Warning - "Rituals Of Shame" (Doom / Funeral Doom)

Dos décadas es mucho tiempo para dejar una obra maestra sin respuesta. Desde "Watching from A Distance" (2006) -un disco tan devastador que se cita habitualmente como uno de los puntos álgidos del Doom- Patrick Walker se ha mantenido bastante discreto en el frente de Warning, canalizando su talento compositivo en 40 Watt Sun. Así que cuando se anunció que Warning finalmente regresaría con material nuevo, la presión no era tanto si sería bueno, sino más bien si podrían superarse a sí mismos. "Rituals Of Shame" no intenta escapar de la sombra de su predecesor. Simplemente irrumpe, sin prisas, y demuestra que el don de Walker para transformar el dolor en arquitectura sigue intacto.

A lo largo de cinco temas y cuarenta y cinco minutos, este es un Doom (cuasi Funeral) ejecutado con verdadera disciplina. Los tempos son gélidos, los riffs tienen espacio para respirar hasta que prácticamente gimen bajo su propio peso emocional y nada se apresura hacia un coro fácil. El tema que abre el disco y le da título, Rituals of Shame, se extiende más allá de los doce minutos sin resultar 'demasiado' repetitivo, desplegando una melodía sombría y envolvente que marca la pauta para todo lo que sigue. Stations y la espaciosa Landing Lights exploran esa misma desolación épica.

Pero el verdadero instrumento aquí -el que realmente sostiene el disco- es la voz de Walker. No es una demostración técnica; es algo más parecido a un elixir hipnótico, un goteo lento que se te mete bajo la piel y se queda ahí. No canta a gritos ni dramatiza el dolor, simplemente lo deja fluir, quebrado y sin reservas, sobre guitarras que giran en lugar de aplastar. Esa voz marca la diferencia entre el Doom como espectáculo y el Doom como confesión.

También hay que reconocer el mérito de la sección rítmica: el bajista Marcus Hatfield y el baterista Andy Prestidge mantienen un sonido sencillo y enérgico en lugar de ostentoso, lo que permite que las líneas melódicas de guitarra y la voz de Walker tengan el espacio necesario para resonar. Adicionalmente la ausencia de teclados es interesante porque obliga crear sonidos atmosféricos sin esa muletilla.

Si hay algún punto débil en el álbum, es que su paciencia a veces roza la monotonía: un par de pasajes a medio tempo se extienden más de lo que la recompensa emocional exige, y quienes esperen variedad podrían encontrar la paleta sonora limitada. No es un disco para escuchar repetidamente; exige toda tu atención y ofrece muy poco respiro a cambio.

Aun así, si bien volver a escucharlos después de veinte años es una cosa, regresar con tanta moderación, con tan pocas concesiones y manteniendo intacta gran parte de su identidad original es otra historia. Warning no solo regresó, sino que lo hizo con clase.

8/10

Speedslut - "Cimbrian Rites" (Speed / Thrash)

La banda danesa Speedslut lleva tiempo anunciando un álbum completo, y con "Cimbrian Rites" finalmente cumplen la promesa. Se trata de Speed de la vieja escuela en estado puro: un disco que exhibe abiertamente sus influencias de finales de los 70s y principios de los 80s, inscribiéndose en esa tradición del Speed/Thrash. Se puede apreciar el ADN de Judas Priest en los ritmos galopantes y en la forma en que los riffs están construidos para ser tocados con la mayor velocidad y agresividad posible.

A lo largo de nueve temas y aproximadamente treinta y cinco minutos, el álbum no da tregua. El tema inicial, Pestridden Stallions, marca la pauta de inmediato: crudo, urgente y un tanto desquiciado. Lo que destaca primero es la interpretación vocal: áspera, casi desquiciada, y ejecutada a un ritmo que se ajusta a la instrumentación en lugar de eclipsarla. Esto le da al disco energía y potencia.

El trabajo de guitarra es el verdadero punto fuerte del disco. Los riffs son frenéticos y físicamente exigentes para seguirlos, pero hay más que pura velocidad: hay suficientes ganchos melódicos ocultos en el caos para evitar que las canciones se fundan en una sola pared de ruido. No es un disco melódico en absoluto, pero los hilos melódicos que emergen son los que hacen que cada canción sea memorable en lugar de intercambiable.

La parte central es donde el álbum cobra mayor protagonismo. Stench of Evil es un cambio de ritmo inteligente: ralentiza el tempo y se inclina hacia riffs más sucios y con mucho groove, y ese contraste hace que las canciones que lo rodean impacten con más fuerza. Prepara el terreno a la perfección para Armageddon, que sin duda es el punto álgido del disco: brutal, caótico y lleno de actitud, fusionando el Thrash de los pioneros con el Speed, que -juntos- recordemos que toman mucho del Black de primera  ola.

Donde el disco flaquea un poco es en la consistencia. Algunos de los temas más cortos y rápidos empiezan a sonar como variaciones de la misma fórmula de riff y blastbeat, y la producción, aunque apropiadamente cruda, a veces aplana los graves de una manera que resta impacto a la batería y el bajo. Ninguna canción es mala, pero no todos los temas tienen la identidad de las nombradas.

"Cimbrian Rites" no redefine el género y no necesita hacerlo, se trata de una auténtica e intensa pieza de Speed de la vieja escuela que sabe exactamente lo que quiere ser y lo ejecuta con convicción. Exige atención incluso cuando no es perfecto y para un álbum debut, eso es una base sólida. Speedslut ha creado un disco que los fans del género querrán escuchar una y otra vez, aunque todavía parezca que le faltan alguna experiencia para que alcance su máximo potencial.

7.5/10

Moonspell - "Far From God" (Gothic)

Seré sincero: no tenía grandes expectativas con "Far From God". Tras trece álbumes previos, las bandas suelen vivir de la nostalgia o seguir tendencias. Por eso, fue una grata sorpresa descubrir que el último trabajo de Moonspell es una pieza de Gótico apasionada e intensa que realmente merece las comparaciones.

Para mí, los dos primeros temas son lo mejor del álbum. Cross Your Heart abre el disco con una nota melancólica y de ritmo medio; reflexiona sobre santuarios al borde de la carretera y vidas truncadas prematuramente, con la sección rítmica reflejando el movimiento incesante del camino, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC. La voz de Fernando Ribeiro es la protagonista, oscilando entre un barítono cansado y explosiones contenidas de intensidad sin caer nunca en el melodrama. Luego, la canción que da título al disco, Far From God, retoma el romanticismo vampírico sobre el que la banda forjó su reputación y le da un aire genuinamente fresco. Ribeiro ha hablado de su deseo de rescatar la imagen del vampiro de los clichés baratos y reconectar con la figura trágica y romántica que reside en su esencia. Juntas, estas dos canciones establecen un estándar que el resto del disco no siempre alcanza, pero por sí solas justifican escucharlo.

Sin embargo, lo que más me impactó fue lo notablemente diferente que suena este álbum en comparación con los trabajos recientes de Moonspell. Discos como "Extinct" (2015) y algunas partes de "Hermitage" (2021) se inclinaban hacia una agresividad más fría y cercana al Black: riffs con trémolo, atmósferas gélidas y una voz más agresiva. "Far From God" se aleja casi por completo de eso. Las guitarras cambian los blast beats por la atmósfera, los teclados tienen mayor peso emocional que los riffs, y la voz áspera de Ribeiro aparece en momentos oportunos, en lugar de dominar. Sería fácil calificarlo como un disco más suave, pero eso no le hace justicia: se trata de un cambio deliberado y maduro que funciona. La banda parece menos interesada en la intensidad a través de la velocidad y más en la intensidad a través de la atmósfera, y ese equilibrio se nota en la mayoría de las canciones.

Temas destacados posteriores como The Great Wolf In The Sky y la pesadez con tintes Doom de Our Freedom to Fall, mantienen el ritmo, incluso si un par de temas intermedios parecen depender de la atmósfera en lugar de ganarla por sí mismos. No es un disco impecable -algunas canciones se confunden al escucharlas repetidamente-, pero en conjunto, es una declaración segura y emocionalmente directa de una banda que claramente aún tiene algo que decir. Esperaba un lanzamiento rutinario de su etapa final, pero me encontré con una de las escuchas de metal gótico más gratificantes del año.

8/10

Blindead 23 - "Deuterium" (Progressive Sludge)

Surgido de las cenizas de la veterana banda polaca de Post Blindead, este proyecto renovado llega con un debut que se siente a la vez como una continuación y un renacimiento. Liderados por el guitarrista Mateusz 'Havoc' Śmierzchalski, junto a una formación repleta de experiencia en el género, Blindead 23 (tampoco es que se rompieron el coco buscando nombre) utiliza "Deuterium" para presentar una ambiciosa y extensa declaración de intenciones: pesado, atmosférico, melancólico,  un tanto melódico y bastante sombrío, a menudo todo dentro de un mismo tema.

La base del disco es inconfundiblemente Sludge: graves densos y distorsionados, ritmos fúnebres y una aplastante sensación de peso sustentan casi todas las canciones. Pero lo que hace que "Deuterium" sea realmente sorprendente es hasta dónde llega la banda más allá de esa base. Las estructuras Progresivas transforman el material en formas inesperadas: cambios de tempo, desvíos jazzísticos y riffs intrincados recuerdan la composición inquieta de bandas como Opeth o Between The Buried And Me. Los pasajes atmosféricos, construidos con piano, sintetizadores y paisajes sonoros ambientales, permiten que el álbum respire entre sus explosiones más intensas. El resultado es una sensibilidad que impide que el oyente se acomode en un solo modo durante demasiado tiempo.

La suite inicial de dieciocho minutos, Immersion 1 y 2, marca la pauta de inmediato: versos estridentes y vertiginosos chocan con estribillos limpios y melódicos, y las transiciones entre ambos llegan sin previo aviso. El tema Wither ofrece un giro más tranquilo y vulnerable, Worst Laid Plans regresa a una contundencia monolítica, con su extensa sección central que se sumerge en una atmósfera difusa antes de que la batería vuelva con toda su fuerza. El tema que da título al disco es, sin duda, el punto culminante más directo del álbum, combinando un riff vibrante y maximalista. Towards the Dark es la incursión más peculiar del álbum: con un sonido Country, sincopado e inconfundiblemente psicodélico, una auténtica sorpresa que no siempre funciona. El tema final, You Are the Universe, cierra el disco con una nota de optimismo, una resolución brillante para un álbum que, por lo demás, está impregnado de melancolía.

Dicho esto, la ambición de "Deuterium" es también su mayor obstáculo. Con casi una hora de duración, los pasajes más lentos y ambientales a veces se alargan demasiado, restando impulso a partes que impactarían más si se acortaran. Algunos de los desvíos más experimentales parecen añadidos a la fuerza en lugar de estar completamente integrados en el arco emocional del álbum, y la segunda mitad no logra mantener la intensidad del inicio.

Aun así, "Deuterium" es una escucha realmente interesante, un disco que se atreve a explorar ideas en lugar de conformarse con lo seguro. No todas las canciones son perfectas, pero sus mejores momentos son sólidos y su gama emocional lo suficientemente amplia como para que el álbum merezca ser escuchado varias veces. Un regreso seguro de Blindead (23), a veces desordenado, pero en definitiva gratificante.

7.5/10. Portada llamativa