El Lado Oscuro Metal Critica

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sábado, 30 de noviembre de 2024

Theurgy - "Emanations Of Unconscious Luminescence" (Brutal Death)

El Metal extremo, el que realmente rompe paradigmas, no busca sino impactar... en un marco de sonido. Cuando se navegan estas aguas durante años se llega a entender que hay bandas, discos, gente, que no quiere trascender por enigmáticos, ni  oscuros, ni siquiera por -eso- extremos, sino que quieren que se sepa que les sabe a mierda lo que piensen de ellos, el punto es hacer esa cochinada estruendosa y atropellante, dejar claro que su momento son los treinta minutos que dura el disco, siga y sume si puede. Un atrevimiento como el de Theurgy con "Emanations Of Unconscious Luminescence" es prueba palmaria.

Este disco jamás será en la puta vida Disco de Año de una web metalera 'decente', no está hecho para eso, pero si es la grabación de 'cada momento' en el que se tienen lo webos para ponerlo a sonar. Un trabajo absolutamente asqueroso, en el mejor sentido de la palabra, cuyo fin último en dejarte tirado en la cuneta de la autopista del Brutal para que te levanten luego de encontrarte con los gusanos saliéndote por todos tus orificios (me encanta el término 'orificios' en el contexto de esta música).

De una vez advierto, por si acaso para este momento no ha sido intuido: estamos hablando de lo que musicalmente hay más allá de 'más allá'. Definitivamente abstenerse neófitos, posers y chiquillada, esto está elaborado para generar verdadero impacto en vivo en una sala con cien personas, una experiencia casi más física que musical. De entrada, el querubín cantor de Brian Mohler tiene un squeal acochinado que puede generar infartos a los no iniciados, las cuerdas en pizzicato y rasgadas totalmente disonantes son un trago grueso y los cueros milimétricos y obstinados de Tyutin se llevan al oyente por delante.

Este debut me deja con las dudas usuales: ¿Serán capaces de repetir este nivel? ¿Seremos flor de un día? Todo está por ver. Pero en treinta minutos (con este grado de agresión no podía ser más) tenemos uno de los trabajos más destructores, animales, intensos y extremos del año. Ninguna 'melodía' podrá permitirte recordar lo que Theurgy ha mostrado con "Emanations Of Unconscious Luminescence", porque -de hecho- no existen, es todo Metal grueso, nunca fue esa su intención, sin embargo, para quienes aprecien este nivel de asquerosidad sonora, estarán fascinados.

Al disco le falta algo de diferenciación entre temas y que la de cerrar, Harmonization of Sentiments Through the Lush, Spiritual Insights of the Flourishing Inner Shrine pareciera que tiende a suavizar intencionalmente el discurrir del trabajo, por lo demás, la grabación es el atropello de un tren de mercancías. Puto discazo debut porque eso de que lo extremo esté por encima de todo -aunque no te entiendan- es de valientes... bien por Theurgy.

8/10


jueves, 28 de noviembre de 2024

Opeth - "The Last Will And Testament" (Progressive Death)

"Pale Communion" (2014) es para mi el pináculo de la actividad tardo-musical de Opeth, refrendado por lo realizado posteriormente con "Sorceress" (2016). Ahora con "The Last Will and Testament", el decimocuarto álbum de estudio de la banda, me encuentro con un tapiz sonoro que entrelaza sus sensibilidades de Rock / Metal Progresivo y raíces Death, un pequeño retorno a casa. Este disco es una clase magistral de narración, que canaliza la grandeza de la música pesada de los años 70s con la intensidad visceral de sus inicios.

Conceptualmente, el álbum está ambientado en un contexto posterior a la Primera Guerra Mundial, y desentraña el drama que rodea el testamento del patriarca, una narrativa realzada por la narración de Ian Anderson (de Jethro Tull) y las contribuciones de flauta. El resultado es una historia gótica melodramática llena de tensión y atmósfera. Musicalmente, Opeth logra un equilibrio entre sus eras. Temas como §3 muestran riffs de inspiración oriental, mientras que §5 ofrece growls y riffs que recuerdan la agresión de su era "Watershed" (2008).

El álbum se siente centrado y cohesivo con cada canción estructurada como un capítulo en la historia que se desarrolla. Los momentos destacados incluyen la voz cruda de Mikael Åkerfeldt, los solos de guitarra de Fredrik Åkesson y los toques barrocos de teclado de Joakim Svalberg y el debut de Waltteri Väyrynen en la batería que agrega ritmos intrincados, aunque carece del estilo distintivo de sus predecesores.

A pesar de la escala cinematográfica del concepto tanto por lírica como por excesiva duración, "The Last Will and Testament" mantiene la accesibilidad. Si bien la narrativa ofrece giros y peso emocional, que van desde revelaciones de ilegitimidad hasta corrupción moral, el álbum evita la indulgencia excesiva, manteniendo las pistas concisas según los estándares de Opeth. Esta moderación permite que el álbum fluya sin problemas, con pasajes interconectados que forman un todo. La balada de cierre, A Story Never Told, es un final exquisito y conmovedor, que resalta la voz limpia de Åkerfeldt junto con delicadas melodías de piano y guitarra, obvia nominación a Canción del Año.

En general, este disco es un triunfo de la evolución creativa de Opeth. Combina su estilo anterior más pesado con la experimentación Progresiva de su era más reciente, ofreciendo algo para los fanáticos de todo el espectro de su discografía y creo que sirve como culminación de su viaje de cuatro décadas: un trabajo reflexivo, ambicioso y elaborado por expertos. Tanto para los seguidores como para los nuevos oyentes, "The Last Will and Testament" exige y recompensa la atención, consolidando su lugar entre los lanzamientos de primer nivel de Opeth.

8/10


lunes, 25 de noviembre de 2024

Fellowship - "The Skies Above Eternity" (Power)

Si alguna vez te has preguntado cómo suena cuando un grupo de entusiastas de Dungeons & Dragons excesivamente optimistas se encuentran un sintetizador y pantalones de spandex, no busques más allá de "The Skies Above Eternity" de Fellowship. Esta obra de Power es menos un álbum y más una recreación teatral de cada lugar común del género que hayas escuchado, interpretado por personas que claramente no tienen miedo al ridículo.

El primer disco de la banda, "The Saberlight Chronicles" (2022) me impactó más favorablemente, estábamos saliendo de la pandemia y se necesitaba alegría. En esta oportunidad el disco tiene menos duración -gracias-, pero también menos de otras cosas. El disco es lo que cabe esperar, cada canción trata sobre elevarse hacia los cielos, triunfar sobre la oscuridad o alguna otra cosa similar que hace que "The Skies Above Eternity" suene como si hubiera sido escrito inspirado en tarjetas Hallmark y -lo menos bueno- caras B de Dragonforce. Para un álbum que aparentemente trata sobre heroísmo, está sorprendentemente desprovisto de originalidad o, quizás, estaba dentro de mis expectativas que hubiera algo de crecimiento.

Musicalmente, la banda es compacta, demasiado compacta. Es casi sospechoso lo pulido que suena este álbum, como si lo hubieran grabado bajo presión de un productor entusiasta con un fetiche por el metrónomo. Los solos de guitarra son abrasadores, sí, pero también parecen sacados directamente del libro 'Power Metal 101'. A la tercera pista has escuchado tantas escalas y arpegios que podrías comenzar a marearte. ¿Y los teclados? Es como si alguien le hubiera dado un Casio a un duende y le hubiera dicho: vuélvase loco XD

Esto no quiere decir que "The Skies Above Eternity" no tenga mérito. Es divertidísimo. Es el tipo de álbum que pondrías en una fiesta para confundir a tus amigos 'paint corpse' o para convocar a una horda de entusiastas del Señor De Los Anillos. Hay un cierto encanto en lo exagerado que es, como una película de serie B que se inclina hacia lo caricaturesco. Al final, Fellowship no hace tanto un viaje musical como una historia con moraleja sobre lo que sucede cuando nadie en el estudio dice: 'Quizás deberíamos bajarle un poco'. Si te gusta el Power y tienes una gran tolerancia a lo cursi, estás en tu terreno. Veredicto final: tres espadas esmeraldas de cinco.

6/10

 


viernes, 22 de noviembre de 2024

Thy Catafalque - "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" (Blackened Progressive / Folk)

Thy Catafalque, el proyecto que originalmente era Avant-Garde de Tamás Kátai, ha ocupado durante mucho tiempo un nicho único en el mundo de la música: un espacio donde el Black, el Folk, la Electrónica y el Progresivo colisionan en un caleidoscopio de sonido. En "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" (que se traduce algo así como XII: Los bellos sueños que vienen después), Kátai profundiza en su sonido característico, pero que como ya adelantaba en "Vadak" (2021), se ha venido alejando cada vez más del estilo extraño que centró entregas anteriores, como "Naiv" (2020), "Meta" (2016) y "Sgurr" (2015), entregando en esta oportunidad un álbum ricamente texturizado y ecléctico que se siente a la vez introspectivo y expansivo.

Primero, dejemos algo en claro: este álbum es innegablemente ambicioso. La capacidad de Kátai para tejer géneros dispares en un tapiz sonoro cohesivo sigue siendo inigualable. Las canciones de abrir, Piros kocsi, fekete éj y Mindenevő, sirven como un microcosmos perfecto del espíritu del álbum. Comienzan con capas de sintetizador  antes de explotar en un frenesí de riffs distorsionados y melodías Folk. Es una declaración audaz: espera lo inesperado.

A lo largo de "XII", hay un énfasis distintivo en los contrastes. en los temas se yuxtaponen voces operísticas elevadas con guturales, mientras que se mezclan pasajes acústicos suaves con ritmos electrónicos pulsantes. Esta interacción crea momentos de belleza, particularmente en el uso de motivos folclóricos húngaros, que anclan el álbum en un sentido de lugar y tradición.

Sin embargo, hay una delgada línea entre lo ecléctico y lo abrumador y "XII" ocasionalmente se tambalea al borde. Temas como Nyárfa, nyírfaLydiához y Vakond viran hacia la indulgencia, con largas secciones instrumentales que pueden sentirse más como una exhibición de destreza técnica que como una progresión narrativa significativa. Con casi una hora de duración, el álbum exige paciencia y repetidas escuchas, lo que podría disuadir a los oyentes ocasionales.

"XII" realmente destaca en su producción. Thy Catafalque como siempre es un ejército de creatividad de un solo hombre que equilibra magistralmente las densas capas de instrumentación. Cada herramienta, desde el rechinido metálico de las guitarras hasta las delicadas cuerdas del violín, tiene espacio para brillar. El álbum se siente vivo, respirando con calidez orgánica incluso durante sus momentos más mecánicos y electrónicos.

En cuanto a las letras, "XII" es totalmente enigmático. Como es típico de Thy Catafalque, el húngaro sigue siendo el idioma elegido, lo que agrega una capa adicional de misticismo para los no nativos, es decir, el 99% de la humanidad. Entiendo por lo que busqué que la naturaleza, la memoria y la trascendencia se repiten en todo momento, lo que -supongo- le otorga al álbum una profundidad filosófica que recompensa a quienes están dispuestos a involucrarse con la lírica.

A pesar de sus excesos ocasionales, "XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek" es un logro notable. Es un álbum que desafía e inspira. Para los fanáticos del Avant-Garde este ya quizás no sea el patio de recreo acostumbrado, pero en materia de Blackened Prog, o para cualquiera que anhele música que se atreva a ser diferente, "XII" es una escucha necesaria.

8/10



miércoles, 20 de noviembre de 2024

Crypt Sermon - "The Stygian Rose" (Doom / Heavy)

Escribí hace unas semanas de Warpriest, un dúo que hace Heavy Doom, el disco es malo con avaricia pero los músicos que lo ejecutan han salido a defenderlo con entereza, sin internalizar que el trabajo es un desastre, pero con mucho coraje y amor propio... les admiro la entereza, eso si. En el mismo género -y en todo- hay gente cuyos argumentos son simplemente lo que hacen, la verdad se defiende ella misma es la idea que quiero expresar. Para demostrar que este género puede tener cosas interesantes, Crypt Sermon es un buen ejemplo.

Este sexteto filis tiene con el que comentaremos tres discos, demasiados espaciados entre si, más de cuatro años, pero cada uno de ellos ha sido bien recibido, "The Stygian Rose", su último trabajo, es una clase de Epic Doom, que combina grandeza y profundidad emocional con madurez. El álbum cumple con las expectativas del género en cuanto a teatralidad y pesadez, pero también muestra un enfoque matizado que enfatiza la narración y la atmósfera.

El disco de seis pistas, que dura menos de cuarenta y cinco minutos, demuestra una notable moderación sin sacrificar las cualidades dramáticas y arrolladoras que esperan los fanáticos. La mezcla característica de la banda de riffs premonitorios, melodías melancólicas y la interpretación vocal imponente de Brooks Wilson logra un equilibrio más que adecuado. Temas como Thunder (Perfect Mind) y Heavy Is the Crown of Bone presentan momentos de reflexión tranquila que acentúan los crescendos más pesados ​​del álbum. Esta interacción dinámica hace que la experiencia auditiva sea inmersiva en lugar de abrumadora.

El otro tema destacados es The Scrying Orb, donde los teclados góticos y las voces evocan un aura inquietante pero triunfante, el tema de cierre 11 minutos, The Stygian Rose sirve como un final épico, aunque no me terminó de convencer tanto como el resto. Si bien "The Stygian Rose" claramente se inspira en leyendas del Doom como los grandes Cirith Ungol, no se siente derivado. Siento que reinventa un tanto el sonido con un tono oscuro e introspectivo.

Crypt Sermon ha creado un disco que respeta la tradición mientras traspasa un tanto los límites. "The Stygian Rose" es un viaje a través de lo sombrío y lo hermoso, con toque épicos, consolidando a la banda como uno de los actos de Doom que vale la pena seguir de cerca. Los seguidores del género lo encontrarán una buen adición a su discografía y alguien en quien fijarse, ojalá que se tomen menos tiempo para volver a entregarnos algo.

7.5/10


lunes, 18 de noviembre de 2024

Paysage d'Hiver - "Die Berger" (Atmospheric Black)

"Die Berger" de Paysage d’Hiver es una odisea en la vastedad helada de la imaginación de su creador, en la misma onda del otro disco revisado aquí, "Im Wald" (2020). El enigmático Wintherr (Tobias Möckl), conocido por crear Black Atmosférico impregnado de la estética helada de los inviernos suizos, continúa su tradición de paisajes sonoros lo-fi inmersivos. Con "Die Berger" (en alemán, "Las montañas"), el proyecto asciende a nuevas alturas, tanto metafórica como sonoramente.


Con una duración imponente y totalmente exagerada desde mi punto de vista, este disco no es para los débiles de corazón. Como una tormenta de nieve que oscila entre la belleza tranquila y la furia implacable, el álbum exige paciencia para quienes están dispuestos a perderse en su extensión. Fiel al espíritu de Paysage d’Hiver, "Die Berger" se deleita en su producción cruda, donde el silbido y la distorsión actúan menos como defectos y más como elementos atmosféricos, similar al viento que aúlla en los pasos alpinos.

El tema de apertura, Urgrund, encarna la intención del álbum: una escalada inquebrantable hacia el caos de la naturaleza, con más de dieciocho minutos ya se intuye por donde va a ir el resto. Riffs de trémolo arremolinados, blast beats contundentes y cuasi voces aulladoras se fusionan en una vorágine que es a la vez abrumadora e hipnótica. Sin embargo, los momentos ocasionales de respiro melódico recuerdan a los oyentes que incluso en medio de las pruebas más duras de la naturaleza, hay alguna belleza.

Canciones como Ausstieg muestran la capacidad de Wintherr en la dinámica. La interacción entre pasajes frenéticos de Black e interludios ambientales crea una tensión que se siente viva, como si la música misma respirara el aire frío de la montaña. El cierre del disco, Gipfel, cierra el círculo del viaje con melodías inquietantes que se sienten como los primeros rayos de sol después de una noche gélida.

"Die Berger" puede frustrar a los recién llegados al género. Su producción sin pulir y su gran duración alejarán a los oyentes que no estén familiarizados con las complejidades del estilo. Sin embargo, los fanáticos de Paysage d’Hiver reconocerán esto como una continuación y una evolución de la visión de Wintherr. Es un disco que captura no solo el frío sino también el poder sublime de las montañas, una fuerza cruda e imponente que empequeñece la existencia humana. Este disco me ha dejado un tanto sorprendido porque aunque está bien, no se si termina de parecerme la joya que algunos han querido ver en él, lo dejo a juicio de los oidores.

Reitero, si bien "Die Berger" no reinventa la fórmula de Paysage d’Hiver, ciertamente si refuerza la reputación del proyecto como uno de los actos más 'populares' -por favor, enmarcar el término dentro de lo que estamos hablando- del Black Atmosférico. A partes casi iguales castigador y poético, este álbum es una forma de comprobar la capacidad del género para evocar no solo el sonido sino la esencia misma del lugar. Una escucha desafiante pero de a ratos gratificante, "Die Berger" puede ser viaje que vale la pena emprender, si se lleva suficiente paciencia.

7.5/10



jueves, 14 de noviembre de 2024

Yoth Iria - "Blazing Inferno" (Melodic Black)

"Blazing Inferno" de Yoth Iria es una inmersión en los reinos oscuros y fantasmales del Black griego, donde las guitarras pesadas y las melodías inquietantes evocan una atmósfera oculta distintiva. Yoth Iria, un proyecto formado por veteranos de la escena del Metal griego y ha ganado atención por revitalizar un sonido pionero de a principios de los años 90, al tiempo que lo actualiza con una producción moderna y un enfoque más sofisticado y en capas. Este lanzamiento logra un equilibrio entre homenaje e innovación, mostrando la reverencia de la banda por las raíces del estilo mientras se aventura en territorios nuevos.

Una de las fortalezas que definen el álbum es su atmósfera cohesiva, que transporta inmediatamente al oyente a un espacio oscuro y de otro mundo con matices góticos. La primera pista establece un tono ominoso, utilizando cánticos ominosos e instrumentación de construcción lenta que insinúa el siniestro viaje que se avecina. El sonido característico de Yoth Iria es denso y teatral, inspirado en el Black de primera ola, pero diseñado intencionadamente para despertar la expectación de los oyentes. Yoth Iria es hábil para crear tensión sin caer en trucos demasiado usados, una habilidad que probablemente proviene de la amplia experiencia de los miembros de la banda.

En cuanto a la voz, el álbum se destaca por su interpretación cruda pero inteligible. Las voces son inquietantes y feroces, y añaden un elemento casi litúrgico a la música. A diferencia de muchos grupos, donde las letras pueden perderse en el fango de una producción dura, el estilo vocal de Yoth Iria es lo suficientemente claro para que los oyentes aprecien los temas líricos, que se adentran en la mitología, la oscuridad y lo sobrenatural. En cuanto a las letras, el álbum está lleno de lenguaje simbólico y poético, creando un aire de misticismo sin sentirse forzado o demasiado esotérico. "Blazing Inferno" se destaca por lograr este equilibrio entre claridad y misticismo, que es un sello distintivo de la composición madura.

La producción de "Blazing Inferno" es limpia pero conserva suficiente crudeza para satisfacer a los puristas del género, evitando las tendencias crudas y lo-fi que suelen asociarse con el Black. Las guitarras son nítidas y crujientes, con un amplio rango dinámico, lo que permite cambios entre riffs vertiginosos y pasajes más lentos y cargados de fatalidad. La batería es contundente y está bien mezclada y respalda las densas capas de guitarra sin dominarlas. Existe la sensación de que cada elemento del paisaje sonoro ha sido cuidadosamente seleccionado para contribuir al estado de ánimo siniestro del álbum.

El álbum no es perfecto. Algunas pistas, particularmente en la sección intermedia, se sienten repetitivas. Si bien Yoth Iria se apega a un sonido cohesivo, un poco más de variación podría haber agregado algo de profundidad. Dicho esto, la continuidad del álbum también puede ser una fortaleza para los oyentes que prefieren una experiencia auditiva hipnótica.

En esencia, "Blazing Inferno" es a la vez un homenaje nostálgico y un álbum vanguardista. Captura la atmósfera misteriosa y oculta que anhelan los aficionados al Black, al tiempo que ofrece una producción nítida y un sentido maduro de la melodía. Puede que el álbum no convenza a quienes no están familiarizados con el estilo o se resisten a él, pero para los fanáticos específicos, especialmente aquellos amantes de sus raíces helénicas, "Blazing Inferno" es una experiencia gratificante. Yoth Iria demuestra que el estilo negro, incluso con sus temas trillados, aún tiene potencial de reinvención cuando se aborda con arte y reverencia.

7.5/10


viernes, 8 de noviembre de 2024

Sólstafir - "Hin Helga Kvöl" (Post / Folk / Shoegaze)

"Hin Helga Kvöl" de Sólstafir es uno de esos discos que se siente como un fantasma no invitado: no estás muy seguro de si está aquí para atormentarte, inspirarte o simplemente hacerte tomar otra cerveza. Esta banda islandesa de Post tiene un don para crear álbumes que se perciben como folclore antiguo desenterrado de una tumba cubierta de musgo y salpicado con suficiente distorsión atmosférica para hacerte sentir como si hubieras marcado accidentalmente una estación de radio de una dimensión diferente. Pero este no es el típico cuento de fogatas amigables. La mezcla de Doom cinematográfico y Black, con infusión de Folk de Sólstafir es densa, a veces lo suficientemente densa como para hacerte preguntarte si simplemente no eres lo suficientemente sombrío como para entenderlos.

El álbum comienza con el tipo de paisaje sonoro envolvente que te hace sentir como si te hubiera recogido el viento en una oscura costa islandesa. Pero, como ocurre con muchos de los trabajos de Sólstafir, este no es tanto un sonido que te relaje y te haga vibrar, sino más bien una prueba de resistencia. Con cuarenta y ocho minutos de duración, "Hin Helga Kvol" tiene temas que se desarrollan como novelas, que exigen que te sientes, te abroches el cinturón y dejes que la narración te inunde, desafortunadamente ninguno me terminó de impactar. Y aunque el álbum rezuma cierta mística poética, hay una sensación inquebrantable de que podría haber sido diez minutos más corto sin perder mucho. Cada tema parece aferrarse al peso existencial del mundo, lo que da lugar a un disco que a menudo es más pesado que verdaderamente profundo.

Pero hay algo innegablemente encantador en la forma en que Sólstafir equilibra la crudeza cruda con una melodía inquietante. Su vocalista Aðalbjörn Tryggvason (así se escribe, pero dígame alguien como se pronuncia) es en parte poeta torturado, en parte chamán, canalizando un espíritu que suena a partes iguales exhausto y enfurecido. Su voz tiene el peso del antiguo folclore islandés, no importa si entiendes o no el islandés: las canciones te atraviesan como una guadaña y te deja mirando perplejo de lo que acabas de oir.

La producción aquí es otra mezcla de todo. Por un lado, captura el sonido central de la banda: neblina Shoegaze y estruendo Post a partes iguales. Pero, a veces, es difícil no sentir que todo es demasiado ruidoso, demasiado implacable. Hay una cualidad monótona en algunas de las pistas que, en lugar de ser hipnótica, termina sintiéndose como si estuvieras atrapado en un sonido que no termina. Cuando estás inmerso en ella, la retroalimentación ambiental y la reverberación sónica crean este paisaje inmersivo y salvaje que es a partes iguales fascinante y agotador. Pero tras varias escuchas, es fácil empezar a sentir que el sonido de Sólstafir en este disco tiene tanto que ver con la atmósfera como con la ocasional canción de relleno disfrazada de un viaje épico.

Cuando llegué al final de "Hin Helga Kvol", me quedé a la vez desconcertado y algo aliviado. Este no es un álbum fácil de digerir. Ni siquiera es particularmente divertido. Hubiera querido que me gustara más; desde "Svartir Sandar" (2011) y "Ótta" (2014), incluso todavía con "Berdreyminn" (2017) no hacen esa cosas geniales que los dieron a conocer fuera de su terruño.., mira que es difícil destacar cantando en ese idioma. Es verdad que Sólstafir tiene una manera única de convertir el terror existencial en un viaje sonoro que es a la vez miserable y extrañamente mágico, como si estuvieran aquí para recordarte la belleza de las cosas rotas, pero esta vez no vengas esperando un éxito: es más como mirar fijamente un hermoso acantilado islandés mientras te congelas: extraño y brutal... no se si vale la pena cada escalofrío.

6.5/10


jueves, 7 de noviembre de 2024

Flotsam And Jetsam - "I Am The Weapon" (Thrash / Heavy)

El último lanzamiento de Flotsam and Jetsam, "I Am The Weapon", golpea con el tipo de fuerza implacable que los fanáticos podrían esperar del veterano grupo de Thrash. La banda muestra que aún tiene el vigor para competir con sus versiones más jóvenes, entregando una colección de temas de alta energía y cargados de riffs que se sienten nostálgicos y modernizados.

Este álbum se inclina hacia una mezcla de Thrash clásico con un toque de Power, mostrando la voz de Erik A.K Knutson en su usual forma áspera pero potente, mientras que el acompañamiento instrumental de los guitarristas Michael Gilbert y Steve Conley es tan ajustado y enérgico como siempre.

La banda es tan antigua como el género mismo, remontándose sus orígenes a inicios de los ochenta; yo siempre los he sentido ubicados como en una segunda línea del Thrash, un poco desconocidos, un poco demasiado imbuidos en solo hacer su música y sin mayores intenciones de destacar en el mundillo comercial. Esto puede ser interpretado desde varias perspectivas, pero creo que la principal es que son fieles a sí mismos... me pregunto si habrán podido pagar las cuentas, pero fuera de eso, ya nadie les puede quitar su estatus de glorias del estilo.

Con temas como A New Kind Of Hero y Primal, el álbum comienza con una intensidad rápida y cargada de ganchos, gracias a la batería contundente de Ken Mary y un estilo de producción animado y poderoso. Este es un álbum con algunos puntos bajos; aunque Beneath the Shadows se aventura en un ritmo más suelto que puede sentirse un poco fuera de lugar, el álbum rápidamente vuelve a su forma con una alineación poderosa que equilibra la delicadeza técnica con la agresión. Algunas pistas, como The Head of The Snake, tienen un estilo de producción pulido pero contundente que mantiene el disco constantemente atractivo, aunque puede que un tanto demasiado 'límpio' para los puristas del Thrash.

La dirección de Flotsam and Jetsam ha virado hacia un híbrido de Heavy/Thrash, su "The End Of Chaos" (2019) lo anunciaba, puesto que con toques de Power muestran su voluntad de mezclar la furia de la vieja escuela con nuevos ganchos melódicos. Si bien "I Am the Weapon" no es demasiado especial, marca una adición de calidad a su catálogo de dieciséis discos ya. El resultado de este trabajo, con un sonido revitalizado, demuestra la capacidad de la banda para adaptarse y entregar energía implacable a cuarenta años de su debut.

7/10


miércoles, 6 de noviembre de 2024

High On Fire - "Cometh The Storm" (Sludge / Thrash)

"Cometh the Storm" de High On Fire llega con toda la intensidad cruda que los fans esperan, mezclando su clásico poder de Sludge con toques nuevos y experimentales. Este álbum, el primero en seis años, se mantiene fiel a su camino de riffs feroces y percusión potente, pero añade nuevos sabores, en particular las influencias de Oriente Medio en temas como Karanlık Yol, que incorpora el bağlama turco para una pausa inquietante y cinematográfica en medio de la embestida sónica.

Como conversaba con el amable equipo de Rocktambulos.com cuando esta semana grababamos el podcast de recomendaciones del mes, High On Fire siempre es una banda interesantes para redescubir, yo tengo la sensación de que siempre están evolucionando, que cada disco pretende algo nuevo, aún cuando su sonido es bastante reconocible. Mi único comentario de la banda data de doce años atrás, con "De Vermis Mysteriis" (2012), y revisarlo me confirma lo que pienso de ellos.

La incorporación del baterista Coady Willis infunde al sonido de High On Fire una energía indómita. Canciones como Lambsbread y Burning Down desatan riffs con mucho Thrash, mientras que la canción principal y homónima del disco se ralentiza para ofrecer ritmos aplastantes y cargados de fatalidad. La interacción entre Willis, el bajista Jeff Matz y el líder, pitcher abridor y novio de la madrina, el guitarrista Matt Pike es precisa, a menudo al borde del caos pero un tributo a la producción. Las texturas ásperas y el rango dinámico evitan que el álbum se sienta predecible, con cada canción equilibrada entre una agresión implacable y un ritmo estratégico.

Los puntos destacados incluyen el tema Trismegistus, que vira abiertamente hacia el Thrash y The Beating, apisonante. El álbum cierra con la oscura y atmosférica Darker Fleece, que deja a los oyentes con una nota aprensiva, sumergiéndolos en el tormentoso y bastante demoníaco -por cierto- mundo de High On Fire. A pesar su carácter crudo, "Cometh the Storm" no es solo fuerza bruta; sus toques progresivos y su energía implacable muestran una banda dispuesta a experimentar sin perder su identidad central.

Tanto para los fanáticos de toda la vida como para los recién llegados, este álbum ofrece emociones familiares y sorpresas refrescantes: un lanzamiento brutal pero ingenioso que consolida aún más el legado de High On Fire en el Metal moderno. Con casi treinta años en actividad, aunque sólo nueve largas duración, este power trio no decepciona.

7.5/10


martes, 29 de octubre de 2024

Iotunn - "Kinship" (Progressive / Melodic Death)

Con "Kinship", el grupo danés de Melodeath Progresivo Iotunn catapulta a los oyentes a un mundo de intensidad épica y cósmica. Su segundo álbum combina elementos de los géneros nombrados y algo de Power en una mezcla compleja, melódica y a menudo, de otro mundo. En esta oportunidad, a diferencia de su debut, "Access All Worlds" (2021) tiene un disco bien grabado, creo que ahora si van a destacar, veremos.

La banda ha mantenido intacta su reputación de paisajes sonoros amplios y constructores de universos con "Kinship". Los temas van desde riffs inspirados en el Thrash hasta elaborados paisajes sonoros sinfónicos. Si bien la comunidad no es ajena a los álbumes ambiciosos, a Iotunn no le interesa simplemente llenar el espacio; parecen estar creando nuevos planetas con cada pista. "Kinship" logra parecer enorme e íntimo a la vez, como un cielo nocturno lleno de estrellas donde cada destello cuenta su propia historia.

Uno de los puntos fuertes del disco es el trabajo vocal de Jón Aldará, cuya voz es nada menos que potente. Realiza una transición magistral de limpiezas conmovedoras a gruñidos guturales, siempre perfectamente combinados con la intensidad instrumental en constante cambio. En temas como las enormes Kinship Elegiac y Earth To Sky -las mejores del disco y probables temas del año- la voz de Aldará se siente como si te guiara a través de montañas envueltas en niebla, solo para lanzarte al vacío sin fin con un grito que podría partir estrellas. El efecto es nada menos que emocionante.

Los guitarristas Jesper Gräs y Jens Nicolai Gräs aportan una precisión claramente escandinava a su forma de tocar, con riff tras riff saliendo como acero fundido. Los solos surcan oscuros, memorables y sin caer nunca en la previsibilidad. Mientras tanto, el baterista Bjørn Wind Andersen sustenta todo con ritmos que van desde el atronador contrabajo hasta intrincados rellenos inspirados en el Jazz, recordándonos que no solo mantiene el ritmo sino que le da forma.

Temáticamente, "Kinship" explora todo, desde la resiliencia humana hasta el existencialismo cósmico, combinando letras que se sienten profundas y personales. Salvando todas las distancias estilísticas y el idioma, me recordó mucho a Heroes del Silencio en su forma de cantar poesía. Iotunn tiene una habilidad especial para escribir letras que suenan como una epopeya filtrada a través de una novela de ciencia ficción, y es muy atractiva. Incluso si los cuentos intergalácticos no suelen ser lo tuyo, "Kinship" seguramente resonará con su cruda profundidad emocional.

Otras canciones que destacan mucho pueden son Mistland y Twilight, aunque cualquiera de las siete que compone el trabajo son una delicia auditiva; el disco, de enorme hora y ocho minutos se puede escuchar en bucle sin cansar, permitiendo descubrir cosas, muchas cosas, muchos detalles. En resumen, "Kinship" es un viaje extraordinario que combina una musicalidad alucinante con narrativas cargadas de emociones. Iotunn ha capturado la infinita belleza y el terror del universo y los ha destilado en un álbum compacto y apasionante. Es una escucha obligada para los fanáticos del Progresivo y para cualquiera con gusto por lo épico y lo desconocido. Para mi un disco perfecto, para atesorar.

10/10


viernes, 25 de octubre de 2024

Ensiferum - "Winter Storm" (Power / Folk)

Ensiferum se ha estado dando de bandazos en los últimos años, desde mi favorito "Unsung Heroes" (2012), comenzando a bajar con "One Man Army" (2015) -aunque manteniendo fuerza- hasta caer peligrosamente con "Two Paths" (2017) y recuperarse nuevamente con "Thalassic" (2020), los finlandeses han tenido momentos difíciles, pareciera que viene dado porque gente ha ido y venido, de hecho, componentes originales no queda ni uno, eso es bastante inusual.

Pero a estas bandas que resucitan le pasa como a los grandes clubes de futbol, o eso me parece a mi, tienen un ADN, un 'je ne sais quoi' que les permite retomar la senda y con "Winter Storm" logran atraer la atención a base de mezclar los ingredientes conocidos para presentar un disco plagado de coros, himnos y épica. Con este trabajo Ensiferum no viene a redescubrir el Folk o el Power, pero hacen lo que finalmente cautiva a los fanáticos, unas putas buenas canciones, sin necesidad de histrionismos o excesos... haz cuatro buenos temas, metes otros cuatro aceptables y experimenta con uno o dos, es una fórmula que hasta yo, que no tengo nada de músico, tengo clara.

"Winter Storm" es un disco para el seguidor de la banda, para que lo disfrute, para que lo acaricie y lo recuerde con cariño. Le falta la voz femenina que distinguió en el pasado a la banda y que -obviamente- no va a volver, aunque incluyan a la cantante Madeleine Liljestam (Nanowar Of Steel, Liv Sin, Confidential). En lo que a mi respecta este es un buen disco de Power Folk que distrae, gusta, está muy bien instrumentado, mejor grabado incluso y tiene sus momentos épicos y gloriosos que le permitirán mantener el legado.

Los temas que destacan son varios, Fatherland, From Order To Chaos y Victorious, pero especialmente Winter Storm Vigilantes, la cual es de esas a las que hay que ponerle una etiqueta de precaución porque crea adicción. El disco no es genial, lejos de eso tiene -como dije- su dosis generosa de formulismo lo que le quita puntos en el apartado de novedad, pero no deja de divertir. Visto lo que está sonando recientemente, quizás el último par de años, pienso que hay que bajar las expectativas de sorpresas y espectacularidad en favor de sectores más crudos, por aquí nos conformaremos con mera diversión.

"Winter Storm" viene a confirmar que Ensiferum sigue vivo y probablemente, incluso, le queden algunos años de buena fortuna, los cuales me gustaría seguir disfrutando en primera línea. Por otro lado, ya no espero de ellos malabarismos musicales, me conformo con que me brinden ganas de ponerme el kilt, la peluca rubia de trenzas y salir al campo de batalla medieval (con un suéter).

7.5/10. Portadaza


miércoles, 23 de octubre de 2024

Brothers Of Metal - "Fimbulvinter" (Power / Viking)

La última propuesta de Brothers of Metal, llamada "Fimbulvinter" es una saga nórdica épica forjada en el su tradicional estilo, melódico y un tanto cheesy. Conocida por su mezcla de teatralidad de Power, tradición vikinga y una pizca de humor irónico, la banda sueca de ocho integrantes continúa su misión de convertir el mito histórico en himnos que te harán levantar el puño. Con "Fimbulvinter" adoptan su fórmula mientras exploran nuevas capas de grandeza, pero ¿llegarán al Valhalla o se quedarán estancados en Midgard?

Desde la canción de apertura, la banda marca el tono con una orquestación grandilocuente, riffs galopantes y letras que se leen como un curso intensivo sobre la historia vikinga. La producción es nítida y eleva las actuaciones ya teatrales a un nuevo nivel de grandeza. Los vocalistas Joakim Lindbäck Eriksson e Ylva Eriksson se turnan para liderar la carga, con la voz profunda y dominante de Joakim contrastada hermosamente por los tonos etéreos, casi operísticos de Ylva. Su interacción vocal es una fortaleza, que le da a cada tema una sensación de tensión narrativa como si los estuvieran en un duelo vocal.

Musicalmente, Brothers of Metal ofrece lo esperado: tambores atronadores, solos de guitarra imponentes y coros que hacen que suenen como si se interpretara en una sala de hidromiel llena de vikingos. Canciones como Rivers Of Gold, Chasing Lights y Berserkir, juegan con la mitología y la liturgia del Power, combinando una narración dramática con ritmos enérgicos. El humor característico de la banda brilla en temas como The Other Son Of Odin. Debo decir que la banda en vivo se muestra fuerte, aunque abusa un poco del sampler, en todo caso divierten mucho.

Sin embargo, a pesar de todas las tendencias épicas del álbum, a veces puede parecer formulístico. Si bien canciones como Nannas's Fate  y la homónima del disco introducen una variación bienvenida con tonos más oscuros y tempos más lentos, gran parte de "Fimbulvinter" sigue un patrón predecible. La necesidad constante de que cada estribillo parezca un himno hace que algunas pistas se confundan. Dicho esto, la consistencia del álbum también es su punto fuerte; los fans que busquen una experiencia de metal vikingo de alta energía no se sentirán decepcionados.

Al final, "Fimbulvinter" es un divertido y teatral paseo por la mitología nórdica, envuelto en capas de excesos de Power. Con él no es difícil dejarse llevar por la magnitud del todo. Si estás listo para blandir tu hacha de plástico y marchar a la batalla con una sonrisa en la cara, este álbum es para ti. Sigue siendo "Emblas Saga" (2020) lo mejor que les he escuchado, tiene ese par de temas que jamas se olvidan, con éste pasa menos.

7/10


lunes, 21 de octubre de 2024

Mother Of Graves - "The Periapt Of Absence" (Death / Doom)

"The Periapt of Absence", el segundo disco de la banda de Death Doom de Indiana, Mother of Graves, es un buen trabajo que combina melancolía, atmósfera y pesadez en una experiencia bien elaborada y emocionalmente evocadora. El trabajo demuestra dominio de la banda de los elementos clásicos del género, al tiempo que deja espacio para matices sutiles que lo hacen destacar entre las bandas más nuevas del género.

Desde el principio, está claro que Mother of Graves se inspira en bandas icónicas de estilo venidas de los 90's como My Dying Bride, Paradise Lost y Katatonia, con un enfoque centrado en melodías inquietantes, riffs aplastantes y voces guturales. La calidad de producción es nítida, pero conserva una crudeza que realza la atmósfera en lugar de restarle valor. Las guitarras principales son un punto destacado, tejiendo melodías melancólicas a través de cada pista que elevan el material más allá de la mera pesadez.

El disco abre con Gallows, que marca el tono con sus líneas de guitarra lúgubres y una sección rítmica densa y agitada. La voz de Brandon Howe es profunda, alternando entre gruñidos y una entrega más quejumbrosa que se adapta a la naturaleza depresiva de las letras. Este equilibrio de elementos agresivos y sombríos se mantiene a lo largo de las diez pistas y cuarenta y cinco minutos del trabajo.

Una de las pistas destacadas es Shatter The Visage, donde el grupo explora un lado más melódico y atmosférico de su sonido. El uso de pasajes de guitarra, combinados con un canto fúnebre de medio tiempo, crea un paisaje desolado pero hermoso que se siente a la vez introspectivo y catártico. El tema Upon Burdened Hands, es otro punto culminante, con su ritmo pesado y carácter metódico que crea una sensación de fatalidad inminente antes de estallar en un crescendo final y aplastante.

En cuanto a las letras, "The Periapt of Absence" se adentra en temas de pérdida, dolor y desesperación existencial, motivos comunes en el género, pero la banda los presenta con sinceridad y profundidad emocional. Hay una clara sensación de catarsis personal en la música, lo que la hace resonar a un nivel más profundo. Si bien el disco no plantea nada especialmente novedoso, es un trabajo sólido y bien ejecutado que muestra una banda con una visión clara y un fuerte potencial de crecimiento. Para los fanáticos del Doom que aprecian tanto la pesadez como la profundidad emocional del género, esta es una escucha recomendable. Mother of Graves es una banda a la que hay que seguir de cerca mientras continúan refinando su sonido.

7.5/10


domingo, 20 de octubre de 2024

Oranssi Pazuzu - "Muuntautuja" (Black / Psychedelic / Avant-Garde)

La banda finlandesa de Black Psicodélico Oranssi Pazuzu es conocida por su enfoque poco convencional y transgresor de géneros y "Muuntautuja" no es una excepción. Entiendo que este trabajo es una especie de segunda parte de su genial "Värähtelijä" (2016) y continúa el estilo que mezcla sonidos embriagadores y ambiente siniestro, agresión y locura psicodélica. En poco más de cuarenta y tres minutos, logran crear un paisaje sonoro dinámico y cautivador que probablemente dejará a los oyentes fascinados y ligeramente desconcertados.

El título del disco, se traduce como 'cambia formas' y el tema de la transformación se refleja en su estructura. Desde el principio sumerge en una atmósfera inquietante y palpitante, con sintetizadores hipnóticos que crean una sensación de aprensión. Los ritmos repetitivos -pero fascinantes- del baterista Korjak se suman al efecto de trance, mientras que las guitarras alternan entre riffs monótonos y ráfagas agudas y discordantes altamente distorsionadas. La banda no tiene reparos en superponer su sonido, ya que entrelazan varios elementos sonoros en un asalto auditivo desorientador pero cautivador.

Vocalmente, la entrega Jun-His atraviesa la densa mezcla como un sermón demoníaco de otra dimensión. Las voces se utilizan más como un instrumento atmosférico que como un punto focal, fusionándose con el caos instrumental en lugar de dominarlo. Esta elección se suma a la sensación general de inmersión, dejando que el oyente experimente el disco como un viaje sonoro continuo y cambiante en lugar de una composición de Metal típica con secciones distintas.

La brillantez de "Muuntautuja" radica en su capacidad para equilibrar la estructura y el caos. A pesar de su fuerte naturaleza experimental, el disco nunca parece sin rumbo. La banda mantiene una corriente subyacente de ritmo y propósito, lo que permite que fluya orgánicamente de una fase a la siguiente. Crea muy bien tensión, con momentos de caos disonante que dan paso a breves respiros de calma antes de lanzarse nuevamente a un abismo de ruido y distorsión.

Los fanáticos recordamos también "Mestarin Kynsi" (2020) y siento que Oranssi Pazuzu continúa explorando los márgenes del Metal, aunque aquellos que no están familiarizados con su estilo pueden encontrarlos inicialmente desafiantes. Sin embargo, "Muuntautuja" recompensa las escuchas repetidas, ya que sus intrincadas capas y paisajes sonoros en evolución revelan nuevas profundidades cada vez. Este es Black que se ha liberado de sus limitaciones tradicionales y se ha adentrado en un territorio Psicodélico inexplorado, con resultados inquietantes.

Darle una calificación a este estilo de música es difícil, en una sala con cien metaleros el puntaje bandeará en todo el espectro posible, yo me siento fascinado con lo que hacen, hipnotizado y aunque pienso que sus dos anteriores son algo superiores, "Muuntautuja" mantiene todas las características de la que estos genios son capaces. Otro disco que está reservado para una minoría de gusto exquisito.

8.5/10


jueves, 17 de octubre de 2024

Cemetery Skyline - "Nordic Gothic" (Gothic / Modern)

"Nordic Gothic" de Cemetery Skyline promete una cosa y entrega otra, por un lado esta puede ser la mejor forma de definir lo que es una super banda, tome nota: vocales, Stanne de Dark Tranquility; guitarra, Vanhala de Insomnium; teclados, Kallio de Amorphis; bajo, Brandt de Dimmu Borgir y batería, Rant de Sentenced... al que no le transpiren las glándulas sudoríparas metaleras, es que está muerto. Pero pasa una y otra vez cuando las expectativas son tan altas que en vez de tensión atmosférica, se ofrece un cóctel sombrío de tropos reciclados y una producción plana. Es como si la banda hubiera arrojado todos los clichés góticos contra la pared, con la esperanza de que algo se pegara, excepto que nada lo hace.

Primero, la atmósfera. Uno podría esperar que el término "Nordic Gothic" evocara imágenes de fiordos melancólicos, vientos helados y noches largas y opresivas. Sin embargo, el álbum solo logra una imitación superficial de ese ambiente, con algo que me parece que es más Modern que otra cosa. Es como si buscaran en Google 'oscuro' y 'frío' y pusieran una mesa al lado de una tienda de Halloween. Lo que debería ser inquietante y profundamente melancólico se siente más como una pista de fondo que no produce mayor emoción. Si estás buscando un viaje evocador a través de la penumbra nórdica, por aquí no es.

Luego, está la composición. Cemetery Skyline parece tomó un puñado de líneas de cada canción gótica escrita y las mezcló sin ningún propósito real. Cada canción se funde en una niebla homogénea de sufrimiento vago, que no ofrece conexión emocional. Las letras apuntan a la introspección, pero caen en algún punto entre lo pretencioso y lo incoherente.

Musicalmente, el álbum está atrapado en su propia monotonía. Pista tras pista se ve empantanada por guitarras lentas que parecen moverse a un ritmo extraño, ni rápido ni lento, pero sin ningún peso o gravedad. Y no me hagas hablar de las voces. El cantante intenta ofrecer ese sonido gótico etéreo pero atormentado, pero termina sonando como si estuviera leyendo noticias. No hay realmente emoción, dejando al oyente con una experiencia solo meh...

En cuanto a la producción, el álbum se siente débil, como si se hubiera grabado con un presupuesto escaso. La mezcla es turbia, los instrumentos aparecen y desaparecen de foco y hay una falta general de claridad. Cualquier belleza que pudiera haber estado latente bajo la superficie se ve sofocada por una ingeniería descuidada. En resumen, "Nordic Gothic" es un ejercicio decepcionante de estilo sobre sustancia. Cemetery Skyline tenía TODOS los ingredientes para crear algo evocador e impresionante, pero en cambio ofreció un paisaje sombrío a medio hacer.

5.5/10


miércoles, 16 de octubre de 2024

Chapel Of Disease - "Echoes Of Light" (Black / Heavy / Black 'n Roll)

En su álbum de regreso tras seis años fuera del radar, Chapel of Disease, continúa con "Echoes of Light"  la senda de lo mostrado y se atreve a fusionar lo inquietante con lo etéreo y la melodía, una contradicción sonora que quizás no debería funcionar pero, de alguna manera, lo hace. Lanzado para un grupo de seguidores específicos -este disco es muy 'nicho'-, la grabación exuda una devoción sin complejos por el Heavy tradicional y el Black, con algún toque Prog y Doom, a la vez que salpica con una interesante cantidad de melodía y atmósferas ambientales. Pero no dejes que el nombre angelical del disco te engañe; se siente más como un paseo por una catedral embrujada que por un bosque iluminado por el sol.

En esencia, este álbum ofrece seis temas de metal atmosférico y melancólico que a menudo suenan como si hubieran sido escritos en la cripta de una iglesia abandonada hace mucho tiempo. El tema de apertura, homónimo al disco, marca el tono con riffs cambiantes y algo monótonos que se mueven como la niebla en una mañana fría. Para la voz imagina el más puro semi growl del Black primera ola, mitad gruñendo, mitad suplicando, aunque no faltan voces limpias también. La banda elige  no sobrecargar al oyente con blast beats incesantes, en lugar de eso permite que el sonido se filtre a través de pasajes minimalistas y cargados de fatalidad. Las guitarras gimen, la batería hace eco en patrones y sin embargo, en algún lugar en la penumbra, la luz del Heavy parpadea.

La segunda canción, A Death Though No Loss, se destaca como la mejor del trabajo. Si bien mantiene el tono característico del álbum, es donde más se percibe la mezcla de las guitarras vivas del Heavy y la atmosfera Black. En general el disco discurre con esta amalgama que se puede encontrar en bandas como Bewithcher o Cloak, algo que los muy especialistas llaman Black 'n Roll... las etiquetas que los metaleros usamos son para hacérnoslo mirar.

En términos de composición, Chapels of Disease es bastante simple. "Echoes of Light" no está abriendo nuevos caminos pero su sonido está bien elaborado, ejecutado con precisión y atmosféricamente rico. Ocasionalmente, sin embargo, el ritmo puede sentirse glacial. Algunas canciones podrían haberse beneficiado de un toque más de urgencia; cuando todo es sombrío, es difícil que los momentos individuales destaquen.

Si hay una crítica que se pueda hacer, es que el álbum a veces se ahoga en su propia tristeza, virando peligrosamente cerca de la parodia, el tema Shallow Nights es prueba patente. Uno solo puede soportar cierta cantidad tristeza antes de preguntarse si "Echoes of Light" realmente tiene un interruptor de apagado. Y por otro lado lo mejor son los solos de guitarra que ejecuta Laurent Teubl, quien puede que sea el único miembro de la banda (un unipersonal, pero antes no era así, en resumen, no me queda demasiado claro).

Aun así, Chapel of Disease ofrece un buen punto de entrada para que nuevos fanáticos conozcan el Black sin necesariamente tener que quemarse en fosos de sonido árido. El trabajo en "Echoes Of Light" es inquietante, atmosférico y con la cantidad justa de melodía y atmósfera: una buena escucha para cualquiera a quien le guste el Metal sombrío pero no sin belleza.

7/10


lunes, 14 de octubre de 2024

Ad Infinitum - "Abyss" (Melodic Metalcore)

A mi las cosas que quieren aparentar ser algo que, cuando se raspa apenas la pinturita, se ve que no son, pues no las soporto. Debe ser la edad y que con el tiempo se prefiere tener/oír/ver/saber/sentir pocas cosas, pero que tengan calidad... poco pero bueno. Por eso este tipo de bandas, a la Amaranthe o Babymetal, siempre las cojo con pinzas porque me imagino lo que viene. Es es en el fondo el pecado del Metalcore, que se les ven las costuras 'poser', no todos -es verdad-. Vengan de a uno.

En el caso de Ad Infinitum escojo hablar de ellos porque están en el radar de los trabajos mentados y bueno, a veces hay sorpresas. Lo que realmente me llama la atención es que su vocalista Melissa Bonny está en boga porque hace bastante tiempo le presta un apoyo notable a las presentaciones en vivo de Kamelot y eso le otorga galones, aunque no se si se hace un favor con este disco, llamado "Abyss" pues la verdad es que no tiene demasiado que ofrecer, un poco más de lo mismo. Es exactamente el mismo disco que decenas de bandas del estilo han grabado antes, con exactamente las mismas melodías, los mismos breakdowns, los mismos teclados. La innovación en el Metalcore Melódico ha fallecido, oremos por él.

¿Es malo el disco? Joder, ya ni se. Creo que si a alguien le gusta este estilo puede que lo acepte, pero el que me diga que pasará a engrandecer el panteón de género va a tener que argumentarlo muy bien. "Abyss" es una oda a los lugares comunes y la falta de originalidad, no está mal instrumentado y la voz de misia Bonny destaca, como no podía ser diferente porque tiene un gañote, pero en el apartado de hacer canciones se queda rezagado, el disco comienza y termina y repito, creo haberlo oído antes, tocado por otras bandas. Digamos que si la copia es un halago, Ad Infinitum son muy corteses con alguien.

Decir que se perderá el tiempo quizás no sea justo, la producción y arreglos son buenos, la duración es aceptable en sus treinta y siete minutos, algún momento del disco atrae algo la atención y hay canciones que son pasables. El punto es que nada es memorable, la autenticidad del sonido es inexistente y la originalidad tiende a cero. Este tipo de bandas, al menos este disco, no pasa de ser primera o segunda presentación del segundo día del un festival de cuatro jornadas, se acercarán doscientas personas y habrá unas veinte que se sabrán unos coros, de resto, si te vi no me acuerdo.

Reitero lo que siempre digo con respecto a críticas que como esta no son favorables: mi eterno respeto a los músicos a los que tanto les cuesta crear, grabar, distribuir, ganar algo de dinero, ser entendidos, hacer todos los esfuerzos que se que hacen, lo se, me consta, pero las cosas como son, "Abyss" de Ad Infinitum es mediocre, no tiene nada que lo haga destacar fuera de la individualidad de la cantante, es plástico y como todo lo inanimado, no tiene alma, no esperen conseguir mucho aquí, a menos -repito- que sean muy-muy fanáticos del Melodic Metalcore.

5/10


viernes, 11 de octubre de 2024

Blood Incantation - "Absolute Elsewhere" (Technical Death / Ambient)

"Absolute Elsewhere" de Blood Incantation, heredero espiritual de su EP de 2022 "Timewave Zero", es un giro audaz del tipo de Death por el que es conocida la banda con sede en Denver. El álbum es menos un disco de Metal y más una banda sonora para una exploración cósmica, intercambiando guturales feroces y guitarras abrasadoras por sintetizadores celestiales y paisajes sonoros espaciosos. Es como si Blood Incantation se hubiera tomado en serio su fascinación por el universo y hubiera creado una pieza musical que muy bien podría acompañar los viajes interestelares, o quizás los momentos tranquilos entre galaxias.

"Absolute Elsewhere" ofrece dos temas largos y serpenteantes de tres partes cada uno, The Stargate y The Message, y que tienen más que ver con evocar estados de ánimo que con mostrar talento musical. Esto es claramente deliberado y aunque algunos fanáticos de los trabajos anteriores de la banda, especialmente "Hidden History of the Human Race" (2019) podríamos habernos quedado anhelando algunos blast beats y agresión, la ausencia de elementos tradicionales del Death no es algo negativo. En cambio, el álbum baña a los oyentes en una atmósfera, invitando a navegar a través de paisajes sonoros nebulosos con una sensación de asombro distante.

La canción de apertura, Tablet I de The Stargate, se siente como un deslizamiento a través de un sistema estelar distante, con sintetizadores analógicos cálidos que reverberan como si rebotaran en el vacío. El disco en general tiene una vibra retrofuturista tangible, que recuerda a las bandas sonoras de ciencia ficción de los años '70s (piense en "Blade Runner" y "2001"). El sonido es a la vez vintage y atemporal, un retroceso a una era de fantasías de exploración espacial pero inquietantemente revelador.

Hay temas más meditativos, con un enfoque minimalista que podrían describirse como la banda sonora de observar un agujero negro a corta distancia. Es el equivalente musical de mirar fijamente al abismo y sentir que el abismo, en lugar de mirar de vuelta, te arrulla en una extraña paz. Por supuesto, "Absolute Elsewhere" no es para todos. Los fans de Blood Incantation que busquen riffs complejos, pesadez o gruñidos pueden sentirse perdidos en este mar de Ambient. Sin embargo, aquellos con paciencia, y quizás un cariño especial por algo novedoso, encontrarán en esta experiencia una recompensa.

Al final, este álbum trata más sobre traspasar límites. Ya sea que te guste el Ambient con temática espacial o simplemente sientas curiosidad por lo que sucede cuando una banda de Metal da un giro brusco, "Absolute Elsewhere" es un viaje que vale la pena emprender. Este es el disco conceptual del este año sin duda, reitero que no tiene nada sencillo y que toma tiempo agarrarle la vuelta, pero al comprenderlo se abre y te atrapa. No le falta mucho a Blood Incantation para la perfección, sino es que ya está ahí.

8.5/10


jueves, 10 de octubre de 2024

Nails - "Every Bridge Burning" (Powerviolence / Grindcore)

"Every Bridge Burning" de Nails es nuevamente, una feroz pieza de Powerviolence y Grindcore que ofrece una agresión implacable en apenas minutos. Fieles a su esencia, el trío con base en California vuelve a crear una experiencia sonora que combina una velocidad brutal con riffs densos y sofocantes. Conocidos por su enfoque intenso y crudo, Nails no se contiene en este disco, ofreciendo a los oyentes una experiencia brutal y catártica de principio a fin.

La banda no es muy prolífica, su anterior trabajo "You Will Never Be One Of Us" (2016) ya vio luz hace ocho años, sin embargo quedó grabado a fuego en mi memoria, primero porque con él los descubrí y segundo porque desde entonces me han parecido una de las bandas más auténticas del sector extremo del Metal. Si además sacamos cuentas que cada disco tiene apenas unos dieciocho minutos de música, pues con sus cuatro entregas apenas hay una hora en total de sonido de Nails, pero, por demás interesante, ello no desdice, al contrario, refuerza que cantidad no es igual a calidad.

El álbum se sumerge desde el vamos en un asalto caótico de tambores atronadores, guitarras distorsionadas y la voz de Todd Jones. La producción es intencionalmente -desde mi punto de vista- cruda, con los instrumentos y las voces mezclándose en un muro de sonido castigador. Muchos momentos del álbum capturan la sensación de ira implacable y nihilismo por el que Nails se ha hecho conocido. La mezcla de la velocidad del Grindcore y la pesadez de los elementos Powerviolence lo convierte en una escucha agotadora pero gratificante.

La canción principal del trabajo, Every Bridge Burning, se destaca como el centro temático y sonoro del álbum. Con poco más de tres minutos de duración, encapsula la rabia y la visión sombría del mundo que Nails canaliza a lo largo del disco. El título sugiere una ruptura de los lazos con el pasado, una declaración de guerra contra el mundo, que se refleja en el enfoque intransigente de la música.

Aunque "Every Bridge Burning" no se aleja mucho de la fórmula que Nails ha perfeccionado a lo largo de los años, su brevedad garantiza que el impacto sea puro. Esto no va de variedad o sutileza; es un ejercicio para ofrecer una experiencia visceral y primaria. Para los fanáticos de la banda, ofrece exactamente lo que queremos: furia pura y sin diluir. Aunque no es para los débiles de corazón, "Every Bridge Burning" es un testimonio de la capacidad de Nails para superar constantemente los límites de la música extrema. En el video inserto, todo el disco.

8/10