Lovebites - "Outstanding Power" (J-Power)

"Outstanding Power" marca el quinto álbum de estudio de la banda femenina japonesa de Power, Lovebites. El disco llega en medio de la creciente presencia global de la banda, una contrato con Napalm Records y una actuación histórica en el icónico Budokan de Tokio programada poco después del lanzamiento, yo las vi hace dos años y me sorprendieron gratamente.

A primera vista, "Outstanding Power" suena exactamente como lo promete el título: una exhibición de maestría técnica, riffs potentes y un ritmo trepidante. Temas como The Castaway abren con un Power dramático y potente y las brillantes líneas de tinte Neoclasical que los fans esperan de Lovebites. El ataque característico de la banda con dos guitarras, cortesía de Midori y Miyako, es, como siempre, nítido y logrado, y la batería de Haruna es tan precisa y ultra rápida como siempre.

Sin embargo, donde "Outstanding Power" se diferencia de los trabajos previos más aclamados de la banda no es en la instrumentación ni en la maestría, sino en la composición y la memorabilidad. En "Judgement Day" (2023), Lovebites presentó un disco que muchos críticos y fans consideramos uno de los más cohesivos y convincentes, con estribillos sobresalientes y un ritmo implacable que, sin embargo, encontró espacio para la melodía y la energía de un himno. Las reseñas de la época elogiaron sus vigorosos riffs y su entrega llena de energía, y algunos críticos lo calificaron como una declaración definitiva y una sólida evolución para la banda.

En contraste, "Outstanding Power" a menudo se siente más como una recopilación de trucos metaleros competentes que como un conjunto de canciones realmente cautivadoras. A lo largo de sus doce temas, es sorprendentemente difícil encontrar momentos verdaderamente pegadizos. La actuación de la banda es técnicamente impecable, pero el álbum lucha por justificar consistentemente sus sesenta y cuatro minutos de duración con material inolvidable; muchos temas se funden sin los ganchos emotivos o memorables que hicieron que las canciones de su anterior perduraran mucho después de la última nota. No se trata de habilidad -Lovebites  toca con fluidez y estilo-, sino de la composición.

Algunas piezas individuales brillan algo: arreglos de medio tiempo como Dream of King ofrecen un contraste ligeramente más contemplativo que el ariete de la alta velocidad, y la inclusión de una balada Eternally demuestra la voluntad de la banda de respirar y diversificarse. Pero incluso estos momentos tienden a sentirse aislados en lugar de ser fundamentales para la trayectoria del álbum. En general, "Outstanding Power" a veces se siente demasiado largo y carente de momentos verdaderamente sobresalientes, a pesar de los momentos de estilo instrumental.

En definitiva, "Outstanding Power" es un trabajo bien ejecutado que satisfará a los fans incondicionales de Lovebites y a los entusiastas del J-power que aprecian la destreza técnica. Sin embargo, en comparación con su anterior álbum, se queda corto, dejando la sensación de que la banda ha perfeccionado su maquinaria, pero aún no ha creado los himnos memorables que elevarían este disco a las mismas alturas. A pesar de toda su energía y destreza, "Outstanding Power" está, irónicamente, lejos de ser realmente excepcional

6.5/10

Fossilization - "Advent Of Wounds" (Death)

“Advent Of Wounds” de Fossilization es una imponente pieza de Death donde los elementos más oscuros y sofocantes del género se llevan a un extremo abrumador. Sobre todo, su mayor característica diferencial es su oscuridad y densidad: cada tema se siente como si uno se arrastrara por una cueva llena de humo y ceniza. El disco es denso, cavernoso, siniestro, macabro y atmosférico, uniendo Death, Doom y texturas Black en una única visión opresiva que nunca pierde su enfoque.

Fossilization, un dúo brasileño elogiado en varios sitios por su trabajo en “Leprous Daylight” (2023), destaca por su inclinación hacia el Death turbio y Doom de la vieja escuela, manteniendo una composición precisa y decidida, evitando divagar. La producción se siente deliberadamente envuelta en la sombra: las guitarras vibran como maquinaria subterránea, la batería retumba y las voces emergen cavernosas.

Lo que realmente eleva "Advent Of Wounds" es la composición de riffs. El álbum está repleto de riffs muy interesantes que van más allá de la forma habitual 'mono-estructural', a menudo parten de un motivo sencillo y luego evolucionan hacia una secuencia mucho más elaborada y de varias partes. Las canciones respiran y mutan: los tempos se tambalean, las líneas de trémolo se transforman en disonancias atmosféricas y las figuras recurrentes reaparecen en formas alteradas, dotando al disco de una sensación narrativa y cohesión. 

El trío de canciones iniciales es especialmente devastador, y las mejores el disco, Cremation Of A Seraph, Disentombed And Reassembled By The Ages y Scalded By His Sacred Halo. La primera marca el tono con ritmos y riffs frenéticos e inexorables que se enroscan como invocaciones sepulcrales, sumergiendo al oyente en un mundo sonoro desolador y aplastante. La segunda destaca por su arco dinámico, que se ralentiza hacia pasajes Doom antes de redoblar la velocidad, una evolución estructural que se siente a la vez épica y castigadora y la tercera profundiza aún más la atmósfera, entrelazando figuras melódicas inquietantes con su violencia, de modo que la canción se siente a la vez litúrgica y enfermiza, como un ritual realizado en un templo en ruinas, clara nominación a Canción del Año de ELOMC. 

A lo largo de su metraje, “Advent Of Wounds” ofrece una excelente lección de cómo el Metal extremo puede ser a la vez brutalmente directo y audaz en su composición. Es oscuro y denso, pero rico en detalles e intención, recompensando la escucha atenta con capas de textura y desarrollo que van mucho más allá de los clichés del género. Para quienes buscan un Death cavernoso, siniestro, macabro y atmosférico cuidadosamente construido, lo último de Fossilization no solo es recomendable, sino que se siente imprescindible.

8.5/10

Worm - "Necropalace" (Symphonic Blackened Doom)

"Necropalace" de Worm es un viaje oscuro, frío y misterioso al Blackened Doom Sinfónico, donde la atmósfera y la destreza técnica se fusionan en una pesadilla gótica y vampírica. En general, es un disco decente, pero sus fallos de producción y la dura competencia dentro del estilo le impiden alcanzar la verdadera grandeza.

El álbum se inclina con fuerza hacia una atmósfera sombría y neblinosa, con teclados densos, órganos y guitarras superpuestas que crean un paisaje sonoro imponente. Su autodenominado Black Doom Nigromántico gira decisivamente hacia el Black Sinfónico, pero sin abandonar sus raíces Doom y Death, lo que confiere a las canciones una sensación glacial y opresiva bajo la influencia orquestal. El resultado es una música que se siente a la vez fría y extrañamente majestuosa, como deambular por interminables pasillos helados iluminados únicamente por antorchas parpadeantes.

A pesar de su extrema intensidad, "Necropalace" es bastante melódico, con temas recurrentes y motivos principales que hacen que cada tema parezca un viaje en sí mismo. Temas como el que da título al disco y Halls Of Weeping presentan arreglos exóticos, a veces impredecibles, que desestabilizan ligeramente al oyente, reforzando el carácter misterioso del disco. La fluidez entre los temas está cuidadosamente construida, pero su duración de más de una hora se siente exagerada.

Bajo la atmósfera se esconde un núcleo sorprendentemente técnico, especialmente en la composición de riffs y la batería. La banda alterna entre pasajes sinfónicos de ritmo medio, al estilo de los 90, y secciones más lentas de Doom con cambios de tempo al estilo de disSEMBOWELMENT, que exigen una atención minuciosa del oyente. Esta complejidad estructural le da al álbum profundidad y valor de repetición, incluso cuando algunas secciones individuales resultan intencionadamente sofocantes.

Uno de los puntos fuertes son los solos de guitarra, de espíritu descaradamente Heavy e incluso Neoclásico. El guitarrista principal, Wroth Septentrion, aporta un toque extravagante y altamente melódico que atraviesa la penumbra como un foco, y la aparición de Marty Friedman (ex-Megadeth) como artista invitado en el último tema subraya ese linaje del Metal clásico. Estos solos añaden una sensación de dramatismo y optimismo que contrasta a la perfección con el ambiente, por lo demás desolador.

Donde “Necropalace” falla es en su producción. Aunque las capas sinfónicas suenan imponentes, la obra maestra se siente demasiado comprimida, con un rango dinámico limitado que mantiene la música constantemente 'fuerte' pero rara vez realmente impactante. El muro de sonido puede resultar fatigante incluso a corto plazo, especialmente en secciones que deberían respirar más para que la orquestación y los elementos Doom resuenen plenamente. El bajo funciona particularmente mal, a menudo enterrado o indistinto bajo las guitarras y el teclado, lo que resta peso y claridad a algunos pasajes graves.

Dentro del panorama más amplio del Black Sinfónico, "Necropalace" es interesante, pero no mucho más. Los fans de bandas como Fleshgod Apocalypse o Dimmu Borgir, con su integración orquestal más nítida y una producción más expansiva, podrían encontrar este trabajo Worm menos refinado. En definitiva, este es un disco decente: oscuro, atmosférico, bastante melódico, técnicamente ambicioso y adornado con fantásticos solos de guitarra inspirados en el Heavy, pero limitado por su sonido encogido.

7/10

Converge - "Love Is Not Enough" (Metalcore)

En “Love Is Not Enough”, los ultra veteranos de Converge hacen lo que mejor saben hacer: detonar un torbellino de emoción y ruido que te hace querer atravesar una pared y luego abrazar a la persona que tienes a tu lado para decirle lo buena que es. A lo largo de su breve y denso metraje, el disco canaliza la rabia, el dolor y un realismo desolador en una experiencia sorprendentemente catártica que se siente como si te desgarraran y te volvieran a unir en un mismo instante.

Desde el tema que da título al álbum, la banda se lanza directo a la yugular, con riffs frenéticos y una batería desenfrenada que evoca inmediatamente su material más cruel. La letra de la canción, que habla de aprender a 'soportar el sabor de nuestra propia sangre' y aceptar que 'el amor no es suficiente', marca el tono de un álbum obsesionado con la empatía bajo asedio y la supervivencia emocional en un mundo depredador. Este es Converge en plena lucha: enérgico, caótico, agresivamente oscuro, crudo y ruidoso, cada golpe contundente y cada grito cargado de amargura. La gran fortaleza del disco reside en su precisión técnica y densidad rítmica, sin resultar estéril en ningún momento. 

Emocionalmente -fin último de este tipo de trabajos-, el álbum vive en ese extraño espacio donde la violencia y la vulnerabilidad se vuelven indistinguibles. Temas como To Feel Something convierten la ansiedad en un arma, con guitarras que suenan como nervios de punta y versos aulladores de Bannon que resultan instantáneamente identificables. En otros momentos, momentos de melodía con tintes Punk, como en Make Me Forget You, abren brevemente las ventanas antes de que la banda las cierre de golpe en una lluvia de retroalimentación y percusión. 

Dicho esto, "Love Is Not Enough" no es una reinvención radical del lenguaje de Converge. "Jane Doe" (2001) sigue siendo su declaración definitiva, el álbum que no solo cristalizó su sonido, sino que ayudó a dar forma al Metalcore en su conjunto, y sigue siendo su mejor y más singular trabajo. En comparación, este nuevo disco no lleva su estética a un territorio radicalmente nuevo; en cambio, refina y condensa elementos familiares en una explosión corta y violenta. Hay guiños a épocas anteriores en algunos ritmos y texturas, pero nada que redibuje el mapa de la banda.

Sin embargo, esa falta de innovación no se percibe como complacencia, sino como un enfoque intencional. Tras décadas transformando el Metalcore en nuevas formas, Converge se contenta con ser la versión más pura de sí mismos: furiosos, técnicos, rítmicamente densos y emocionalmente lacerantes. "Love Is Not Enough" es una declaración de intenciones que demuestra que esta banda aún puede hacerte querer golpear primero y luego, inmediatamente, envolver a todos en un abrazo magullado y exhausto.

8/10

Karnivool - "In Verses" (Progressive)

El cuarto y demoradísimo álbum de Karnivool, "In Verses", es como un eclipse prolongado y lento: un disco oscuro y emocionalmente intenso que ilumina gradualmente al oyente a medida que lo escucha. Trece años después de "Asymmetry" (2013), la banda regresa con un sonido inconfundiblemente suyo -rítmicamente intrincado, melódicamente rico y profundamente introspectivo-, pero refinado y algo más paciente, atmosférico y maduro.

Desde el principio, "In Verses" se inclina hacia un tono melancólico, casi opresivo, que sustenta sus ganchos melódicos. Ghost y Drone reintroducen la mezcla característica de Karnivool de Rock y Metal  Progresivo: riffs sinuosos, ritmos desfasados ​​y dinámicos que pasan del susurro al rugido sin resultar forzados. El disco es innegablemente oscuro, tanto en sus armonías melancólicas como en la carga emocional que impregna sus letras, pero esa oscuridad nunca es unidimensional; se siente reflexivo más que nihilista, como si luchara con viejas cicatrices en lugar de revolcarse en ellas.

Los elementos progresivos se entrelazan en cada rincón del álbum, no como ejercicios técnicos ostentosos, sino como el ADN de la composición. Compases y polirritmos inusuales están por todas partes, especialmente en temas como Aozora, Remote Self Control y Animation, donde la batería de Steve Judd evoluciona sin perder su ritmo hipnótico. Estos rompecabezas rítmicos se equilibran con fuertes líneas melódicas; la voz de Ian Kenny se eleva por encima de la complejidad, haciendo que canciones que podrían parecer extrañas resulten, en cambio, accesibles.

El núcleo melódico y apasionado del álbum se evidencia más en sus piezas más largas y de ritmo lento. Conversations, un tema de ocho minutos y probablemente el mejor del disco, comienza en un silencio frágil antes de expandirse hacia un clímax catártico. Salva intercambia atmósfera y textura, utilizando el espacio, guitarras superpuestas y, finalmente, cuerdas y gaitas para crear recompensas emocionales que parecen ganadas en lugar de forzadas. De principio a fin, la interpretación de Kenny es a la vez técnicamente segura y abiertamente emotiva, dotando al disco de su esencia humana en medio de toda la ambición estructural.

Lo que hace a "In Verses" particularmente convincente es su contundencia sin depender únicamente de la agresividad. En definitiva, este trabajo es un viaje que recompensa la escucha atenta y repetida y aunque es demasiado largo en su hora y tres minutos, se siente oscuro pero no sombrío, técnico pero no clínico, atmosférico pero anclado en melodías potentes e interpretaciones apasionadas. Creo que Karnivool ha vuelto con un gran disco. Probablemente el tiempo asiente su gran calidad.

8/10

Urne - "Setting Fire To The Sky" (Melodic Death / Sludge / Metalcore)

"Setting Fire To The Sky" de Urne se siente como Melodeath y Metalcore mezclados con elementos Sludge a partes iguales de liberación emocional... un paraíso para los frikis. Es un disco que toma la grandeza y el ritmo de Gojira o Mastodon y los filtra a través de una sensación distintivamente británica de crudeza y melancolía.

El tema de apertura, Be Not Dismayed, -la mejor del trabajo- establece inmediatamente el esquema: guitarras limpias y desoladas y un ambiente solemne dan paso a riffs descomunales y cargados de Sludge y una batería potente, estableciendo el tira y afloja del álbum entre la vulnerabilidad y la pura gravedad. Urne se inclina con fuerza hacia unos graves fangosos (de ahí el término Sludge, o así siempre he creído), pero las canciones están entrelazadas con elementos de Death Melódico y una tensión y liberación al estilo Core, por lo que cuando los estribillos alcanzan su máximo esplendor, se sienten catárticos en lugar de simplemente castigadores. 

Vocalmente, la banda oscila entre rugidos ásperos y pasajes más melodiosos, otorgando a varios ganchos una resonancia emocional casi Post, sin perder su arraigo en la extrema intensidad. La mitad del álbum es donde realmente se cristalizan las comparaciones entre Gojira y Mastodon. The Spirit, Alive surge con riffs vibrantes, impulsados ​​por un groove tectónico que recuerda a los momentos más pesados ​​de Gojira, pero Urne se inclina más por breakdowns con influencia metalcore y líneas potentes y cantables. 

El tema Harken The Waves, (con Troy Sanders de... bueno, Mastodon), es una pieza central, una épica de Sludge de nueve minutos que deja respirar cada parte del arsenal de Urne y la canción de cierre, Breathe, se despoja de la agresividad a favor de una balada sombría, casi -como dije- Post, enriquecida por texturas de cuerdas.

Nuevamente la virtud del trabajo es su propia carencia, y es que "Setting Fire To The Sky" a veces se aferra demasiado a sus influencias, con ecos tan fuertes de las bandas mencionadas como inspiración que la propia identidad de Urne se difumina. Sin embargo, la calidad de la composición, los ganchos memorables y la cautivadora mezcla de Sludge, florituras de Melodeath y energía del Core lo convierten en un disco de interesante.

7.5/10

Alter Bridge - "Alter Bridge" (Alternative / Hard Rock)

El disco homónimo de Alter Bridge da la impresión de ser un álbum compuesto por una banda que sabe exactamente cómo quiere sonar, pero que aún lucha por expresar esa identidad. A lo largo de sus aproximadamente sesenta minutos, "Alter Bridge" ofrece una mezcla de melodías potentes, interpretaciones apasionadas y momentos de musicalidad intrincada que insinúan ambiciones Progresivas. La mezcla de Alternativo, Hard Rock y toques de Heavy le dan al disco una textura versátil: es vigoroso y melancólico, pero también inesperadamente emotivo. A pesar de ello, no siempre mantiene el mismo nivel de inspiración a lo largo del álbum, lo que lo convierte en un recorrido interesante pero irregular.

La primera mitad no siempre impacta con el mismo nivel que la banda parece buscar en la segunda mitad. El sonido es innegablemente potente: riffs de guitarra densos, baterías resonantes y la expresiva voz de Myles Kennedy que lo ancla todo. Las melodías están ahí, pero algunos temas se sienten empantanados por la repetición, lo que opaca la intensidad emocional. Aun así, se percibe el afán de la banda por fusionar coros imponentes con ritmos potentes y vibrantes, una combinación que funciona bien incluso cuando no llega a su máximo potencial.

Luego llega la segunda mitad, y todo empieza a encajar. A partir de Tested And Able, el disco cobra vida. Las canciones se sienten más dinámicas, los arreglos más atrevidos y la química de la banda más convincente. El cierre con Slave To Master actúa como un punto de inflexión, inyectando energía, claridad emocional y un toque de introspección que muchos cortes anteriores solo insinuaban, la mejor del disco. 

Lo que mantiene a "Alter Bridge" cautivador, incluso cuando tropieza, es su pasión. Hay un tono agridulce que recorre gran parte de la composición: una sensación de lucha, resiliencia y anhelo que otorga peso emocional incluso a los temas menos memorables. La voz de Kennedy se eleva con convicción, mientras que el trabajo de guitarra de Mark Tremonti se mantiene impecable, repleto de solos expresivos y riffs de buen gusto. No deja de ser cierto que la duración del álbum, de sesenta minutos, resulta desafiante; algunas canciones podrían haberse recortado o ajustado para darle más enfoque a la experiencia.

En definitiva, "Alter Bridge" es un álbum heterogéneo: ambicioso, emotivo y, en ocasiones, brillante, pero también inconsistente y demasiado largo. Es un álbum que captura a una banda en transición, habiendo dejado atrás su etapa Post-Grunge. A pesar de sus irregularidades, el disco deja una impresión persistente: la de una banda talentosa que no tiene miedo de alcanzar lo más alto, incluso si ocasionalmente pierde el equilibrio en el camino.

7.5/10

Kreator - "Krushers Of The World" (Thrash)

Con "Krushers of the World", Kreator continúa su largo reinado como una de las fuerzas más resistentes del Thrash, pero los resultados esta vez son divisivos. El disco es innegablemente interesante: enérgico, con una producción impecable y lleno de momentos que sugieren que la banda aún disfruta experimentando tras décadas en el género. Sin embargo, a pesar de esa chispa, este álbum se apoya demasiado en sonidos fáciles y melódicos que no encajan bien con la ferocidad cruda que aún evoca su nombre. El resultado se siente como una versión más accesible, casi 'suavizada', de Kreator, una que podría intrigar a los nuevos oyentes, pero que podría dejar a los fans de toda la vida preguntándose dónde se fue el peligro.

En esencia, "Krushers of the World" sigue siendo inconfundiblemente Thrash. Los riffs galopan, la batería pega fuerte y la rasposa voz característica de Mille Petrozza sigue ofreciendo mucha fuerza. Sin embargo, la composición rara vez se desvía de las estructuras habituales. Hay pocos momentos de sorpresa, y la mayoría de los temas se desarrollan según los patrones esperados: estrofas concisas, estribillos potentes y abundantes solos que llegan justo a tiempo. La peculiaridad es que muchos de esos solos y florituras melódicas toman prestado mucho del Power -pecado-, lo que otorga a partes del álbum un brillo extrañamente triunfal, incluso heroico. Esta mezcla estilística añade color, pero a menudo opaca el filo que siempre ha definido el mejor trabajo de Kreator.

Una de las cualidades más notables del disco es su producción. "Krushers of the World" suena limpio, quizás demasiado limpio. La mezcla se inclina hacia lo pulido y lo himnario en lugar de lo áspero o lo callejero, perdiendo parte de la cruda inmediatez que caracterizó sus álbumes clásicos. Para un género construido sobre el caos y la agresión, esa fluidez puede hacer que incluso los temas más rápidos se sientan extrañamente seguros.

La melodía juega un papel más importante aquí que en cualquier trabajo reciente de Kreator. Grandes estribillos para cantar a coro dominan muchas canciones, invitando a una participación del público más típica de festivales de Metal mainstream que de clubes underground. Es innegable que estos estribillos son pegadizos -se quedan con uno tras una sola escucha-, pero esa accesibilidad tiene un precio. En la segunda mitad del álbum, la abundancia de ganchos brillantes y progresiones de acordes heroicas añade una notable capa de cursilería. La intensidad que antes parecía peligrosa y vital ahora se siente atenuada, como si la banda hubiera cambiado la rabia por la grandeza.

En definitiva, "Krushers of the World" es un disco técnicamente sólido, pero emocionalmente conflictivo. Es más compacto, llamativo y melódico de lo que los fans de siempre podrían esperar: una muestra de maestría musical que sacrifica la intensidad y la agresividad que antaño distinguieron a Kreator. Es Thrash despojado de sus coñazos estatutarios. Los fans acérrimos lo encontrarán demasiado brillante para conectar con él, pero para quienes prefieren el Metal con coros potentes y matices más limpios, este podría ser el álbum más accesible de Kreator en años.

7/10

Megadeth - "Megadeth" (Thrash)

Para una banda que definió (o ayudó a definir) el sonido y el espíritu del Thrash durante más de cuatro décadas, Megadeth — y su disco homónimo y supuestamente último— se siente como una vuelta de honor y una carta de despedida, todo en uno. Cada riff y letra tiene un peso innegable, no por lo que son, sino por lo que representan: el cierre de un capítulo en la historia del Metal. La música tiene un trasfondo melancólico, una tristeza silenciosa bajo sus bordes afilados, como si Dave Mustaine y compañía se despidieran conscientemente de su legado.

Desde el primer tema, el disco rebosa energía. Es rápido, contundente y melódico, con muchas de las notas esperadas de Megadeth: riffs galopantes, solos intrincados y esa precisión rítmica mordaz que convirtió a la banda en uno de los Cuatro Grandes del Thrash. Sin embargo, a pesar de esa intensidad, nunca alcanza la ferocidad de trabajos anteriores como "Rust in Peace" (1990) o "Peace Sells… but Who’s Buying?" (1986). Hay una notable moderación aquí: un equilibrio entre agresividad y reflexión, como si la banda no tuviera nada más que demostrar, pero aun así se sintiera obligada a recordarnos lo que podían hacer a toda máquina.

La voz de Mustaine, sin embargo, acapara quizás demasiado protagonismo esta vez. Su interpretación vocal es fundamental, eclipsando a veces la firmeza de su musicalidad. La mueca de desprecio que antes sonaba venenosa y urgente ahora se percibe como torpe en la mezcla, diluyendo las sutiles complejidades de las guitarras gemelas y la sección rítmica. Es una decisión que puede dividir a los fans de toda la vida -algunos podrían percibir confianza, otros ego-, pero es inconfundiblemente Mustaine.

Sonoramente, "Megadeth" es un álbum bien producido con muchos momentos que recuerdan al pasado histórico de la banda. Muchos temas parecen reflejos o ecos de clásicos anteriores. Hay riffs que podrían haber salido directamente de "Countdown to Extinction" (1992), armonías que recuerdan a "Youthanasia" (1994) y cortes rítmicos que recuerdan a "Cryptic Writings" (1997). Es como si la banda hubiera rebuscado en su propia historia y hubiera creado un collage de lo que los hizo grandes. Aunque pueda sonar fortuito, para sus fieles seguidores funciona como una despedida nostálgica.

Entre las canciones destacadas, Tipping Point se erige como la estrella: trepidante, bien construida y melódica en el mejor de los sentidos. Let There Be Shred también cumple, haciendo honor a su título con un trabajo de guitarra deslumbrante y un estilo técnico que encantará a cualquier fan del estilo preciso de Megadeth. Pero más allá de esos puntos culminantes, gran parte del álbum se asienta en un ritmo cómodo, consistente pero rara vez sorprendente. No hay clásicos instantáneos aquí, ni momentos como Holy Wars o Symphony of Destruction que redefinan nada.

En definitiva, "Megadeth" es un álbum que será recordado menos por sus canciones y más por lo que representa: la declaración final de una de las bandas más influyentes del Metal. Es enérgico, técnicamente sólido y, en muchos sentidos, una despedida adecuada; no por ser perfecto, sino porque se siente humano, ligeramente cansado y consciente de su propio lugar en la historia. El final de una era rara vez suena tan consciente o tan agridulce.

7/10

Marianas Rest - "The Bereaved" (Melodic Death / Doom)

El último lanzamiento de Marianas Rest, "The Bereaved", es un viaje nocturno y melancólico a través del familiar terreno emocional que la banda finlandesa ha cultivado en sus álbumes anteriores. La banda se mantiene firmemente arraigada en la tradición del Death Melódico por el que su país se ha hecho conocido -atmósferas gélidas, melodías tristes y bases rítmicas contundentes- pero aquí, en lugar de reinventar su fórmula, la refinan. El resultado es un álbum que se siente cohesivo y emotivo, aunque no lleve su sonido a nuevos territorios.

Desde el primer tema, "The Bereaved" exuda una sensación de melancolía. La producción posee una cualidad nocturna y brumosa: cada nota parece resonar contra las frías paredes de un vasto espacio vacío. Las guitarras tejen armonías lúgubres que brillan sobre la densa sección rítmica, mientras que las voces rugientes emergen como lamentos distantes en lugar de ataques directos. Es música pesada, no solo sonoramente, sino también emocionalmente; La banda canaliza el dolor y la introspección más que la agresión, lo que siempre los ha distinguido de muchos de sus colegas.

Uno de los puntos fuertes del álbum reside en el trabajo de la guitarra líder. A lo largo de "The Bereaved", los solos melódicos surcan la mezcla con precisión y sentimiento, elevando a menudo las canciones desde sus profundidades melancólicas a momentos de belleza catártica. No presumen de tecnicismo por sí mismos, sino que contribuyen a la atmósfera y la emoción de cada canción. Esta atención a la atmósfera y la textura, en lugar de a la brutalidad pura, se ha convertido en un sello distintivo del sonido de Marianas Rest, y sigue brillando aquí.

Comparar "The Bereaved" con los trabajos anteriores de la banda -"Auer" (2023) y "Fata Morgana" (2021)- revela continuidad. Mientras que el segundo se inclinó con fuerza hacia la melancolía melódica y el primero exploró un paisaje sonoro ligeramente más expansivo, "The Bereaved" se siente más introspectivo, con un tono más nocturno. La composición es más precisa y deliberada, aunque la banda se mantiene en gran medida dentro de su zona de confort.

Aunque el disco no innova dentro del género sí contiene momentos de genuina resonancia emocional. Canciones como Divided, Diamonds In The Rough y Pity The Living, destacan por sus fuertes líneas melódicas y su ritmo emotivo. En estos temas, la banda encuentra un equilibrio perfecto entre pesadez y vulnerabilidad, brindando a los oyentes la catarsis que define lo mejor del Metal finlandés. La interacción de la melodía melancólica y el ritmo sombrío en estas canciones crean los pasajes más memorables del disco.

En general, "The Bereaved" es una sólida incorporación al catálogo de Marianas Rest un álbum que se siente como una contemplación nocturna en forma musical. Puede que no sea innovador ni sorprendente, pero refuerza la identidad de la banda.

7.5/10

Anna Pest - "Dark Arms Reach Skyward With Bone White Fingers II: Be (Not) Afraid" (Deathcore / Technical Death / Grindcore / Shoegaze)

"Dark Arms Reach Skyward With Bone White Fingers II: Be (Not) Afraid" de Anna Pest no es un disco fácil de definir. A lo largo de su duración, da la sensación de ser lanzado a un laberinto mecánico construido a partir de la emoción y la precisión, un espacio donde el caos y la técnica coexisten de forma incómoda pero intencionada. Es técnico, caótico, denso y, en ocasiones, incluso sofocante en su complejidad; sin embargo, de alguna manera, sigue siendo emocional y extrañamente humano bajo toda la disonancia.

Este es en gran medida un álbum conceptual, aunque su 'concepto' no se transmite tanto a través de la narrativa como a través del sentimiento. La música lidia con la ansiedad existencial: la sensación de luchar contra la falta de sentido o de ser consumido por los propios patrones de pensamiento. El resultado es algo violento e introspectivo, una visión sonora del pavor existencial representada a través de blastbeats, compases cambiantes y armonías disonantes que suenan como si se derrumbaran sobre sí mismas.

El uso que Anna Pest hace del género es ambicioso y desenfrenado. Puedes empezar con un ritmo Techdeath, solo para que la canción se fragmente en gritos de Grindcore y luego, de forma igualmente inesperada, se abra a una neblina de texturas Shoegaze. Ese cambio entre la agresividad implacable y la melancolía suave y brillante define la identidad experimental del álbum. La banda no solo coquetea con las fronteras del género; las trata de disolver, creando un collage donde coexisten el Grindcore, el Deathcore y el Post. El resultado es emocionante por momentos y desorientador en otros.

La mayor fortaleza del disco puede ser también su principal defecto: su negativa a comprometerse con una identidad sonora única. La mezcla caótica de texturas, compases e ideas tonales puede hacer que el oyente se sienta como si hubiera entrado en varios álbumes a la vez. A veces resulta estimulante: el sonido de la verdadera experimentación sin restricciones creativas. Otras veces, la inconsistencia dificulta la conexión emocional, como si la densidad e imprevisibilidad del álbum fueran a costa de la cohesión.

Aun así, incluso cuando el experimento no triunfa del todo, hay algo magnético en la visión de Anna Pest. "Dark Arms Reach Skyward With Bone White Fingers II: Be (Not) Afraid" es el tipo de disco que llama la atención, no por su perfección, sino por su vivacidad: lidia con ideas, emociones y métodos en tiempo real. Es caótico, sí, pero también audazmente sincero en su exploración del miedo, la fragilidad y la catarsis a través del sonido.

7.5/10

The Ruins Of Beverast - "Tempelschlaf" (Black / Doom)

El nuevo trabajo de The Ruins Of Beverast, "Tempelschlaf", sumerge a la banda en una neblina ritualista y nocturna, pero no supera el imponente legado de sus trabajos anteriores. Este disco se siente agresivo pero sobrio, cavernoso pero extrañamente estilizado y a pesar de su densidad y atmósfera ominosa, resulta más predecible y menos exótico que los mejores momentos de la banda.

Desde los primeros momentos, "Tempelschlaf" envuelve al oyente con un aura ritualista: buena percusión -lo mejor del trabajo-, mantras vocales resonantes y sonido Drone crean una sensación de ceremonia nocturna que se desarrolla de forma subterránea. La producción se centra en unos graves densos y reverberantes que hacen que el álbum se sienta húmedo y cavernoso.

A pesar de esta carga, el disco se escucha claro y navegable, con su fría arquitectura dispuesta en largos sonidos de reverberación de guitarra y patrones de batería mesurados. "Tempelschlaf" marca un paso significativo desde los sonidos  Black de sus inicios a "Exuvia" (2017) -su mejor disco a la fecha-. Los tempos son más lentos y los riffs priorizan las figuras contundentes y sostenidas sobre los frenéticos aluviones de trémolo que una vez definieron gran parte del ataque de la banda.

Efectivamente persisten elementos del Black, pero ahora se entrelazan con estructuras que se sienten menos cercanas a ese estilo. Este cambio amplifica la cualidad ritualista y procesional del álbum, pero no se si necesariamente lo ha hecho para mejor.

Para los oyentes atraídos por el Doom denso, ominoso y ritualista con un toque ennegrecido, "Tempelschlaf" será una experiencia envolvente; su mezcla cavernosa y su ritmo sombrío ofrecen mucho en lo que sumergirse. Pero para aquellos que aprecian The Ruins Of Beverast principalmente por su imprevisibilidad, inflexiones exóticas y composición laberíntica, este álbum puede parecer menos aventurero en un catálogo por lo demás visionario.

7/10

Enshine - "Elevation" (Melodic Death / Doom)

Once años después de su último álbum, "Origin" (2015), el dúo sueco-francés Enshine finalmente regresa con "Elevation", y la espera ha merecido la pena. Conocidos por tejer melancolía cósmica con texturas melódicas de Death y Doom, Enshine ha sido una banda que difumina los límites entre la pesadez y la serenidad. "Elevation" continúa ese legado, pero con una mayor soltura, una sensación de descubrimiento más improvisada que hace que el álbum se sienta orgánico y a la vez transportante.

Lo que destaca de inmediato es el trabajo de guitarra, en constante movimiento, de la mejor manera posible. En lugar de riffs rígidos o una interpretación excesivamente técnica, las guitarras fluyen y brillan, creando un paisaje que respira. Capas de líneas melódicas se entremezclan, expandiéndose y colapsando lentamente alrededor de ritmos constantes y fascinantes. Es como si la banda invitara a los oyentes a sumergirse en el sonido en lugar de quedarse fuera y analizarlo. Esa energía improvisada le da a "Elevation" una calidez rara vez encontrada en un Metal tan meticulosamente construido.

Las voces, como siempre, anclan este remolino atmosférico en algo primario y emocional. Los growls mortales se asientan debajo de la mezcla, casi entretejidos con la instrumentación en lugar de dominarla. No se perciben como agresión; se perciben como gravedad: el peso que impide que el paisaje sonoro se desvanezca por completo. Su textura complementa las melodías a la perfección, añadiendo profundidad a las estructuras sonoras, por lo demás oníricas.

"Elevation" realmente hace honor a su nombre. Este es un álbum diseñado para hacerte trascender, y lo hace no a través de la grandeza, sino a través de la inmersión. El disco se mueve en oleadas: a veces glacial e introspectivo, otras veces surgiendo con una intensidad serena. Es música para perderse, especialmente cuando los riffs de guitarra toman la delantera y te elevan hacia un territorio vasto y luminoso.

Compararlo con los discos anteriores de Enshine hace que su evolución sea aún más impactante. "Origin" (2015) se sintió como una continuación cuidadosamente construida de "Singularity" (2013): denso, atmosférico y arquitectónicamente preciso. Aquellos álbumes anteriores exploraban la melancolía cósmica a través de una composición precisa: capas de teclados, ritmos ajustados y fraseo melódico que se desplegaba como un reloj. "Elevation", en cambio, se siente liberado. Es como si, tras años de refinar su estética, Enshine hubiera decidido dejarla respirar. Las guitarras tienen más espacio. Las texturas de sintetizador se dejan llevar en lugar de dictar. Se trata menos del destino y más del viaje entre estrellas.

Tras una década de espera, "Elevation" continúa la historia de Enshine y la mantiene. La fusión del Melodeath y el Doom lo hace fluido y trascendental. El trabajo es pesado e hipnótico, triste y extrañamente eufórico. En resumen, "Elevation" nos recuerda que, a veces, los mejores viajes son los que tardan en llegar.

8.5/10

Ellende - "Zerfall" (Melodic Black / Atmospheric Black)

"Zerfall" de los austríacos de Ellende es un disco de Black, un tanto depresivo e intensamente atmosférico que busca la devastación emocional y la catarsis a partes iguales. Presenta un sonido denso y complejo, tan agridulce como brutal, que se mueve constantemente entre la desesperación asfixiante y destellos de belleza melódica. En conjunto, se percibe como una obra ambiciosa y emocionalmente intensa, cuyo alcance está muy bien logrado y sorprende que sea uno de los primeros discos del año.

En esencia, "Zerfall" está impregnado de Black, con pasajes explosivos, riffs de trémolo y voces angustiadas que anclan el álbum en una perspectiva de desolación. Alrededor de esa base, se encuentra un fuerte sentido melódico extraído del Progresivo, el Post y un toque de Power e incluso algo de Alternativo. Este enfoque híbrido le da al disco una cualidad inquieta y exploratoria, como si intentara constantemente traducir el dolor en algo grandioso y arrollador en lugar de simplemente abrasivo. El resultado es un sonido denso y melódico a la vez, que combina solos tristes y texturas atmosféricas sobre un pulso rítmico vibrante.

El álbum suena a menudo realmente bien, donde el bajo se abre paso con una presencia rica y clara que añade calidez y profundidad a los arreglos. También hay momentos de arreglos y texturas que valen la pena. Estos toques refuerzan la profunda atmósfera que puede tener "Zerfall" cuando se inclina hacia la sutileza y el contraste dinámico, permitiendo que sus melodías respiren y que su tristeza se sienta vivida en lugar de interpretativa.

Sin embargo, diría que "Zerfall" se ve lastrado por una ejecución inconsistente que le impide alcanzar su máximo potencial. La batería se siente demasiado redonda y demasiado directa en la mezcla, sobresaliendo del sonido, por lo demás envolvente, de una forma que puede resultar distractora. En lugar de hundirse en la niebla sonora y apoyar la atmósfera, a veces parecen estar sobre ella, desviando la atención de las emociones que la banda intenta crear.

Las interpretaciones y los arreglos también, en ocasiones, socavan la atmósfera cuidadosamente cultivada del álbum. La teatralidad de algunos solos de guitarra y rellenos de batería puede caer en una grandilocuencia algo excesiva, perturbando la frágil atmósfera con florituras que parecen más ostentosas que sinceras. Varios temas crean una atmósfera realmente cautivadora, como Wahrheit Teil I y II y aunque algunas canciones languidecen en un solo riff durante demasiado tiempo el disco está bastante bien.

“Zerfall” sigue siendo, en última instancia, una experiencia agridulce: oscura, depresiva y atmosféricamente rica, pero desigual en cómo cumple sus grandes ambiciones. Cuando todo encaja, es poderosa y conmovedora; cuando no es así, se siente como una conversación que nunca termina.

7.5/10

Blut Aus Nord - "Ethereal Horizons" (Atmospheric Black)

Con "Ethereal Horizons", Blut Aus Nord continúa su constante exploración de atmósferas tristes, paisajes sonoros exuberantes y melancolía onírica. Los fans de toda la vida reconocerán en él las características musicales que dieron forma a sus lanzamientos anteriores, desde la pesadez ambiental de  "777 - Cosmosophy" (2012), su mejor disco a la fecha, hasta la introspección melódica de "Disharmonium - Undreamable Abysses" (2022). Si bien en este disco se mantiene su enfoque característico, no lo redefine. El resultado es un álbum inmersivo e hipnótico que perdura en la mente del oyente, aunque rara vez sorprenda.

Desde el primer tema, queda claro que la atención de la banda a la atmósfera sigue siendo su mayor fortaleza. La producción es rica y expansiva, enfatizando capas de guitarras brillantes, voces impregnadas de reverberación y sutiles texturas electrónicas que evocan una sensación de espacio infinito. Escuchar este disco es como flotar en el resplandor del crepúsculo: hermoso, desolado y ligeramente distante. Las canciones se despliegan con paciencia, atrayendo al público hacia su interior mediante la repetición y una evolución sutil en lugar de cambios drásticos.

Shadows Breath First destaca como uno de los momentos más cautivadores del álbum. Construida en torno a un cautivador motivo de guitarra y armonías vocales etéreas, logra un equilibrio perfecto entre melodía y atmósfera. La estructura circular de la canción podría fácilmente volverse monótona, pero la banda logra infundirle la tensión emocional justa para que sus cinco minutos de duración se sientan deliberados y fascinantes. Captura la esencia de lo que la banda hace mejor: crear música que parece suspendida entre la tristeza y la serenidad.

Otro punto culminante es The Ordeal, una composición lenta que comienza con una atmósfera silenciosa antes de expandirse hasta convertirse en una densa pared de sonido. Hay algo cinematográfico en su progresión, como si trazara el arco emocional de una lucha interna. La interacción entre la línea de bajo melódica y las capas fantasmales del sintetizador crea una poderosa catarsis cuando la canción alcanza su punto álgido. Es el tipo de momento que recuerda a los oyentes por qué la fórmula de la banda, aunque familiar, sigue teniendo potencia.

Sin embargo, el mayor defecto del álbum reside en su previsibilidad. La banda parece contentarse con refinar en lugar de reinventar. Varias canciones se fusionan entre sí, compartiendo tempos, texturas y paletas tonales similares. Si bien esta consistencia contribuye a la calidad inmersiva del álbum, también corre el riesgo de difuminar sus contornos emocionales. Tras varias escuchas, uno podría desear más contraste: un momento de cruda disrupción o una vulnerabilidad inesperada que rompa el trance sonoro.

Dicho esto, "Ethereal Horizons" logra ofrecer una experiencia coherente y atmosférica. Sus repeticiones hipnóticas, su contención melódica y sus matices melancólicos lo convierten en un álbum para sumergirse en él en lugar de analizarlo. Puede que no traspase los límites ni explore nuevos territorios, pero no necesita hacerlo. Esta es música pensada para la soledad nocturna, para esos momentos en los que la familiaridad en sí misma resulta reconfortante

En definitiva, Blut Aus Nord ha realizado un buen disco: reflexivo, bien elaborado y con resonancia emocional, aunque poco arriesgado. Mantiene la reputación de la banda por su atmósfera y textura, reafirmando su lugar en el continuum del Black Atmosférico, aunque nunca se aventura mucho más allá del horizonte establecido.

7.5/10

Ominum Gatherum - "May The Bridges We Burn Light The Way" (Melodic Death)

"May The Bridges We Burn Light The Way" de Omnium Gatherum da la impresión de ser el sonido de una banda demasiado cómoda con sus logros pasados. Antaño maestros en equilibrar melodía y agresividad dentro de la escena finlandesa del Death Melódico, ahora parecen haber cambiado gran parte de esa agresividad por una versión más segura y pulida, pero en última instancia menos convincente, de sí mismos. Este último disco, aunque impecablemente producido y técnicamente sólido, carece de la pasión y la urgencia emocional que una vez hicieron destacar a Omnium Gatherum entre sus colegas.

El contraste con sus trabajos anteriores es marcado. Álbumes como "New World Shadows" (2011), "Beyond" (2013), "Grey Heavens" (2016) y "The Burning Cold" (2018) rebosaban vitalidad, su mezcla de grandeza melancólica y riffs agudos se traducía tanto en atmósfera como en ritmo. Esos discos lograron sonar a la vez cinematográficos y viscerales, un equilibrio que pocos grupos de Melodeath mantienen. En "May The Bridges We Burn Light The Way", esa sensación de urgencia se desvanece. La banda aún toca con maestría, las guitarras aún brillan con líneas melódicas limpias y las voces se mantienen. Sin embargo, las canciones se sienten contenidas, como si cada aspereza se hubiera pulido en busca de la accesibilidad.

Musicalmente, el problema no es la incompetencia, sino la inercia. El disco se inclina hacia ritmos medios, progresiones de acordes predecibles y temas melódicos que flotan pero nunca aterrizan. Las composiciones se desenvuelven con fluidez pero sin tensión; una canción se funde con la siguiente con poca variación de energía o textura. Incluso cuando la banda busca clímax emocionales, los resultados se sienten extrañamente apagados. Los toques atmosféricos que enriquecían su sonido ahora sirven más como fondo de pantalla que como andamiaje emocional integral.

Se puede apreciar la madurez y el profesionalismo que muestran, pero es difícil evitar la sensación de que la banda ha perdido el contacto con lo que una vez los hizo vitales. Omnium Gatherum solía escribir canciones que emanaban con convicción emocional, incluso envueltas en melancolía. En "May The Bridges We Burn", esa convicción se ve atenuada. Es Melodeath desprovisto de peligro, de misterio y de la chispa visceral que hace que los oyentes vuelvan.

Hay momentos en los que se vislumbran rastros de la antigua brillantez -solos ocasionales-, pero son fugaces recordatorios de un pasado más vibrante. En definitiva, el álbum fluye exigiendo poca atención y gratificando aún menos. Bien ejecutado, sí, pero la ejecución por sí sola no puede reemplazar la visión. Para una banda que una vez estuvo cerca de la cima, Omnium Gatherum ahora suena viendo sus propios puentes arder en la pálida luz de la fatiga creativa.

6/10. Ni a la portada le pusieron demasiado interés.

1914 - "Viribus Unitis" (Death / Blackened Death)

"Viribus Unitis", el último lanzamiento de la banda ucraniana 1914, demuestra su firme compromiso con un enfoque conceptual centrado en la devastación de la Primera Guerra Mundial. El álbum es intensamente narrativo, impulsado por una profunda inmersión en la historia, utilizando la música como lienzo para la tristeza, el dolor y la sensación de pérdida irreparable que caracterizó la Gran Guerra, tratando de darle un paralelismo con la actual situación de su país. Cada tema sumerge a los oyentes en paisajes desoladores, empleando samples, letras narrativas y una atmósfera oscura para pintar escenas auténticas de violencia industrializada y vidas destrozadas.

«Viribus Unitis» destaca por su carga emocional. El hilo narrativo cohesiona el álbum, con gramófonos de época que ambientan la escena y el narrador anónimo que va desentrañando las capas del trauma, invitando a los oyentes no solo a observar, sino a empatizar. La música está impregnada de tristeza y dolor, optando a menudo por segmentos más lentos y sombríos que reflejan la desesperanza de la guerra de trincheras. Sin embargo, esta fortaleza también da paso a su principal debilidad. En ocasiones, el marcado componente narrativo del álbum eclipsa su sustancia musical, priorizando el concepto sobre la composición, lo que resulta en momentos que se asemejan más a la banda sonora de una tragedia que a auténticos himnos.

Desde una perspectiva técnica, "Viribus Unitis" es un formidable ejemplo sonido. La batería golpea como el trueno de la artillería, impulsando la música con una contundencia y agresividad que recuerdan al combate real. El sonido de la guitarra es orgánico y crudo, pero a la vez lo suficientemente pulido como para ofrecer melodías densas. La interpretación vocal es uno de los puntos fuertes: desde aullidos y chillidos hasta guturales profundos, canalizando la agonía y el terror de la guerra. El ataque sonoro es tan visceral como siempre, consolidando a 1914 como maestros del Blackened Death.

Si bien "Viribus Unitis" se erige como un lanzamiento sólido, enfrenta una dura competencia por parte de sus predecesores, "Where Fear and Weapons Meet" (2021) y "The Blind Leading The Blind" (2018). Ambos discos son frecuentemente aclamados dentro del género, equilibrando agresión, atmósfera y narrativa con mayor fluidez que la nueva entrega. En el segundo, el impacto emocional es más intenso, con himnos que transmiten una profunda desesperación y un sentimiento antibélico sin igual, en el primero -su mejor trabajo a la fecha- se basa en este éxito, incorporando elementos sinfónicos y una excelente melodía, a la vez que mantiene la distintiva mezcla de brutalidad y reflexión que caracteriza a la banda. 

En resumen, "Viribus Unitis" es una experiencia audaz, trágica e inmersiva, característica de 1914 y su compromiso con la narrativa histórica, su mayor virtud y principal defecto, inclinando a veces la balanza demasiado a favor de la narrativa sobre la dinámica musical. Si bien no alcanza las cotas de los álbumes anteriores de la banda, sigue siendo una obra poderosa e impactante que satisfará a los fans del Death conceptual y a quienes se sienten atraídos por la cruda realidad de la Primera Guerra Mundial.

7.5/10

Sabaton - "Legends" (Power)

"Legends" de Sabaton llega como una entrega potente y a la vez familiar al catálogo de la banda sueca, consolidando su reputación como maestros del Power grandilocuente con temática histórica. Tras una larga lista de álbumes conceptuales como "The Great War" (2019) y "The War to End All Wars" (2022), "Legends" adopta un enfoque más fragmentado. En lugar de narrar una historia coherente, la banda opta por una colección de canciones independientes, cada una un himno que rinde homenaje a diferentes momentos de heroísmo, rebeldía y sacrificio. Es un ligero cambio en la estructura, pero no en el espíritu.

Estaba un poco asustado sobre lo que me iba a encontrar porque las críticas usuales hacen bastante daño a lo presentado, pero desde el primer tema, "Legends" irrumpe con el sonido y la confianza que los fans esperan. Las guitarras son afiladas, los teclados (a veces exagerados, es verdad) se elevan y la inconfundible voz de Joakim Brodén ancla cada grito de guerra con convicción. La producción, pulida pero contundente, captura el mismo muro de sonido que ha definido a la banda desde "The Art Of War" (2008). Esta vez, sin embargo, el enfoque se centra menos en la cohesión narrativa y más en canalizar energía y emoción puras en cada tema.

Ese cambio le da a "Legends" un impulso diferente. Sin las limitaciones de un álbum conceptual, Sabaton suena más libre, quizás incluso más audaz. Las canciones respiran y evolucionan en direcciones propias, pero están unidas por la inconfundible fórmula musical del grupo: ritmos galopantes, coros superpuestos, melodías heroicas y estribillos triunfales. Aun así, si bien "Legends" ofrece todo lo que hace a Sabaton reconocible al instante, no sorprende demasiado. Hay pocos momentos que alcancen las cotas emocionales o musicales de "Carolus Rex" (2012) o "The Last Stand" (2016). El álbum se siente más como una reafirmación de identidad que como una evolución. Es Sabaton en estado puro: sólido, rebosante de la energía que los caracteriza, pero reacio a salir de su zona de confort. Hay destellos de genialidad en los coros y las melodías pegadizas, aunque la previsibilidad atenúa el impacto general.

En definitiva, "Legends" se erige como un buen disco que reafirma las fortalezas de Sabaton en lugar de reinventarlas. Es épico y heroico, rebosante de convicción y emoción, y ejecutado con maestría. Si bien quizá no alcance la profundidad artística de sus obras conceptuales más ambiciosas, nos recuerda que pocas bandas logran semejante poder épico con la misma constancia. Puede que "Legends" no sea su mejor momento, pero es un disco inconfundible de Sabaton: audaz, orgulloso y épico (¿ya lo dije?).

7/10

An Abstract Illusion - "The Sleeping City" (Progressive Melodic Death)

"The Sleeping City" de An Abstract Illusion es un ejemplo impactante de cómo el Melodeath Progresivo puede seguir rompiendo esquemas sin perder su profunda emotividad. El cuarteto sueco, ya conocido por fusionar complejidad melódica con una contundencia sonora devastadora en su anterior "Woe" (2022), regresa con un álbum que se siente a la vez como una meditación y una tormenta. Cada instante parece meticulosamente elaborado, y el resultado es un disco atmosférico, melancólico, complejo, melódico, agresivo, denso, épico, apasionado y triunfal.

Desde sus primeros compases, "The Sleeping City" crea una atmósfera envolvente que sumerge al oyente en un mundo sonoro paralelo. Capas y capas de texturas de sintetizador y melodías de guitarra entrelazadas crean una cualidad onírica, dotando al álbum de su alma melancólica. Sin embargo, esta melancolía nunca se convierte en desesperanza; al contrario, se transforma en una fuente de poder, alimentando el núcleo emocional del disco y potenciando su narrativa inmersiva.

En cuanto a la contundencia, An Abstract Illusion continúa demostrando su maestría en el contraste dinámico. Las transiciones entre riffs oscuros, trémolos y radiantes oleadas melódicas se ejecutan con una precisión impecable. Los blast beats retumban bajo cascadas de tonos de guitarra limpios y sintetizadores que parecen brillar como la niebla sobre las montañas. Es un sonido que se siente a la vez meticulosamente compuesto y profundamente sentido, reafirmando el compromiso de la banda con la autenticidad emocional incluso dentro de los límites técnicos de su género.

Conceptualmente, el álbum se desarrolla como una narrativa unificada que equilibra la desesperación existencial con destellos de trascendencia. El marco conceptual de la banda invita a la interpretación, abordando temas como el aislamiento, la vida moderna y la búsqueda de sentido en medio de la decadencia. Esta cohesión convierte a "The Sleeping City" no solo en una colección de canciones, sino en un viaje completo, una suite que exige atención plena y recompensa las escuchas repetidas. Cada tema contribuye a un arco emocional y estructural mayor, culminando en momentos genuinamente épicos y apasionados.

Musicalmente, los arreglos logran un equilibrio excepcional: complejos y melódicos, agresivos y conmovedores. La riqueza sonora es palpable, con detalles que emergen gradualmente: coros, florituras de teclado y contramelodías que podrían pasar desapercibidas en una primera escucha, pero que profundizan la resonancia emocional con el tiempo. La producción complementa esta densidad, enfatizando los momentos más caóticos. Sin embargo, esto también conlleva una de las pocas debilidades del álbum: la mezcla general se siente demasiado comprimida. El rango dinámico a veces parece aplanado, privando a algunos momentos culminantes del espacio que merecen. Un poco más de apertura en la masterización habría resaltado los contrastes que definen el sonido de la banda.

Otra pequeña deficiencia es el tema Silverfields. Si bien es competente y emocionalmente sincero, no alcanza las cotas visionarias del resto del material. Sus ideas se sienten algo menos desarrolladas, funcionando como una meseta entre picos en lugar de una cumbre en sí misma. Aún así, canciones como Blackmurmur (nominada como contendiente a Canción del Año), Like a Geyser Ever Erupting, Emmett y The Sleeping City, son excelentes temas que recompensan en cada repetición.

Fuera del par de defectos menores mencionados, este es un disco por lo demás cautivador. "The Sleeping City" es un testimonio de la capacidad de An Abstract Illusion para fusionar una intrincada musicalidad con una gran ambición emocional.

8/10

Coroner - "Dissonance Theory" (Thrash / Technical Thrash)

"Dissonance Theory" de Coroner supone un regreso triunfal para las leyendas suizas, ofreciendo su música más refinada en décadas y creando un espacio único que se distingue de su sonido anterior y de gran parte de la escena Thrash contemporánea. Lejos de ser un simple viaje nostálgico, el álbum es una reinvención audaz, rebosante de oscura intensidad, una complejidad técnica alucinante y un vigorizante toque Progresivo que honra su legado y los impulsa hacia adelante.

Cada aspecto de "Dissonance Theory" refleja una meticulosa atención al detalle. La ejecución es precisa, a veces incluso quirúrgica, dejando atrás el ambiente más desenfadado y lúdico de álbumes anteriores (aunque no crean que la memoria me fallaba por la cantidad de años y para llegar a esta conclusión tuve que volver a alguno de ellos). En cambio, las composiciones de este disco están repletas de arreglos ingeniosos, riffs precisos y transiciones fluidas entre la agresión frenética y la introspección melancólica. La calidad musical es excepcional: el trabajo de guitarra de Tommy Vetterli sigue siendo ingenioso y virtuoso, ahora con sutiles toques atmosféricos, mientras que Ron Broder (bajo, voz) lleva su voz a un nuevo terreno, más áspero, que me recuerda a Mille Petrozza de Kreator, intensificando aún más la atmósfera amenazante del álbum. El 'nuevo' baterísta, Diego Rapacchietti, aporta una nueva disciplina rítmica, combinando fills precisos y ritmos sincopados con inusuales acentos de platillos que realzan la destreza técnica de Coroner.

"Dissonance Theory" se inclina por un estilo denso y rico en sonido, a veces rozando lo Industrial, con pasajes más lentos y melancólicos que contrastan con el Thrash frenético y trepidante. Hay momentos de groove inusual, como en The Law, temas de Thrash técnico puro Symmetry y Renewal y sorpresas, como un elegante solo de órgano Hammond en el tema final, Prolonging. Atmosféricamente, el álbum está impregnado de oscuridad, una cualidad que persiste a lo largo de sus cuarenta y cinco minutos de duración. Cada tema está repleto de acordes disonantes, ritmos sincopados y compases impredecibles que desafían al oyente. Especialmente buenas me parecieron las canciones Consequence y Sacrificial Lamb, que quedan nominadas a Canción del Año de ELOMC. El disco es implacable, enérgico y agresivo, pero evita los clichés que han plagado el género durante tanto tiempo. En lugar de depender únicamente de la velocidad y la fuerza bruta, Coroner teje progresiones intrincadas e inusuales que exigen atención y escuchas repetidas.

"Dissonance Theory" mantiene una energía vibrante de principio a fin, pasando de ataques de Thrash frenéticos a ritmos hipnóticos y temas atmosféricos de cocción lenta. El álbum nunca se siente monótono ni repetitivo, lo que demuestra la renovada química de la banda y su audaz impulso por explorar nuevos territorios sonoros.

En definitiva, "Dissonance Theory" se erige como una declaración agresiva, enérgica y meticulosamente elaborada de Coroner. Sus inusuales compases, su tecnicismo y su sensibilidad progresiva lo diferencian notablemente de las banda en panorama actual, convirtiéndolo en uno de los mejores lanzamientos del año y un hito en el Thrash.

9/10 Nominado como contendiente a Disco del Año de ELOMC