Miscreance - "Reminiscence" (Technical Death)

Hay bandas que parecen empeñadas en demostrar cuántas notas pueden meter a presión en un segundo, y luego están aquellas que entienden que, a veces, el truco consiste en saber exactamente qué notas merecen estar ahí. Miscreance pertenece claramente a este último grupo. Con "Reminiscence", estos italianos entregan un disco que, si bien puede coquetear ocasionalmente con los terrenos habituales del Death Técnico, afortunadamente evita convertir la obra en una exhibición estéril de gimnasia instrumental.

Una de las mayores bazas del álbum es su sección rítmica. La batería y el bajo no están ahí simplemente para proporcionar una base metronómica mientras las guitarras realizan sus acrobacias; participan activamente en la composición. Existe una interesante sensibilidad rítmica a lo largo de "Reminiscence"; los cambios y los grooves contundentes confieren a las canciones un dinamismo que evita que se conviertan en una mera colección de pasajes técnicamente impresionantes pero emocionalmente intercambiables. La sección rítmica sabe cuándo acelerar, cuándo golpear con contundencia y, lo que es más importante, cuándo dejar espacio suficiente para que un riff pueda respirar.

Y hablando de esp, desde luego, no faltan riffs. Miscreance demuestra un gusto sorprendentemente bueno a la hora de elegir sus ideas musicales. En lugar de meter en una batidora todos los que han compuesto y etiquetar el resultado como 'Progresivo', suelen entender el valor de la selección. Se permiten que un buen riff se asiente antes de lanzar el siguiente.

El resultado es un álbum que se percibe como una obra compuesta, no simplemente ensamblada. "Reminiscence" tiene, sin duda, sus momentos técnicos, pero la técnica se emplea principalmente como un medio, no como un fin. Las guitarras pueden volverse intrincadas y agresivas, pero la música conserva la estructura suficiente para que el oyente no necesite una hoja de cálculo ni un título universitario para entender hacia dónde se dirige la canción.

Dicho esto, el álbum no está exento de limitaciones. A veces, Miscreance se acomoda demasiado en el lenguaje establecido del Death Técnico. Algunos pasajes dan la sensación de transitar por lugares donde innumerables bandas ya han plantado su bandera. Hay momentos en los que un poco más de personalidad, experimentación o pura imprevisibilidad habría elevado el disco a la categoría de muy bueno. Aun así, "Reminiscence" lo logra porque comprende algo fundamental: el Metal no tiene por qué sacrificar a la composición en el altar de la complejidad. 

Puede que no reinvente el género, pero afortunadamente, no lo necesitan. "Reminiscence" es un trabajo bien elaborado, rítmicamente interesante y convincente. En un género donde el exceso es prácticamente un requisito del oficio, esa contención resulta casi un acto de rebeldía.

7.5/10

Sworn - "Null Crowned the Infinite" (Melodic Black / Atmospheric Black)

Con "Null Crowned the Infinite", la banda noruega Sworn presenta una obra bien elaborada de Black Atmosférico y Melódico que sabe exactamente qué terreno quiere explorar. El álbum no ofrece sorpresas particulares, pero transmite una gran seguridad en la forma en que la banda combina melodías gélidas, una atmósfera densa y la intensidad suficiente para mantener el dinamismo del disco. Es puro Black de corte nórdico: frío, melancólico, expansivo y cargado a menudo de esa sensación de estar solo en un paisaje infinito y hostil.

El punto fuerte del álbum es, sin duda, la voz de Max Wilson, líder de Sworn. Sus gritos poseen una carga emocional especial que aporta una capa extra de oscuridad a la música. Más que limitarse a ser otra voz agresiva típica del género, su interpretación recuerda casi al screamo, pero sepultada bajo capas de escarcha y distorsión y atravesada por una profunda nota de desesperación. Esa desesperación es precisamente lo que confiere a "Null Crowned the Infinite" parte de su personalidad, sobre todo cuando la música se vuelve más atmosférica y melancólica.

En el plano instrumental, el álbum es sólido y está cuidadosamente construido. Las guitarras ofrecen la combinación esperada de melodías con tremolo picking, líneas solistas armonizadas y pasajes atmosféricos más fríos, mientras que la batería aporta la agresividad necesaria para evitar que el disco resulte estático. Hay momentos de auténtica intensidad, y la banda demuestra saber crear una atmósfera sólida sin sacrificar la claridad. La producción está lo suficientemente pulida como para permitir que se aprecien los distintos elementos, aunque, en ocasiones, esa limpieza juega ligeramente en contra de la crudeza que podría haber hecho el álbum aún más impactante.

El principal problema es que "Null Crowned the Infinite" carece de innovación. Sworn domina el estilo, pero rara vez logra que suene novedoso. El álbum da la impresión de ser un compendio de elementos ya conocidos; resulta difícil no sentir que muchos de esos riffs, estructuras y texturas ya se han escuchado antes. Las influencias de la banda son evidentes y, si bien no hay nada intrínsecamente malo en trabajar dentro de las convenciones establecidas del género, Sworn no siempre aporta la identidad suficiente para distinguirse de las numerosas bandas que operan en este ámbito.

Asimismo, se echa en falta algún tema verdaderamente sobresaliente. Varios funcionan bien y contienen pasajes memorables, pero muy pocos momentos destacan lo suficiente como para considerarlos excepcionales. La posible excepción es el tema que da título al álbum, Null Crowned the Infinite, que destaca por su combinación de melodía, intensidad y atmósfera, y se percibe como una de las representaciones más claras de lo que Sworn pretende lograr.

En definitiva, "Null Crowned the Infinite" es un álbum aceptable y sobre todo, competente. Posee una gran carga atmosférica, la intensidad adecuada y una buena ejecución, además de un enfoque de Black inequívocamente nórdico. Lo que le falta es esa chispa de innovación o personalidad propia capaz de elevarlo de un buen ejercicio dentro del género a algo verdaderamente memorable. Los seguidores del gènero encontrarán mucho que apreciar aquí, pero quienes busquen algo que lo haga evolucionar podrían quedarse con ganas de más.

7/10

Sigh - "Goh-Ka" (Black / Avant-Garde)

Pocas bandas han logrado mantenerse tan impredecibles, aventureras y genuinamente extrañas como Sigh. Tras más de tres décadas de existencia, la banda japonesa podría haberse acomodado fácilmente a una versión cómoda de su propia fórmula, pero "Goh-Ka" demuestra una vez más que Mirai Kawashima y compañía no tienen intención de hacerlo. Este es otro gran disco de una banda que nunca se ha interesado particularmente en seguir las reglas de nadie.

Curiosamente, "Goh-Ka" suena algo más melódico que algunos de los trabajos anteriores de Sigh. Esto no significa que la banda se haya vuelto repentinamente accesible o haya abandonado su excentricidad; más bien, sus melodías son más prominentes, sus arreglos más atractivos y algunas de las composiciones considerablemente más fáciles de asimilar. El álbum sigue exigiendo atención, pero hay una mayor sensación de invitación que de confrontación. Da la impresión de que Sigh intenta, al menos en parte, atraer a un público más amplio sin sacrificar lo que los hace únicos.

Es un equilibrio difícil de lograr, especialmente para una banda cuya música tradicionalmente se ha nutrido del exceso. "Goh-Ka" sigue repleto de Black, con una batería furiosa -muy bien ejecutada- y riffs siniestros que constituyen gran parte de su base. Al mismo tiempo, los elementos Avant-Garde están presentes en todas partes: arreglos extraños, transiciones inesperadas, pasajes psicodélicos, influencias tradicionales japonesas, tendencias progresivas y secciones atmosféricas que transforman repentinamente el carácter de una canción.

El resultado es quizás uno de los discos más accesibles de Sigh sin llegar a ser convencional. Temas como Kuso-shi 1, 2 and 3 demuestran la eficacia con la que la banda combina melodía, atmósfera y experimentación, mientras que Jigoku-Zoshi 1: Unkamusho y Jigoku-Zoshi 2: Tokatsujigoku me recuerdan que el viejo monstruo del Black sigue más vivo que nunca. Unputenpu es otro momento particularmente atractivo, que combina algunas de las melodías más memorables del álbum con la excentricidad característica de Sigh.

Otro punto fuerte es la producción. "Goh-Ka" suena excepcionalmente bien grabado y masterizado. Teniendo en cuenta la cantidad de capas, texturas e instrumentos contrastantes que Sigh incorpora en sus composiciones, mantener la claridad podría haber sido una pesadilla. En cambio, el disco suena potente, detallado y espacioso, permitiendo que las guitarras, los teclados, la percusión, las voces y los elementos más inusuales coexistan sin convertirlo todo en una masa sonora indistinguible. Las interpretaciones, en particular la batería de Mike Heller, se benefician enormemente de este tratamiento sonoro.

Quizás la única objeción sea que el álbum a veces da la sensación de intentar abarcar demasiadas ideas, algo que siempre ha sido tanto la mayor fortaleza de Sigh como su debilidad ocasional. "Goh-Ka" no representa una reinvención radical de Sigh. En cambio, es un refinamiento de su identidad. El Black se mantiene, la vanguardia se mantiene, la rareza sin duda se mantiene, pero todo se ha pulido en un paquete más melódico, accesible e inmediatamente atractivo. Puede que Sigh esté intentando llegar a un público más amplio, pero afortunadamente no han tenido que volverse ordinarios para lograrlo.

8.5/10. Otra gran portada

Flotsam & Jetsam - "Rats In The Temple" (Speed / Thrash)

El Speed es uno de esos estilos incomprendidos que nunca ha recibido el reconocimiento que merece. Situado entre el Thrash y el Heavy Metal, ocupa un incómodo punto intermedio: demasiado melódico y estructurado para satisfacer a los más acérrimos seguidores del Thrash, pero demasiado agresivo y frenético para los puristas del Heavy tradicional. Como resultado, el género a menudo ha sido tratado como el hijo bastardo de ambos estilos. Flotsam & Jetsam han dedicado gran parte de su carrera a demostrar que este híbrido puede ser una fórmula muy efectiva y "Rats In The Temple" es otra demostración convincente.

Los veteranos de Arizona regresan con trece canciones que, en conjunto, suman casi una hora -nuevamente demasiado largo- ofreciendo prácticamente todo lo que se espera de la banda en esta etapa de su carrera. El disco es enérgico, técnico, potente e inconfundiblemente ellos. Las guitarras gemelas de Michael Gilbert y Steve Conley proporcionan un flujo casi constante de riffs afilados, solos armonizados y pasajes técnicamente exigentes, mientras que la batería de Ken Mary aporta la contundente base rítmica. Mientras tanto, Knutson sigue siendo uno de los pilares más reconocibles de la banda; su voz suena más áspera y experimentada que en la época clásica, pero aún conserva una tremenda autoridad.

El inicio es particularmente potente. Harvesting the Hate establece de inmediato el carácter agresivo del álbum, mientras que Damnation y Absolution refuerzan la capacidad de la banda para combinar velocidad con estructuras memorables. El tema que da título al disco es otro punto culminante, que aúna riffs técnicos, atmósferas más oscuras y el instinto melódico que siempre ha distinguido a Flotsam & Jetsam. The Ghost Behind My Door y A Taste for War demuestran además que la banda aún puede generar un impulso considerable sin simplemente reciclar la misma canción trece veces.

Y eso es, en definitiva, lo que hace que "Rats in the Temple" sea un aceptable trabajo. Cumple prácticamente con todos los requisitos asociados a la identidad consolidada de la banda: riffs rápidos, estribillos potentes, guitarras gemelas, toques melódicos, virtuosismo técnico, ocasionales destellos de la grandiosidad del heavy metal tradicional y una producción moderna y contundente.

El problema es que, a pesar de su nivel constante, el álbum carece de esas dos canciones realmente irresistibles que podrían elevarlo de 'bueno' a 'imprescindible'. Hay muchos momentos interesantes, pero no suficientes temas que inviten a escucharlo una y otra vez. El otro problema es la duración. Con trece canciones y aproximadamente casi una hora de música, "Rats in the Temple" exige bastante atención. Para un disco denso y técnicamente un tanto complejo, un álbum más corto podría haber potenciado aún más los mejores temas.

Aun así, Flotsam & Jetsam hacen lo que mejor saben hacer: Metal enérgico y potente que se niega a elegir entre Thrash y Heavy. "Rats in the Temple" no será un clásico de la banda, pero si es otro disco sólido para alguien que tiene cuatro décadas de su debut.

7/10

Mastodon - "Marrow Deep" (Progressive Sludge)

En el Metal pocas bandas han entrelazado su música de forma tan constante con el dolor, la pérdida y la tragedia personal como Mastodon. Sin embargo, "Marrow Deep" podría ser su disco más emotivo hasta la fecha. Nacido de un periodo de profunda conmoción y pérdida, el álbum no es simplemente sombrío por las circunstancias; el dolor está incrustado en su propia estructura. Suena herido, introspectivo y, en ocasiones, furioso, como si Mastodon intentara procesar el dolor a través de una pared de sonido cada vez más densa. La tempestuosa salida de la banda de su estrella Brent Hinds y su posterior fallecimiento está interconectada con este trabajo, no hay duda.

Musicalmente, "Marrow Deep" es todo lo que se podría esperar de Mastodon en su máxima expresión: técnico, Progresivo, pesado, melancólico, Psicodélico, Atmosférico y complejo. Aun así, posee una fuerza y ​​agresividad particulares. La banda ha redescubierto claramente parte de la energía más cruda que hizo tan cautivadores sus primeros discos, sin perder la sofisticada composición que ha definido su evolución. Los riffs chocan con extraños patrones rítmicos, pasajes psicodélicos emergen de enormes bloques de pesadez, y las melodías aparecen casi inesperadamente bajo capas de distorsión y textura.

El resultado es un disco exuberante, pero a menudo opresivo. Mastodon siempre ha entendido que la pesadez no necesariamente requiere velocidad, y "Marrow Deep" lo demuestra repetidamente. Hay momentos en que la banda suena gigantesca y casi amenazante, seguidos de pasajes melancólicos que parecen suspender las canciones en el aire. La llegada de Nick Johnston y João Nogueira también le da al álbum un sabor diferente. En lugar de intentar recrear el pasado, Mastodon ha ampliado su paleta, con teclados y trabajo de guitarra adicional que añaden dimensiones psicodélicas y atmosféricas a un sonido ya de por sí complejo.

Y, sin embargo, hay un problema: "Marrow Deep" es sencillamente demasiado largo para un disco tan denso. Su duración pasada de una hora es excesiva para la cantidad de información que contienen estas canciones y que hace que la experiencia resulte agotadora. Hay momentos en que otro riff, otro pasaje atmosférico o otro desvío estructural se siente como un exceso.

Y aún así, lo más importante es que este su mejor trabajo desde su seminal "Crack the Skye" (2009). Esto puede sonar como un enorme elogio -y lo es-, pero "Marrow Deep" realmente merece ser considerado junto con los mejores trabajos de Mastodon. No reproduce la magia de su época clásica, ni debería hacerlo, ni creo que eso quisiera la banda. En cambio, encuentra una nueva forma de intensidad en la pérdida, la madurez y la supervivencia.

"Marrow Deep" es denso, sombrío y a veces difícil, pero bajo toda esa complejidad late un corazón profundamente humano. Es Mastodon transformando el dolor en algo soportable. Puede que no sea perfecto, pero en un año ya repleto de lanzamientos ambiciosos, "Marrow Deep" es demasiado sustancial como para pasar desapercibido.

8.5/10

Triosphere - "Oceans Above, Stars Below" (Power / Progressive)

En la escena del Power abundan las bandas que reciben más atención de la que merecen. Y luego está Triosphere: una banda que ha dedicado la mayor parte de su carrera a crear música consistentemente excelente, manteniéndose -sin embargo- como uno de los nombres más infravalorados del género. Creo que la razón para que ello haya ocurrido es que este cuarteto noruego nunca se ha ajustado a la fórmula estándar del Power, y quizás sea precisamente por eso es que ha permanecido como un secreto para aquellos poco dispuestos a ver más allá de los típicos dragones, coros victoriosos y melodías alegres. 

Desafortunadamente, Triosphere también tiene una costumbre frustrante: tardan una eternidad entre discos. "Oceans Above, Stars Below" llega tras doce años desde "The Heart of the Matter" (2014) un tiempo absurdamente largo para una banda con tanto talento evidente y dieciseis años desde su mejor trabajo, el primer Disco del Año de ELOMC, "The Road Less Travelled" (2010). Solo puedo imaginarme cuánto más grande podría haber sido su público con un calendario de lanzamientos más constante. Aun así, si alguna vez hubo un momento para que Triosphere finalmente se diera a conocer al público general del Metal, es este.

Lo que siempre ha distinguido a Triosphere de la gran mayoría de las bandas del género es su carácter emotivo. Esta no es la clase de música diseñada para que alces tu espada hacia el cielo con una sonrisa triunfal. Hay potencia, sin duda, pero también tristeza, melancolía y una atmósfera sorprendentemente reflexiva. Incluso cuando las guitarras se vuelven más pesadas y los ritmos se aceleran, a menudo subyace una carga emocional que otorga a las canciones mucha más profundidad que la habitual grandilocuencia optimista del género.

"Oceans Above, Stars Below" es también Progresivo, Triosphere no se limita a abrumar al oyente con riffs, estribillos y doble bombo esperando que el volumen sea suficiente. Sus composiciones se desarrollan gradualmente, introduciendo diferentes texturas, melodías y capas instrumentales que se revelan con cada escucha. Hay un instinto Prog presente en todo el álbum, pero afortunadamente la banda nunca permite que la complejidad se convierta en una excusa para la autocomplacencia.

Las guitarras son particularmente importantes en la construcción de este enfoque por capas, alternando entre riffs pesados, melodías principales y pasajes atmosféricos con una naturalidad asombrosa. Mientras tanto, Ida Haukland sigue siendo uno de los mayores activos de la banda. Su voz potente y distintiva le otorga a Triosphere una identidad que los diferencia de inmediato de las innumerables bandas de Power intercambiables que compiten actualmente por la atención del público.

Canciones como Of Tyrants, la mejor del trabajo, además de nominada a contendiente a Canción del Año de ELOMC, y Through The Phantom Wall o Monster's Ball, demuestran la capacidad de la banda para combinar un Metal potente con una composición sofisticada, mientras que los momentos más contenidos añaden un contraste emocional en lugar de funcionar simplemente como baladas obligatorias. El álbum transita constantemente entre la contundencia y la melodía, la agresividad y la melancolía, la complejidad y la accesibilidad.

Triosphere ha regresado con algo valioso: un disco que suena inconfundiblemente diferente y a la vez a como suena Triosphere, en medio de un género cada vez más saturado de bandas que solo suenan igual que todas las demás. Doce años sigue siendo demasiado tiempo de espera. Esperemos que este regreso le dé a la banda el reconocimiento que se merece y que no nos hagan esperar otra década para el próximo.

9/10 Nominado como contendiente a Disco del Año de ELOMC.

Cnoc An Tursa - "A Cry For The Slain" (Melodic Black / Folk)

Por lo que puedo recordar, que no es demasiado, Cnoc An Tursa nunca se ha caracterizado por reinventar la rueda, y "A Cry For The Slain" no llega de repente con una interpretación revolucionaria de Black. Lo que sí ofrece, sin embargo, es algo que se ha vuelto menos común en los últimos años: una fusión genuinamente convincente de Black Melódico e influencias Folk que entiende que la atmósfera y la composición memorable deben complementarse, no competir.

Tras un largo silencio después de "The Forty Five" (2017), la banda escocesa regresa con un álbum  arraigado en la historia, la mitología y el folclore de su tierra natal. A lo largo de ocho temas, "A Cry For The Slain" equilibra la agresividad del Black con melodías envolventes, arreglos épicos y guitarras con influencias Folk. El resultado es un disco que a menudo se siente cinematográfico sin caer en la exageración.

El punto fuerte del álbum son, sin duda, sus riffs. Cnoc An Tursa tiene talento para componer líneas de guitarra melódicas que, en ocasiones, suenan como si hubieran sido interpretadas con instrumentos tradicionales escoceses. The Caoineag -la mejor del disco- destaca de inmediato, combinando furiosos ritmos de batería y voces desgarradoras con melodías imponentes y una impresionante sensación de dramatismo. Cailleach And The Guardians Of The Seven Stones y Alba In My Heart siguen una dirección épica similar, impulsadas por riffs que no sacrifican la base oscura de la identidad de la banda.

Por supuesto, la originalidad no es la característica definitoria de "A Cry For The Slain". Quienes estén familiarizados con bandas como Saor, Winterfylleth o la escena más amplia del Folk/Black Atmosférico reconocerán de inmediato gran parte del vocabulario musical. Hay momentos en que la composición sigue patrones conocidos y no todas las secciones alcanzan el mismo nivel de inspiración que los mejores pasajes del álbum. Algunas canciones pueden parecer colecciones de buenas ideas rodeadas de transiciones menos memorables.

Aun así, esto no impide que el álbum sea una escucha muy agradable. En una época en la que el Black con fuertes influencias Folk no se siente tan omnipresente como antes, el regreso de Cnoc An Tursa es un grato recordatorio de lo efectivo que puede ser este estilo cuando las melodías son potentes y las ambiciones épicas están respaldadas por riffs realmente interesantes. "A Cry For The Slain" tal vez no sea revolucionario, pero no lo necesita. Es un disco sólido, melódico y a menudo genuinamente épico, con suficiente identidad, atmósfera y composición memorable para destacar por sí solo.

7.5/10

Mourning Star - "Miserere" (Epic Doom / Gothic / Symphonic)

Hay discos malos, y luego están los discos que te hacen replantearte el propósito de la crítica musical. "Miserere", el álbum debut de Mourning Star, pertenece sin duda a la segunda categoría. Publicado como un proyecto independiente de un supuesto estilo Epic Doom, el álbum aparentemente busca oscuridad, grandiosidad, dramatismo orquestal y ambición conceptual. Es una forma notablemente elaborada de explicar lo que llega a una simple conclusión: a veces, las cosas simplemente no funcionan.

El primer y más evidente problema es la ejecución instrumental, que es pésima. Hay muy poca sensación de control, dinámica o diálogo musical entre los diferentes elementos. Las guitarras, la batería, la orquestación y las voces a menudo parecen ocupar el mismo espacio sonoro sin formar un todo realmente coherente. La técnica no es buena y "Miserere" ofrece una demostración casi didáctica de como no-se-hace. Las interpretaciones a menudo dan la impresión de ser un personal al servicio de las composiciones, más que músicos que intentan demostrar que saben tocar sus instrumentos.

La sección rítmica es particularmente desconcertante. Se supone que esto es Doom, o al menos algo que se inspira en la estética del género, pero el enfoque rítmico parece basarse en otra cosa, hace que la batería parezca, si no es que es, un beat box. El Doom tradicionalmente depende de la contundencia, la paciencia, la tensión y la manipulación deliberada del espacio. Aquí, la música suena con frecuencia como si alguien se hubiera confundido en la programación. El resultado no es ni aplastante ni majestuoso; simplemente es malo.

Y luego está la ambición. "Miserere" pretende ser una declaración épica, presumiblemente conceptual, con arreglos Sinfónicos, atmósferas oscuras y una grandilocuente narrativa. Todos los ingredientes están presentes. Desafortunadamente, la ambición desmedida se convierte en parodia. En lugar de crear un universo imponente, el álbum recuerda repetidamente al oyente que se esfuerza demasiado por sonar importante. La solemnidad se exagera, el drama se vuelve teatral y el concepto termina sintiéndose menos como una visión artística que como una caricatura de la misma.

Esto es particularmente lamentable porque la idea básica no es intrínsecamente mala. El proyecto se describe a sí mismo como una combinación de riffs potentes, arreglos orquestales, voces inquietantes y atmósferas melancólicas, inspirándose en las tradiciones del Metal Gótico y Sinfónico. Sin duda, hay suficiente material para sugerir que el creador tenía una visión muy específica de lo que "Miserere" debía ser. El problema es que la ejecución jamás se acerca a la magnitud de la intención.

Es común encontrar discos malos de vez en cuando. La mayoría simplemente no los reseño. La vida es demasiado corta y hay demasiados álbumes excelentes esperando ser escuchados. Pero ocasionalmente aparece un disco tan fundamentalmente fallido que ignorarlo se siente casi irresponsable. En esos casos, escribir sobre el álbum se convierte menos en crítica y más en un servicio público. "Miserere" es uno de esos casos. Es demasiado ambicioso sin ser nada épico, mecánico sin ser enérgico, pesado sin ser aplastante y pseudo sinfónico sin alcanzar una verdadera grandeza. Puede que haya pasión detrás, e incluso que se esconda una idea musical valiosa bajo las capas de orquestación y la agresividad mal canalizada. Desafortunadamente, la pasión no puede compensar una mala ejecución.

3/10. Para rematar, otra portada con IA

Ripper - "Towards Rebirth" (Death / Thrash)

Diez años es mucho tiempo en el Metal. De hecho, es tiempo suficiente para que toda una generación musical surja, se ponga de moda y desaparezca. Así que cuando los veteranos chilenos del Death/Thrash, Ripper, finalmente regresan con "Towards Rebirth", las expectativas son inevitablemente más altas de lo habitual. La buena noticia es que la banda no ha olvidado cómo hacer daño musical. La noticia menos alentadora es que no han descubierto mucho nuevo con qué hacerlo.

"Towards Rebirth" es agresivo desde los primeros segundos, pesado, técnicamente impecable e impregnado de la atmósfera apocalíptica inminente que sugiere su título. Ripper se mueve en algún punto entre la brutalidad del Death y el ímpetu del Thrash, con el espíritu del Metal extremo de finales de los 80s y principios de los 90s siempre presente. Sepultura, Kreator, Sadus y otros monstruos de la época siguen siendo referencias obvias y Ripper usa la fórmula con la suficiente convicción como para que se sienta viva en lugar de meramente arqueológica.

Las guitarras son la principal atracción. Los riffs afilados se suceden rápidamente, cambiando de dirección con frecuencia sin perder ritmo, mientras que los solos añaden el detalle técnico suficiente para evitar que el material se convierta en un simple ejercicio de Thrash retro. La sección rítmica es igualmente importante, en particular el bajo prominente, que aporta peso y dinamismo a varios pasajes. La batería, por su parte, mantiene a toda la máquina permanentemente al borde del descontrol.

Además, hay una agradable sensación de oscuridad a lo largo del disco. Temas como World of Darkness, Into the Coldness of Land of Dead y The End of Universe suenan apropiadamente sombríos, mientras que The Source Exterminator ofrece el tipo de aceleración violenta que hace que el álbum sea particularmente efectivo cuando se escucha a un volumen suficiente. The Secret Dawn, un tema instrumental, proporciona un interesante cambio de ritmo y demuestra que Ripper puede crear atmósfera sin simplemente bajar la distorsión.

Y sin embargo, aquí viene el problema. "Towards Rebirth" es disfrutable. Muy disfrutable, de hecho. Está bien interpretado, bien producido, es enérgico y repleto de riffs. Sabe exactamente lo que quiere ser y cumple su cometido con considerable competencia. Pero después de diez años entre álbumes de larga duración, la descripción se queda corta. El álbum no sorprende. No lleva a Ripper a un terreno nuevo, ni introduce ideas extrañas o aventureras o genuinamente distintas. Siento que el potencial de la banda esta solo parcialmente explorado.

Aun así, esto no es un fracaso. Ripper regresa con un sonido feroz y es un verdadero placer escuchar a una banda tan comprometida con la vieja escuela. "Towards Rebirth" es un regreso sólido y un disco disfrutable, aunque no el renacimiento que tal vez prometían sus diez años de espera.

7/10.

Protest The Hero - "Within" (Melodic Metalcore)

Lo admito de entrada: el Metalcore no es un género que siga de cerca. Suelo escuchar música más densa del Metal, así que no esperaba conectar con "Within" de Protest The Hero. Resultó ser una sorpresa realmente refrescante: el tipo de disco que te hace replantearte un género que habías descartado.

Lo primero que llama la atención es su actitud. Es un disco con una energía directa y sin complejos que te atrapa desde las primeras canciones y no te suelta. No tiene nada de educado ni contenido: cada riff, cada cambio de tempo, parece desafiarte a seguirles el ritmo. Protest the Hero claramente no se conforma con lo fácil; tocan como si tuvieran algo que demostrar, y esa ambición se percibe en cada tema.

La interpretación vocal es donde el disco realmente cobra fuerza. En "Within", la intensidad vocal es lo que le confiere al álbum su peso emocional: una interpretación que suena físicamente exigente, oscilando entre líneas melódicas elevadas y una agresividad cruda y tensa. Es el trabajo vocal, más que nada, lo que eleva este álbum de un simple Metalcore Melodico interesante a algo con verdadera fuerza y ​​sentimiento.

Musicalmente, "Within" es un álbum complejo, en el mejor sentido, incluso con fuerte carga Progresiva. Es enérgico sin perder el rumbo, complejo sin diluir el hilo conductor emocional, apasionado sin caer en el melodrama y agresivo sin volverse unidimensional. Lo que evita que todo esto se convierta en ruido es la sensibilidad melódica entretejida en el caos: justo cuando una sección amenaza con convertirse en una mera exhibición técnica, un hook o una línea vocal melódica la rescata y la convierte en algo a lo que aferrarse. Esa tensión entre agresividad y melodía es el sello distintivo del disco, y se maneja con un control que demuestra que la banda sabe lo que hace.

Para mí, la joya del disco es Liberty Spike. Es el tema donde todo lo que el disco pretende lograr se materializa: la energía arrolladora, la intensidad vocal, la complejidad técnica y el instinto melódico convergen en algo que se siente a la vez imponente y controlado. Si solo tienes tiempo para una canción de este álbum, esa es la que debes escuchar desde el principio; es la esencia más pura de lo que hace que "Within" funcione. Nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

Tampoco es un disco impecable, hay momentos en los que la densidad de ideas puede resultar abrumadora para procesar de una sola vez, y quienes se acerquen al género quizás necesiten escucharlo un par de veces antes de comprender la estructura de estas canciones. Pero esta es una queja menor contra un álbum que rebosa ambición y está ejecutado con verdadera convicción.

Para quienes no pertenecemos al mundo del Metalcore Melódico, "Within" es un excelente punto de partida y una experiencia auditiva realmente emocionante: enérgico, complejo, apasionado, agresivo y melódico a la vez. 

8/10.

Psycroptic - "The Pulse Of Annihilation" (Technical Death)

Tras nueve álbumes y veinticinco años, la banda australiana Psycroptic no ha perdido su energía. "The Pulse Of Annihilation" es un disco de Death Técnico que explota al máximo las fortalezas de la banda: agresividad implacable, precisión mecánica y maestría compositiva que muchos de sus contemporáneos del género pierden de vista.

Desde los primeros compases de Ashes of a New Dawn, queda claro que este es un disco concebido para generar emoción. Los blast beats detonan con frecuencia, los riffs se entrelazan con precisión matemática, y la interacción vocal entre Jason Peppiatt y Jason Keyser le confiere brutalidad casi conversacional. Un trasfondo apocalíptico recorre todo el álbum, no de forma exagerada ni teatral, sino en el sentido de una devastación controlada, de algo que se derrumba bajo su propio peso. La portada, con su cruda desolación y pavor, refleja a la perfección ese tono.

Lo que más destaca es la contención, algo que puede sonar extraño en un disco de Techdeath, pero es la clave de su éxito. La batería de Dave Haley es vertiginosamente precisa sin caer en la mera exhibición, y el trabajo de guitarra -con sus pasajes atípicos y cambios de tempo repentinos- nunca se excede. La capacidad técnica se expresa, no se ostenta. Sirve al ritmo y al riff en lugar de ahogarlos, lo que hace que temas como Gathering A Venomous Herd y Annihilation Pulse, suenen propicios para un buen headbanging, en lugar de un mero ejercicio académico. Our Pillars Fall, la mejor canción del álbum, de casi siete minutos de duración, es probablemente el mejor ejemplo de ese equilibrio: pasajes atmosféricos con toques acústicos dan paso a una explosión de furia sin que las transiciones se sientan forzadas.

Donde el disco flaquea un poco es en la capacidad de ser memorable. Es una escucha genuinamente buena e interesante -pesada, enérgica, técnica, densa en ideas- pero no llega a producir un himno imprescindible y memorable como sí lo hicieron algunos de los primeros trabajos de la banda... sigo esperando un tema como The Colour Of Sleep. No hay nada malo en el trabajo, pero algunas canciones de la segunda mitad empiezan a sonar parecidas; los riffs son excelentes individualmente, pero no siempre dejan una huella distintiva. Es un disco para disfrutar de principio a fin, no uno en el que uno ande buscando una canción específica después.

"The Pulse of Annihilation" es denso, potente y consistentemente cautivador, el tipo de álbum que recompensa una escucha completa de principio a fin en lugar de una selección aleatoria de los mejores temas. No será recordado como el disco más emblemático de Psycroptic, pero como una experiencia auditiva pura -agresiva, técnica y envuelta en esa atmósfera apocalíptica- ofrece casi todo lo que los fans del género deseamos.

7.5/10. Portadaza

GALNERYUS - "A CRY FROM THE SKY ABOVE" (Neo Classical / JPower / Progressive)

Tras dieciséis años y más de una docena de álbumes, GALNERYUS se ha ganado el derecho a celebrar su victoria, pero lo verdaderamente gratificante de "A CRY FROM THE SKY ABOVE" es que no se trata de una celebración. Esta banda dedicó sus inicios a perseguir la velocidad por la velocidad misma: las acrobacias de Syu en el mástil y las secciones frenéticas de Sho-hey y Junichi solían ser el objetivo principal. Aquí, por primera vez en mucho tiempo, la velocidad es una herramienta, no una declaración de intenciones, y el disco se beneficia enormemente de ello. El ADN Neoclásico sigue muy presente -los solos de Syu aún se abren paso entre la mezcla como un bisturí-, pero la composición ha madurado hacia algo más paciente, más arquitectónico, dispuesto a dejar que una melodía respire antes de explotar.

El tema de apertura, CALL OF THE HORIZON, funciona exactamente como debe: una breve introducción cinematográfica que prepara el terreno, en lugar de una declaración de intenciones explosiva para captar la atención del oyente. THE LIGHT OF HOPE y BEYOND THE SUNRISE demuestran la verdadera fuerza del álbum: coros grandiosos entrelazados con densas secciones Progresivas gracias al tecladista Yuhki, cuya huella se percibe en los giros estructurales más interesantes del disco. TO THE LAST BREATH es lo más parecido a una inyección de adrenalina pura, con una grandilocuencia orquestal al estilo de Rhapsody que ofrece uno de los estribillos más triunfales del álbum, y es un punto culminante precisamente porque la banda se gana la recompensa en lugar de simplemente correr hacia ella.

Pero, como es lógico, el disco gira en torno a WITHOUT YOU, la épica canción que junto con WHERE YOU WERE, una especie de epílogo de la anterior, lo cierra con casi veinte minutos totales de duración. Este tema es un giro verdaderamente audaz, cantado tanto en japonés como en inglés, que cambia de forma a lo largo de su duración en lugar de simplemente repetir una fórmula extensamente. No es una demostración de velocidad; es una composición que se desarrolla lentamente, casi novelesca, y el hecho de que funcione en dos idiomas sin parecer un truco ni un ejercicio de traducción es prueba de su meticulosidad. Es ambiciosa de una forma que GALNERYUS no había intentado antes, y justifica en gran medida su propia extensión. Nominadísima como contendiente a Canción del Año de ELOMC

En conjunto, "A CRY FROM THE SKY ABOVE" es Progresivo sin perder su gancho, melódico sin caer en la suavidad, nuevamente técnico sin ser ostentoso y épico en el sentido más puro: enérgico, inspirador, apasionado y en definitiva, triunfante. Es un placer escuchar a una banda tan técnicamente dotada optar por la madurez en lugar de la reacción instintiva, y demostrar que la contención puede ser tan emocionante como cien notas por segundo.

9/10 Nominado como Disco del Año. Excelente portada. (Se habían fijado que GALNERYUS y sus temas se escriben todo en mayúsculas, tardé quince años en darme cuenta)

Loathe - "A Stranger To You" (Alternative / Metalcore / Industrial / Shoegaze)

Seis años después de que "I Let It In and It Took Everything" (2020) convirtiera a Loathe en una banda conocida, "A Stranger to You" llega como un disco que mantiene la convicción de ser descaradamente ecléctico y que durante sus catorce temas se niega a quedarse quieto. Los riffs del Metalcore chocan con las oleadas del Post-Rock, los ganchos del Alternativo se funden con interludios Ambient, y la agresividad del Industrial se sitúa a pocos minutos de algo más cercano al Shoegaze. En su mejor momento, esa inquietud es precisamente la clave: es una banda que se resiste activamente a la idea de que un álbum deba sonar como algo homogéneo.

El disco es agridulce y melancólico casi por diseño. Temas como Harder To Pretend y Fangs se inclinan hacia el Rock Alternativo donde las voces elevadas se asientan sobre la contundencia de la sección rítmica, y la melancolía realmente justifica su presencia. Los pasajes más tranquilos y atmosféricos resultan efectivos: Loathe sabe manejar el espacio y aquí los interludios introspectivos y a media luz actúan como un auténtico respiro entre las explosiones más pesadas del álbum, en lugar de ser relleno añadido para alargar la duración.

El problema es que, cuando el disco busca la máxima contundencia, no siempre lo consigue con la misma precisión. Temas como Block Of Flats o Gemini se adentran en un terreno ruidoso y distorsionado donde la mezcla se comprime y se vuelve pesada, y los riffs dejan de generar tensión para simplemente... machacar. Es aquí donde la ambición del álbum roza el pasticho: da la sensación de que Loathe intenta emular el lenguaje del Djent, el Metalcore y el Noise Industrial sin encontrar siempre la alquimia. Los cambios de registro son el síntoma más evidente: son demasiados, y en la segunda mitad del álbum empiezan a parecer algo forzado.

Dicho esto, cuando las piezas encajan, como en Revenant o en The Way It Breaks, el trabajo se siente interesante al permitir que una canción sea delicada por sí misma o brutal por sí misma, sin estar constantemente a medio camino. El vaivén entre esos dos extremos es, a la vez, la mayor fortaleza y la mayor debilidad del álbum: emocionante cuando las transiciones se sienten justificadas, agotador cuando se sienten obligatorias.

"A Stranger To You" no es un trabajo cuyos géneros sean mi especialidad, lo reconozco y seguramente habrá gente a la que les atraiga más o le encuentren más sentido, pero no puedo negarle que es genuinamente ambicioso: una declaración ecléctica, atmosférica, a veces ruidosa, a veces magnífica y a veces floja. Cuando funciona, es realmente especial, cuando no, nos recuerda que esta agresiva fusión de géneros conlleva el riesgo real de convertirse en una retaila de influencias en lugar de un sonido singular.

7/10

Warning - "Rituals Of Shame" (Doom / Funeral Doom)

Dos décadas es mucho tiempo para dejar una obra maestra sin respuesta. Desde "Watching from A Distance" (2006) -un disco tan devastador que se cita habitualmente como uno de los puntos álgidos del Doom- Patrick Walker se ha mantenido bastante discreto en el frente de Warning, canalizando su talento compositivo en 40 Watt Sun. Así que cuando se anunció que Warning finalmente regresaría con material nuevo, la presión no era tanto si sería bueno, sino más bien si podrían superarse a sí mismos. "Rituals Of Shame" no intenta escapar de la sombra de su predecesor. Simplemente irrumpe, sin prisas, y demuestra que el don de Walker para transformar el dolor en arquitectura sigue intacto.

A lo largo de cinco temas y cuarenta y cinco minutos, este es un Doom (cuasi Funeral) ejecutado con verdadera disciplina. Los tempos son gélidos, los riffs tienen espacio para respirar hasta que prácticamente gimen bajo su propio peso emocional y nada se apresura hacia un coro fácil. El tema que abre el disco y le da título, Rituals of Shame, se extiende más allá de los doce minutos sin resultar 'demasiado' repetitivo, desplegando una melodía sombría y envolvente que marca la pauta para todo lo que sigue. Stations y la espaciosa Landing Lights exploran esa misma desolación épica.

Pero el verdadero instrumento aquí -el que realmente sostiene el disco- es la voz de Walker. No es una demostración técnica; es algo más parecido a un elixir hipnótico, un goteo lento que se te mete bajo la piel y se queda ahí. No canta a gritos ni dramatiza el dolor, simplemente lo deja fluir, quebrado y sin reservas, sobre guitarras que giran en lugar de aplastar. Esa voz marca la diferencia entre el Doom como espectáculo y el Doom como confesión.

También hay que reconocer el mérito de la sección rítmica: el bajista Marcus Hatfield y el baterista Andy Prestidge mantienen un sonido sencillo y enérgico en lugar de ostentoso, lo que permite que las líneas melódicas de guitarra y la voz de Walker tengan el espacio necesario para resonar. Adicionalmente la ausencia de teclados es interesante porque obliga crear sonidos atmosféricos sin esa muletilla.

Si hay algún punto débil en el álbum, es que su paciencia a veces roza la monotonía: un par de pasajes a medio tempo se extienden más de lo que la recompensa emocional exige, y quienes esperen variedad podrían encontrar la paleta sonora limitada. No es un disco para escuchar repetidamente; exige toda tu atención y ofrece muy poco respiro a cambio.

Aun así, si bien volver a escucharlos después de veinte años es una cosa, regresar con tanta moderación, con tan pocas concesiones y manteniendo intacta gran parte de su identidad original es otra historia. Warning no solo regresó, sino que lo hizo con clase.

8/10

Speedslut - "Cimbrian Rites" (Speed / Thrash)

La banda danesa Speedslut lleva tiempo anunciando un álbum completo, y con "Cimbrian Rites" finalmente cumplen la promesa. Se trata de Speed de la vieja escuela en estado puro: un disco que exhibe abiertamente sus influencias de finales de los 70s y principios de los 80s, inscribiéndose en esa tradición del Speed/Thrash. Se puede apreciar el ADN de Judas Priest en los ritmos galopantes y en la forma en que los riffs están construidos para ser tocados con la mayor velocidad y agresividad posible.

A lo largo de nueve temas y aproximadamente treinta y cinco minutos, el álbum no da tregua. El tema inicial, Pestridden Stallions, marca la pauta de inmediato: crudo, urgente y un tanto desquiciado. Lo que destaca primero es la interpretación vocal: áspera, casi desquiciada, y ejecutada a un ritmo que se ajusta a la instrumentación en lugar de eclipsarla. Esto le da al disco energía y potencia.

El trabajo de guitarra es el verdadero punto fuerte del disco. Los riffs son frenéticos y físicamente exigentes para seguirlos, pero hay más que pura velocidad: hay suficientes ganchos melódicos ocultos en el caos para evitar que las canciones se fundan en una sola pared de ruido. No es un disco melódico en absoluto, pero los hilos melódicos que emergen son los que hacen que cada canción sea memorable en lugar de intercambiable.

La parte central es donde el álbum cobra mayor protagonismo. Stench of Evil es un cambio de ritmo inteligente: ralentiza el tempo y se inclina hacia riffs más sucios y con mucho groove, y ese contraste hace que las canciones que lo rodean impacten con más fuerza. Prepara el terreno a la perfección para Armageddon, que sin duda es el punto álgido del disco: brutal, caótico y lleno de actitud, fusionando el Thrash de los pioneros con el Speed, que -juntos- recordemos que toman mucho del Black de primera  ola.

Donde el disco flaquea un poco es en la consistencia. Algunos de los temas más cortos y rápidos empiezan a sonar como variaciones de la misma fórmula de riff y blastbeat, y la producción, aunque apropiadamente cruda, a veces aplana los graves de una manera que resta impacto a la batería y el bajo. Ninguna canción es mala, pero no todos los temas tienen la identidad de las nombradas.

"Cimbrian Rites" no redefine el género y no necesita hacerlo, se trata de una auténtica e intensa pieza de Speed de la vieja escuela que sabe exactamente lo que quiere ser y lo ejecuta con convicción. Exige atención incluso cuando no es perfecto y para un álbum debut, eso es una base sólida. Speedslut ha creado un disco que los fans del género querrán escuchar una y otra vez, aunque todavía parezca que le falta alguna experiencia para que alcance su máximo potencial.

7.5/10

Moonspell - "Far From God" (Gothic)

Seré sincero: no tenía grandes expectativas con "Far From God". Tras trece álbumes previos, las bandas suelen vivir de la nostalgia o seguir tendencias. Por eso, fue una grata sorpresa descubrir que el último trabajo de Moonspell es una pieza de Gótico apasionada e intensa que realmente merece las comparaciones.

Para mí, los dos primeros temas son lo mejor del álbum. Cross Your Heart abre el disco con una nota melancólica y de ritmo medio; reflexiona sobre santuarios al borde de la carretera y vidas truncadas prematuramente, con la sección rítmica reflejando el movimiento incesante del camino, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC. La voz de Fernando Ribeiro es la protagonista, oscilando entre un barítono cansado y explosiones contenidas de intensidad sin caer nunca en el melodrama. Luego, la canción que da título al disco, Far From God, retoma el romanticismo vampírico sobre el que la banda forjó su reputación y le da un aire genuinamente fresco. Ribeiro ha hablado de su deseo de rescatar la imagen del vampiro de los clichés baratos y reconectar con la figura trágica y romántica que reside en su esencia. Juntas, estas dos canciones establecen un estándar que el resto del disco no siempre alcanza, pero por sí solas justifican escucharlo.

Sin embargo, lo que más me impactó fue lo notablemente diferente que suena este álbum en comparación con los trabajos recientes de Moonspell. Discos como "Extinct" (2015) y algunas partes de "Hermitage" (2021) se inclinaban hacia una agresividad más fría y cercana al Black: riffs con trémolo, atmósferas gélidas y una voz más agresiva. "Far From God" se aleja casi por completo de eso. Las guitarras cambian los blast beats por la atmósfera, los teclados tienen mayor peso emocional que los riffs, y la voz áspera de Ribeiro aparece en momentos oportunos, en lugar de dominar. Sería fácil calificarlo como un disco más suave, pero eso no le hace justicia: se trata de un cambio deliberado y maduro que funciona. La banda parece menos interesada en la intensidad a través de la velocidad y más en la intensidad a través de la atmósfera, y ese equilibrio se nota en la mayoría de las canciones.

Temas destacados posteriores como The Great Wolf In The Sky y la pesadez con tintes Doom de Our Freedom to Fall, mantienen el ritmo, incluso si un par de temas intermedios parecen depender de la atmósfera en lugar de ganarla por sí mismos. No es un disco impecable -algunas canciones se confunden al escucharlas repetidamente-, pero en conjunto, es una declaración segura y emocionalmente directa de una banda que claramente aún tiene algo que decir. Esperaba un lanzamiento rutinario de su etapa final, pero me encontré con una de las escuchas de metal gótico más gratificantes del año.

8/10

Blindead 23 - "Deuterium" (Progressive Sludge)

Surgido de las cenizas de la veterana banda polaca de Post Blindead, este proyecto renovado llega con un debut que se siente a la vez como una continuación y un renacimiento. Liderados por el guitarrista Mateusz 'Havoc' Śmierzchalski, junto a una formación repleta de experiencia en el género, Blindead 23 (tampoco es que se rompieron el coco buscando nombre) utiliza "Deuterium" para presentar una ambiciosa y extensa declaración de intenciones: pesado, atmosférico, melancólico,  un tanto melódico y bastante sombrío, a menudo todo dentro de un mismo tema.

La base del disco es inconfundiblemente Sludge: graves densos y distorsionados, ritmos fúnebres y una aplastante sensación de peso sustentan casi todas las canciones. Pero lo que hace que "Deuterium" sea realmente sorprendente es hasta dónde llega la banda más allá de esa base. Las estructuras Progresivas transforman el material en formas inesperadas: cambios de tempo, desvíos jazzísticos y riffs intrincados recuerdan la composición inquieta de bandas como Opeth o Between The Buried And Me. Los pasajes atmosféricos, construidos con piano, sintetizadores y paisajes sonoros ambientales, permiten que el álbum respire entre sus explosiones más intensas. El resultado es una sensibilidad que impide que el oyente se acomode en un solo modo durante demasiado tiempo.

La suite inicial de dieciocho minutos, Immersion 1 y 2, marca la pauta de inmediato: versos estridentes y vertiginosos chocan con estribillos limpios y melódicos, y las transiciones entre ambos llegan sin previo aviso. El tema Wither ofrece un giro más tranquilo y vulnerable, Worst Laid Plans regresa a una contundencia monolítica, con su extensa sección central que se sumerge en una atmósfera difusa antes de que la batería vuelva con toda su fuerza. El tema que da título al disco es, sin duda, el punto culminante más directo del álbum, combinando un riff vibrante y maximalista. Towards the Dark es la incursión más peculiar del álbum: con un sonido Country, sincopado e inconfundiblemente psicodélico, una auténtica sorpresa que no siempre funciona. El tema final, You Are the Universe, cierra el disco con una nota de optimismo, una resolución brillante para un álbum que, por lo demás, está impregnado de melancolía.

Dicho esto, la ambición de "Deuterium" es también su mayor obstáculo. Con casi una hora de duración, los pasajes más lentos y ambientales a veces se alargan demasiado, restando impulso a partes que impactarían más si se acortaran. Algunos de los desvíos más experimentales parecen añadidos a la fuerza en lugar de estar completamente integrados en el arco emocional del álbum, y la segunda mitad no logra mantener la intensidad del inicio.

Aun así, "Deuterium" es una escucha realmente interesante, un disco que se atreve a explorar ideas en lugar de conformarse con lo seguro. No todas las canciones son perfectas, pero sus mejores momentos son sólidos y su gama emocional lo suficientemente amplia como para que el álbum merezca ser escuchado varias veces. Un regreso seguro de Blindead (23), a veces desordenado, pero en definitiva gratificante.

7.5/10. Portada llamativa

A Forest Of Stars - "Stack Overflow in Corpse Pile Interface" (Melodic Black / Avant-Garde)

Ocho años después de "Grave Mounds and Grave Mistakes" (2018), el septeto de Leeds, Reino Unido, conocido por vestir con atuendos funerarios victorianos, regresa con su sexto álbum de larga duración, el cual es un auténtico monstruo: seis temas, cada uno de más de nueve minutos, que suman setenta y tres minutos de duración total. Según dice una leyenda que corre en la red, la banda desechó un álbum completo ya terminado antes de comenzar con este desde cero, y ese perfeccionismo se percibe en cada rincón.

Musicalmente, "Stack Overflow In Corpse Pile Interface" es A Forest Of Stars en su máxima expresión. El violín sigue siendo el arma secreta del disco, tejiendo melodías melancólicas, casi de música de cámara, entre muros de guitarra trémolo disonante; existe una tensión constante entre la belleza y la decadencia en la que la banda siempre se ha especializado, y aquí se siente completamente dominada, no solo intentada. Las cuerdas eléctricas le dan a los riffs una extraña y peculiar esencia inglesa, mientras que los sintetizadores y samples mantienen la música inclinada hacia lo teatral en lugar de lo meramente pesado. El tema inicial, Ascension of the Clowns, establece un tono lúgubre y ceremonial, y para cuando llegas al final con Sway, Draped In Vague y Not Drinking Water -la mejor del disco y nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC-, el álbum ha construido una sensación casi cinematográfica de pavor y liberación.

Ahora bien, el tema difícil: la voz. Es un gusto adquirido, y lo digo como advertencia, no como crítica. La interpretación desquiciada de Mister Curse es el tipo de actuación que o te resulta fascinante o completamente insoportable; no hay término medio. La interpretación oscila entre la palabra hablada recitativa, los gritos frenéticos y las burlas teatrales, a veces dentro del mismo verso. Puede parecer que desentona con la música magnífica y meticulosamente arreglada que la acompaña, como si dos bandas diferentes compartieran la misma habitación, pero esa fricción es precisamente la clave: A Forest Of Stars nunca se ha interesado por voces que simplemente se superpongan a la instrumentación.

Y aquí está la cuestión: incluso si la voz no es de tu agrado, la maestría musical de la banda hace que el disco valga la pena. Esto es arte, sin más: cada transición entre secciones se siente meditada, cada estructura extensa justifica su duración en lugar de alargarla innecesariamente. Es un disco construido con verdadera delicadeza y buen gusto, el tipo de álbum que recompensa sumergirse en él en lugar de escucharlo superficialmente. Ciertamente su duración lo convierte es una escucha verdaderamente exigente, pero a diferencia de muchos discos de Metal excesivamente largos, rara vez se hace pesado.

Este no es un álbum para escuchar a ratos; necesitas dedicarle una noche, atenuar las luces y dejarte envolver por completo. Algunos lo encontrarán un tanto repetitivo en comparación con obras cumbre anteriores como "A Shadowplay for Yesterdays" (2012); otros lo considerarán un firme candidato a ROTY. Ambos bandos coincidirán en una cosa: es inconfundible y contundentemente, A Forest of Stars. Si logras conectar con la voz, te espera un disco genuinamente rico, singular y hermoso y para mi, lo mejor que ha creado la banda en toda su carrera.

8.5/10

Tarja - "Frisson Noir" (Symphonic)

Tarja Turunen regresa con "Frisson Noir", un álbum que llega con una fuerza sorprendentemente potente. La propia cantante lo describe como el disco más pesado de su carrera en solitario y la descripción es cierta: la canción que da título al álbum -y que es la mejor del álbum- tiene una fuerza que rara vez alcanzaba en sus trabajos anteriores, acompañada de un trabajo de guitarra más crudo de lo que suele permitir la cuidada producción orquestal. 

Temas como Blaze Forever se centran casi por completo en la agresividad sostenida, con los elementos orquestales relegados a un segundo plano, permitiendo que las guitarras lleven el peso del álbum en lugar de esconderse tras un brillo sinfónico. Para una artista cuyo catálogo a menudo se ha inclinado hacia lo cinematográfico y lo contenido, este giro hacia algo más crudo y directo es la cualidad más inesperada del disco. Lo que no ha cambiado -y podría decirse que nunca lo hará- es su voz. 

Dos décadas después de su salida de Nightwish, la voz de Tarja permanece sorprendentemente intacta. Su interpretación es segura en todo momento, manteniéndose firme incluso en los arreglos más pesados ​​del álbum con gran dominio de los registros, ciertamente sigue sonando como una cantante en la cima de su carrera, en lugar de una que vive de su reputación. 

Es verdad que Tarja siempre será recordada como la voz original de Nightwish, pero "Frisson Noir" es una prueba más de que ha construido una respetable identidad en solitario, mucho más allá de esa etapa. Algunos críticos -entre los que me incluyo- han argumentado que este álbum supera incluso los trabajos más recientes de su ex-banda, lo que dice tanto de su continua relevancia como de viejas rivalidades. 

Donde el disco resulta menos convincente es en su permanencia. Es una escucha interesante -hay momentos individuales potentes- y es evidente que se ha dedicado mucho esfuerzo a la producción y los arreglos, pero las canciones en sí no son del todo brillantes, y a menudo hay demasiados elementos en juego como para que una sola idea se consolide por completo, que las tiene buenas, pero rara vez se convierten en el tipo de canción que tarareas días después.

Las colaboraciones son un punto fuerte. Dani Filth, Apocalyptica, Marko Hietala y Chad Smith, baterista de Red Hot Chili Peppers, participan en el álbum y las colaboraciones se justifican por sí solas, sin parecer meros argumentos de marketing. El reencuentro con Hietala, excompañero de Nightwish y también ex de esa banda, en Leap Of Faith tiene una gran carga emocional. Al final, "Frisson Noir" es un hito en la carrera de Tarja, contundente y melódico, bien elaborado y en ocasiones, emocionante, pero no del todo definitivo.

7.5/10. Excelente portada.