Urne - "Setting Fire To The Sky" (Melodic Death / Sludge / Metalcore)

"Setting Fire To The Sky" de Urne se siente como Melodeath y Metalcore mezclados con elementos Sludge a partes iguales de liberación emocional... un paraíso para los frikis. Es un disco que toma la grandeza y el ritmo de Gojira o Mastodon y los filtra a través de una sensación distintivamente británica de crudeza y melancolía.

El tema de apertura, Be Not Dismayed, -la mejor del trabajo- establece inmediatamente el esquema: guitarras limpias y desoladas y un ambiente solemne dan paso a riffs descomunales y cargados de Sludge y una batería potente, estableciendo el tira y afloja del álbum entre la vulnerabilidad y la pura gravedad. Urne se inclina con fuerza hacia unos graves fangosos (de ahí el término Sludge, o así siempre he creído), pero las canciones están entrelazadas con elementos de Death Melódico y una tensión y liberación al estilo Core, por lo que cuando los estribillos alcanzan su máximo esplendor, se sienten catárticos en lugar de simplemente castigadores. 

Vocalmente, la banda oscila entre rugidos ásperos y pasajes más melodiosos, otorgando a varios ganchos una resonancia emocional casi Post, sin perder su arraigo en la extrema intensidad. La mitad del álbum es donde realmente se cristalizan las comparaciones entre Gojira y Mastodon. The Spirit, Alive surge con riffs vibrantes, impulsados ​​por un groove tectónico que recuerda a los momentos más pesados ​​de Gojira, pero Urne se inclina más por breakdowns con influencia metalcore y líneas potentes y cantables. 

El tema Harken The Waves, (con Troy Sanders de... bueno, Mastodon), es una pieza central, una épica de Sludge de nueve minutos que deja respirar cada parte del arsenal de Urne y la canción de cierre, Breathe, se despoja de la agresividad a favor de una balada sombría, casi -como dije- Post, enriquecida por texturas de cuerdas.

Nuevamente la virtud del trabajo es su propia carencia, y es que "Setting Fire To The Sky" a veces se aferra demasiado a sus influencias, con ecos tan fuertes de las bandas mencionadas como inspiración que la propia identidad de Urne se difumina. Sin embargo, la calidad de la composición, los ganchos memorables y la cautivadora mezcla de Sludge, florituras de Melodeath y energía del Core lo convierten en un disco de interesante.

7.5/10

Marianas Rest - "The Bereaved" (Melodic Death / Doom)

El último lanzamiento de Marianas Rest, "The Bereaved", es un viaje nocturno y melancólico a través del familiar terreno emocional que la banda finlandesa ha cultivado en sus álbumes anteriores. La banda se mantiene firmemente arraigada en la tradición del Death Melódico por el que su país se ha hecho conocido -atmósferas gélidas, melodías tristes y bases rítmicas contundentes- pero aquí, en lugar de reinventar su fórmula, la refinan. El resultado es un álbum que se siente cohesivo y emotivo, aunque no lleve su sonido a nuevos territorios.

Desde el primer tema, "The Bereaved" exuda una sensación de melancolía. La producción posee una cualidad nocturna y brumosa: cada nota parece resonar contra las frías paredes de un vasto espacio vacío. Las guitarras tejen armonías lúgubres que brillan sobre la densa sección rítmica, mientras que las voces rugientes emergen como lamentos distantes en lugar de ataques directos. Es música pesada, no solo sonoramente, sino también emocionalmente; La banda canaliza el dolor y la introspección más que la agresión, lo que siempre los ha distinguido de muchos de sus colegas.

Uno de los puntos fuertes del álbum reside en el trabajo de la guitarra líder. A lo largo de "The Bereaved", los solos melódicos surcan la mezcla con precisión y sentimiento, elevando a menudo las canciones desde sus profundidades melancólicas a momentos de belleza catártica. No presumen de tecnicismo por sí mismos, sino que contribuyen a la atmósfera y la emoción de cada canción. Esta atención a la atmósfera y la textura, en lugar de a la brutalidad pura, se ha convertido en un sello distintivo del sonido de Marianas Rest, y sigue brillando aquí.

Comparar "The Bereaved" con los trabajos anteriores de la banda -"Auer" (2023) y "Fata Morgana" (2021)- revela continuidad. Mientras que el segundo se inclinó con fuerza hacia la melancolía melódica y el primero exploró un paisaje sonoro ligeramente más expansivo, "The Bereaved" se siente más introspectivo, con un tono más nocturno. La composición es más precisa y deliberada, aunque la banda se mantiene en gran medida dentro de su zona de confort.

Aunque el disco no innova dentro del género sí contiene momentos de genuina resonancia emocional. Canciones como Divided, Diamonds In The Rough y Pity The Living, destacan por sus fuertes líneas melódicas y su ritmo emotivo. En estos temas, la banda encuentra un equilibrio perfecto entre pesadez y vulnerabilidad, brindando a los oyentes la catarsis que define lo mejor del Metal finlandés. La interacción de la melodía melancólica y el ritmo sombrío en estas canciones crean los pasajes más memorables del disco.

En general, "The Bereaved" es una sólida incorporación al catálogo de Marianas Rest un álbum que se siente como una contemplación nocturna en forma musical. Puede que no sea innovador ni sorprendente, pero refuerza la identidad de la banda.

7.5/10

Enshine - "Elevation" (Melodic Death / Doom)

Once años después de su último álbum, "Origin" (2015), el dúo sueco-francés Enshine finalmente regresa con "Elevation", y la espera ha merecido la pena. Conocidos por tejer melancolía cósmica con texturas melódicas de Death y Doom, Enshine ha sido una banda que difumina los límites entre la pesadez y la serenidad. "Elevation" continúa ese legado, pero con una mayor soltura, una sensación de descubrimiento más improvisada que hace que el álbum se sienta orgánico y a la vez transportante.

Lo que destaca de inmediato es el trabajo de guitarra, en constante movimiento, de la mejor manera posible. En lugar de riffs rígidos o una interpretación excesivamente técnica, las guitarras fluyen y brillan, creando un paisaje que respira. Capas de líneas melódicas se entremezclan, expandiéndose y colapsando lentamente alrededor de ritmos constantes y fascinantes. Es como si la banda invitara a los oyentes a sumergirse en el sonido en lugar de quedarse fuera y analizarlo. Esa energía improvisada le da a "Elevation" una calidez rara vez encontrada en un Metal tan meticulosamente construido.

Las voces, como siempre, anclan este remolino atmosférico en algo primario y emocional. Los growls mortales se asientan debajo de la mezcla, casi entretejidos con la instrumentación en lugar de dominarla. No se perciben como agresión; se perciben como gravedad: el peso que impide que el paisaje sonoro se desvanezca por completo. Su textura complementa las melodías a la perfección, añadiendo profundidad a las estructuras sonoras, por lo demás oníricas.

"Elevation" realmente hace honor a su nombre. Este es un álbum diseñado para hacerte trascender, y lo hace no a través de la grandeza, sino a través de la inmersión. El disco se mueve en oleadas: a veces glacial e introspectivo, otras veces surgiendo con una intensidad serena. Es música para perderse, especialmente cuando los riffs de guitarra toman la delantera y te elevan hacia un territorio vasto y luminoso.

Compararlo con los discos anteriores de Enshine hace que su evolución sea aún más impactante. "Origin" (2015) se sintió como una continuación cuidadosamente construida de "Singularity" (2013): denso, atmosférico y arquitectónicamente preciso. Aquellos álbumes anteriores exploraban la melancolía cósmica a través de una composición precisa: capas de teclados, ritmos ajustados y fraseo melódico que se desplegaba como un reloj. "Elevation", en cambio, se siente liberado. Es como si, tras años de refinar su estética, Enshine hubiera decidido dejarla respirar. Las guitarras tienen más espacio. Las texturas de sintetizador se dejan llevar en lugar de dictar. Se trata menos del destino y más del viaje entre estrellas.

Tras una década de espera, "Elevation" continúa la historia de Enshine y la mantiene. La fusión del Melodeath y el Doom lo hace fluido y trascendental. El trabajo es pesado e hipnótico, triste y extrañamente eufórico. En resumen, "Elevation" nos recuerda que, a veces, los mejores viajes son los que tardan en llegar.

8.5/10

Grenadier - "Wolves Of The Trench" (Melodic Death / Death / Heavy)

"Wolves Of The Trench" de Grenadier es un disco impregnado del linaje del sonido extremo, controvertido y musicalmente potente. Comparado frecuentemente con Arghoslent, Grenadier comparte gran parte del ADN de esa banda: la mezcla agresiva y sin complejos de riffs melódicos, los fundamentos del Heavy de la vieja escuela y una estética provocativa de temática bélica que canaliza su triunfalismo y maldad.

Gran parte del poder del álbum reside en su trabajo de guitarra. El enfoque de Grenadier en los riffs es melódico pero cáustico, manteniendo la claridad del Heavy clásico mientras avanza con la ferocidad del Death. La banda se construye sobre una base de ritmos galopantes y solos que le dan a la música un carácter inconfundiblemente marcial. El tono de guitarra más agudo, rasgo distintivo de este disco, añade una presencia mordaz que realza los pasajes melódicos, a la vez que hace que las secciones más directas se sientan eficientes.

Canciones como The Swine Of Mount Cashel y Unmarked Graves Of The Autochthonous, las mejores del trabajo, explotan con una sensación de odio, con riffs pegadizos y punzantes. La sensibilidad melódica evoca la misma paradoja que definió la mejor obra de Arghoslent: música que seduce a la vez que repele, combinando elegancia y provocación. Grenadier comprende esa tensión, utilizando melodías brillantes para transmitir una energía venenosa. 

Sin embargo, "Wolves Of The Trench" también se ve perjudicado por su propia consistencia. El disco se apoya fuertemente en ese tono de guitarra distintivo y en esa fórmula compositiva. Si bien esto crea una identidad sonora unificada, tiene un precio: varias pistas se confunden, sus patrones rítmicos y frases melódicas son demasiado similares como para dejar impresiones individuales duraderas. La especificidad de la producción deja al oyente con ganas de variación o sorpresa. Esta uniformidad hace que el disco se sienta algo monótono en su parte media, a pesar de que cada canción está ejecutada con maestría. Adicionalmente, a veces tanto homenaje a la banda en la que se inspiran, le quita personalidad a lo que hacen... bueno y no tanto a la vez, supongo. 

A pesar de sus defectos, este trabajo se me antoja interesante. Brilla cuando los riffs se elevan con seguridad melódica y pierde impulso solo cuando la repetición le resta fuerza. Para los fans de Arghoslent y del linaje del Metal melódico pero brutal, "Wolves Of The Trench" ofrece un viaje cautivador, aunque algo redundante, a través de paisajes sonoros marcados por la batalla: un álbum que demuestra que la agresividad y la melodía pueden coexistir, incluso cuando el resultado se siente concentrado en un solo tono.

7/10

Ominum Gatherum - "May The Bridges We Burn Light The Way" (Melodic Death)

"May The Bridges We Burn Light The Way" de Omnium Gatherum da la impresión de ser el sonido de una banda demasiado cómoda con sus logros pasados. Antaño maestros en equilibrar melodía y agresividad dentro de la escena finlandesa del Death Melódico, ahora parecen haber cambiado gran parte de esa agresividad por una versión más segura y pulida, pero en última instancia menos convincente, de sí mismos. Este último disco, aunque impecablemente producido y técnicamente sólido, carece de la pasión y la urgencia emocional que una vez hicieron destacar a Omnium Gatherum entre sus colegas.

El contraste con sus trabajos anteriores es marcado. Álbumes como "New World Shadows" (2011), "Beyond" (2013), "Grey Heavens" (2016) y "The Burning Cold" (2018) rebosaban vitalidad, su mezcla de grandeza melancólica y riffs agudos se traducía tanto en atmósfera como en ritmo. Esos discos lograron sonar a la vez cinematográficos y viscerales, un equilibrio que pocos grupos de Melodeath mantienen. En "May The Bridges We Burn Light The Way", esa sensación de urgencia se desvanece. La banda aún toca con maestría, las guitarras aún brillan con líneas melódicas limpias y las voces se mantienen. Sin embargo, las canciones se sienten contenidas, como si cada aspereza se hubiera pulido en busca de la accesibilidad.

Musicalmente, el problema no es la incompetencia, sino la inercia. El disco se inclina hacia ritmos medios, progresiones de acordes predecibles y temas melódicos que flotan pero nunca aterrizan. Las composiciones se desenvuelven con fluidez pero sin tensión; una canción se funde con la siguiente con poca variación de energía o textura. Incluso cuando la banda busca clímax emocionales, los resultados se sienten extrañamente apagados. Los toques atmosféricos que enriquecían su sonido ahora sirven más como fondo de pantalla que como andamiaje emocional integral.

Se puede apreciar la madurez y el profesionalismo que muestran, pero es difícil evitar la sensación de que la banda ha perdido el contacto con lo que una vez los hizo vitales. Omnium Gatherum solía escribir canciones que emanaban con convicción emocional, incluso envueltas en melancolía. En "May The Bridges We Burn", esa convicción se ve atenuada. Es Melodeath desprovisto de peligro, de misterio y de la chispa visceral que hace que los oyentes vuelvan.

Hay momentos en los que se vislumbran rastros de la antigua brillantez -solos ocasionales-, pero son fugaces recordatorios de un pasado más vibrante. En definitiva, el álbum fluye exigiendo poca atención y gratificando aún menos. Bien ejecutado, sí, pero la ejecución por sí sola no puede reemplazar la visión. Para una banda que una vez estuvo cerca de la cima, Omnium Gatherum ahora suena viendo sus propios puentes arder en la pálida luz de la fatiga creativa.

6/10. Ni a la portada le pusieron demasiado interés.

Mors Principium Est - "Darkness Invisible" (Melodic Death)

"Darkness Invisible" de Mors Principium Est es un álbum que consolida la posición de la banda finlandesa en la vanguardia del Melodeath, pero con un toque particularmente agresivo que la distingue de muchos de sus colegas. Mientras que algunos grupos del género se inclinan fuertemente por la melodía y la accesibilidad, Mors Principium Est toma otro camino, priorizando la intensidad, la pesadez y la fuerza pura en sus composiciones. El resultado es un álbum que se siente afilado, avanzando implacablemente con precisión, velocidad y convicción.

Lo que más destaca de "Darkness Invisible" es su postura sonora. Este es un disco que prioriza la contundencia y la energía por encima de las melodías brillantes más tradicionales del estilo. Es cierto que hay un intrincado trabajo melódico, pero este sirve más como acento que como la base del álbum. En cambio, los riffs avanzan con una ferocidad vertiginosa, la batería ruge y golpea con una presencia imponente, y la voz impacta con una intensidad sofocante, anclando el disco en una agresividad implacable. Es una elección deliberada que dice mucho de la intención artística de la banda: están más interesados ​​en crear atmósferas de violencia y urgencia que en dulcificar su sonido con armonías.

La ejecución musical es excepcional. Cada instrumento se toca con una maestría y juntos trabajan en sincronía para crear una de las declaraciones más poderosas del género este año. El trabajo de guitarra, en particular, es vertiginoso. Los riffs son complejos y vigorosos, evitando la previsibilidad. Los solos no aparecen simplemente como momentos técnicos llamativos, sino como explosiones calculadas de violencia expresiva. La batería es otro punto culminante: atronadora, aguda y ejecutada con una precisión que refleja la intensidad de los propios riffs. Esta banda sabe cómo equilibrar el dominio técnico con agresividad primaria, y "Darkness Invisible" demuestra ese equilibrio.

Entre los puntos fuertes del álbum, el tema Of Death merece un reconocimiento especial. Es una pieza imponente que logra un equilibrio ideal entre ferocidad pura y coherencia estructural, encapsulando todo lo que Mors Principium Est hace mejor. El tema se construye con una fuerza inquietante hacia pasajes que se sienten a la vez sofocantes y triunfantes. Es quizás el ejemplo más claro de cómo esta banda puede canalizar la agresividad cruda en una declaración definida y memorable. Nominada a Canción del Año de ELOMC.

Otros temas destacados, como Venator, adoptan un enfoque ligeramente diferente, sin dejar de apoyarse en la estética central de la banda o Summoning The Dark -que es otro tema brillante-, llevan su intensidad a niveles interesantes. Finalmente, la canción All Life Is Evil merece ser elogiada como uno de los temas más despiadados del disco. Encapsula la filosofía general de la banda: lirismo nihilista, pesadez absorbente y una negativa a ceder en la agresividad.

Lo que "Darkness Invisible" demuestra en última instancia es una banda en la cima de su potencial, sin miedo a adoptar una postura agresiva que podría alienar a algunos, pero recompensar profundamente a otros. Mors Principium Est no se preocupa por suavizar sus bordes ni por caer en clichés melódicos. El trabajo tiene un sonido que exige que el oyente y que no pide disculpas por su impacto violento. Me faltó un tema total, hay momentos en que es difícil distinguir entre temas y el nivel de velocidad a veces puede hacer un tanto espesa la escucha, pero el trabajo es posiblemente de lo mejor que ha realizado la banda.

8/10

Eluveitie - "Ànv" (Melodic Death / Folk)

"Ànv", el último álbum de Eluveitie, sigue una línea familiar para la banda suiza, pero con resultados dispares. Si bien la línea de fusión de Death Melódico con instrumentos Folk celtas sigue siendo ambiciosa, la ejecución aquí se siente irregular, como si la banda se debatiera entre dos identidades musicales. El resultado es un disco con sus momentos, pero rara vez logra total cohesión.

Aclaremos algo, cuando Eluveitie se adentra en sus raíces Folk, "Ànv" brilla de verdad. Los temas, impulsados principalmente por instrumentos tradicionales (zanfona, gaitas, flautas y violines), transmiten una calidez orgánica y una profundidad emocional de la que carece gran parte del material más pesado. Estos momentos se sienten más honestos, más arraigados y musicalmente más interesantes que las secciones metaleras. Las canciones que permiten que las melodías celtas respiren, a veces sin distorsión, muestran una claridad y una maestría que a menudo quedan sepultadas cuando los elementos metaleros cobran protagonismo.

El problema con "Ànv" no es que intente ser Folk y Metal a la vez, Eluveitie siempre lo ha hecho así, sino que en este disco pareciera que no siempre supo cómo combinar ambos estilos, hay como dos trabajos en uno. Los riffs metaleros resultan demasiado familiares, casi mecánicos por momentos y la producción se inclina considerablemente hacia un sonido pulido pero estéril. Las voces ásperas, aunque competentes, no contribuyen a elevar el material.

Vocalmente, el álbum tiene un problema de equilibrio. Las voces limpias, sobre todo en los temas más Folk, suelen ser lo más destacado: melódicas, expresivas y bien fraseadas. Pero cuando los growls vuelven al primer plano, a veces parecen una ocurrencia tardía, carentes de matices o textura emocional. Se percibe que la banda está cumpliendo con lo prometido: aquí está el blast beat, aquí está la secuencia de violín, aquí está la estrofa con el scream. Es funcional, pero no mucho más.

Siento que lejos ha quedado su opera prima, "Origins" (2014) o de su excelente "Helvetios" (2012) y aunque elevan el nivel de "Ategnatos" (2019), la banda no está haciendo clic. Este trabajo se puede oír, hay partes gustosas, aunque a veces un tanto auto plagiadas, pero no mucho más, no cala en el cerebro casi ningún tema, las excepciones pueden ser Ànv, Memories Of Innocence y All Is One, una clara referencia sonora a su tema bandera The Call Of The Mountains, de resto, lo dicho.

En resumen, "Anv" no es un mal álbum, pero tampoco es particularmente convincente. Es aceptable, competente y ciertamente escuchable, pero dista mucho de ser esencial. Para los fans de la banda hay suficiente para disfrutar, especialmente en los elementos Folk. Pero para quienes buscan innovación o una revitalización del género, "Anv" se arriesga demasiado como para dejar una huella imborrable; me pregunto si tantos cambios en la alineación pueden estar afectando el producto final.

7/10

Horizon Ignited - "Tides" (Melodic Death / Metalcore)

El tercer álbum de estudio de Horizon Ignited, "Tides", representa una evolución en el sonido de la banda finlandesa de Death Melódico con toques Core. Si bien el disco muestra la ambición de la banda por expandir sus horizontes musicales, también presenta ciertos desafíos que podrían afectar su aceptación entre los puristas del género.

El álbum abre con Beneath The Dark Waters, la mejor del trabajo, tema que establece un tono sombrío con sus melodías melancólicas y un rango vocal dinámico. El vocalista Okko Solanterä ofrece una interpretación convincente, con una transición fluida entre guturales y voces limpias. El uso de una guitarra más grave de lo usual añade profundidad, creando un paisaje sonoro denso que sumerge al oyente.

Otro tema interesante es Welcome To This House Of Hate, introduciendo un tempo más agresivo y demostrando la capacidad de la banda para crear canciones contagiosas sin sacrificar demasiado la agresión. El ritmo y el coro de la canción seguramente se convertirán en un clásico de sus en vivo. Otro momento destacado del álbum es Prison Of My Mind, que por algunas cosas que entendí me dio por buscar las letras y darme cuenta de que trata la experiencia de la enfermedad de Alzheimer, interesante y fuerte. La letra es conmovedora, combinada con buena melodía y riffs convincente.

La pieza más propia de la identidad que conocía de la banda es My Grave Shall Be the Sea (Leviathan pt. II), que retoma temáticas de su debut, ampliándolos con elementos orquestales y arreglos dramáticos. La integración de elementos sinfónicos y melodía limpia le queda bien a la canción, demostrando la disposición de la banda a experimentar y traspasar los límites del género. En su segunda mitad el disco tiende a decaer con canciones como Fraction of Eternity y Aurora’s Dance, perdiendo algo de identidad con la incorporación de elementos y breakdowns muy del Metalcore, los cuales no me transmitieron demasiado.

Aunque el disco no está mal no todos los aspectos de "Tides" pueden resultar atractivos para todos los oyentes. La producción pulida lo hace un tanto plástico y la incorporación de los mencionados elementos Core, como sintetizadores y voces limpias, le restan la crudeza tradicionalmente asociada al Melodeath, incluso algo de Nu que se le logra percibir siento que le quita en vez de agregarle, -reitero- puede que algunos perciban este trabajo de Horizon Ignited como inconexo y un tanto carente de identidad, pero tiene sus momentos.

6.5/10

Structure - "Heritage" (Doom / Melodic Death)

Hay discos que te dan ganas de bailar y otros que te dan ganas de acostarte en un campo de noche, bajo un cielo amoratado, mirando al vacío y desafiándolo a que te devuelva la mirada. "Heritage", de Structure, se sitúa firmemente en la segunda categoría. Un monolito sónico que revoluciona tanto placas tectónicas como estados emocionales, "Heritage" es el tipo de debut que te atrapa y te dice: 'escucha y siente'.

Structure, un unipersonal del holandés Bram Bijlhout que canaliza la intensidad espiritual de eminencias del Melodeath Doom, de gente como Cult of Luna y Amenra y a la vez que se forja un nicho propio con un sorprendentemente ágil sentido de la melodía y un uso cautivador del espacio. "Heritage" no es solo pesado, es melódico, es lento, es atmosférico y por sobre todo, está bien hecho, es ese primer disco que siempre me deja pensando si semejante demostración podrá ser replicada en futuras entregas o si aquí se puede haber gastado todo lo que traía en el tanque.

El álbum abre con Will I Deserve It, una catedral sonora que no puede dejar indiferente a nadie, su emoción melódica y oscura es trascendente y su riff, de esos que se quedan contigo bastante tiempo después de haberlo escuchado, un serio contendiente a Canción del Año de ELOMC, que como tal queda nominada. En general el resto del disco se pasea entre el Doom y el Death de tintes melódicos con mucha calidad. Las guitarras, invocan riffs y sus bloques de sonido son a veces majestuosos. La batería, por su parte, logra equilibrio entre la urgencia tribal y la serenidad apocalíptica; piensen en tambores de guerra tocados por existencialistas XD

La producción de "Heritage" es cruda sin ser turbia, espaciosa sin perder impacto. Cada golpe de platillo resuena y cada nota grave se percibe. Este no es un álbum que 'se pone', es un álbum que se percibe y que te hipnotiza. Sin ser un disco perfecto, puesto que quizás recurre a algunas fórmulas conocidas y le puede faltar algo de innovación, "Heritage" tiene honestidad sonora y emocional. En definitiva, el trabajo es menos una colección de canciones y más un ritual. Es música para los espacios liminales, para los momentos en los que no estás seguro de si te estás desmoronando o finalmente te estás recomponiendo.

Me ha gustado mucho este disco, se siente que deja recuerdo, sentimiento y música. Si tan solo Structure fuera capaz de seguir creciendo en su sonido y alguna próxima entrega deslastrarse de ciertos lugares comunes, estoy seguro que estaríamos en presencia de una de los hechos más importantes del género. Bien por Mr. Bijlhout, ha llamado la atención, ahora solo falta hacer carrera.

8/10

Arch Enemy - "Blood Dynasty" (Melodic Death / Extreme Power)

El último álbum de Arch Enemy, "Blood Dynasty" es como si la banda hubiera decidido organizar una fiesta por todo lo alto, pero se hubiera olvidado de invitar a la emoción. Este décimo tercer álbum de estudio se siente como un déjà vu meticulosamente elaborado, donde cada tema compite por superar a los demás en un concurso de previsibilidad.

Comenzando con Dream Stealer, la banda ofrece un tema tan convencional que podría servir como modelo para un taller de 'Cómo escribir Death Melódico', la canción se precipita por un camino trillado de riffs y percusiones, sin desvíos ni rutas pintorescas. Illuminate the Path se atreve a añadir voces limpias, quizás con la intención de agregar sabor a este guiso insulso, sin embargo, esta fusión se siente más como añadir helado a un asado: innecesaria y confusa. Es como si la banda intentara demostrar que puede hacer varias cosas a la vez, pero termina tropezando con sus propias ambiciones.

Luego está March of the Miscreants, una canción que marcha en el mismo sitio sin llegar nunca a un destino. La robusta introducción percusiva promete un viaje, pero la canción rápidamente se asienta en un ritmo monótono, dejando a los oyentes mirando sus relojes y preguntándose si se perdieron en el camino. Vivre Libre surge como una versión de la canción de la banda francesa Blaspheme, cantada íntegramente en francés, la voz limpia de Alissa White-Gluz se luce aquí, es bonita, pero no combina con el estilo, al menos hubo un intento decente con ella.

La canción homónima, Blood Dynasty, intenta imponer su dominio, pero termina sintiéndose como una recreación de glorias pasadas. Con líneas melódicas de guitarra y growls, pinta una imagen sin ideas frescas, reciclando viejas fórmulas con resultados decrecientes. Paper Tiger intenta inyectar energía con riffs galopantes y un trabajo armónico de guitarra, la canción exige mover la cabeza, pero su previsibilidad es descarada. El cierre con Liars & Thieves, me produjo un encogimiento de hombros, es un final frenético que da la sensación de que la banda busca con ahínco su creatividad perdida y no da en el blanco. Francamente ningún tema, quizás con la excepción del cover, me atrajo.

En resumen, "Blood Dynasty" es un álbum que se aferra desesperadamente a los éxitos pasados ​​de Arch Enemy, ofreciendo poco en cuanto a innovación o emoción. Es un recordatorio de que incluso las dinastías más poderosas pueden caer, no con un colapso dramático, sino con el lento y sordo golpe de la mediocridad. Es una lástima porque era uno de los discos más esperados del año y me constan que la banda tiene bastantes seguidores.

6/10

The Halo Effect - "March Of The Unheard" (Melodic Death)

Deseo que este disco me sorprenda, la verdad que si; los supergrupos son una caja de sorpresas, se les intuye una gran calidad y más que menos veces, causan decepción... nunca he terminado de entender los motivos, se me ocurre que es como en esos grandes equipos de fútbol, que a cuenta de llenarse de estrellas nadie termina brillando. Bueno, lo que sea, en todo caso hablemos de "March Of The Unheard" de The Halo Effect, la banda conformada por miembros (o ex-miembros) de In Flames, Dark Tranquility, Hammerfall y Nightrage, entre otras.

Melodeath por un tubo, obviamente no podía ser diferente, "March Of The Unheard" es el segundo trabajo de la agrupación después de su "Days Of The Lost" (2022) disco que fue bien recibido. Compuesto de doce canciones en cuarenta y cuatro minutos, es probablemente uno de los lanzamientos más esperados del año, aún en enero. Bajo el sello de Nuclear Blast, como no podía ser diferente, esta grabación tiene que encender los apetitos metaleros sin duda.

Pero más allá de los detalles técnicos está el sonido y para ir saliendo de dudas, esto es claramente un homenaje a las bandas de las que que proceden sus componentes, un Death Melódico, Gotemburgo style, agresor, más bien en la acera contraria del estilo finlandés, es decir menos atmosférico pero con fuerte dosis de melodía, casi a la Extreme Power, pero sin llegar a tanto. En lo que se refiere entonces al estilo están dentro de mi radar de preferencia.

Sin embargo el disco no es sorprendente, tiene buenos temas, pero nada realmente que me parezca que destaca, quizás las primeras tres canciones del trabajo son lo mejor, Conspire To Deceive, Detonate y Our Channel To The Darkenss siento que son las mejores logradas, luego hay un poco de todo, algo de más de zonas instrumentales y decayendo un tanto en temas como This Curse Of Silence, pero manteniendo -digamos- aceptable nivel en el contexto general. Buenas guitarras, precisa batería y especialmente la voz de Mickael Stanne, la cual se mantiene intacta y por lo que muestra seguirá así mucho tiempo más.

No entiendo bien como gente con tanta capacidad demostrada no se atreve a un poco más, a incorporar algo de innovación, algún salto mortal, no tienen nada que perder desde mi punto de vista. Ese es quizás el problema de "March Of The Unheard" es un disco sobre seguro, un poco de autoplagio en cosas que les hemos escuchado al quinteto en otros momentos y bandas. Sin embargo, que mis expectativas no hayan sido totalmente satisfechas no quiere decir que no le encuentre substancia al trabajo, la tiene y me imagino que logrará el efecto deseado ante el público, especialmente el que sigue este género.

"March Of The Unheard" es un buen disco para los nostálgicos del Melodeath, tiene suficiente agresión y melodía como para hacer pasar un buen rato, pero The Halo Effect tiene potencial para más, para mucho más, luego de varias oídas se puede hacer un tanto genérico ya que su nivel de novedad es escaso. Aún así sugiero darle su debido repaso a ver si le consiguen más impacto que el que me causó a mi.

7/10

Iotunn - "Kinship" (Progressive / Melodic Death)

Con "Kinship", el grupo danés de Melodeath Progresivo Iotunn catapulta a los oyentes a un mundo de intensidad épica y cósmica. Su segundo álbum combina elementos de los géneros nombrados y algo de Power en una mezcla compleja, melódica y a menudo, de otro mundo. En esta oportunidad, a diferencia de su debut, "Access All Worlds" (2021) tiene un disco bien grabado, creo que ahora si van a destacar, veremos.

La banda ha mantenido intacta su reputación de paisajes sonoros amplios y constructores de universos con "Kinship". Los temas van desde riffs inspirados en el Thrash hasta elaborados paisajes sonoros sinfónicos. Si bien la comunidad no es ajena a los álbumes ambiciosos, a Iotunn no le interesa simplemente llenar el espacio; parecen estar creando nuevos planetas con cada pista. "Kinship" logra parecer enorme e íntimo a la vez, como un cielo nocturno lleno de estrellas donde cada destello cuenta su propia historia.

Uno de los puntos fuertes del disco es el trabajo vocal de Jón Aldará, cuya voz es nada menos que potente. Realiza una transición magistral de limpiezas conmovedoras a gruñidos guturales, siempre perfectamente combinados con la intensidad instrumental en constante cambio. En temas como las enormes Kinship Elegiac y Earth To Sky -las mejores del disco y probables temas del año- la voz de Aldará se siente como si te guiara a través de montañas envueltas en niebla, solo para lanzarte al vacío sin fin con un grito que podría partir estrellas. El efecto es nada menos que emocionante.

Los guitarristas Jesper Gräs y Jens Nicolai Gräs aportan una precisión claramente escandinava a su forma de tocar, con riff tras riff saliendo como acero fundido. Los solos surcan oscuros, memorables y sin caer nunca en la previsibilidad. Mientras tanto, el baterista Bjørn Wind Andersen sustenta todo con ritmos que van desde el atronador contrabajo hasta intrincados rellenos inspirados en el Jazz, recordándonos que no solo mantiene el ritmo sino que le da forma.

Temáticamente, "Kinship" explora todo, desde la resiliencia humana hasta el existencialismo cósmico, combinando letras que se sienten profundas y personales. Salvando todas las distancias estilísticas y el idioma, me recordó mucho a Heroes del Silencio en su forma de cantar poesía. Iotunn tiene una habilidad especial para escribir letras que suenan como una epopeya filtrada a través de una novela de ciencia ficción, y es muy atractiva. Incluso si los cuentos intergalácticos no suelen ser lo tuyo, "Kinship" seguramente resonará con su cruda profundidad emocional.

Otras canciones que destacan mucho pueden son Mistland y Twilight, aunque cualquiera de las siete que compone el trabajo son una delicia auditiva; el disco, de enorme hora y ocho minutos se puede escuchar en bucle sin cansar, permitiendo descubrir cosas, muchas cosas, muchos detalles. En resumen, "Kinship" es un viaje extraordinario que combina una musicalidad alucinante con narrativas cargadas de emociones. Iotunn ha capturado la infinita belleza y el terror del universo y los ha destilado en un álbum compacto y apasionante. Es una escucha obligada para los fanáticos del Progresivo y para cualquiera con gusto por lo épico y lo desconocido. Para mi un disco perfecto, para atesorar.

10/10

Wolfheart - "Draconian Darkness" (Melodic Death)

"Draconian Darkness" de Wolfheart ofrece una potente mezcla de Death Metal melódico con toques sinfónicos, manteniéndose fiel al estilo característico de 'metal invernal' de la banda. El álbum se reitera en los temas característicos de la agrupación finlandesa al tiempo que refina su sonido con elementos cinematográficos y atmosféricos. Wolfheart ha realizado un buen disco, pero demasiado sobre seguro.

El álbum abre con Ancient Cold, una feroz canción marcada por su orquestación masiva e intensa energía Melodeath. Le siguen temas como Trial By Fire y Grave, en que destacan sus transiciones dinámicas de riffs brutales a momentos más suaves y atmosféricos. En general el disco muestra todos los trucos y denominadores comunes que los han llevado a ser apreciados como representantes genuinos del género.

No se podrá decir que no le he prestado atención al trabajo de Tuomas Saukkonen, siendo con éste seis los discos comentados aquí, los cinco primeros bandeando entre lo genial y lo bueno; todavía me parece que "Constellation Of The Black Light" (2018) es su buque insignia, pero con "Draconian Darkness" baja un peldaño, a niveles de "Shadow World" (2016), su gran productividad quizás merma un tanto la calidad, pero nada que lamentar como grave.

La calidad de producción es uno de los puntos fuertes de "Draconian Darkness", donde cada instrumento suena nítido y claro, mejorando la experiencia auditiva general. Reitero que a pesar de sus puntos fuertes, algunas críticas sugieren y yo lo comparto, que algunas pistas, como Evenfall, se sienten repetitivas, apegándose demasiado a la fórmula de laboratorio sin suficiente experimentación.

En definitiva, "Draconian Darkness" es una adición más que decente en la discografía de Saukkonen, que equilibra la intensidad cruda con melodías inquietantes y ofrece una experiencia convincente para los fanáticos del Melodeath. Si bien va a lo seguro a veces, es un álbum que consolida -si se puede- la posición de Wolfheart en el género.

7.5/10

Dark Tranquility - "Endtime Signals" (Melodic Death)

El último álbum de Dark Tranquillity, "Endtime Signals", es una mezcla de puntos fuertes y débiles de una banda que ha tenido mejores años. Si bien el disco ofrece destellos de la brillantez del Melodeath que una vez los convirtió en pioneros del género, en última instancia sufre de falta de innovación y toma de riesgos creativos, lo que lo deja con una sensación de estar algo estancado en comparación con su mejor trabajo, "Atoma" (2016) un disco para recordar más que éste ciertamente.

Las canciones que componen el disco contienen sus líneas de guitarra melódicas familiares y una musicalidad precisa, pero rápidamente queda claro que Dark Tranquillity está pisando terreno familiar. El trabajo de guitarra, aunque sólido y ocasionalmente atractivo, carece de la frescura o la mordacidad que definieron sus álbumes anteriores como el mencionado en el primer párrafo, "Construct" (2013) o "Moment" (2020). Las armonías de guitarra duales y los solos de Mikael Stanne y  Johan Reinholdz son competentes, pero rara vez se aventuran en territorio demasiado emocionante. Los riffs se sienten cómodos, casi demasiado, como si la banda estuviera jugando a lo seguro en lugar de empujar sus límites creativos.

La interpretación vocal de Mikael Stanne es, como siempre, un punto clave, pero incluso aquí, hay una sensación de estancamiento. Sus growls siguen siendo potentes, pero carecen de la intensidad cruda que tenían antes. Las voces limpias se sienten bien. La mezcla es clara y pulida, aunque a menudo se siente estéril, privando a la música de parte de su potencial de dureza e impacto. La sección rítmica, sigue siendo la fuerza impulsora en la música de Dark Tranquillity, el recién llegado Joakim Strandberg-Nilsson, ex In Mourning, hace bien el trabajo pero no se le escucha demasiado con el tipo de producción escogida.

En cuanto a las letras, "Endtime Signals" retoma temas de colapso social, terror existencial y escenarios apocalípticos. Si bien la banda todavía crea paisajes sonoros atmosféricos, el contenido temático se siente como una repetición de ideas anteriores. En definitiva, "Endtime Signals" es un álbum competente pero poco inspirado de una banda que parece reacia a abandonar su zona de confort. Los fanáticos de toda la vida pueden disfrutar de su familiaridad, pero es poco probable que destaque como un punto especial en la discografía de Dark Tranquillity.

Un disco de Melodeath, especialmente salido de las manos de gente que ha demostrado con constancia que son capaces de sacar lo mejor de sí mismos, debe ser -para mí- una experiencia vital. Con "Endtime Signals" solo consigo un poco de eso. Ciertamente el mejor tema del trabajo es Neuronal Fire, con un excelente riff y puede que también destaquen Not Nothing, Unforgivable y Shivers And Voids, de resto, pues como he dicho, no ha habido ese atrevimiento que antaño le percibí a la banda. Que de los cinco componentes haya tres que son nuevos puede que haya influido y estemos ante un trabajo de ajuste antes de volver a las glorias conocidas.

7/10

In Vain - "Solemn" (Melodic Death / Melodic Black / Progressive)

"Solemn" de In Vain podría ser la banda sonora de un apocalipsis vikingo, si los vikingos también hubieran tenido una sesión de improvisación de Metal justo antes del Ragnarok. La agrupación se ha ganado un nicho como alquimistas sónicos, mezclando Blackened Death, Melodic Death y Prog con toda la gravedad emotiva que esperarías de un álbum con el nombre de "Solemn". Pero no dejes que el título te engañe; este no es un álbum que se queda quieto en un rincón mientras te pones el luto: es una buena tormenta de riffs, growls y grandeza atmosférica.

In Vain es capaz de muchas cosas, incluso de hacer discos mediocres como su anterior "Currents" (2018) que me decepcionó tanto después de la genialidad de "Ænigma" (2013) que a veces lo uso como ejemplo del desplome de una banda. Ahora con "Solemn" creo que los de Noruega logran el equilibrio. Desde la primera canción, la banda establece el estado de ánimo con una fuerte intensidad melancólica. No solo tocan Metal, sino que pintan en tonos de oscuridad, lanzando ráfagas de luz para mantener las cosas interesantes. La fuerza del álbum radica en su capacidad de equilibrar la brutalidad con la belleza.

Uno de los mejores ejemplos de este delicado acto de balance es el tema Seasons Of Unrest, que se siente como el equivalente musical de recibir un puñetazo en la cara y luego un abrazo inmediato. Las guitarras son dinámicas y ajustadas, combinando riffs feroces con momentos de delicadeza melódica. Es como si hubieran invitado a Gorgoroth y Opeth a la misma fiesta y los hubieran hecho llevarse bien.

Luego está la batería, que es nada menos que implacable. De alguna manera, la banda evita que todos estos elementos intrincados se conviertan en un caos, lo que es una hazaña en sí misma. La producción es lo suficientemente limpia como para dejar que los detalles brillen, pero lo suficientemente cruda como para hacerte sentir como si estuvieras parado al borde de un acantilado con la tormenta formándose detrás de ti.

Al final, "Solemn" es tan serio y épico como suena y sobre todo, es el retorno de In Vain al buen camino. El disco es oscuro, melancólico y complejo, pero también atractivo y gratificante para cualquiera que le guste que su Metal venga con un toque de aventura musical. Como principal elemento negativo destaco que nuevamente es demasiado largo, superando la hora, lo que lo hace agotador, pero con algo de paciencia se le logra acabar. Bien por In Vain.

8.5/10

Wintersun - "Time II" (Extreme Power / Melodic Death)

¿¡Pero que pasó en estos seis meses!? Leer o escuchar gente diciendo que "Time II" de Wintersun es corto, que no tiene realmente sino dos canciones, que no tiene el nivel de "Time I", que llega muy tarde (bueno, eso es verdad...), me hace preguntarme si las neuronas se secaron o si quizás Babymetal tomó por asalto las carteleras. Pues si, hay gente que cree que Wintersun no ha presentado un buen disco, oh the humanity! Menos mal que los lugares referentes de costumbre (Amusia, Angry, Truemetal, et al) se han encargado de poner en su sitio a tales desvergonzados. Ahora me toca a mi :)

Aunque doce años no es tiempo para hacer el bis de nada, digamos que obviaremos el punto para no caer en diatribas que finalmente son insustanciales. Lo verdaderamente importante es que "Time II" está aquí y lo está para bien, para demostrar que el Extreme Power o el Death Melódico, como quiera que se le desee catalogar, sigue fuerte, con gente digna dispuesta a jugarse el prestigio de un género que puede estar pasando horas bajas.

Lo mejor de todo es lo que me ha gustado el trabajo. "Time I", uno de los primeros discos que revisé en ELOMC, no me impactó tanto, quizás no entendía tan bien el género, quizás ese día no me sentó el almuerzo, quizás Ensiferum me tenía más entretenido que este proyecto paralelo de Jari Mäenpää, quien ya no está en esa banda Folk (la verdad Ensiferum pasa horas bastante bajas). El punto es que un aceptable fue todo lo que le pude dar. Hoy es diferente, creo que "II" es una mejora obvia y ha valido la pena.

Este disco tiene dos vertientes, el sonido suave y amable del Sinfónico por un lado y el brinco repentino a la emoción y totalidad épica del Melodeath-a-la-finlandesa que tanto emociona. La mezcla de sonido me parece que le ha quedado de primer nivel a Wintersun. Es verdad que algún momento del disco puede parecer sobreproducido, no lo niego, pero entiendo que ha logrado un equilibrio que le permite ser escuchado todos sus casi cuarenta y nueve minutos y no empalagar. Emoción, cohesividad, mantenimiento del interés y buena técnica instrumental hacen de esta grabación un gusto para los seguidores de los sonidos poderosos y melódicos.

Los toques experimentales que le agregan los sonidos orientales le brindan un elemento interesante, los riffs me parecieron bien trabajados y recordables, los coros intensos y como dato más destacado, su repetición es bienvenida, no se hace excesivo, se le descubren cosas y tiene relación con "I", diría que trata de hacer notar por que tardó tanto tiempo en llegar la segunda parte. Este sería un disco que escucharía muy satisfecho en vivo, especialmente los temas Storm y The Way Of The Fire, los mejores.

8/10

Counting Hours - "The Wishing Tomb" (Doom / Melodic Death)

De Finlandia salen muchas cosas buenas, el vodka del mismo nombre del país es genial y las bandas de Doom acostumbran a ser bastante buenas también, algunas de primer orden, debe ser también por el vodka. De allí viene Counting Hours, quienes con elementos Melodeath que le agrega un tanto más de dureza, muestran su segundo disco "The Wishing Tomb", trabajo que ahora si parece que los ha colocado un poco más en el radar del Metal puesto que su debut "The Will" (2020) no hizo casi mella, debió ser la pandemia.

El trabajo me ha gustado, quizás no tanto como quienes han querido ver en él un descubrimiento especial, pero sin duda que está bastante bien. Es más, su acercamiento al estilo tiene un elemento de novedad interesante al hacer que mayormente la voz líder sea limpia y los coros sean en clave de guturales, normalmente es al revés y en esto les reconozco un valor agregado. Súmele a eso que el disco está bien producido, suena claro, la instrumentación es equilibrada y también un tanto inusual, porque usan tres guitarras, convirtiendo a la banda en un sexteto.

No hay que tampoco impresionarse pensando que los miembros de la agrupación logran este buen nivel de la nada, varios de ellos (dos de las guitarras) pertenecen todavía a los consagrados Shape Of Despair. Por eso debe ser que siento que el trabajo trata de discurrir definitivamente más en la orilla del Doom que del Melodeath, recuérdese que en Shape hacen Funeral Doom, que -como saben- es lo más lento que tiene el Metal (dije 'lento' no ' menos intenso'). En todo caso, el disco tiene buenas canciones, diría que las tres primeras (después del intro) Timeless Ones, Away I Flow y All That Blooms (Need To Die) -la mejor del trabajo-, son de gran factura.

El cierre de "The Wishing Tomb" no me pareció tan gustoso como los temas mencionados, hay canciones menores, que aunque tratan de dejarse guiar por el riff, sencillamente no impactan tanto, probablemente con la excepción de No Closure, también bastante buena. Incluso en algún caso el disco se hace un tanto distraído, se comienza a deshacer en su propia salsa. No hay realmente nada malo, pero la intensidad que logran mantener en los primeros temas, pasa a ser algo que luego solo aparece aquí y allá. La voz líder de Ilpo Paasela podría ser catalogada con justicia el arma secreta de Counting Hours, para quien, aunque sus inicios fueron en el Black, el paso a este género lo logra con calidad.

Se que este tipo de discos un tanto dulzones tienden a generar mucho favor entre quienes los disfrutan, justo y correcto, por eso siempre se espera una nota estelar para respaldar la propia percepción, también justo, pero en aras de la objetividad (que he definido como el sueño húmedo de quienes no dan su opinión) me voy a decantar por una aprobado con honores, esperando que en su próximo trabajo redondeen algo todavía mejor.

7.5/10

Eternal Storm - "A Giant Bound To Fall" (Melodic Death / Doom)

Me ha llamado la atención esta banda de Melodeath, con toques Core y algo de Doom, creía que sonaban interesante y con el paso de las escuchas me parecía saber quienes eran pero no lograba ubicarlos y me extrañaba porque no escribí de su único disco previo, del ya lejano 2019, pero tenía esa clara sensación de 'deja vu' y oh! sorpresa, me consigo en mi cuarto el CD de ese disco debut, cosa absolutamente inusual porque no tengo más de veinte discos físicos y haciendo memoria me di cuenta que uno de los músicos de la banda me lo regaló cuando los vi en un concierto en Madrid, en ese 2019, haciéndole telón a Toumas Saukkonen cuando vino con su banda Wolfheart, demasiada casualidad para dejarlos pasar esta vez.

Eternal Storm suenan al más tradicional Melodeath sentimental, el de Insomnium, In Mourning y la misma banda mencionada de Saukkonen, pero no son finlandeses, son de aquí mismo, madrileños, aunque entiendo que ahora su base está en Escocia... nada como el clima escocés para deprimirse adecuadamente y crear este tipo de sonidos. En todo caso, su segunda entrega, "A Giant Bound To Fall" ha sido bien recibido, quizás hasta un poco más, diría que con méritos para ello.

Este disco es atrevido, en el sentido de que hace cosas inusuales, comienza por la canción más larga, de casi catorce minutos, tiene largas secciones de sonido suave y abstraído, su duración intimida con los casi setenta minutos, pero tiene la virtud de ser suficientemente cambiante como para distraer, es más creo que he podido escucharlo dos veces back-to-back y no haberme saturado y finalmente siento que el trabajo de producción es estelar, el disco suena con claridad superior.

El songwriting de la banda es bastante bueno y aunque no son obsesos del riff, se sienten bien desarrolladas las ideas, hay quizás más inclinación a destacar los complementos sonoros, los arreglos, la instrumentación, dejando solo para determinados momentos la agresión vocal, casi podría decirse que tiene un cariz Progresivo, cosa que también es poco común para el género. Varias canciones destacan, comenzado con la larga de abrir ya señalada, An Abyss Of Unreason, otras como A Dim Illusion y The Void también tienen mucho sentimiento y calidad, siendo el plato fuerte su tema de cerrar A Giant Bound To Fall, que circula entre lo Doom y el Death Melodico puro, con intercambio de tempos y mucha instrumentación, nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

El CD, para que vean que no es cuento :)

Quizás Eternal Storm no me había parecido tan interesante cuando los escuché originalmente y puede que el CD no me ayudara mucho porque francamente desde hace bastante tiempo para escucharlos me hace falta ponerlos en la playstation y el sonido del televisor no es... bueno, eso. Pero este reencuentro es otra cosa, creo que "A Giant Bound To Fall" puede posicionarse bien y no me sorprendería que supiéramos más de ellos.

8/10

Shylmagoghnar - "Convergence" (Atmospheric Melodic Death / Melodic Black / Folk)

Este disco me ha tomado por asalto y sorpresa porque es -por sobre todas las cosas- atrevido. El trabajo de Shylmagoghnar, que vengo a redescubrir con esta entrega, tras "Transcience" (2018), me ha parecido capaz de hacer algo que cuesta encontrar, intención de experimentar. La mezcla del Black Atmosférico, el Melodeath, el Black Melódico y el Folk que ejecutan trata de sonar insolente, no les importan las reiteraciones melódicas mezcladas con el ambiente denso, a veces sin voces, a veces con guturales Black, a veces growls Death, otras veces limpias. Siento que podría ser una pena que más gente no conociera lo que en "Convergence" plantea.

El disco es largo, sesenta y seis minutos, que repito es mucho para el Metal, la intensidad de este tipo de música no acostumbra a aparejarse con tanto tiempo, con sus excepciones claro está. Pero fuera de eso y de que cuatro temas parecen sacados de otro saco al momento de reunirlas en "Convergence", el resto del trabajo me gustó, seriamente. Incluso esa cantidad de melodía atmosférica un poco Industrial, a la Mechina, me parece que les gana enteros en su aproximación. Largas secciones, sino canciones completas de este disco, son totalmente instrumentales, lo que generalmente es un riesgo importante ya que los metaleros necesitamos la intensidad vocal, a menos que como en el caso de estos holandeses, haya mucha calidad.

Shylmagoghnar es -probablemente- un unipersonal que lleva un multi instrumentista llamado Kevin Bertrand, mejor conocido como Nimblkorg, aunque tengo la duda de si en este disco también participó alguien reconocido en sus dos anteriores, llamado Coen van der Weerden, a.k.a. Skirge, en todo caso lo dejo nombrado, no sea que termine siendo pasto de su ira... este tipo de músicos acostumbra a ser bastante uraño y con competencias blandas débiles (léase: de mal humor). En todo caso, la cantidad de música presente en el "Convergence" es suficiente para convencer a cualquiera que tienen qué decir y cómo decirlo.

La falta de homogeneidad entre canciones es el gran defecto del trabajo, cuando los temas son de calidad, rompen la aguja del medidor, pero cuando la inspiración pareció fallar, el sonido deja que desear, los temas se pueden volver repetitivos y angustiosamente largos. Siento que un trabajo con cuatro temas menos, dejando los otros seis, I Hear The Montain Weep, Threshold, Follow The River, Strata, The Sea y Convergence -que suman cuarenta y cinco minutos- habrían logrado un efecto mucho más total. También es de alabar la calidad del sonido de la grabación, que como es lógico suponer es totalmente 'hecha en casa', siendo Shylmagoghnar una banda de las características narradas.

En todo caso, a pesar de los momentos menores, algo de falta de foco en algunos temas y lo largo del trabajo, este es un disco muy disfrutable, con cosas interesantes, divertidas, arrullantes y potentes al mismo tiempo. Lo he visto en alguna lista de las que comienzan a pulular a finales de año, lo hace con justicia.

8/10

Aeolian - "Echoes Of The Future" (Melodic Death)

Aeolian (no lo escribo Æolian porque luego no aparece en los buscadores) es una de mis bandas de Melodic Death favoritas, estos baleares han encontrado su lugar en el Metal amalgamando sonidos tomados de gente como Insomnium, Omnium Gatherum o Countless Skies, alejándose del sonido Gotemburgo para más bien dejarse influenciar por ese sonido más meloso y atmosférico que sale mayormente de Finlandia. Entregan ahora y tras "The Negationist" (2020) su tercer trabajo, llamado "Echoes Of The Future", cuarenta y cuatro minutos y nueve temas nuevamente cargados de mensaje ambientalista.

Ya solo la perspectiva de defensa de la naturaleza de Aeolian sirve para llamar la atención, habla de conciencia social. Pero la banda no se queda ahí, desde su debut con "Silent Witness" (2018) -disco del año del género en este humilde sitio, también el de 2020- sus características sonoras me han parecido especiales. Mucha melodía, coros épicos, calidad instrumental que no pretende hacer la escucha complicada, el debido toque de agresión que Daniel Pérez le imprime a su buena voz y sentimiento, buenas canciones. En "Echoes Of The Future" se vuelven a conseguir esas cosas, diría que también ha habido interés en explorar algunas nuevas fronteras, algo de Black Melódico también se encuentra en su recorrido.

Pero la clave está en los temas, se puede ser todo lo técnico e histriónico que se quiera, pero sin un par o tres buenas canciones, no hay trascendencia. Aeolian es, a mi parecer, una máquina de hacer riffs, de los de calidad, de los emocionantes. Encuentro que al menos cuatro canciones sobresalen en el trabajo y aunque en otras hay algunos momentos que se extravían en divagaciones que no me terminaron de atrapar, el conjunto de lo que nos traen es, nuevamente, superior. Los cambios sonoros en los que se enfatizan los teclados y algunas guitarras acústicas también me parecieron un elemento nuevo que les quedó bastante logrado.

Como temas a destacar sin duda está Dream Of Reality, The Miracle, Into The Flames y el épico (por duración y calidad) el de cerrar, Chronicles Of The Fall; voy a dejar a la primera nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC. El resto del trabajo está bien, quizás Lords of Greed no terminó de convencerme, pero nada desdice realmente de "Echoes Of The Future", hasta la duración ajustada obra en favor de Aelioan.

Respecto a estos isleños solo me falta confirmar que en vivo son capaces de hacer lo que en estudio muestran, de resto creo que siguen en la senda correcta, que cada trabajo es de calidad y aunque su "Silent Witness" sigue siendo para mi su mejor entrega a la fecha, con "Echoes Of The Future" engrandecen su catálogo y calman las ansias de los que necesitamos más Melodeath de muy del norte.

8/10