Messa - "The Spin" (Doom / Psych)

Estas bandas oscuras, pero consistentemente buenas, son un regalo para el Metal. Eso no lo saben los más chiquillos, a ellos le puede parecer silvestre que haya quien disco tras disco contribuya a hacer arte... nada más alejado de la normalidad. La calidad es una 'rara avis' pero -por suerte- en el Metal, por sus características propias (alejado del sonido mainstream, complejo, menos melódico, etc.) es más fácil encontrase de vez en cuando a esa especie, gente que como Messa dan asco por lo buenas que son... aunque no los conozca nadie, son putas buenas bandas.

"Close" (2022) disco Doom de ese año de este sitio no es un trabajo precisamente fácil, pero luego de darle el  suficiente tiempo, arrebata con su intensidad, reitero la importancia de revisarlo. Ahora con su cuarto larga duración, "The Spin", los italianos nos traen una nueva entrega de ese Doom-Psych con toque Góticos que tanto impacta, con la voz de su Sara Bianchin como fuerza de la naturaleza desatada, dispuesta a tomarlo todo y no dejar hueso sano.

Si bien esa voz nombrada hace un trabajo -nuevamente- genial, en este disco el acento que imprime la guitarra que ejecuta Alberto Piccolo es notable, ciertamente depurado en su calidad. En general el sonido de la banda ha crecido, incluso diría que con "The Spin" no quisieron hacer un disco tan exigente como el anterior, sino algo un poco más asequible y ello lo han logrado sin quitarle la intensidad emocional y musical que los ha destacado. No me sorprendería que con este trabajo la banda terminara de saltar al conocimiento popular (lo que en términos de Metal son cincuenta mil seguidores en vez de cinco mil, pero ustedes entienden)

Temas como The Dress -nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC- Thicker Blood y At Races, son ejemplos patentes de la calidad, intensidad, crudeza y sonoridad de Messa. Como dije antes, son temas más fáciles de digerir que lo que la banda nos tenía acostumbrados, le han quitado un poco de algo, ¿quizás Sludge? Esto puede ser negativo para los puristas come clavos que solo quieren cosas que atraganten, pero en mi visión el disco mantiene una calidad en el songwriting que pocas agrupaciones pueden lograr.

Termino el comentario y siento que no he logrado transmitir precisamente lo que he percibido sonoramente con "The Spin" y es que el disco es exactamente eso, una muestra de cosas que no son fáciles de definir. En el canon de los géneros a los que rinden pleitesía, Messa está logrando innovar y mostrar ventaja respecto a bandas que tratan y tratan, pero no alcanzan este nivel. Háganse un favor, si solo van a escuchar cuatro o cinco discos este año, incorporen a éste en esa lista, los va a recompensar.

8.5/10

Elvenking - "Reader Of The Runes - Luna" (Power / Folk)

"Reader of the Runes – Luna" de Elvenking, marca la tercera entrega de su trilogía "Reader of the Runes". Conocida por su singular mezcla de Power, influencias Folk y narrativa fantástica, la banda italiana continúa expandiendo su sonido mientras profundiza en un complejo mundo narrativo. Este álbum es la continuación de "Divination" (2019) y "Rapture" (2023) y eleva trata de elevar la apuesta tanto musical como temáticamente.

Desde el principio, queda claro que Luna es un capítulo tanto más oscuro y pesado como su predecesor. La banda se inclina un tanto más hacia el Extreme Power, lo que le da al álbum una sensación de urgencia e intensidad. El tema inicial, Season Of The Owl, marca el tono con una batería atronadora, riffs agudos y la voz de su cantante Damnagoras. El trabajo es de tintes épico como no podría ser diferente y la composición no pierde el enfoque. Hay una sensación de propósito y progresión a lo largo del disco, lo cual es impresionante considerando su duración de casi una hora, definitivamente un tanto largo.

Canciones como Luna, Stormcarrier y la de cierre, Reader Of The Runes - Book II demuestran la habilidad de Elvenking para equilibrar melodía y un tanto de agresividad. En general los temas son enérgicos, con melodías de inspiración Folk que se entrelazan a la perfección con un buen trabajo de guitarra. El violín, un elemento esencial del sonido de Elvenking, permanece presente, pero integrado de forma más sutil, a menudo sirviendo como un acento atmosférico o melódico en lugar de ser el punto focal.

Líricamente, el álbum continúa la saga del misterioso lector de las runas, aunque quienes se inician en la historia podrían sentirse un poco perdidos sin el contexto del primer y segundo disco. Aun así, incluso sin profundizar en la historia, las letras son evocadoras y poéticas, pintando vívidas imágenes de traición, profecía y guerra mágica.

No comentaba lo realizado por la banda desde "Era" (2012) y "The Pagan Manifesto" (2014), este último todavía lo mejor que han presentado. Aún así se siente la maduración de la banda a lo largo de los años. Si bien Elvenking siempre ha contado con una base de fans fiel, sus álbumes anteriores a veces recurrían demasiado a los recursos Folk o a una teatralidad desmesurada. Aquí, el equilibrio es interesante. Los elementos Folk son más refinados, y los momentos más pesados ​​no se forzados, sin embargo el songwriting no es todo lo genial que les he percibido en sus mejores discos.

El álbum podría no ser para todos. Su naturaleza conceptual y tono dramático pueden resultar excesivos para los oyentes ocasionales, y la dependencia de una historia continua podría alejar a quienes no estén ya inmersos en la saga. Pero para los fans del Power con influencias Folk, esta es una experiencia divertida, aunque no trascendente.

En conclusión, "Reader of the Runes – Luna" es un trabajo ambicioso de Elvenking, han tenido la virtud de terminar con buen gusto su trilogía, pero me han faltado algo de sonidos novedosos, un poco más de atrevimiento. En todo caso, bien vale la pena darle una repasada.

7/10

Epica - "Aspiral" (Symphonic)

Viejos conocidos de este humilde blog, a quienes por cierto tuve la oportunidad de ver por primera vez y en primera fila hace un par de años, Epica tiene ya bastante recorrido, "Requiem For The Indifferent" (2012), "The Quantum Enigma" (2014), "The Holographic Principle" (2016), "Omega" (2021) han sido todos discos, mínimo, excelentes, algunos un poco más. Esta banda, la más metalera de las bandas Sinfónicas del conocimiento popular (léase: Nightwish, Xandria, en un tiempo atrás Within Temptation, etc) vuelve con su temática existencialista, puede que un cierre, entre otros, de "Quantum", "Holographic" y "Design Your Universe" (2009) como concepto sobre el ser humano y su grandeza.

En su nuevo trabajo, "Aspiral", observo signos, el primero es que no he querido que llegue el momento de escribir sobre él porque quiere decir que debo pasar al próximo trabajo y ya no lo voy a escuchar tan regularmente, el segundo es el interés que me ha suscitado nuevamente su lírica, muy en la perspectiva de aquello de 'be the master over your own energy'. De acuerdo o no con el creacionismo o la evolución, no se puede negar que Mark Jansen, amo y señor de la banda, tiene un don para el arte y la música.

El disco está, como es de suponer, muy bien, incluso podría decir que la orientación metalera, como referí arriba, está más presente aún; lejos de facilismos sinfónicos, hay un nivel de agresión poco común para lo que se acostumbra a esperar de las bandas mal llamadas 'Female Fronted'... y tampoco se puede dejar de alabar por enésima vez la calidad vocal de Simone Simons, de la que puedo dar fe, -aquí el comentario misógino y cancelador- luego de verla a cuatro metros de distancia, que es todo lo hermosa que aparece en las fotos, bella con avaricia.

Los temas buenos están por doquier en "Aspiral", Arcana, Cross The Divide, Darkness Dies In Light - A New Age Dawns Part VII (la más Sinfónica), la balada Obsidian Heart -un puto temazo de riff memorable, nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC- The Grand Saga of Existence - A New Age Dawns Part IX y Aspiral, otra hermosa balada y punto de cierre del disco, el cual incorpora la narración -en la tónica existencialista- de Stanisław Szukalski, un artista polaco con tintes controversiales por su ¿teoría? llamada Zermatismo, que postula que toda la cultura humana se derivó de la Isla de Pascua posterior al diluvio y que la humanidad estaba atrapada en una lucha eterna con los Hijos del Yeti (Yetinsyny), la descendencia del Yeti y los humanos... una vaina rara, aunque lo que dice en el tema está interesante.

Nada de todo lo que he mencionado valdría realmente la pena si "Aspiral" no tuviera un buen songwriting y lo tiene, para mi es excepcional el nivel del trabajo y madurez que ha alcanzado Epica en sus veintipico años de carrera, sin caer en personalismos (cough, Holopainen) y haciendo buena música tanto para ellos como para su público. Me siento afortunado de haber escuchado este disco, creo que tiene madera para trascender en el tiempo, cosa que quizás es lo más difícil para cualquier expresión artística. Puede que sea el mejor disco de Epica.

9/10 Nominado como contendiente a Disco del Año.

Allegaeon - "The Ossuary Lens" (Technical Melodic Death / Melotech)

Bandón, bandón... Allegaeon nunca decepciona. Trabajos como "Proponent For Sentience" (2016) y sus geniales "Apoptosis" (2019)  y "Elements Of The Infinite" (2014) son ejemplos patentes, incluso cuando no fue todo lo esperado con "Damnum" (2022) les agradecí el esfuerzo. No es menos que una buen noticia que se encuentren de vuelta con "The Ossuary Lens", un disco que nuevamente comprueba que los de Colorado tienen todo lo que hace falta.

Es una lástima que este tipo de bandas pasen un poco desapercibidas, está claro que el Melodeath Técnico es un gusto adquirido, no es el Extreme Power del primer apellido, ni tampoco el puro onanismo instrumental que domina el segundo. Es -bueno- justamente eso, una forma de ver el Metal con agresión, pero algo de atemperamiento de la crudeza gracias a las armonías más fáciles y bastante de calidad en la ejecución.

Este, séptimo álbum de estudio de Allegaeon, marca el regreso del vocalista original Ezra Haynes, ausente desde "Elements of..." y reintroduce una intensidad familiar en su sonido. Los growls de Haynes, combinados con la destreza técnica de la banda, ofrecen una excelente mezcla que él mismo ha denominado Melotech... creo que debo incorporar el término al abultado repertorio de estilos, sub-estilos, sub-sub-estilos y sub-sub-sub-estilos (seguro me falta un nivel más abajo) que tiene el Metal.

Recomiendo enfáticamente buscar las letras del disco, el enfoque temático del álbum gira en torno a diversas perspectivas sobre la muerte, y cada canción explora una faceta diferente de esta experiencia universal. Musicalmente, el álbum muestra la complejidad característica de Allegaeon, con un intrincado trabajo de guitarra, ritmos dinámicos y elementos atmosféricos que aportan profundidad a su sonido. 

Caben destacar varios temas Imperial, Chaos Theory, The Swarm, Carried By Delusion -la mejor del disco y nominada a Canción del Año de ELOMC- y casi cualquier otra. Hay un tema que ha llamado la atención y es en el que contribuye Adrian Bellue, un guitarrita de técnica fingerstyle, llamado Dark Matter, el cual es realmente también interesante, pomposo, pero llamativo, típica canción que odias o amas... diría que Allegaeon buscó hacer aquí su Stairway To Heaven :)

"The Ossuary Lens" representa una incorporación cohesiva y madura a la discografía de Allegaeon, que equilibra la destreza técnica con la profundidad temática. La exploración de la mortalidad en el álbum, combinada con sus intrincadas composiciones, ofrece una experiencia reflexiva y sonoramente rica y sus elementos melódicos le imprimen suficiente épica como para no saturar con la agresión, un gran álbum -repito- muy equilibrado.

8.5/10

Tómarúm - "Beyond Obsidian Euphoria" (Technical Progressive Black / Death)

Si alguna vez te has preguntado qué se siente ser aplastado por una manada de virtuosos, no busques más: el último trabajo de Tómarúm, "Beyond Obsidian Euphoria", es lo que buscas. Este álbum no solo traspasa los límites del Black Técnico y Progresivo, ahora con elementos Death también, sino que los catapulta a otra dimensión, todo con la sonrisa confiada del que sabe lo que está haciendo.

Desde el principio, el tema de apertura, In Search of the Triumph Beyond... (Obsidian Overture) -nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC-, te sumerge en un torbellino de diez minutos de riffs vertiginosos, melodías etéreas y compases que parecen tener vida propia. Es como si la banda hubiera decidido que la mejor manera de empezar un álbum era retar a los oyentes a una lucha musical para luego ganar sin esfuerzo. La formación de la banda se ha ampliado desde su debut, el gran "Ash In Realms Of Stone Icons" (2022) y ahora cuenta con tres guitarristas. Se puede suponer que esta decisión se tomó para asegurar que ningún diapasón quedara sin destrozar. El resultado es un muro de sonido tan denso que incluso la luz tendría dificultades para escapar.

Temas como Shed This Erroneous Skin y Halcyon Memory: Dreamscapes Across the Blue -también excelente- combinan a la perfección la ferocidad con momentos de calma introspectiva. Es el equivalente musical a estar atrapado en un mosh un momento y beber té al siguiente. Y justo cuando crees que tienes el álbum resuelto, Blood Mirage ofrece un golpe conciso de agresividad Death, recordándote que la previsibilidad no está en el vocabulario de Tómarúm.

El penúltimo tema, The Final Pursuit of Light, es un coloso de catorce minutos que te lleva a un viaje por diversos paisajes musicales. Es como ver de golpe una temporada completa de una serie de ciencia ficción: desafiante, pero gratificante. El último tema, Becoming the Stone Icon (Obsidian Reprise), ofrece un momento de calma introspectiva, quizás como el descenso después de la montaña rusa.

La crítica ha elogiado el álbum por su dinamismo audaz y su brillantez técnica. La gente de No Clean Singing -no acostrumbro a citar, pero esto vale la pena, dijo: 'La audacia y el dinamismo que exclama "Beyond Obsidian Euphoria" son tan impresionantes técnicamente como fervientemente gratificantes', yo creo que dan en el clavo. Sin embargo, algunos oyentes podrían encontrar la complejidad del álbum un poco abrumadora. No es música de fondo, eso que quede claro. En resumen, "Beyond Obsidian Euphoria" es una clase magistral de caos controlado. Es un álbum que exige atención y recompensa la paciencia, creo que Tómarúm esta destinada a trascender.

9/10 Nominado como Disco del Año

Deafheaven - "Lonely People With Power" (Blackgaze)

El sexto álbum de estudio de Deafheaven, "Lonely People With Power", marca una síntesis convincente de los paisajes sonoros en evolución de la banda. Tras "Infinite Granite" (2021), más pulido y orientado al Blackgaze, esta última entrega retoma las raíces más pesadas de la banda, fusionando a la perfección elementos de su diversa trayectoria musical, aunque no todo el disco es homogéneamente tan bueno como sus anteriores, habiendo una especie de dos discos en uno, una primera parte estándar y una segunda parte genial.

El álbum abre con Incidental I, un preludio atmosférico que prepara el terreno para Doberman, esta canción reintroduce a los oyentes en la fusión característica de Deafheaven de la intensidad del Black y el Post, con los gritos viscerales de George Clarke junto con el intrincado trabajo de guitarra de Kerry McCoy y Shiv Mehra. El sencillo Magnolia, destaca por su energía implacable que evocan el estilo agresivo inicial de la banda. The Garden Route ofrece un contraste con su sensibilidad Dream-Pop de medio tempo, mostrando la versatilidad de la banda. Por su parte, Heathen equilibra pasajes etéreos con intensos crescendos, destacando el dinámico registro vocal. Hasta aquí una primera parte que hace del trabajo una buena entrega.

Es a partir Amethyst, el mejor tema y más expansivo del álbum, que se inicia el verdadero impacto al que en el pasado me había acostumbrado esta gente, sino iniciadores del género, los cimentadores del estilo (denostado y odiado por más de un Black metalero, no se crean que la cosa no es controversial). Este tema pasa de segmentos de palabra hablada a una mezcla culminante de percusión y guitarras imponentes, ejemplificando la maestría de Deafheaven en la dinámica de construcción y liberación. ​

Los interludios Incidental II e Incidental III presentan colaboraciones notables, con Jae Matthews de Boy Harsher y Paul Banks de Interpol aportando sus distintivas voces. Estos temas añaden profundidad y textura, reflejando la disposición de la banda a explorar nuevos territorios sonoros. Revelator ofrece un aluvión implacable de riffs y una batería trepidante, mientras que Body Behavior profundiza en temas de masculinidad y expectativas sociales, subrayados por un ritmo impetuoso (recuerden buscar las letras). El penúltimo tema, Winona -otra gran canción-, encapsula la temática central del álbum, tejiendo narrativas de traumas personales y generacionales a través de una mezcla de pasajes melódicos y agresivos. Para cerrar, The Marvelous Orange Tree rinde homenaje a los orígenes Blackgaze de la banda, con la voz limpia de Clarke aportando belleza a la composición. ​

En esencia, "Lonely People With Power" es un testimonio de la evolución de Deafheaven, fusionando hábilmente sus raíces con matices experimentales. El álbum no solo reafirma su posición en el panorama del Metal contemporáneo, sino que también demuestra su compromiso de traspasar los límites musicales. Un poco menos genial que sus anteriores, pero porque probablemente están explorando nuevos horizontes musicales, igual un gran disco en 2025.

8/10

Imperial Triumphant - "Goldstar" (Blackened Avant-Garde / Jazz)

El último álbum de Imperial Triumphant, "Goldstar", banda a la que es primera vez que le dedico un comentario sin saber porque realmente, marca una notable evolución en la discografía del trío de Avant-Garde con ribetes Black. Conocida por su compleja fusión de sonidos extremos y Jazz, la banda neoyorquina ha creado un disco que equilibra su característico experimentalismo con una inmediatez y accesibilidad que ayudan a pasar el trago ciertamente amargo del género.

Desde el principio, "Goldstar" sumerge a los oyentes en sus intrincados paisajes sonoros. El tema de apertura, Eye of Mars, exhibe la voz gutural y los riffs abrasadores del líder Zachary Ezrin, complementados por las líneas de bajo poco convencionales del bajista Steve Blanco, culminando en un final apocalíptico. Esta intensidad continúa con Gomorrah Nouveaux, -la mejor del disco- que integra ritmos no se si africanos o brasileros -pero ciertamente ultra novedosos- con melodías disonantes, ejemplificando su capacidad para entrelazar diversas influencias en un todo cohesivo.

Otro tema interesante del álbum es Pleasuredome, que cuenta con los bateristas Tomas Haake de Meshuggah y Dave Lombardo de Slayer. Esta colaboración introduce percusión nuevamente de inspiración brasileña, lo que añade una complejidad rítmica única al tema. De igual manera, Lexington Delirium rinde homenaje -entiendo luego de haber buscado las letras- al Edificio Chrysler de Nueva York, fusionando paisajes sonoros urbanos con un intrincado trabajo de guitarra y precisa batería

A diferencia de sus extensas composiciones anteriores, Imperial Triumphant adopta un enfoque compositivo más concreto en "Goldstar", rematando en treinta y ocho agradecidos minutos un trabajo cuya complejidad habría hecho incómodo el extenderse más. Esta brevedad da potencia al impacto del álbum, haciéndolo más accesible sin sacrificar la esencia Avant-Garde de la banda.

En resumen, "Goldstar" es un testimonio del crecimiento artístico de Imperial Triumphant, ofreciendo una experiencia auditiva ágil pero todavía desafiante. Al refinar sus complejas composiciones para convertirlas en formatos más digeribles, la banda invita tanto a los seguidores de toda la vida como a los recién llegados a explorar su paisaje sonoro. Este álbum pone en el centro de la escena del Avant-Garde de 2025 a la banda, demostrando que la innovación y la accesibilidad pueden coexistir sin diluir la integridad artística.

8/10

Cradle Of Filth - "The Screaming Of The Valkyries" (Symphonic / Gothic / Black)

La acostumbrada introducción donde uno dice algo interesante es una especie de lugar común, se le da la vuelta a algo que no tiene relación y como por arte de magia se cae en el disco (ahí es donde el comentarista se gana su sueldo)... en el caso de Cradle Of Filth es como caerle a martillazos a una galleta, es demasiado fácil, la banda -Dani Filth, en puridad- es un gusto adquirido, te gusta, lo odias, lo escuchas, no lo soportas, casi cualquier cosa que digas podría ser cierto. El espectro de opciones con este veterano de treinta y cinco años de vida artística es enorme y nada como un nuevo disco suyo para inspirarse, hablemos de "The Screaming Of The Valkyries"

Debo comenzar diciendo que sus últimos discos no me impactaron, "Cryptoriana - The Seductivness Of Decay" (2017) abiertamente no me gustó y  "Hammer Of The Witches" (2015) pasó aprobado por no mucho, creo que ni escuché su anterior "Existence Is Futile" (2021) y no me he resentido por esa decisión, pero ahora con "The Screaming Of The Valkyries" he sentido renovadas ganas de pasearme por él, porque por el murmullo mediático pareciera que puede haber sorpresas. Y efectivamente las hay...

Desde el primer tema del trabajo, el disco marca la pauta con una celebración del hedonismo desenfrenado. Dani Filth, lo describe como un tributo a vivir sin las restricciones de las normas sociales, disfrutando de los placeres de la vida tal como lo dispuso la naturaleza. 

En lo que a algunos temas respecta, Demagoguery muestra la característica voz gutural de Dani en medio de una vorágine de caos, recordando a los oyentes por qué Cradle Of Filth ha sido venerado y vilipendiado a la vez durante décadas. El tema es un asalto implacable a los sentidos, que combina riffs de sierra con gritos operísticos, característicos de la banda. La canción más destacada del disco es Non Omnis Moriar (en latín, no todo de mí morirá), que entrelaza hilos folk en un tapiz Black. Este tema ejemplifica la capacidad de la banda para fusionar lo antiguo con lo nuevo, creando un sonido atemporal y contemporáneo, con un riff francamente genial y unos coros emocionantes, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC

White Hellebore destaca como una composición siniestra pero seductora, con letras que ahondan en la naturaleza agridulce de la existencia. El video musical que acompaña al álbum, por si no lo han visto, esta repleto de horror gótico, presenta a una joven estrella de cine que sobrevive a la tumba a través de oscuras fuerzas ocultas, añadiendo un festín visual a la experiencia auditiva. Abajo lo pueden ver.

"The Screaming of the Valkyries" es un testimonio de la resiliencia y adaptabilidad de Cradle of Filth, con un sonido que, manteniéndose fiel a su historia, muestra unas buenas canciones, cosa que siempre es de agradecer. A pesar de los cambios en la formación, incluyendo la incorporación del guitarrista Donny Burbage y la teclista/vocalista Zoe Marie Federoff, la banda ha creado un álbum que se siente fresco y familiar. Es una combinación de grandilocuencia extremista, atmósfera poco convencional y gritos operísticos que sigue definiendo su estilo único de Metal. Por una vez, para mi, Cradle Of Filth se ocupó más del fondo que de la forma, bien por ellos.

8/10

Warbringer - "Wrath And Ruin" (Modern Thrash)

Si alguna vez te has preguntado qué se siente al ser apaleado por una guitarra en lugar de un martillo, el último álbum de Warbringer, "Wrath And Ruin", ofrece una aproximación bastante cercana. Este disco consolida la reputación del quinteto californiano como titanes del Thrash moderno, ofreciendo un asalto sónico implacable y emocionante. 

En una breve lección de historia, esta gente viene de Ventura, California y ha sido una fuerza formidable en el resurgimiento del género desde principios de la década del 2000. Sus álbumes anteriores, en especial "Woe To The Vanquished" (2017) y "Weapons Of Tomorrow" (2020), mostraron su evolución, desde unos disco solo decentes al comienzo hasta verdaderos creadores de riffs demoledores y solos fulminantes en los más recientes.

El álbum abre con una fanfarria casi al estilo de Manowar, preparando el terreno para una cruzada de riffs. La primera canción transiciona fluidamente entre ritmos galopantes y riffs a medio ritmo, mientras el vocalista John Kevill ofrece sus característicos gritos desenfrenados. Luego A Better World entrega un riff melódico con tintes Death, muy interesante.

La canción Neuromancer se sumerge en temas distópicos, esta canción se mueve de forma tranquila y constante, The Jackhammer, fiel a su nombre, es un aluvión implacable de riffs rápidos y ritmos de batería febriles, que garantizan un frenesí salvaje. Through A Glass, Darkly, inspirada en el general de la Segunda Guerra Mundial, George Patton, opta por un enfoque más contemplativo y melódico, con tonos dramáticos. Strike From The Sky surge con un impulso imparable, con riffs adictivos y explosiones vocales frenéticas que inyectan una repentina descarga de adrenalina. Cierran Cage Of Air, con blastbeats aplastantes alta lírica, siendo The Last Of My Kind, un final poderoso, este tema está armado con gritos de desafío y una voluntad inquebrantable de defender lo que es justo... o así me parece a mí.

"Wrath And Ruin" es un testimonio de la capacidad de Warbringer para evolucionar ellos como banda y el género al que se le acusa de haberse estancado, todo sin perder la ferocidad que los define (a ambos). Es un álbum que invita a hacer un mosh mientras se reflexiona sobre las complejidades de la vida moderna: una combinación rara y estimulante. La incorporación de elementos Black, Melodeath y Heavy hacen del disco un rato entretenido que bien merece la pena. Este puede ser el mejor trabajo de la banda a la fecha, lo que ya es decir.

8/10

Whitechapel - "Hymns in Dissonance" (Deathcore)

En el gran escenario de la evolución del Metal, pocas bandas han tejido un patrón tan intrincado como Whitechapel. Con su último lanzamiento, "Hymns in Dissonance", revisitan sus raíces brutales y elaboran su nuevo trabajo con la delicadeza de artesanos que han pasado casi dos décadas perfeccionando su arte. Es como si nos invitaran a un sermón de alto voltaje donde los himnos tratan menos sobre la salvación y más sobre la aceptación del abismo caótico y hermoso. Para mi, un viaje al pasado, con explosivos modernos.

¿Recuerdan aquellos días en que la música de Whitechapel se sentía como si la hubieran apaleado con un martillo? "Hymns in Dissonance" recupera esa sensación, temas como Prisoner 666 y el homónimo Hymns in Dissonance evocan la ferocidad de sus primeros trabajos, con riffs implacables y voces guturales que podrían invocar a uno o dos demonios. Es una experiencia nostálgica y refrescante. Pero se deje engañar por la brutalidad; hay un método en esta locura. 

El álbum se estructura ingeniosamente en torno a los siete pecados capitales, y cada canción, desde Diabolic Slumber hasta Nothing Is Coming for Any of Us, encarna un vicio específico. Este enfoque temático añade una capa de profundidad, convirtiendo la experiencia auditiva no solo en un ejercicio para los músculos del cuello, sino también en un festín para la corteza cerebral. Es como asistir a una clase de filosofía, pero ensangrentado.

El asalto de tres guitarras de Ben Savage, Alex Wade y Zach Householder es una lección de caos controlado. Sus riffs atraviesan la mezcla con precisión, mientras que la sección rítmica —Gabe Crisp al bajo y Brandon Zackey a la batería— proporciona una base sólida. La voz de Phil Bozeman es la guinda del pastel, oscilando entre guturales demoníacos y melodías inquietantes.

Para mi el punto culminante del disco son los temas de cerrar, Mammoth God y la mencionada Nothing Is Coming For Any Of Us, las cuales tienen de todo, melodía, agresión, introspección instrumental... hacía tiempo que no me sentía tan movido por un par de canciones de este estilo con tal calidad y profundidad. Obvias candidatas a Canción del Año de ELOMC y así quedan nominadas.

"Hymns in Dissonance" es un regreso fuerte para Whitechapel, que combina la agresividad desenfrenada de sus primeros años con la sofisticada composición que han desarrollado con el tiempo y aunque no todos los temas mantengan la perfección, el álbum no solo te invita a escucharlo, exige tu atención completa. Tanto si eres un fan de toda la vida como si eres un recién llegado con curiosidad por el lado más oscuro del espectro musical, este disco ofrece una experiencia profundamente emocionante.

8/10

Sarcator - "Swarming Angels & Flies" (Blackened Thrash / Death)

El tercer álbum de estudio de Sarcator, "Swarming Angels & Flies" muestra la evolución del cuarteto sueco en la escena del Blackened Thrash, inspirándose en grupos seminales como Kreator, Sodom y Morbid Angel, la banda ofrece una experiencia fresca pero nostálgica que rinde homenaje a las raíces del género al tiempo que afirma su identidad única.

El álbum comienza con Burning Choir, una pista explosiva que sumerge inmediatamente a los oyentes en una vorágine de riffs agresivos y percusión implacable. La energía es palpable, con la voz gutural de Mateo Tervonen canalizando la intensidad cruda característica del Thrash de mediados de los 80s. Este tema de apertura establece un estándar alto, combinando la ferocidad de la vieja escuela con la claridad de la producción moderna.

Comet Of End Times continúa con un trabajo de guitarra vertiginoso y cambios de ritmo dinámicos. Los intrincados arreglos de la canción demuestran la madurez compositiva de la banda, tejiendo melodías clásicas de Metal con matices ennegrecidos. La interpretación vocal es a la vez amenazante y vigorizante. Luego la canción homónima se destaca como un testimonio de la destreza de Sarcator para crear coros en medio del caos. El ritmo implacable de la canción y los solos vertiginosos recuerdan al Death temprano, pero el estilo distintivo de la banda garantiza que no se sienta derivado. Esta fusión de estilos da como resultado una canción que es a la vez castigadora y estimulante.

El siguiente tema, The Deep Ends ofrece un respiro de medio tiempo sin sacrificar la intensidad. Sus riffs y melodías inquietantes evocan una sensación de fatalidad inminente, mostrando la capacidad de la banda para diversificar su sonido manteniendo la cohesión. La influencia del Heavy tradicional es evidente aquí, añadiendo profundidad a la paleta sonora del álbum. Para mí es el mejor tema del disco, sin duda.

El resto del trabajo se aventura en territorios a veces un tanto Prog, con estructuras complejas y pasajes atmosféricos que desafían las convenciones del género; le alabo la voluntad de Sarcator de experimentar, pero no estoy seguro que haya quedado todo lo bien que ellos esperaban, especialmente Where The Voids Begins se me hizo rara -buena considerada individualmente, pero no era este el disco donde pienso que de debía estar-.

"Swarming Angels & Flies" es un testimonio del crecimiento de Sarcator como músicos y su dedicación al oficio. El álbum combina influencias del Thrash, el Black, Heavy y Death, lo que da como resultado un sonido innovador. La calidad de la producción mejora la experiencia auditiva, capturando la energía cruda de la interpretación de la banda sin sacrificar la claridad. En un género en el que es fácil caer en lugares comunes, Sarcator logra mantener las cosas frescas y atractivas.

7.5/10

Havukruunu - "Tavastland" (Melodic Black / Folk)

En los anales helados del Black finlandés, donde el sol no se atreve a quedarse y las melodías se forjan en el crisol de fuegos antiguos, el último opus de Havukruunu, "Tavastland", surge como un formidable testimonio de la vitalidad del género. Este cuarto álbum consolida la estatura de la banda como abanderados del Black pagano, entrelazando hábilmente la ferocidad cruda con un estilo distintivo, melódico y vigorizante, que refrenda lo que se presentía con su anterior trabajo "Uinuos Syömein Sota" (2020), un dechado de virtudes.

Desde su inicio, "Tavastland" envuelve al oyente en un paisaje sonoro que es a la vez expansivo e íntimo, que recuerda una travesía por vastos terrenos nórdicos mientras se está en sintonía con los susurros de los espíritus ancestrales. El tema de apertura marca el tono con un riff cataclísmico (un motivo que se repite a lo largo del álbum) y que da paso a melodías grandiosas y una percusión atronadora. Esta composición ejemplifica la destreza de Havukruunu para crear epopeyas que son tan emotivas como imponentes desde el punto de vista sonoro.

Una característica destacada de "Tavastland" es su magistral equilibrio entre la agresión y la melodía. En el disco se personifica este equilibrio, con blast beats implacables que apuntalan melodías de guitarra altísimas, cuya calidad es más que notable en este trabajo, quedándose con el protagonismo del disco. Esta síntesis de ferocidad y armonía no solo rinde homenaje a las raíces Black de la banda, sino que también muestra su evolución hacia un sonido más matizado.

La calidad de producción de "Tavastland" merece un elogio especial. El álbum cuenta con un sonido rico y envolvente, con instrumentación en capas y armonías vocales grandiosas que elevan la experiencia auditiva. La batería resuenan con una intensidad primaria, proporcionando una base sólida para el intrincado trabajo de guitarra y las voces evocadoras. Esta meticulosa atención a los detalles en la producción realza la atmósfera épica del álbum, envolviendo al oyente en un tapiz sonoro que es a la vez majestuoso y visceral.

Las influencias de Havukruunu son perceptibles pero ingeniosamente integradas, lo que permite que "Tavastland" se destaque como una entidad única dentro del panteón del Black. Si bien los paralelismos con Moonsorrow son evidentes, particularmente en la atmósfera del álbum y las sensibilidades melódicas, Havukruunu evita la mera imitación. En cambio, infunden estas inspiraciones con su propia visión creativa, lo que da como resultado un sonido que es a la vez familiar y refrescantemente original.

En el ámbito de los sitios de costumbre , "Tavastland" ha sido elogiado por su composición cohesiva y su madurez artística con justa razón. En resumen, "Tavastland" es un logro monumental que no solo refuerza la posición de Havukruunu dentro de la jerarquía del estilo, sino que también amplía sus límites, incorporando melodía poderosa e inspiradora y una calidad de grabación poco común. Todos -todos- los temas del trabajo tienen algo que ofrecer, riffs recordables y desarrollo a profundidad, especialmente destacados son Kouleman Oma, Unissakävijä, Havukruunu Ja Talvenvarjo y Tavastland, nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

Disco indispensable para 2025 y uno de los mejores de fechas recientes del género, de necesidad absoluta.

9/10. Nominado como Disco del Año.

Avantasia - "Here Be Dragons" (Power / Hard Rock)

Embarcarse en la última obra de Avantasia, "Here Be Dragons", es como zarpar en un viaje fantástico donde el Metal se encuentra con el mito. Tobias Sammet, el carismático capitán de este barco sinfónico, vuelve a reunir a una tripulación de vocalistas legendarios para navegar por los tumultuosos mares del Power. Pero, ¿esta expedición infestada de dragones se elevará a nuevas alturas o se tambaleará en aguas familiares?

El viaje comienza con Creepshow, -la mejor del disco- una canción que atrae a los oyentes con sus pegadizos estribillos y su estilo teatral. La brevedad de la canción y su sensibilidad cuasi-Pop la convierten en un punto de entrada accesible, aunque algunos pueden añorar las composiciones más intrincadas de antaño. La canción homónima, Here Be Dragons, se despliega como una epopeya de ocho minutos con la inconfundible voz de Geoff Tate. Esta canción es un viaje laberíntico a través de melodías cambiantes y arreglos bien ejecutados que muestra la inclinación de Avantasia por contar historias. La contribución de Tate agrega una capa de misticismo, recordándonos por qué sigue siendo una figura venerada en el mundo del Metal.

The Moorlands at Twilight ve a Michael Kiske prestando su voz imponente a una canción que galopa con la urgencia de un caballero que llega tarde a un torneo de justas. Es Power en su forma más emocionante, con Kiske y Sammet intercambiando líneas como espadachines en duelo, aunque el líder de Avantasia no muestra su potencia de antaño, ni llega a los gritos que lo han destacado, sigue haciendo buen papel.

Tommy Karevik se convierte en el centro de atención en The Witch, una canción que teje un tapiz oscuro con tintes electro. La entrega emotiva de Karevik aporta profundidad a la narrativa, lo que hace de esta canción quizás el segundo momento más destacado en el álbum. Ronnie Atkins inyecta una dosis de energía cruda en Phantasmagoria, una canción que avanza a toda velocidad con un impulso implacable pero su songwriting no me terminó de convencer.

Bring On the Night reúne a Sammet con Bob Catley, lo que da como resultado una canción que exuda un aura de Rock clásico y que me atrajo bastante. La voz experimentada de Catley se combina a la perfección con el coro himno de la canción, evocando una sensación de nostalgia sin dejar de sentirse fresca. La aparición de Adrienne Cowan en Avalon introduce un toque vívido de color, su excelente voz combina bien con la de Sammet. 

Kenny Leckremo aporta sus tonos distintivos a la canción más épica del álbum, Against the Wind, con una interpretación dinámica y memorable. El álbum culmina con quizás lo más esperado, a Roy Khan con Everybody's Here Until the End, esta canción de cierre es un momento de emoción pausada, con la voz emotiva de Khan bajando el telón con gracia en este viaje musical.

Sin embargo, no todo es un camino de rosas en este viaje. La voz de Sammet a veces suena forzada, particularmente en notas más altas, lo que puede distraer a los oyentes más exigentes y el songwriting aunque bueno, no alcanza las cotas altas de discos recientes, tipo "A Paranormal Evening With The Moonflower Society" (2022) o "Moonglow" (2019)... lejos quedaron las genialidades de sus "Metal Operas". Además, la mezcla ecléctica de estilos del álbum, si bien muestra la versatilidad de Avantasia, puede dejar a algunos con ganas de una experiencia sonora más cohesiva.

En conclusión, "Here Be Dragons" es un testimonio de la capacidad duradera de Avantasia para crear narrativas musicales y reunir a algunos de los mejores cantantes del género, pero no termina de convencerme tanto como algunos de sus mejores trabajos. Buen disco, pero con limitaciones.

7/10

Retromorphosis - "Psalmus Mortis" (Technical Death)

En el escenario del Death Técnico, donde la complejidad a menudo eclipsa al alma, el álbum debut de Retromorphosis, "Psalmus Mortis", avanza a paso firme sobre el escenario como un maestro de orquesta con una motosierra: preciso, brutal e inesperadamente ingenioso. Este conjunto, que incluye cuatro quintas partes de la legendaria banda Spawn of Possession, resucita la esencia de su antigua gloria al tiempo que inyecta una vitalidad fresca, aunque macabra, al género.

Desde los inquietantes acordes iniciales del intro Obscure Exordium, es evidente que Retromorphosis no llegó simplemente para repetir viejos riffs. Este preludio instrumental establece un tono inquietante, mezclando tonos de órgano fantasmales con cuerdas que generan tensión, como si invocaran horrores sobrenaturales desde el abismo. Luego viene Vanished, una con una andanada de riffs cargados de groove y precisión quirúrgica. Los solos de Christian Muenzner chillan como espíritus torturados, mientras que el bajo de Erlend Caspersen se desliza por debajo, agregando un tono siniestro. La voz de Dennis Röndum es cavernosa y dominante, pero sorprendentemente inteligible, evocando una atmósfera cargada de terror que encaja perfectamente con los temas del álbum de decadencia y transformación. 

Aunt Christie's Will se destaca como una obra maestra narrativa, tejiendo una historia siniestra sobre riffs agitados y excéntricos. La influencia de las bandas sonoras de terror clásicas es inconfundible, con espeluznantes florituras de sintetizador que realzan la narrativa inquietante de la canción. Es como escuchar una adaptación de una historia de Edgar Allan Poe: oscura, retorcida y absolutamente absorbente.

Sin embargo, no todo es perfecto en esta casa de los horrores. Algunos críticos han señalado que, si bien el álbum apunta a una producción cruda y de la vieja escuela, ciertos elementos como los coros góticos en temas como Obscure Exordium y Retromorphosis se sienten un poco anticuados. Es una objeción razonable, similar a encontrar una telaraña fuera de lugar.

La canción principal, Retromorphosis, sirve como una pieza central temática y sonora, que encapsula la capacidad de la banda para fusionar la destreza técnica con la profundidad atmosférica. La canción gira y se retuerce a través de firmas de tiempo complejas y cambios de tempo, todo ello manteniendo una experiencia cohesiva e inmersiva. Nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

En conclusión, "Psalmus Mortis" de Retromorphosis es un formidable debut -de gente que no está debutando- en el canon Tech Death, que combina una musicalidad virtuosa con un sentido palpable de atmósfera y profundidad narrativa. Es un álbum que no solo desafía la apreciación técnica del oyente, sino también su capacidad para contar historias oscuras y retorcidas... increíble como hay belleza en la oscuridad.

8/10

Dynazty - "Game Of Faces" (Power / Electronic)

Si se pudiera morir de alegría, este disco te mataría en quince minutos, la gente de Dynazty, quien tiene en su haber algunos de los mejores discos que he escuchado en el Power, como fue "Renatus" (2014), vuelve a las andadas tras tres años de espera con "Game Of Faces", un disco que confirma su variación de estilo hacia zonas más Electronica e incluso de toques Industrial, aunque manteniendo la base Power que los ha distinguido... pero ¿Puede tanta felicidad completar un disco redondo?... iremos viendo.

A ver, "Game of Faces" ¿Por dónde empiezo? Si alguna vez te has preguntado cómo se siente estar atrapado en un ascensor con un sintetizador y un vocalista que acaba de descubrir el autotune, este álbum es tu respuesta. Es como si la banda se propusiera crear el equivalente musical de una crisis de la mediana edad, con pantalones de cuero y pirotecnia innecesaria. Por una vez me he sentido abrumado por la cantidad de clichés que Dynazty ha reunido en un solo disco, es demasiado, de tanto tratar creo que se pasaron dos pueblos.

Desde la primera canción, Call of the Night, te recibe una pared de teclados mientras las guitarras intentan hacer su aparición, pero se ahogan rápidamente. La canción homónima, Game of Faces, continúa este asalto auditivo con un ritmo que solo podría describirse como palpitante, sus letras profundizan en temas de autodescubrimiento y renacimiento, lo cual es irónico considerando que la música parece haber sido resucitada del cementerio de los clichés olvidados del Glam. En Devilry of Ecstasy es donde la banda intenta ser atrevida, la canción cuenta con melodías enormes pero nuevamente me produjeron risa en vez de gusto, es sencillamente excesivo, caricaturesco. Aunque la mayoría de los coros del disco son pegadizos, lo admito, el concepto 'over the top' que la banda maneja me pareció sobrecogedor.

El disco no es malo, pero es demasiado fresita, mucho con demasiado, un banana-split musical (busquen los más jóvenes que plato es ese), hecho para novatos del Metal y sus novias no metaleras, y desafortunadamente la voz de Nils Molin requiere ayuda de la tecnología. La masterización hace que las guitarras estén tapadas por el omnipresente teclado, el cual es excesivo desde todo punto de vista y aunque en algunos temas los coros se hacen gustosos, el songwriting es genérico.

En resumen, "Game of Faces" es un álbum que intenta serlo todo y termina siendo poco, está destinado para gente que odia el mínimo nivel de agresión y prefiere el exceso melódico sin pudor. Lastimosamente este disco es mezcolanza de temas sobreproducidos que carecen de verdadera alma, originalidad y cualquier atisbo de cohesión... joder, si un tema como Dream Of Spring no te produce cierto cringe, este es tu disco. Para cualquier otro que necesite algo más de intensidad y arte, hazte un favor y busca en otra parte. 

5.5/10

Phrenelith - "Ashen Womb" (Death / Doom)

¡Ah, el Death! Un género en el que los riffs son subterráneos, las voces suenan como una deidad del terror haciendo gárgaras con alquitrán y la atmósfera es tan opresiva que hace que el derrumbe de una cueva parezca una brisa. Aquí entra "Ashen Womb", el tercer trabajo de los daneses Phrenelith, un álbum que no solo adopta estas cualidades, sino que desciende a un abismo, cava más profundo y supura.

Desde el intro y la canción de apertura, Phrenelith marca el tono con guitarras turbias y empapadas de reverberación y gruñidos cavernosos que suenan menos como una voz humana y más como algo gimiendo. Recuerdo haber oído su debut "Desolate Endscape" (2017) pero no tuve tiempo de escribir sobre él, ahora no se me escapa la oportunidad de referirles el sonido de cripta de la banda en el que las cosas miserables que hay en su interior se abren camino hacia la superficie.

Los riffs del disco se filtran, moviéndose con una sensación de pavor y pesadez interesante. Hay momentos de desesperación, como en el tema A Husk Wrung Dry, donde el ritmo se ralentiza como una bestia que se niega a morir. Phrenelith  es una banda que domina el arte del ritmo, equilibrando asaltos de trémolo con pasajes espeluznantes del mundo Doom y en este trabajo se percibe esa cualidad claramente.

La producción es cavernosa pero nunca turbia: hay una niebla espesa y siniestra alrededor de todo, pero la mezcla aún permite que los riffs atraviesen la pared de sonido. El ataque de cuerdas es particularmente notable, tejiendo entre acordes gruesos y melodías inquietantes y disonantes, gran calidad instrumental de este cuarteto en el que no hace falta excederse en la exhibición técnica para hacer un buen disco.

Vocalmente, Simon Daniel y David Torturdød hacen de Phreneith un abismo de guturales. Los growls suenan como una bestia que brama desde las profundidades y cuando las voces más profundas, casi como un canto, se superponen, es genuinamente inquietante. Hay una cualidad ritualista en la forma en que las voces interactúan con la música: no es solo brutalidad, es invocación.

En poco más de treinta y nueve minutos "Ashen Womb" no se extiende demasiado, te arrastra a su abismo y te deja pudrirte lo suficiente como para no agotar. No hay relleno, solo Death puro e implacable, ejecutado con una sensación de horror Doom. Siento que este disco muestra el sonido del género bien hecho: primario, sofocante y lleno de terror sobrenatural, este es un trabajo que se debe escuchar. Otros temas destacados son Nebulae, Chrysopoeia y Ashen Womb.

8/10

Majestica - "Power Train" (Symphonic Power)

Todos a bordo de "Power Train", donde Majestica diseña un viaje de Power Sinfónico tan emocionante como una montaña rusa y tan grandioso como la guarida de un dragón, con exactamente las mismas herramientas que el resto de bandas similares, pero digamos que con algo más de buen gusto que lo usual. Este álbum marca un regreso para los suecos, quienes tenían cinco años de parón, mezclando sus característicos riffs de alta velocidad con esplendor orquestal. 

Desde el momento en que la canción que da título al álbum sale de la estación, los oyentes se ven inmersos en un torbellino de voces altísimas y solos de guitarra ultrarrápidos. Tommy Johansson (a.k.a. ReinXeed), el líder de la banda y ex guitarrista de Sabaton, muestra su talento multifacético, entregando una voz que podría hacer sonrojar a una valquiria y manejando su guitarra con la delicadeza de un guerrero experimentado. La canción marca el tono, prometiendo un álbum lleno de composiciones rápidas, extremas, melódicas y... rápidas.

No Pain, No Gain sigue, levantando un poco el acelerador, con intros y coros cargados de sintetizadores que se clavan en tu cerebro como una flecha bien apuntada, siendo ésta la mejor del disco desde mi perspectiva. No dudarán que el ritmo de la canción es contagioso, obligando incluso al oyente más estoico a seguirla, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

A medida que avanza el viaje, el disco suena un poco más estándar, con los elementos básico de los shows en vivo que creo tienen en ciernes. Sus introducciones vocales grupales y sus llamados a las armas evocan imágenes de batallas épicas en costas lejanas. La energía es palpable y uno casi puede escuchar a la multitud cantando al unísono.

Un momento destacado del álbum es My Epic Dragon, una canción que ha estado filtrándose en el repertorio de la banda durante años. Esta canción está bastante bien y combina potencia sinfónica  con arreglos orquestales y la ridícula lírica del Euro Power -no se puede hacer nada contra eso-. Es un tapiz sonoro que transporta a los oyentes a un reino donde los dragones vuelan y los héroes triunfan... alto, altísimo, muy-muy-muy alto... bueno, eso.

La calidad de producción de "Power Train" es pulida, los instrumentos suena bien, desde los tambores de Joel Kollberg hasta las líneas de bajo de Chris Davidsson. La incorporación de Petter Hjerpe en las guitarras complementa la destreza de Johansson, creando armonías que son complejas y armoniosas. Las capas orquestales agregan profundidad sin abrumar, logrando un raro equilibrio que realza la sensación épica del álbum.

En "Power Train", Majestica ha creado un álbum que sigue rindiendo homenaje al género y aunque no lo lo eleva a nuevas alturas, combina la competencia técnica con la emoción sincera y un par de muy buenas canciones. Ya seas un fan de toda la vida o un novato en las propuestas de la banda, este álbum promete un viaje emocionante pero quizás olvidable tan pronto aparezca la próxima banda que hace esto.

7.5/10

Saor - "Amidst The Ruins" (Atmospheric Black / Folk)

Lo más reciente de Saor, "Amidst The Ruins", se erige como un testimonio monumental de la inquebrantable dedicación de Andy Marshall a sus raíces caledonias. El sexto álbum de estudio de este unipersonal invita a los oyentes a un viaje épico a través de las tierras altas cubiertas de niebla de Escocia, mezclando elementos feroces del Black con melodías Folk de una belleza inquietante.

El álbum comienza con la canción principal, Amidst The Ruins, una odisea de casi trece minutos que encapsula la esencia del sonido característico de Saor. Tambores trepidantes que dan paso a riffs con  un trémolo electrizante. A medida que avanza la canción, los instrumentos tradicionales como las flautas y las gaitas irlandesas se entrelazan con el tapiz sonoro, creando un paisaje que es a la vez feroz y melódico. Los minutos finales se intensifican con una enorme armonización de guitarras y cuerdas, que culmina en una demostración auditiva de orgullo y heroísmo escoceses.

Echoes Of The Ancient Land sigue, adoptando inmediatamente un enfoque de composición más punzante. La canción mezcla riffs predeciblemente rápidos y pasajes impredeciblemente técnicos, creando un aura de deambular por paisajes antiguos. La instrumentación Blackened Folk evoca paisajes sonoros que inspiran sentimientos de caminar por terrenos antiguos. El tema Glen Of Sorrow se destaca como un momento destacado conmovedor, que recupera la devastación, la pérdida y la traición sufridas en la Masacre de Glencoe, una de esas oportunidades en el siglo diecisiete en la que los humanos dejamos de serlo. La atmósfera envolvente de la canción transporta a los oyentes al corazón de las Highlands de Escocia, con sus majestuosos paisajes sonoros y melodías melancólicas. 

El disco toma un giro contemplativo con The Sylvan Embrace, una sentida y melancólica pieza Neofolk que incluye voces susurrantes, violonchelo y suaves guitarras acústicas. Esta pista sirve como un respiro bienvenido, ofreciendo un delicado contraste con sus empalagosas progresiones de acordes y dulces melodías. Rebirth cierra el álbum con una nota triunfal, forjando una armonización de guitarras y cuerdas con capas de voces cantadas limpiamente, siendo éste el tema que más me gusto. El cambio de tono vertiginoso en la sección intermedia es un momento conmovedor que hace terminar el álbum de manera espectacular.

Con "Amidst The Ruins", Saor ha creado un álbum que es a la vez un tributo a la rica historia de Escocia y un testimonio del poder perdurable del género. Es un viaje que vale la pena emprender, incluso si eso significa perderse un poco en el camino y algunos momentos baja la intensidad un poco demás desarrollados, pero en general el disco me ha parecido una de las cosas más destacadas del reciente año.

8/10. Buena portada.

Dream Theater - "Parasomnia" (Progressive)

El último trabajo de Dream Theater, "Parasomnia" marca un capítulo monumental en la legendaria carrera de la banda. No solo es su decimosexto álbum de estudio, sino que también anuncia el esperado regreso del baterista fundador Mike Portnoy después de una pausa de quince años. La reunión de la formación clásica, Portnoy, el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el tecladista Jordan Rudess y el vocalista James LaBrie, tiene a los fanáticos y a los críticos entusiasmados.

Temáticamente, "Parasomnia" se adentra en el enigmático reino de los trastornos del sueño, explorando temas como los terrores nocturnos, la parálisis del sueño y los sueños lúcidos. La estructura del álbum recuerda trabajos anteriores y cada tema ofrece una narrativa relacionada con el tema general, muy similar al enfoque adoptado en "Six Degrees of Inner Turbulence" (2002).

El tema de apertura, In the Arms of Morpheus, prepara el escenario con una introducción ambiental que gradualmente se convierte en un tapiz complejo de sonido. La interacción entre los intrincados riffs de guitarra de Petrucci y los teclados atmosféricos de Rudess crea un ambiente onírico, que atrae al oyente al mundo conceptual del álbum. Night Terror sigue, sumergiéndose en la desgarradora experiencia de pesadillas vívidas. La voz de LaBrie transmite una sensación palpable de terror, cantando líneas como 'La carne se arrastra; necesito abrirme paso con garras fuera de este infierno', capturando la esencia del miedo nocturno. Los cambios dinámicos de la canción y las firmas de tempo impredecibles reflejan la naturaleza inquietante de los propios terrores nocturnos.

Un momento destacado del álbum es Midnight Messiah -probablemente la mejor del trabajo-, que sorprende a los oyentes con un estribillo feroz y de alto octanaje que evoca la energía del metal de los '80s. Este giro inesperado muestra la capacidad de la banda para mezclar la nostalgia con su estilo progresivo característico, lo que da como resultado una canción que es a la vez estimulante e innovadora. La balada Bend the Clock ofrece un momento de introspección en medio de la intensidad del álbum. Descrita por algunos como 'una de las cosas más hermosas que la banda ha escrito en décadas', la canción mantiene una atmósfera tensa y oscura, sin abrazar nunca por completo la serenidad, pero cautivando con sus lánguidos giros y vueltas.

El disco culmina con la épica de veinte minutos, The Shadow Man Incident. Esta extensa composición entrelaza elementos de Speed, interludios ambientales y melodías altísimas, encapsulando la inclinación de la banda por contar historias ambiciosas a través de la música. El regreso de Portnoy es innegablemente un punto focal de "Parasomnia". Su batería aporta una energía y complejidad renovadas a las composiciones, recordando a los oyentes la química que definió los trabajos anteriores de Dream Theater. 

En conclusión, para una banda que atrae tanto hate como love por parte de todo el mundillo del Metal e incluso fuera de él, las altas expectativas que se tenían de este come back y la dificultad propia del Progresivo puro (me tomó varios intentos terminarlo, tiene demasiado para un solo bocado), "Parasomnia" es un testimonio de la perdurable destreza de Dream Theater en el género. Yo lo ubico, si de preferencias se trata, por detrás de "Metropolis Pt.2..." (1999), "Image And Words" (1992), "Awake" (1994), "Six Degrees..." (2002) y "A Dramatic Turn Of Events" (2011), al menos a la altura de "DT" (2013) y por encima del resto de su discografía, especialmente del que-no debe-ser-nombrado (2016), "Distance Over Time" (2019) y "A View..." (2021), es decir los más reciente. 

Como no sería menos de esperar, el álbum combina a la perfección el virtuosismo técnico con una narrativa emotiva y un buen songwriting, a veces incluso muy bueno, todo mientras reúne una formación que muchos fanáticos consideran la formación por excelencia. Ya seas un devoto desde hace mucho tiempo o un recién llegado a su sonido, "Parasomnia" ofrece una experiencia rica e inmersiva que se percibe como un punto destacado en la impresionante discografía de Dream Theater.

8/10

Dragonknight - "Legions" (Symphonic Power)

Cambiando el tercio totalmente respecto al comentario anterior, hablaremos de la otra punta del Metal, el Power melódico, en este caso del álbum debut de Dragonknight, "Legions", el cual es una odisea que transporta a los oyentes a reinos de fantasía y valor. Originaria de Finlandia, esta enigmática banda está compuesta por miembros enmascarados conocidos solo por sus apodos: Lord Gryphon, Lord Kharatos, Lord Solarius, Lord Orthrakis y Lord Salo Khan.

El viaje comienza con Ascendance - Through Sea and Fire, un preludio instrumental que establece un tono majestuoso, mezclando melodías etéreas con una sensación de aventura inminente. Esto da paso a The Legions of Immortal Dragonlords, una canción que avanza a paso rápido con ritmos poderosos, riffs melódicos y voces imponentes, encapsulando el sonido característico de la banda.

A lo largo de "Legions", Dragonknight muestra un tapiz de influencias y cada tema hace eco de los estilos de los incondicionales del género. En el disco se canalizan la grandeza de Gloryhammer o se evoca el estilo energético de Edenbridge. A pesar de estos guiños, el álbum mantiene cierta cohesión a través de sus elementos sinfónicos generales, lo que garantiza una experiencia de escucha unificada.

Temas como Pirates, Bloody Pirates! -la mejor del disco- infunden una energía audaz y agregan variedad al repertorio temático del álbum. Mientras tanto, Defender of Dragons y Astarte Rise presentan melodías inspiradas en el Folk, incorporando instrumentos de viento clásicos y arreglos acústicos que ofrecen un contraste refrescante con los momentos más grandilocuentes del álbum. Si bien el disco es un testimonio de la habilidad técnica y producción pulida, pisa terreno familiar sin aventurarse en territorios inexplorados. Las melodías, aunque agradables, a veces carecen de la audacia que define a los himnos destacados del Power. Sin embargo, el evidente entusiasmo de la banda infunde al álbum una energía contagiosa que resuena en los oyentes.

En esencia, "Legions" es una celebración de los temas grandiosos y la musicalidad del sector amable del Metal. Dragonknight no está reinventando nada, pero maneja su estilo con buen gusto y por sobre todo tienen un buen songwriting (lo de siempre: ¡escribe unas putas buenas canciones!). La banda entrega un álbum que es a la vez un homenaje a los gigantes del género y una introducción prometedora a su propio mito. Para los fanáticos de los cuentos épicos, las melodías imponentes y el encanto atemporal de los dragones y los caballeros, "Legions" ofrece un viaje que vale la pena emprender, ojalá se encuentren más con su propio yo.

7.5/10