta y nueve minutos y no empalagar. Emoción, cohesividad, mantenimiento del interés y buena técnica instrumental hacen de esta grabación un gusto para los seguidores de los sonidos poderosos y melódicos.

Los toques experimentales que le agregan los sonidos orientales le brindan un elemento interesante, los riffs me parecieron bien trabajados y recordables, los coros intensos y como dato más destacado, su repetición es bienvenida, no se hace excesivo, se le descubren cosas y tiene relación con "I", diría que trata de hacer notar por que tardó tanto tiempo en llegar la segunda parte. Este sería un disco que escucharía muy satisfecho en vivo, especialmente los temas Storm y The Way Of The Fire, los mejores.

8/10

Powerwolf - "Wake Up The Wicked" (Power)

Si este es tu primer o segundo disco de Powerwolf, bienvenido al club de seguidores incondicionales de los lobos anti-sistema, si es tu duodécimo (o digamos, el séptimo larga duración de temas originales), yo se que presientes lo que voy a decir porque ambos lo sentimos, todos lo sentimos. Powerwolf está jugando con el riesgo de convertirse en el nuevo AC/DC, versión alemana. Sus discos serán todos buenos, escuchables, no habrá concierto en el que se presenten que no esté hasta la bandera, todos cantaremos sus temas, pero cada vez se auto plagian con más fuerza.

"Wake Up The Wicked" es un poco más de lo mismo, con buen gusto -si-, algunos temas que destacan y que siguen una fórmula que ellos crearon, que han sabido explotar y transmitir y que básicamente se compone de Power, muy melódico, con la voz de Attila Dorn como guía, luz y paradigma, mucho uso de teclados con elementos de música eclesiástica, campanas, lírica divertida, bastante anticlerical y anti todo y algo de insinuación sexy. Siempre encontramos épica, alta energía, imaginería gótica, uso del latín y una fuerte presencia en el escenario, donde son muy divertidos.

Este trabajo tiene sus canciones emblemáticas, como no podría ser diferente, Bless 'Em With The Blade, Sinners Of The Seven Seas y 1589, la mejor del disco, se meten en el cerebro y no salen con facilidad. Pero si tengo que comparar lo que Powerwolf ha realizado en el pasado, tiene mejores discos, puede que sea que había más frescura o que sencillamente me gustaron más, pero todavía encuentro que "Blood Of The Saints" (2011), "Preachers Of The Night" (2013), "Blessed & Possessed" (2015) y "Sacrament Of The Sin" (2018) son sus mejores entregas, todavía hoy los escucho con asiduidad.

Recibir exactamente lo que los fanáticos queremos tiene doble filo, sigo pensando que algo de sorpresa, de atrevimiento, especialmente a estas alturas donde ya es difícil perder a la base de seguidores por algún 'faux pas' -que puede ocurrir, ha ocurrido y es permisible- no es siempre lo mejor. Eso hecho en falta de Powerwolf, una sorpresa, una reinvención, algo que muestre que queda sangre en las venas.

"Wake Up The Wicked" es un disco más en la discografía de Powerwolf con sus momentos interesantes, pero no como creo que fueron algunos de los aquí nombrados: grandes trabajos donde costaba encontrar decaimiento. No voy a dejar de sugerir que le den su correspondiente repaso, especialmente si están descubriendo a la banda, mayormente para que les nazca el deseo de buscar lo hecho antes, pero este, en el contexto general de su discografía, solo meh.

6/10

Ulcerate - "Cutting The Throat Of God" (Technical Death / Sludge)

A Ulcerate le pasa algo que a muy pocas bandas le ocurre y es que no tiene competencia real, si bien es cierto que se le pueden conseguir similitudes con Gorguts, Deathspeel Omega e Immolation, estos neozelandeses realmente son una clase en si mismos; sus últimos discos, "Stare Into Death And Be Still" (2020), "Shrines Of Paralisys" (2016) y "Vermis" (2013) son epítomes del Technical Death, los dos primeros casi perfectos. Es, en consecuencia, una necesidad hablar de su nuevo trabajo, "Cutting The Throat Of God".

De entrada mi salivación metalera me hizo atragantarme cuando me enteré de la publicación de éste, su séptimo larga duración, cosa que -vez si y vez también- no siempre es buena, demasiada anticipación puede ser contraproducente, así que le di bastante tiempo a paladear los cincuenta y siete minutos plus que tiene el trabajo, oyéndolo y dejándolo, volviendo tras un par de semanas nuevamente y así, cosa que normalmente no me podía permitir antes del paréntesis que hice este año.

"Cutting The Throat Of God" es sana competencia contra la misma banda, es Ulcerate nuevamente en su mejor forma, intentando superarse. Se que podrá parecer que voy a concluir que no es un disco genial -que no lo es- pero es que su vara está muy, muy alta. "CTTOG" es un discazo en toda norma, debe estar en toda lista de fin de año que se precie de saber de lo que se está hablando, pero no es el mejor disco de ellos. Con la excepción de tres o cuatro trabajos que han pululado las listas de rigor, estamos ante una de las mejores grabaciones de 2024, solo que de Ulcerate yo habría querido más... debe ser que quería que superaran "Stare..." pero se quedaron a un escalón.

El sonido del disco es envolvente, crudo, un tanto más pausado -quizás sereno, quizás maduro- de lo que recuerdo de sus anteriores, la sensación de caverna que produce escuchar el trabajo es genial, la voz de Kelland un ensueño growl y todo eso hay que recordar que lo hacen solo tres músicos, un power trio pero del inframundo. El elemento Sludge que incorporan y le da la cadencia mencionada es la mayor novedad que le consigo a "Cutting The Throat Of God" y la sensación de melancolía que emite, quizás lo mejor logrado.

Este es un disco que siento como bisagra entre lo que había mostrado y lo que puede deparar el futuro de la banda. Que Ulcerate intente evolucionar siendo una banda que lo tiene todo ganado como para seguir haciendo lo mismo generando el mismo interés entre nosotros, sus seguidores, me parece un acto de valentía. Resumo diciendo que es un disco inteligente, meditativo y agresor. Veremos hacia donde se dirigen. Temas recomendables pueden ser To Flow Through Ashen Hearts y Cutting The Throat Of God, de resto bien.

8/10

Fleshgod Apocalypse - "Opera" (Symphonic Death)

"Opera" de Fleshgod Apocalypse es el nuevo y monumental capítulo en su discografía, mostrando su estilo único de Symphonic Death con una intensidad casi cinematográfica. Los metaleros italianos siempre han coqueteado con la grandeza de la música clásica, pero en "Opera" elevan esa fusión a nuevas alturas, presentando un intrincado equilibrio entre brutalidad y belleza orquestal.

Desde la primera canción, el álbum sumerge al oyente en un torbellino de orquestación, con cuerdas, coros y pianos entrelazados con los riffs técnicos característicos de la banda, así como y una batería implacable. La producción es clara y con múltiples capas, lo que permite apreciar la complejidad de cada composición. Los elementos sinfónicos nunca son una ocurrencia posterior o algo forzado y sirven como algo más que un simple acompañamiento: son una parte integral de la arquitectura del álbum, brindando tanto grandeza como emoción.

En cuanto a la voz, "Opera" muestra al líder Francesco Paoli alternando entre guturales y voces limpias, una combinación que junto a la voz femenina de Veronica Bordacchini, ya si incorporada de forma fija, realza la teatralidad del álbum. Habiéndome tomado el tiempo para revisar la temática, el disco está arraigado en lo oscuro y lo existencial, tocando temas como el sufrimiento humano, la ambición y la caída, con un toque mitológico e histórico. Lo que combinado con los paisajes sonoros masivos, evocan imágenes grandiosas, trágicas y grandiosidad general.

El tema I Can Never Die, -probablemente la mejor del disco- ejemplifica la habilidad de la banda para combinar agresión con sofisticación sinfónica. Las voces y la orquestación dan paso a riffs aplastantes, creando una superposición que es a la vez discordante y fascinante. Otro punto destacado es Morphine Waltz donde la instrumentación transporta al oyente a una era diferente, sin perder el toque Death.

Sin embargo, "Opera" no está exento de desafíos. El muro de sonido constante puede resultar abrumador a veces, y la gran densidad de orquestación y tecnicismos hace que algunas pistas se desdibujen. El alto nivel de complejidad del álbum requiere varias escuchas para absorberlo por completo y -parece mentira- aunque solo tiene cuarenta y tres minutos, su perspectiva grandilocuente agota un poco. Aún así, para los fanáticos del Sinfónico y aquellos que aprecian las composiciones ambiciosas éste es un viaje gratificante.

En conclusión, "Opera" consolida el estatus de Fleshgod Apocalypse, creo que es su mejor disco a la fecha, quedando lejos los tiempos nefastos de "King" (2016). Es un álbum que busca superar límites y exige atención, un testimonio de la visión y la musicalidad de la banda. Aunque puede que no atraiga a todos, aquellos que aprecian la música épica que desafía los géneros encontrarán mucho que admirar en el trabajo.

8.5/10