Moonspell - "Far From God" (Gothic)

Seré sincero: no tenía grandes expectativas con "Far From God". Tras trece álbumes previos, las bandas suelen vivir de la nostalgia o seguir tendencias. Por eso, fue una grata sorpresa descubrir que el último trabajo de Moonspell es una pieza de Gótico apasionada e intensa que realmente merece las comparaciones.

Para mí, los dos primeros temas son lo mejor del álbum. Cross Your Heart abre el disco con una nota melancólica y de ritmo medio; reflexiona sobre santuarios al borde de la carretera y vidas truncadas prematuramente, con la sección rítmica reflejando el movimiento incesante del camino, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC. La voz de Fernando Ribeiro es la protagonista, oscilando entre un barítono cansado y explosiones contenidas de intensidad sin caer nunca en el melodrama. Luego, la canción que da título al disco, Far From God, retoma el romanticismo vampírico sobre el que la banda forjó su reputación y le da un aire genuinamente fresco. Ribeiro ha hablado de su deseo de rescatar la imagen del vampiro de los clichés baratos y reconectar con la figura trágica y romántica que reside en su esencia. Juntas, estas dos canciones establecen un estándar que el resto del disco no siempre alcanza, pero por sí solas justifican escucharlo.

Sin embargo, lo que más me impactó fue lo notablemente diferente que suena este álbum en comparación con los trabajos recientes de Moonspell. Discos como "Extinct" (2015) y algunas partes de "Hermitage" (2021) se inclinaban hacia una agresividad más fría y cercana al Black: riffs con trémolo, atmósferas gélidas y una voz más agresiva. "Far From God" se aleja casi por completo de eso. Las guitarras cambian los blast beats por la atmósfera, los teclados tienen mayor peso emocional que los riffs, y la voz áspera de Ribeiro aparece en momentos oportunos, en lugar de dominar. Sería fácil calificarlo como un disco más suave, pero eso no le hace justicia: se trata de un cambio deliberado y maduro que funciona. La banda parece menos interesada en la intensidad a través de la velocidad y más en la intensidad a través de la atmósfera, y ese equilibrio se nota en la mayoría de las canciones.

Temas destacados posteriores como The Great Wolf In The Sky y la pesadez con tintes Doom de Our Freedom to Fall, mantienen el ritmo, incluso si un par de temas intermedios parecen depender de la atmósfera en lugar de ganarla por sí mismos. No es un disco impecable -algunas canciones se confunden al escucharlas repetidamente-, pero en conjunto, es una declaración segura y emocionalmente directa de una banda que claramente aún tiene algo que decir. Esperaba un lanzamiento rutinario de su etapa final, pero me encontré con una de las escuchas de metal gótico más gratificantes del año.

8/10

Blindead 23 - "Deuterium" (Progressive Sludge)

Surgido de las cenizas de la veterana banda polaca de Post Blindead, este proyecto renovado llega con un debut que se siente a la vez como una continuación y un renacimiento. Liderados por el guitarrista Mateusz 'Havoc' Śmierzchalski, junto a una formación repleta de experiencia en el género, Blindead 23 (tampoco es que se rompieron el coco buscando nombre) utiliza "Deuterium" para presentar una ambiciosa y extensa declaración de intenciones: pesado, atmosférico, melancólico,  un tanto melódico y bastante sombrío, a menudo todo dentro de un mismo tema.

La base del disco es inconfundiblemente Sludge: graves densos y distorsionados, ritmos fúnebres y una aplastante sensación de peso sustentan casi todas las canciones. Pero lo que hace que "Deuterium" sea realmente sorprendente es hasta dónde llega la banda más allá de esa base. Las estructuras Progresivas transforman el material en formas inesperadas: cambios de tempo, desvíos jazzísticos y riffs intrincados recuerdan la composición inquieta de bandas como Opeth o Between The Buried And Me. Los pasajes atmosféricos, construidos con piano, sintetizadores y paisajes sonoros ambientales, permiten que el álbum respire entre sus explosiones más intensas. El resultado es una sensibilidad que impide que el oyente se acomode en un solo modo durante demasiado tiempo.

La suite inicial de dieciocho minutos, Immersion 1 y 2, marca la pauta de inmediato: versos estridentes y vertiginosos chocan con estribillos limpios y melódicos, y las transiciones entre ambos llegan sin previo aviso. El tema Wither ofrece un giro más tranquilo y vulnerable, Worst Laid Plans regresa a una contundencia monolítica, con su extensa sección central que se sumerge en una atmósfera difusa antes de que la batería vuelva con toda su fuerza. El tema que da título al disco es, sin duda, el punto culminante más directo del álbum, combinando un riff vibrante y maximalista. Towards the Dark es la incursión más peculiar del álbum: con un sonido Country, sincopado e inconfundiblemente psicodélico, una auténtica sorpresa que no siempre funciona. El tema final, You Are the Universe, cierra el disco con una nota de optimismo, una resolución brillante para un álbum que, por lo demás, está impregnado de melancolía.

Dicho esto, la ambición de "Deuterium" es también su mayor obstáculo. Con casi una hora de duración, los pasajes más lentos y ambientales a veces se alargan demasiado, restando impulso a partes que impactarían más si se acortaran. Algunos de los desvíos más experimentales parecen añadidos a la fuerza en lugar de estar completamente integrados en el arco emocional del álbum, y la segunda mitad no logra mantener la intensidad del inicio.

Aun así, "Deuterium" es una escucha realmente interesante, un disco que se atreve a explorar ideas en lugar de conformarse con lo seguro. No todas las canciones son perfectas, pero sus mejores momentos son sólidos y su gama emocional lo suficientemente amplia como para que el álbum merezca ser escuchado varias veces. Un regreso seguro de Blindead (23), a veces desordenado, pero en definitiva gratificante.

7.5/10. Portada llamativa

A Forest Of Stars - "Stack Overflow in Corpse Pile Interface" (Melodic Black / Avant-Garde)

Ocho años después de "Grave Mounds and Grave Mistakes" (2018), el septeto de Leeds, Reino Unido, conocido por vestir con atuendos funerarios victorianos, regresa con su sexto álbum de larga duración, el cual es un auténtico monstruo: seis temas, cada uno de más de nueve minutos, que suman setenta y tres minutos de duración total. Según dice una leyenda que corre en la red, la banda desechó un álbum completo ya terminado antes de comenzar con este desde cero, y ese perfeccionismo se percibe en cada rincón.

Musicalmente, "Stack Overflow In Corpse Pile Interface" es A Forest Of Stars en su máxima expresión. El violín sigue siendo el arma secreta del disco, tejiendo melodías melancólicas, casi de música de cámara, entre muros de guitarra trémolo disonante; existe una tensión constante entre la belleza y la decadencia en la que la banda siempre se ha especializado, y aquí se siente completamente dominada, no solo intentada. Las cuerdas eléctricas le dan a los riffs una extraña y peculiar esencia inglesa, mientras que los sintetizadores y samples mantienen la música inclinada hacia lo teatral en lugar de lo meramente pesado. El tema inicial, Ascension of the Clowns, establece un tono lúgubre y ceremonial, y para cuando llegas al final con Sway, Draped In Vague y Not Drinking Water -la mejor del disco y nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC-, el álbum ha construido una sensación casi cinematográfica de pavor y liberación.

Ahora bien, el tema difícil: la voz. Es un gusto adquirido, y lo digo como advertencia, no como crítica. La interpretación desquiciada de Mister Curse es el tipo de actuación que o te resulta fascinante o completamente insoportable; no hay término medio. La interpretación oscila entre la palabra hablada recitativa, los gritos frenéticos y las burlas teatrales, a veces dentro del mismo verso. Puede parecer que desentona con la música magnífica y meticulosamente arreglada que la acompaña, como si dos bandas diferentes compartieran la misma habitación, pero esa fricción es precisamente la clave: A Forest Of Stars nunca se ha interesado por voces que simplemente se superpongan a la instrumentación.

Y aquí está la cuestión: incluso si la voz no es de tu agrado, la maestría musical de la banda hace que el disco valga la pena. Esto es arte, sin más: cada transición entre secciones se siente meditada, cada estructura extensa justifica su duración en lugar de alargarla innecesariamente. Es un disco construido con verdadera delicadeza y buen gusto, el tipo de álbum que recompensa sumergirse en él en lugar de escucharlo superficialmente. Ciertamente su duración lo convierte es una escucha verdaderamente exigente, pero a diferencia de muchos discos de Metal excesivamente largos, rara vez se hace pesado.

Este no es un álbum para escuchar a ratos; necesitas dedicarle una noche, atenuar las luces y dejarte envolver por completo. Algunos lo encontrarán un tanto repetitivo en comparación con obras cumbre anteriores como "A Shadowplay for Yesterdays" (2012); otros lo considerarán un firme candidato a ROTY. Ambos bandos coincidirán en una cosa: es inconfundible y contundentemente, A Forest of Stars. Si logras conectar con la voz, te espera un disco genuinamente rico, singular y hermoso y para mi, lo mejor que ha creado la banda en toda su carrera.

8.5/10

Tarja - "Frisson Noir" (Symphonic)

Tarja Turunen regresa con "Frisson Noir", un álbum que llega con una fuerza sorprendentemente potente. La propia cantante lo describe como el disco más pesado de su carrera en solitario y la descripción es cierta: la canción que da título al álbum -y que es la mejor del álbum- tiene una fuerza que rara vez alcanzaba en sus trabajos anteriores, acompañada de un trabajo de guitarra más crudo de lo que suele permitir la cuidada producción orquestal. 

Temas como Blaze Forever se centran casi por completo en la agresividad sostenida, con los elementos orquestales relegados a un segundo plano, permitiendo que las guitarras lleven el peso del álbum en lugar de esconderse tras un brillo sinfónico. Para una artista cuyo catálogo a menudo se ha inclinado hacia lo cinematográfico y lo contenido, este giro hacia algo más crudo y directo es la cualidad más inesperada del disco. Lo que no ha cambiado -y podría decirse que nunca lo hará- es su voz. 

Dos décadas después de su salida de Nightwish, la voz de Tarja permanece sorprendentemente intacta. Su interpretación es segura en todo momento, manteniéndose firme incluso en los arreglos más pesados ​​del álbum con gran dominio de los registros, ciertamente sigue sonando como una cantante en la cima de su carrera, en lugar de una que vive de su reputación. 

Es verdad que Tarja siempre será recordada como la voz original de Nightwish, pero "Frisson Noir" es una prueba más de que ha construido una respetable identidad en solitario, mucho más allá de esa etapa. Algunos críticos -entre los que me incluyo- han argumentado que este álbum supera incluso los trabajos más recientes de su ex-banda, lo que dice tanto de su continua relevancia como de viejas rivalidades. 

Donde el disco resulta menos convincente es en su permanencia. Es una escucha interesante -hay momentos individuales potentes- y es evidente que se ha dedicado mucho esfuerzo a la producción y los arreglos, pero las canciones en sí no son del todo brillantes, y a menudo hay demasiados elementos en juego como para que una sola idea se consolide por completo, que las tiene buenas, pero rara vez se convierten en el tipo de canción que tarareas días después.

Las colaboraciones son un punto fuerte. Dani Filth, Apocalyptica, Marko Hietala y Chad Smith, baterista de Red Hot Chili Peppers, participan en el álbum y las colaboraciones se justifican por sí solas, sin parecer meros argumentos de marketing. El reencuentro con Hietala, excompañero de Nightwish y también ex de esa banda, en Leap Of Faith tiene una gran carga emocional. Al final, "Frisson Noir" es un hito en la carrera de Tarja, contundente y melódico, bien elaborado y en ocasiones, emocionante, pero no del todo definitivo.

7.5/10. Excelente portada.

Fires In The Distance - "Circadian Promise" (Melodic Death)

Dicen que una promesa es una deuda con el futuro. Fires in the Distance, acaba de pagar la suya, con intereses y penalidades. "Circadian Promise", el tercer álbum de larga duración de la banda, no es solo un gran disco de Melodic Death. Podría ser el disco que esperaba en 2026: un disco que llega como una tormenta que se forma lentamente en el horizonte, inevitable y aniquiladora, y que te deja mirando al cielo preguntándote qué te acaba de pasar.

Originalmente formado como un proyecto en solitario por el guitarrista, tecladista y compositor Yegor Savonin en 2016, Fires in the Distance evolucionó rápidamente hasta convertirse en una banda completa y uno de los nombres más interesantes de la escena del Melodeath. Su anterior lanzamiento, "Air Not Meant For Us" (2023), disco del año de este sitio, los impulsó definitivamente, demostrando cómo una banda puede atemperar las emociones crudas del Death y canalizarlas con una interpretación melódica contundente. "Circadian Promise" toma todo lo que hizo que ese disco fuera extraordinario y lo lleva, sin piedad, a un nivel superior. 

Ha habido un cambio en el micrófono. Kristian Grimaldi se ha ido, y su ausencia es algo que un oyente fiel notará de inmediato. Los enormes y profundos growls de Grimaldi eran una piedra angular de la identidad de la banda, dicho esto, descartar al nuevo componente vocal, Brendan Hayter, sería un error garrafal. Hayter aporta una intensidad arrolladora, y su versatilidad es justo lo que la banda necesita para capturar toda la gama visceral de su música. 

Los seis temas que componen el disco se entrelazan alrededor del oyente como la hiedra y echan raíces profundas en el alma. Componer lo colosal es algo que Fires in the Distance hace con naturalidad, y el tema de apertura Of Radiance And Levitation encapsula la esencia de la banda a la perfección: movimientos épicos y melódicos, momentos de delicada complejidad que se entrelazan con una potente entrega rítmica.

En To You, Author Of My Fade, posiblemente la mejor canción del álbum, el riff acecha casi en cada momento, siendo simultáneamente su punto más pesado y delicado, más vivo y más melancólico. Esta va a quedar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC. Pero cualquiera de los temas es un gusto total, quizas un escalón menos Lightless Days Of A Songless Bird, pero nada que dañe el producto final.

Potente, inteligente y completamente absorbente, "Circadian Promise" es uno de esos álbumes que te atrapa desde el principio y no te suelta. En esta oportunidad el disco se convierte en algo pleno a medida que sus poderosas piezas se fusionan en un embrujo irresistible. Puede que un vocalista haga guturales un poco más grave que el otro, pero una banda tan buena no necesita la perfección, necesita una promesa y esta, la han cumplido.

9/10 Nominado como Disco del Año de ELOMC.

Anna Fiori - "Metztli" (Symphonic)

Hay algo realmente admirable en la ambición de Anna Fiori con "Metztli", su tercer álbum de estudio en solitario. Descrito por la propia artista como Metal Azteca Cinematográfico, es un disco conceptual que intenta entrelazar la mitología prehispánica, letras en náhuatl, la grandiosidad orquestal y la potente maquinaria del Sinfónico en un viaje único y coherente a través de la pérdida y el duelo. El concepto es impactante. Sin embargo, la ejecución es decididamente irregular.

Fiori no es una novata. La cantante mexicana ha estado desarrollando su proyecto en solitario desde hace años, ha colaborado con artistas europeos como Fabio Lione (esto no se si es necesariamente un galón en la chatarrera) y Timo Somers (Delain) y se ha ganado el reconocimiento en los círculos del Metal latinoamericano. Definitivamente se puede decir que es una voz experimentada en el género.

El álbum comienza con Luna Creciente (Axnoaxka Noojtli), una introducción envolvente y atmosférica que eleva el listón con su instrumentación prehispánica y su densa textura orquestal. Más adelante Luna Llena (Xiki Noeso), con sus nueve minutos de duración, es la pieza más cinematográfica del disco, pero un tema que en ocasiones se pierde en su propia inmensidad. El Vacío y Entre Mil Voces suenan regulares, se me antojan el tipo de relleno que una edición más rigurosa podría haber recortado. Luego varios temas añaden algo de atmósfera, pero no siento que alcancen el clímax dramático que parece estar buscando.

El momento cumbre es, sin duda, Luna Menguante (Nimotemak). Aquí, todo encaja bastante mejor: la letra en náhuatl le confiere una gravedad emocional a la que aspira el resto del álbum, el arreglo orquestal tiene una urgencia genuina y la melodía perdura después de que termina la canción. Es la pieza que mejor justifica el concepto del álbum y sugiere lo que "Metztli" podría haber sido en su totalidad si se hubiera aplicado el mismo enfoque a lo largo de todo el disco. 

Luego está la cuestión de la voz de Anna Fiori, la cualidad que será más debatida luego de escuchar "Metztli". En sus mejores momentos posee una calidad mezzosoprano expresiva que transmite un sentimiento genuino. El problema surge cuando las canciones exigen una mayor grandiosidad. En esos momentos, Fiori recurre a la potencia operística y el dramatismo al estilo de las voces más icónicas del género, de tipo Simone Simons de Epica, cuya autoridad cristalina se ha convertido en un referente para los vocalistas de género a nivel mundial. La imitación es evidente y la brecha entre la aspiración y la ejecución es demasiado grande como para ignorarla. Fiori a veces parece esforzarse por alcanzar un techo que aún no ha llegado. El resultado es una interpretación vocal oscilante: a veces genuinamente conmovedora, otras caricaturesca.

En conjunto, "Metztli" es un disco aceptable, donde hecho de menos temas de esos que el estilo acostumbra a hacer que se queden contigo, aunque está sostenido por un concepto notable y algunos momentos destacables. Es el tipo de álbum que insinúa grandeza sin llegar a materializarla.

6.5/10. Excelente portada, eso si.

Funebrarum - "Beckoning The Void Of Eternal Silence" (Death / Doom)

Dicen que no se puede nadar dos veces al mismo río, pero nadie dijo nada sobre meterse dos veces en la misma tumba. Tras diecisiete años sin un álbum completo, los Death metaleros de Nueva Jersey, Funebrarum, han regresado de la cripta oscura que ocupaban para recordarnos, a todo volumen, que el vacío nunca fue realmente silencioso.

"Beckoning The Void Of Eternal Silence", el cuarto álbum de estudio de la banda, es un disco que no solo rinde homenaje a las tradiciones del Death cavernoso y clásico, sino que se sumerge en ellas de cabeza, con los brazos cruzados sobre el pecho, perfectamente satisfecho de no volver a la superficie. Formada en Nueva Jersey, en 1999 por veteranos del underground con profundas raíces en las escenas Hardcore y del Metal extremo, Funebrarum siempre ha sido una banda fuera de su tiempo, y este álbum no es la excepción. Suena como si hubiera sido grabado en una cámara subterránea donde la luz del día no solo está ausente, sino que está formalmente prohibida.

El álbum comienza con una introducción cinematográfica y amenazante que evoca el crujido de la tapa de un ataúd que se abre lentamente desde el interior. Es ominosa en el sentido más deliberado: no como ambientación, sino como advertencia. Le sigue la canción que da título al álbum, una aplastante pieza de Doom Death que oscila entre un ritmo atmosférico pausado y explosiones abrasivas y atronadoras. La producción es densa y asfixiante: un sonido deliberadamente cavernoso que recuerda la oscuridad turbia de los primeros trabajos de Incantation, a la vez que forja su propia identidad nocturna.

Dentro de lo más destacado está el tema Ša Nagba Amāru, que se traduce como 'el que presenció el abismo', es uno de los momentos más atmosféricos y misteriosos del álbum, un descenso lento y demoledor a través de riffs cargados de Doom y percusión sísmica. Es el tipo de tema que te hace sentir el peso de una oscuridad antigua e indiferente que te oprime desde arriba. Luego Through the Barren Halls of Grieving Emptiness da un giro, irrumpiendo con uno de los riffs más agresivos y virulentos del álbum, demostrando que Funebrarum puede cambiar de ritmo sin abandonar jamás su atmósfera asfixiante. Finalmente Into Dark Domains es quizás el momento más pesado del disco: un monolito demoledor que canaliza la ferocidad primigenia del Death clásico de los 90s con una facilidad inquietante. 

Cierra el trabajo The Whispering Cathedral – Epilogue, que es una obra de casi nueve minutos que encarna todo lo que este álbum busca: épico, nocturno, profundamente misterioso y, a ratos, violentamente implacable. Es, en el sentido más arcaico y genuino de la palabra una declaración de final pronunciada con una convicción enorme y pausada; ésta va a quedar nominada como seria contendiente a Canción del Año de ELOMC.

La verdadera esencia de este disco, el instrumento que cohesiona su atmósfera ritualística, es la voz de Daryl Kahan. Único miembro fundador que permanece en pie tras más de dos décadas y media, Kahan es el corazón oscuro y permanente de Funebrarum. Profundo, inhumano, de una caverna imposible: la voz de Kahan no solo acompaña la música (le recuerdo a los novatos que en el Metal extremo la voz no es sino un instrumento más, no debe tratar de percibirse como protagonista, sino no se entiende nada), sino que es una fuerza de la naturaleza. Hay una ferocidad que se siente merecida, la clase de ferocidad que solo puede provenir de alguien que construyó esta entidad desde cero.

Con "Beckoning The Void Of Eternal Silence", Funebrarum confirma lo que sus discípulos más devotos ya sabían: el estatus se afianza con el paso del tiempo. Resulta que el vacío ha estado esperando con la misma paciencia que ellos.

8/10

As The Sun Falls - "Songs From The Veil" (Melodic Death)

Hay álbumes rugen como un incendio forestal; "Songs From The Veil" prefiere arder lentamente como brasas derritiendo la nieve finlandesa. As The Sun Falls presenta un disco que sabe exactamente a qué lugar pertenece: al rincón frío y melancólico del Death Melódico, donde la atmósfera importa casi tanto como los riffs y cada estribillo parece llevar un toque de escarcha.

Por momentos, "Songs From The Veil" es una experiencia auditiva convincente e inmersiva. La banda se inclina con fuerza hacia la melancolía nórdica que se ha convertido en un rasgo distintivo de la escena del Melodeath finlandés, y el resultado es un disco que se siente expansivo, pausado y cargado de emotividad. Hay una clara identidad aquí: el concepto del álbum, impregnado de mitología, arraigado en el folclore finlandés, las creencias ancestrales, el duelo y la difusa frontera entre el mundo visible e invisible, otorga a las canciones una sólida columna vertebral temática. Esa cohesión hace que el disco fluya como una larga noche de invierno, en lugar de una colección aleatoria de canciones.

Musicalmente, el álbum logra un sólido equilibrio entre guitarras, melodías elevadas, pasajes acústicos y una atmósfera pesada. La banda comprende claramente la fórmula: solos emotivos, ritmo melancólico y la disposición a dejar que las canciones respiren antes de descargar toda su fuerza. En ese sentido, los ecos de gente como Insomnium son innegables, especialmente en la forma en que la música alterna entre la reflexión fatalista y la elevación dramática.

Sin embargo, a pesar de su atmósfera y pulido sonido, "Songs From The Veil" no termina de desmarcarse de la saturada escena en la que se encuentra. El álbum es un disco decente, e incluso bueno en algunos momentos, pero a veces resulta más admirable que inolvidable. La atmósfera es intensa, el concepto convincente y la calidad musical claramente competente, pero las canciones no siempre logran ese impacto inmediato que distingue un buen disco de género de uno verdaderamente esencial. Ese es el verdadero problema: en un estilo ya repleto de bandas que exploran el mismo terreno emocional, el margen para destacar es estrecho.

En definitiva, "Songs From The Veil" es un buen intento de As The Sun Falls, y uno que debería complacer a los oyentes que disfrutan de la melodía gélida y la grandeza solemne. Se trata de un álbum respetable y bien producido, con claras reminiscencias de las bandas icónicas del género, pero aún necesita canciones más potentes para destacar realmente entre la multitud. Por ahora, se presenta como un paso prometedor más que como una obra definitiva.

7/10

Abandon Agony - "Endbringer" (Extreme Power)

Algunos álbumes debut llegan con la seguridad de una banda que ya domina en parte su propia leyenda, y "Endbringer" suena como si Abandon Agony supiera exactamente cómo lucir esa armadura. Es un disco que aspira a la grandeza, e incluso cuando tropieza, lo hace con la fuerza suficiente para sugerir un grupo con verdadero potencial.

Aunque Abandon Agony se presenta como una banda sueca de Melodeath, "Endbringer" a menudo se siente más cercano al Extreme Power. Los riffs son afilados y enérgicos, pero las canciones frecuentemente se inclinan hacia la euforia, la velocidad y el despegue dramático, en lugar del mordisco más frío y áspero que define al Death Melódico más clásico. Esto le da al álbum un carácter más heroico y extrovertido, que forma parte de su encanto. También lo distingue del enfoque estrictamente convencional de Gotemburgo que algunos oyentes podrían esperar.

Como debut, el álbum es innegablemente prometedor. La estructura de la banda es sólida, y el material se percibe cuidadosamente elaborado, no improvisado. La primera impresión tras la presentación oficial es clara: Abandon Agony buscaba algo pesado y conciso y esa intención se refleja en el ritmo del álbum.

El principal problema es que el sonido de "Endbringer" está demasiado comprimido y carece de naturalidad. La producción le da a todo un toque duro y pulido, pero también le resta vida a las interpretaciones, haciendo que el disco se sienta más cerrado que fluido. En lugar de permitir que la batería, las guitarras y las voces se desarrollen con naturalidad, la mezcla a menudo las comprime en un bloque denso.

A pesar de las reservas, "Endbringer" es un disco decente. Posee la suficiente fuerza compositiva, instinto melódico y dinamismo como para que la experiencia auditiva valga la pena, especialmente para los fans que disfrutan del Metal rápido, dramático y pulido. Su identidad -como dije- se sitúa más cómodamente en el Extreme Power, pero esa sensación es parte de lo que lo hace interesante. Como primer álbum de larga duración, sugiere una banda que ya sabe componer con convicción y que solo necesita más tiempo y una producción más orgánica para convertirse en algo realmente interesante.

7.5/10

Narnia - "X" (Power)

El más reciente trabajo de los Power metaleros de Narnia, llamado "X" es un disco flojo. El álbum no se siente lo suficientemente inspirado ni contundente como para sostener sus propios temas, y al final resulta débil, irregular y extrañamente vacío. Aunque es la primera vez que escribo de ellos en este sitio, en el pasado los he escuchado y en algún momento me gustaron, hacen falta bandas que hablen de cosas diferentes, tipo Stryper, pero en esta oportunidad no lo lograron.

El mayor problema reside en la interpretación vocal principal de Christian Liljegren, que suena cansada y frágil en lugar de imponente. En un estilo como el Power, la voz principal necesita elevación, dramatismo y autoridad, pero "X" a menudo da la impresión de tener dificultades para alcanzar ese nivel. Incluso las pocas críticas favorables que he leido del álbum señalan algo que es cierto, se apoya en voces limpias y solos de guitarra, lo que hace que la falta de urgencia vocal sea más difícil de ignorar.

Las composiciones tampoco son lo suficientemente expresivas para lo que suele exigir el género y leyendo la página de la banda, ellos describen el álbum como una mezcla entre grandes coros y pasajes Progresivos... pecado contra el octavo Mandamiento, ni hay suficiente impacto emocional ni tensión memorable como para que las canciones alcancen su máximo esplendor. En lugar de transmitir una sensación de triunfo, muchos momentos resultan funcionales, como si la banda simplemente repitiera fórmulas sin la suficiente pasión.

Aunque hay fragmentos de calidad, y el tema Jerusalem es probablemente el ejemplo más claro, es solo un éxito parcial, creo que sobresale porque el resto del disco resulta muy plano en comparación. Lo que hace que "X" sea decepcionante no es que Narnia use su perspectiva cristiana, sino que el disco nunca logra convertir esa visión en música convincente. Las letras pueden ser sinceras, pero la sinceridad por sí sola no basta para crear un buen álbum de Power, y aquí la composición rara vez supera la rutina competente. El resultado es un disco con destellos ocasionales, pero en general sigue siendo un lanzamiento flojo que se siente menos como una declaración y más como una banda agotada.

5.5/10

Angellore - "Nocturnes" (Gothic)

Habiéndome enfocado en muchas bandas conocidas en mis últimos comentarios, me pareció oportuno darle la oportunidad a cosas menos 'comerciales' por llamarlo de alguna manera, y así me consigo con "Nocturnes" de Angellore, que es un disco de Gótico puro, potente y melancólico que resulta a la vez inmersivo y maduro. Este trabajo es una agradable sorpresa pues combina una atmósfera densa con riffs memorables, una variedad vocal y un control que evita que el drama se desborde.

Angellore lleva casi veinte años en activo, pero este es el primer trabajo que descubro de ellos. Su estilo se basa en el Doom Gótico, con detalles Folk y grandes contrastes emocionales. "Nocturnes" destaca porque suena como un álbum donde esas fortalezas se alinean de una manera que trasciende, gracias en parte a una producción pulida y una presentación atractiva.

Las guitarras son uno de los puntos fuertes del álbum. Los riffs impactan con fuerza, pero no solo aportan contundencia; impulsan las canciones con una gran melodía y tensión, lo que encaja a la perfección con el carácter nocturno del disco. Este equilibrio es crucial porque Angellore busca la grandiosidad, pero evita sonar recargado o exagerado.

La interacción vocal es otro punto fuerte. La banda utiliza una mezcla de voces limpias y guturales, con texturas adicionales de instrumentos invitados como la flauta, el oboe, el violonchelo y el clarinete y esa combinación le da profundidad al álbum sin convertirlo en un mezclote de sonidos. El resultado es un disco con un aire teatral, en el buen sentido: expresivo, con múltiples capas y arreglos cuidados.

Lo que "Nocturnes" hace especialmente bien es evitar los clichés sentimentales manidos que pueden debilitar el género. Tiene emoción, pero no recurre al melodrama por sí mismo; la melancolía se siente merecida a través de la composición y la atmósfera, en lugar de forzada por un recurso barato y lacrimógeno. Esa contención hace que el disco sea más efectivo, porque la tristeza y la belleza se sienten entretejidas en la música, en lugar de superpuestas.

También es fácil entender por qué este álbum podría ser el que -a diferencia de sus anteriores- acerca a Angellore a un público más amplio, "Nocturnes" suena con identidad, la producción es -como dije- brillante y la composición de la banda convergen con la claridad y la fuerza suficiente para conectarse con el público.

En general, "Nocturnes" es simplemente un muy buen disco: agradable, evocador y bien ejecutado. Posee una belleza oscura que invita a escucharlo repetidamente y muestra a Angellore como una banda que sabe cómo crear atmósferas memorables. Los cinco temas del trabajo son disfrutables, pero destacan Black Sun River y Forsaken Fairytale, la cual se me antoja un gran tema el cual voy a dejar nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

8/10

Dimmu Borgir - "Grand Serpent Rising" (Symphonic Black)

"Grand Serpent Rising" muestra a Dimmu Borgir algo revitalizado. Tras años de silencio, la banda regresa con un álbum más centrado e inmediato que su predecesor, "Eonian" (2018). Solo eso ya supone una mejora: mientras que "Eonian" se centraba en hacer algo que no les quedaba ajustado a su esencia, "Grand Serpent Rising" se siente más directo, agresivo y con mayor garra. La producción es imponente, como era de esperar, pero también deja espacio para riffs más afilados, voces más crudas y una mayor sensación de ímpetu.

En mi opinión, la primera mitad del álbum es floja, temas como Tridentium y Ascent  se excenden en la atmósfera cinematográfica. La segunda mitad es mejor, con un tanto más de intención y riffs atrayentes. Temas como Ulgjeld & Blodsodel, The Exonerated y At the Precipice of Convergence tienen suficiente calidad para evitar caer en el relleno. El álbum se beneficia de una estética consistente, incluso cuando las canciones individuales son menos memorables que los temas destacados. En ese sentido, la segunda mitad es sólida, aunque no espectacular.

Lo que impide que "Grand Serpent Rising" se una a la élite de Dimmu Borgir es simple: su mejor momento musical -lamento creerlo así- ya pasó. Los discos más potentes de la banda siguen siendo de la segunda mitad de los 90s, cuando lanzamientos como "Enthrone Darkness Triumphant" (1997) y "Spiritual Black Dimensions" (1999), incluso "Puritanical Euphoric Misanthropia" (2001) definieron su identidad con intensidad feroz y urgente. Esos álbumes tenían potencia cruda y una mayor sensación de peligro que sus nuevos disco, los que, a pesar de sus virtudes, solo logra recapturar parcialmente su esencia. "Grand Serpent Rising" suena decente y profesional, pero la época clásica tenía una chispa de volatilidad que hacía que la música sonara más vital.

Dimmu Borgir se niega a reinventarse, pero ha mantenido su enfoque y eso se percibe nuevamente en este trabajo, que dista de ser su obra maestra, pero al menos es un recordatorio de que aún saben cómo componer Black Sinfónico con una perspectiva cinematográfica. Mejora a "Eonian", ofrece una segunda mitad sólida y brinda suficiente material memorable para satisfacer a los fans de siempre, aunque nunca llega a la grandeza de sus clásicos.

7/10

Panopticon - "Det Hjemsøkte Hjertet" (Atmospheric Black)

"Det Hjemsøkte Hjertet" (noruego para El Corazón Embrujado) es uno de los discos más potentes de Panopticon, otro que ha sido disco del año de ELOMC y que demuestra por qué el proyecto de Austin Lunn es un gusto adquirido: algunos lanzamientos pueden resultar difíciles de asimilar, pero este se disfruta de inmediato, a la vez que se percibe rico en matices e intenso. También refuerza la idea de que Panopticon podría ser uno de los mejores proyectos solistas de Black de cualquier época, impulsado por una visión singular que, sin embargo, se siente expansiva y vibrante.

Lo que hace que el álbum destaque es cómo, pudiendo haber sido un disco de Atmosférico bastante típico, se convierte en algo más dramático y cautivador gracias a la interacción de las melodías de guitarra y los violines. En lugar de usar estos elementos como adorno, el arreglo permite que se contrapongan, creando una sensación de movimiento que resulta a la vez feroz y melancólica. El resultado es un sonido atmosférico sin perder su fuerza.

La batería impulsa el disco con una fuerza implacable, mientras que el bajo ayuda a mantener la estructura y otorga a las canciones una cohesión real. Esa base es fundamental porque el álbum oscila entre explosiones de agresividad y pasajes más lentos y reflexivos, y necesita esa columna rítmica para mantenerse firme. Las voces se ajustan al mismo espectro emocional, transmitiendo ira y melancolía a partes iguales.

También hay una calidez muy humana en la composición, especialmente cuando los riffs se transforman en algo balsámico y hermoso. Esos momentos no suavizan la música, sino que la profundizan, otorgando mayor contraste a las secciones más duras y haciendo que los picos emocionales impacten con más fuerza. Ese equilibrio es parte de la razón por la que el álbum resulta tan gratificante de principio a fin.

Panopticon siempre ha sido un proyecto que exige paciencia, pero "Det Hjemsøkte Hjertet" es el tipo de disco que hace que el esfuerzo parezca sencillo. Combina la intensidad del Black, el colorido orquestal y la narrativa emotiva en algo que se siente a la vez grandioso e íntimo. Para los oyentes dispuestos a disfrutarlo en sus propios términos, es uno de esos álbumes que perduran mucho después de terminar. Voy a dejar nominadas dos canciones de este disco como contendientes a Canción del Año de ELOMC, la primera Blood And Fur Upon The Melting Snow y la segunda, A Culture Of Wilderness, aunque todo el trabajo es de gran factura.

8.5/10

Panopticon no tiene sus trabajos en Spotify como medida de protesta por haber publicado anuncios de ICE.

Draconian - "In Somnolent Ruin" (Doom / Gothic)

En "In Somnolent Ruin", Draconian hace lo que mejor sabe: extender el largo y melancólico arco del Doom Gótico con paciencia, contundencia y una atmósfera profundamente inmersiva. El disco no busca grandes sorpresas, innovaciones ni desvíos experimentales, pero esa sobriedad es parte de su fuerza. No quiero dejar de expresar mi emoción al ver la llegada de este nuevo trabajo, de gente que ha sido Disco de Año 2020 y Disco Doom del Año 2015 de este humilde sitio.

Draconian se ha destacado durante mucho tiempo como una de las bandas más consistentes del género, y este álbum refuerza esa reputación. A lo largo del disco, refinan en lugar de reinventar, construyendo pasajes de desarrollo lento donde la pesadez, la melodía y la tensión emocional se mueven en un equilibrio preciso. Este enfoque familiar hace que el disco se sienta como una continuación segura de su identidad, en lugar de un reinicio radical.

Lo que hace que "In Somnolent Ruin" sea tan cautivador es la disciplina de la banda en la composición. Las canciones se desarrollan con un ritmo deliberado, y Draconian superpone repetidamente la voz limpia de Lisa Johansson -quien vuelve a la banda, ocupando el lugar que dejó durante diez años a Heike Langhans-, con los guturales y texturas instrumentales expansivas en una única arquitectura lúgubre. El resultado es ostentoso, rico, controlado e inmersivo.

La producción también merece mención. La ejecución impecable y suntuosa del álbum, así como su atmósfera cautivadora, lo que sugiere que cada elemento ha sido moldeado con esmero estético. En lugar de saturar el sonido, la banda permite que cada capa respire, lo que crea una experiencia auditiva amplia, oscura y gratificante.

El mencionado regreso de Lisa Johansson añade otra dimensión significativa, recuperando una química emocional familiar con la interpretación más cruda del líder de la banda, Anders Jacobsson. Ese contraste sigue siendo una de las fortalezas definitorias de Draconian, y aquí ayuda a que el álbum se sienta a la vez íntimo y monumental. Incluso cuando el material se mantiene cerca de la fórmula establecida de la banda, la interpretación y los arreglos lo elevan por encima de la mera repetición.

Si hay alguna limitación, es simplemente que los oyentes que esperen un cambio estilístico drástico no lo encontrarán aquí. Pero "In Somnolent Ruin" no necesita un giro radical para justificarse. Su éxito está en profundizar en un lenguaje que Draconian ha perfeccionado durante décadas, y en transformar la atmósfera, el detalle y la carga emocional en algo que resulta a la vez familiar y vital.

En definitiva, se trata de un álbum maduro y meticulosamente elaborado que confirma la posición de Draconian como maestros de su género. Puede que no sorprenda, pero resuena, y ese suele ser el mayor logro en el Doom. Los mejores temas son The Monochrome Blade, nominada como Canción del Año de ELOMC, Anima, The Face Of God y Cold Heavens. Un disco que estará en todas las listas de este año.

8.5/10. Excelente portada.

IATT - "Etheric Realms Of The Night" (Symphonic Black / Jazz Fussion)

"Etheric Realms Of The Night" es una auténtica sorpresa, ya que suena mucho más potente, audaz y refinado de lo que muchos esperarían de una banda que apuesta por el Metal extremo Progresivo. IATT ha creado un disco ambicioso sin perder la solidez de su composición, y el resultado es un álbum que recompensa tanto el impacto inmediato como las escuchas repetidas.

Lo que distingue al álbum es, en primer lugar, su espíritu innovador. Es una obra inmersiva y conceptualmente audaz por parte de la banda, con una narrativa que se desarrolla como una sola historia a lo largo de siete movimientos. Este enfoque le confiere al disco una cualidad cinematográfica, pero nunca se siente vacío ni forzado; las ideas están sustentadas por una sólida disciplina compositiva.

Uno de los rasgos más atractivos del disco es la naturalidad con la que incorpora timbres inusuales como el saxofón, la flauta y el piano de cola, o al menos el tipo de paleta instrumental ampliada que aporta mayor profundidad y carácter a la música. Los arreglos orquestales deben ser elogiados por añadir textura sin romper la atmósfera, con un uso sorprendentemente ingenioso de los instrumentos de viento junto a los arreglos orquestales. Este tipo de detalles contribuye a que la música se sienta aventurera en lugar de simplemente pesada, que también lo es de a ratos.

El sonido es potente, pulido e intensamente emotivo, pero también deja espacio para momentos tranquilos y pasajes exploratorios. Resaltan los paisajes sonoros cambiantes, las secciones contrastantes y las zonas donde la banda permite que la atmósfera, los teclados y las decisiones de arreglo lleven el peso. Estos espacios de exploración sonora son uno de los puntos fuertes del álbum, ya que hacen que los momentos más intensos impacten con mayor fuerza cuando regresan.

Diría que el álbum es sólido porque equilibra la agresividad con la estructura y la dirección. Las canciones son lo suficientemente largas como para evolucionar, pero aun así se sienten intencionadas en lugar de indulgentes, y la interpretación debe ser elogiada por su musicalidad. Las voces guturales son efectivas y potentes lo que ayuda a que el disco siga siendo agresor e intenso a pesar de su complejidad. Sus mejores temas son Drift Away -mominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC-, Somniphobia y Quietus, pero realmente cualquiera de los siete temas vale la pena.

En definitiva, lo realizado por IATT con "Etheric Realms Of The Night" triunfa porque combina ambición con control. Es un disco con un sonido potente, una composición sólida y una atmósfera auténtica, y su disposición a fusionar el Metal extremo con toques jazzísticos y matices orquestales le confieren un aire fresco. Esa combinación es lo que lo convierte de simplemente impresionante en una auténtica sorpresa.

9/10 Nominado como Disco del Año de ELOMC

Lamb Of God - "Into Oblivion" (Groove / Metalcore)

Al escribir esta reseña me doy cuenta que estoy atrasado con ella y a la vez que el consenso de las redes respaldan la idea principal: "Into Oblivion" es un álbum de Lamb Of God construido en torno al característico Groove de la banda, pesado, profesional y que no tiene especial interés en reinventar el género, aunque ciertamente es un buen regreso al estilo furioso y controlado de la banda.

Nunca he tenido la mejor relación con Lamb of God, es sabido. Sin embargo, algunos de sus discos me han interesado, e "Into Oblivion" es uno bastante decente. Todo transcurre como se espera: la banda suena compenetrada, enérgica y plenamente consciente de sus puntos fuertes. "Into Oblivion" es Groove intenso y compacto. Esta es a la vez la principal fortaleza del álbum y su mayor limitación. Los riffs son contundentes, la sección rítmica es precisa y Randy Blythe sigue sonando como un señor con muchas quejas dispuestas a manifestarlas XD. La producción es lo suficientemente limpia como para que cada breakdown impacte con precisión y el efecto general es el de veteranos trabajando a pleno rendimiento. Todo suena profesional y con la potencia adecuada, pero las sorpresas son escasas.

Lo que más destaca es la agresividad controlada. Ya no se trata de la furia desenfrenada de la juventud, sino del golpe preciso de veteranos que saben exactamente dónde golpear. Esa madurez le otorga al disco una cierta seguridad, incluso cuando las canciones se apoyan en estructuras familiares y en los sellos distintivos de Lamb of God. Si conoces el lenguaje de la banda, "Into Oblivion" lo domina a la perfección. Los temas más destacados creo que son Into Oblivion, Parasocial Christ y The Killing Floor.

Aun así, la consistencia del álbum juega a su favor. No se hace pesado y rara vez cae en la monotonía o la falta de entrega. La menor duración y la lista de canciones más concisa ayudan a mantener el ritmo, así que, aunque el disco sea conservador, lo hace con la fuerza suficiente para resultar satisfactorio. Para quienes buscan evolución, puede sonar demasiado familiar; para quienes quieren que Lamb of God siga haciendo lo que mejor sabe hacer, cumple con creces.

En definitiva, "Into Oblivion" no es una reinvención, sino un recordatorio sólido y potente de por qué la banda sigue siendo relevante. No es tanto una sorpresa como una reafirmación de la fórmula, perfeccionada y ejecutada con la disciplina de los veteranos.

7.5/10

Bloody Valkyria - "Requiem: Reveries Of The Dying" (Atmospheric Black)

"Requiem: Reveries Of The Dying" muestra al unipersonal del finlandés Jere Kervinen, denominado Bloody Valkyria, con un trabajo estandar de Black Atmosférico, melancólico y centrado en la mente atormentada de un moribundo, un cambio de la usual temática de lugares fantásticos que entiendo había sido la lírica desarrollada en sus sus dos trabajos anteriores. El disco, en esencia, se trata de un lanzamiento que prioriza la magnitud, la atmósfera y la introspección sobre el impacto o la intensidad.

Lo que más destaca es la naturalidad con la que la grabación se integra en su atmósfera. Los teclados desempeñan un papel fundamental, otorgando a las canciones un aire sombrío y cinematográfico que permite que la música respire y evita que los arreglos resulten demasiado minimalistas. También hay algunos riffs que captan la atención, especialmente cuando las líneas de guitarra se abren paso entre la niebla con una melodía más nítida.

Dicho esto, el álbum no reinventa el estilo. Sus puntos fuertes residen en la ejecución más que en la originalidad, y lo mismo puede decirse de gran parte de los elogios que se leen en la red: el disco es efectivo, envolvente y está bien construido, pero se mantiene dentro del territorio habitual del Black Atmosférico. Para quienes ya conocen el género, el atractivo residirá más en la textura y la fluidez que en la novedad.

La producción y el ritmo también respaldan este enfoque. El sonido es lo suficientemente nítido como para que las capas de teclados y guitarras interactúen adecuadamente, y las canciones mantienen un tono emocional consistente a lo largo de los siete temas del álbum. En sus mejores momentos, el disco crea un espacio frío, reflexivo, casi melancólico, que se ajusta perfectamente al concepto.

Sin embargo, la mayor limitación del álbum es que rara vez sorprende. Bloody Valkyria sabe cómo crear atmósfera y la composición es sólida, pero no hay mucho aquí que se sienta especialmente nuevo o revolucionario para la escena. El disco gusta porque está bien hecho y es emocionalmente coherente, no porque lleve el Black Atmosférico a un terreno desconocido.

En resumen, "Requiem: Reveries Of The Dying" es un disco decente y disfrutable, con algunos riffs interesantes, un trabajo de teclados sólido y una convincente sensación de melancolía. Merece la pena escucharlo si te gusta el estilo, es de ritmo medio y con una fuerte carga atmosférica, pero es más un buen ejemplo de lo que se está haciendo en el ambiente que un lanzamiento histórico.

7/10

Metal Church - "Dead To Rights" (Heavy / Thrash)

"Dead To Rights" es un disco tradicional de Metal Church, que se apoya demasiado en el lenguaje familiar del Heavy Thrash sin ofrecer nada realmente novedoso. El álbum tiene la fuerza, la mordacidad vocal y la actitud clásica adecuadas, pero a menudo suena más como un ejercicio disciplinado de dominio del género que como un disco con una verdadera chispa de innovación.

Lo que hace de Metal Church un nombre perdurable es su longevidad y consistencia. Desde la década de 1980, se han mantenido como una de las instituciones más sólidas del US Power, una banda conocida por equilibrar los ganchos tradicionales del Metal con la agresividad propia del Thrash, y esa identidad les sigue dando credibilidad décadas después. Dicho esto, la larga trayectoria de su carrera también deja algo claro: en los últimos treinta años, aproximadamente, no han producido nada tan impactante como sus trabajos clásicos de los 80s y principios de los 90s.

Esa brecha es importante porque "Dead To Rights" se siente como el producto de una banda cómoda en sus propias costumbres. Los riffs son contundentes, el ritmo eficiente y las interpretaciones profesionales, pero la composición rara vez se sale de los patrones esperados, lo que hace que el álbum resulte familiar antes de ser emocionante. Incluso las críticas que elogian la mayor precisión musical señalan que las canciones a menudo siguen plantillas rutinarias y carecen de los ganchos memorables necesarios para realzarlas.

El trabajo de guitarra es especialmente revelador. Es potente, directo y totalmente acorde con los valores del Metal clásico de los 90s, pero también tiene un aire desgastado, como si la banda repitiera un lenguaje que ya dominaba hace tiempo en lugar de expandirlo. En ese sentido, el disco suena como un álbum de Metal puro de los 90s en lo mejor y en lo peor: contundente, sólido y bien ejecutado, pero también un poco cansado en tono y enfoque.

La mejor cualidad del álbum es su profesionalismo. La voz de Brian Allen, la sólida sección rítmica y las potentes líneas de guitarra mantienen el disco anclado en el estilo adecuado. Nunca cae en la incompetencia ni en la torpeza; en cambio, se mueve con la seguridad de una banda que sabe exactamente cómo debe sonar. Pero la seguridad por sí sola no genera emoción, y ahí es donde el disco flaquea.

"Dead To Rights" es otro aceptable álbum de Metal Church, de una manera contenida y predecible. Utiliza bien los recursos habituales del género, pero no ofrece ninguna innovación real, y por eso a veces resulta aburrido incluso cuando la ejecución musical es impecable. El material va en la dirección correcta, pero la realidad es que, en su mayor parte, es poco emocionante: la tonalidad y las voces correctas, pero sin la suficiente sorpresa como para que sea realmente memorable.

6.5/10. Otra portada creada por la insultante IA.

At The Gates - "The Ghost Of A Future Dead" (Melodic Death)

At The Gates siempre ha cargado con el peso de su legado, pero "The Ghost Of A Future Dead" se siente como el momento en que ese legado se cristaliza en algo definitivo, casi elegíaco. Con el triste fallecimiento de su icónico vocalista, Tomas Lindberg, este disco inevitablemente llega con una mayor carga emocional, transformándolo de un simple lanzamiento en algo más cercano a una declaración de despedida, ya sea intencional o no.

Desde el principio, queda claro que este es el trabajo más sólido de la banda desde su reunión. Todo se siente cohesionado con un sentido de propósito que solo se había vislumbrado en sus anteriores álbumes de regreso. Los riffs son afilados como navajas, equilibrando agresividad y melodía de una manera que recuerda por qué At The Gates son considerados los pioneros del Death Melódico. Hay una claridad aquí, un refinamiento de su sonido característico que no diluye su intensidad, sino que la agudiza hasta la perfección.

La batería merece una mención especial. Impulsa el disco con una precisión implacable, a la vez que permite cambios dinámicos que evitan que las canciones suenen mecánicas. A lo largo del álbum se percibe un flujo natural que refleja la carga emocional que lo impregna. Nunca se siente sobreproducido ni estéril, todo lo contrario. La producción logra un equilibrio perfecto entre crudeza y claridad, permitiendo que cada instrumento respire mientras mantiene esa arrolladora muralla de sonido que los fans esperan.

Lo que hace que "The Ghost Of A Future Dead" destaque aún más es su cohesión. No se trata solo de una colección de canciones; es una declaración artística completa. Incluso el arte gráfico de la portada complementa la música a la perfección, reforzando los temas de mortalidad, legado y cierre que recorren el álbum. Es uno de esos casos excepcionales donde cada elemento se alinea, desde la composición hasta la presentación, creando una experiencia artística completa.

En muchos sentidos, este disco se siente como el cierre de un capítulo, no solo para At The Gates, sino para el género que ayudaron a definir. Se perciben ecos de su influencia en toda la escena, pero aquí regresan para recordarnos cómo suena su estilo cuando se ejecuta al máximo nivel. Hay una sensación de cierre en estos temas, como si la banda, consciente o inconscientemente, estuviera poniendo fin a su trayectoria.

Sin embargo, lejos de sentirse como una simple repetición nostálgica, el álbum se erige con confianza junto a su clásico "Slaughter of the Soul" (1995). No es una afirmación menor, pero se siente justificada. Si bien "Slaughter..." capturó la magia y transformó todo un género, "The Ghost Of A Future Dead" se siente como la reflexión madura de ese momento: más sabio, más potente y con mayor resonancia emocional.

Si este es realmente el cierre que parece, entonces At The Gates se ha despedido a su manera, entregando un disco que honra su pasado a la vez que consolida su lugar en la historia del Metal. No es solo un gran álbum de regreso, es uno de sus mejores trabajos, sin duda. Los temas más recomendables son The Dissonant Void -nominada como Canción del Año-, Of Interstellar Death, Tomb of Heaven y Black Hole Emission.

9/10 Nominado como contendiente a Disco del Año de ELOMC.

Winterfylleth - "The Unyielding Season" (Atmospheric Black)

En "The Unyielding Season", noveno trabajo de Winterfylleth, la banda hace lo que mejor sabe hacer: sonar como el final del invierno, el comienzo de una batalla y la banda sonora de un documental azotado por el viento que no puedes dejar de ver. Es muy melódico y épico, con una amplitud cinematográfica, propia de una banda sonora, que hace que las canciones parezcan grandes.

El lado atmosférico de Black de la banda está en excelente forma aquí. Las guitarras brillan y resplandecen, los teclados añaden ese brillo brumoso que se extiende hasta el horizonte, y todo se envuelve en una atmósfera sombría, noble y extrañamente inspiradora a la vez. Lo que le impide ser verdaderamente intocable es que, después de un tiempo, la fórmula empieza a repetirse. Las canciones son potentes, pero el álbum puede volverse un poco monótono porque Winterfylleth está tan entregado a su grandiosa procesión azotada por el viento que a veces olvida cambiar de escenario.

Dicho esto, la hora plus de duración es prácticamente un requisito del género, y "The Unyielding Season" luce su extensión como una capa medieval: pesada, impresionante y un poco más larga de lo estrictamente necesario. Algo de contención no le habría venido mal, aunque los fans del Black Atmosférico saben que la brevedad nunca ha sido la virtud favorita del estilo. Me gustaría recomendar el tema A Hollow Existence como la mejor del trabajo, tiene mucho que decir esa canción.

En definitiva, Winterfylleth sigue siendo una banda que se disfruta de principio a fin. Sus álbumes suelen ofrecer una escucha gratificante mientras se reproducen, aunque no siempre perduren en la memoria con la misma fuerza una vez que se desvanece la última nota. Este álbum sigue ese patrón a la perfección: potente, envolvente, memorable en el momento y lo suficientemente esquivo después como para mantener a la banda en la categoría de 'grandes por momentos'. Siento que todavía su anterior, "The imperious Horizon" (2024) sigue siendo lo mejor de su discografía, pero este vale bastante la pena.

7.5/10