Exhumed - "Red Asphalt" (Death / Grindcore)

"Red Asphalt" de Exhumed es un álbum conceptual contundente, caótico y macabro que trata sobre una sola cosa: accidentes de vehículos y todas las pesadillas sangrientas que surgen cuando los metaleros pasan demasiado tiempo mirando a la carretera. Anunciado por la banda y la prensa como un disco obsesionado con las carreteras estadounidenses, "Red Asphalt" se aleja de las morgues y quirófanos habituales de la banda para acercarse a una carnicería vehicular que recorre cada tema, lo que hace que llamarlo 'álbum conceptual' suene irónico. 

Desde Unsafe at Any Speed hasta Death on Four Wheels y Symphorophilia, el álbum se centra en choques múltiples, gases tóxicos y metal retorcido como eje narrativo, centrándose en curiosos asesinos en serie con vehículos y demonios de carretera que usan la autopista como su matadero personal. Exhumed siempre ha estado obsesionado con el terror, pero aquí canalizan esa fijación hacia lo más mundano y cotidiano de simplemente ponerse al volante.

Musicalmente, "Red Asphalt" es todo lo que un buen álbum de Death con tintes Grindcore debería ser: rápido, directo y absolutamente despiadado y extrañamente divertido. El disco tiene la duración ideal de treinta y seis minutos, ofreciendo diez temas compactos sin interludios innecesarios, solo ritmos que te dejan con blastbeats y riffs que oscilan entre la brutalidad del trémolo de la vieja escuela y secciones demoledoras que hacen que la cabeza se bata.

La producción es contundente y caótica como exigen los esquemas: sucia pero lo suficientemente clara para que se puede seguir cada riff. El ataque vocal dual de Matt Harvey y Ross Sewage sigue siendo una de las armas más fiables de Exhumed. Al final, "Red Asphalt" puede que esté usando el término 'álbum conceptual' con bastante ligereza, pero ese enfoque despreocupado forma parte de su encanto; es menos una narrativa ordenada y más una extensa acumulación de riffs y gritos de horror. 

Como un contundente, caótico y macabro disco de Death, dedicado por completo a accidentes automovilísticos, ofrece exactamente lo que promete la premisa y quizás un poco más, demostrando que Exhumed no solo ha encontrado una nueva forma de ser repugnante, sino también de ser divertido.

8/10

 

Mayhem - "Liturgy Of Death" (Black)

"Liturgy Of Death" de Mayhem no es una reinvención del legado de la banda, sino una declaración vigorosa y sorprendentemente interesante al final de su carrera, donde refinan armas conocidas en lugar de forjar otras nuevas. Dentro de ese marco, logra ofrecer varias ideas interesantes, especialmente en su segunda mitad, rica en texturas, que se convierte silenciosamente en el principal atractivo del álbum.

El disco surge siete años después de "Daemon" (2019), con la formación ya consolidada de Attila Csihar, Necrobutcher, Teloch, Ghul y Hellhammer, que suena cómoda en su piel actual -recordarle a los neófitos que esta es 'La Banda' de Black, junto con dos o tres más-. Temas iniciales como Ephemeral Eternity y Despair se apoyan en arreglos densos, alternando entre violencia asfixiante y pasajes inquietantes, casi cinematográficos, y demuestran claramente que Mayhem sigue comprometido con la abstracción y la disonancia, en lugar del enfoque basado en ganchos más melódicos que muchos colegas han adoptado. Por momentos, este primer tramo parece una continuación de la estética refinada de "Daemon" y "Esoteric Warfare" (2014).

A partir de Funeral Of Existence, el disco cobra una velocidad mucho más convincente, convirtiendo su segunda mitad en la parte más memorable y cohesiva de la experiencia. Realm Of Endless Misery y Propitious Death impulsan esto aún más, jugando con el tempo y la textura para que cada explosión de velocidad se sienta ganada en lugar de obligatoria, y el control de la banda sobre el flujo del sonido se convierte en uno de los placeres silenciosos del álbum. Este tramo se siente como Mayhem en su momento más concentrado en años, no necesariamente innovador para su catálogo, pero sí agudo, variado y consistentemente cautivador.

La pieza central de cierre, The Sentence Of Absolution, es donde "Liturgy Of Death" se impone con fuerza. Construida sobre solos mordaces y una base rítmica impenetrable, la canción muta gradualmente de un asalto ansioso de Black a algo más ritualista, permitiendo que sintetizadores y guitarras disonantes se arremolinen alrededor de la voz cambiante de Attila antes de que la composición se disuelva en una coda de percusión tribal, similar a un canto. Aquí, Mayhem entreteje melodías y patrones de percusión con sabor árabe, lo que refuerza el aura de la pieza. El resultado es un final que se siente a la vez teatral y extrañamente íntimo, cerrando el álbum con pulsos de tambores y voces espectrales que perduran mucho después de que se desvanece el último growl. Nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

En definitiva, "Liturgy Of Death" no revoluciona la historia de Mayhem ni derriba sus lanzamientos canónicos, pero sí presenta un refinamiento seguro y a veces un poco aventurero, de su sonido moderno que recompensa la escucha completa del álbum. Es menos un nuevo capítulo que un oscuro epílogo de una historia ya escrita, pero aun así es apasionante, divertido y, en ocasiones, fascinante.

7.5/10

 

Cryptic Shift - "Overspace & Supertime" (Technical Thrash / Technical Death / Jazz / Avant-Prog)

El segundo álbum de larga duración de Cryptic Shift, "Overspace & Supertime", es una inmersión de casi ochenta minutos y cinco canciones en el exceso de la ciencia ficción Techdeath que o bien te hará sentir con una emocionante liberación de la estructura... o como estar atrapado en una lavadora. Es deliberadamente amorfo, orgullosamente demasiado largo y casi cómicamente hostil a la oída desprejuiciada, las listas de reproducción o la escucha casual de fondo.

El disco consta de tan solo cinco temas, con tres piezas de unos diez minutos, una cerca de los veinte minutos y un coloso que roza la media hora. Títulos como Cryogenically Frozen, Hexagonal Eyes (Diverity Trepaphymphasyzm) y Stratocumulus Evergaol indican inmediatamente que estamos en territorio de abstracción: la narrativa de ciencia ficción y la atmósfera alienígena importan mucho más que la memorabilidad o el gancho. En lugar de construir canciones en torno a temas recurrentes o arcos argumentales convencionales, Cryptic Shift opta por largas cadenas de estallidos de sonido, riffs, explosiones, cambios de tempo y cambios de textura que aparecen, se queman y desaparecen. En teoría, cada composición es una suite épica de múltiples movimientos; en la práctica, a menudo da la sensación de que la canción comienza en algún punto, rebota a través de una docena de giros intencionales y tangentes accidentales, y solo llega a un final porque la banda decide dejar de tocar.

Estilísticamente, "Overspace & Supertime" se sitúa en una extraña intersección de Thrash Técnico, Death, Jazz y Avant-Prog. La experiencia general se acerca más a géneros muy under, tipo Chaos Core o Death Fusion: un bombardeo continuo de ideas donde los sonidos Grind coexisten con pasajes extensos, casi jazzísticos, y una atmósfera cósmica.

Hay momentos de brillantez, pero estas islas de estructura reconocible están rodeadas de océanos de caos, y para muchos oyentes la experiencia resultará más arbitraria que épica, más agotadora que inmersiva. "Overspace & Supertime" no es 'malo' en ningún sentido directo; es profundamente comprometido, desbordantemente imaginativo y ejecutado con una destreza asombrosa. También es caótico, intangible y, por momentos, exasperantemente inaccesible; un álbum que parece priorizar la extrema duración y complejidad por encima de la claridad emocional o la narrativa.

Si necesitas que los riffs resurjan, que los elementos raros resuelvan o que las canciones se sientan como viajes en lugar de sonidos cohesionados, "Overspace & Supertime" probablemente será un objeto fascinante, pero para mí es desconcertante, impresionante y casi único, pero imposible de amar sin compromisos, demasiado raro aunque tiene sus momentos y probablemente su público.

7/10

 

Lovebites - "Outstanding Power" (J-Power)

"Outstanding Power" marca el quinto álbum de estudio de la banda femenina japonesa de Power, Lovebites. El disco llega en medio de la creciente presencia global de la banda, una contrato con Napalm Records y una actuación histórica en el icónico Budokan de Tokio programada poco después del lanzamiento, yo las vi hace dos años y me sorprendieron gratamente.

A primera vista, "Outstanding Power" suena exactamente como lo promete el título: una exhibición de maestría técnica, riffs potentes y un ritmo trepidante. Temas como The Castaway abren con un Power dramático y potente y las brillantes líneas de tinte Neoclasical que los fans esperan de Lovebites. El ataque característico de la banda con dos guitarras, cortesía de Midori y Miyako, es, como siempre, nítido y logrado, y la batería de Haruna es tan precisa y ultra rápida como siempre.

Sin embargo, donde "Outstanding Power" se diferencia de los trabajos previos más aclamados de la banda no es en la instrumentación ni en la maestría, sino en la composición y la memorabilidad. En "Judgement Day" (2023), Lovebites presentó un disco que muchos críticos y fans consideramos uno de los más cohesivos y convincentes, con estribillos sobresalientes y un ritmo implacable que, sin embargo, encontró espacio para la melodía y la energía de un himno. Las reseñas de la época elogiaron sus vigorosos riffs y su entrega llena de energía, y algunos críticos lo calificaron como una declaración definitiva y una sólida evolución para la banda.

En contraste, "Outstanding Power" a menudo se siente más como una recopilación de trucos metaleros competentes que como un conjunto de canciones realmente cautivadoras. A lo largo de sus doce temas, es sorprendentemente difícil encontrar momentos verdaderamente pegadizos. La actuación de la banda es técnicamente impecable, pero el álbum lucha por justificar consistentemente sus sesenta y cuatro minutos de duración con material inolvidable; muchos temas se funden sin los ganchos emotivos o memorables que hicieron que las canciones de su anterior perduraran mucho después de la última nota. No se trata de habilidad -Lovebites  toca con fluidez y estilo-, sino de la composición.

Algunas piezas individuales brillan algo: arreglos de medio tiempo como Dream of King ofrecen un contraste ligeramente más contemplativo que el ariete de la alta velocidad, y la inclusión de una balada Eternally demuestra la voluntad de la banda de respirar y diversificarse. Pero incluso estos momentos tienden a sentirse aislados en lugar de ser fundamentales para la trayectoria del álbum. En general, "Outstanding Power" a veces se siente demasiado largo y carente de momentos verdaderamente sobresalientes, a pesar de los momentos de estilo instrumental.

En definitiva, "Outstanding Power" es un trabajo bien ejecutado que satisfará a los fans incondicionales de Lovebites y a los entusiastas del J-power que aprecian la destreza técnica. Sin embargo, en comparación con su anterior álbum, se queda corto, dejando la sensación de que la banda ha perfeccionado su maquinaria, pero aún no ha creado los himnos memorables que elevarían este disco a las mismas alturas. A pesar de toda su energía y destreza, "Outstanding Power" está, irónicamente, lejos de ser realmente excepcional

6.5/10

Fossilization - "Advent Of Wounds" (Death)

“Advent Of Wounds” de Fossilization es una imponente pieza de Death donde los elementos más oscuros y sofocantes del género se llevan a un extremo abrumador. Sobre todo, su mayor característica diferencial es su oscuridad y densidad: cada tema se siente como si uno se arrastrara por una cueva llena de humo y ceniza. El disco es denso, cavernoso, siniestro, macabro y atmosférico, uniendo Death, Doom y texturas Black en una única visión opresiva que nunca pierde su enfoque.

Fossilization, un dúo brasileño elogiado en varios sitios por su trabajo en “Leprous Daylight” (2023), destaca por su inclinación hacia el Death turbio y Doom de la vieja escuela, manteniendo una composición precisa y decidida, evitando divagar. La producción se siente deliberadamente envuelta en la sombra: las guitarras vibran como maquinaria subterránea, la batería retumba y las voces emergen cavernosas.

Lo que realmente eleva "Advent Of Wounds" es la composición de riffs. El álbum está repleto de riffs muy interesantes que van más allá de la forma habitual 'mono-estructural', a menudo parten de un motivo sencillo y luego evolucionan hacia una secuencia mucho más elaborada y de varias partes. Las canciones respiran y mutan: los tempos se tambalean, las líneas de trémolo se transforman en disonancias atmosféricas y las figuras recurrentes reaparecen en formas alteradas, dotando al disco de una sensación narrativa y cohesión. 

El trío de canciones iniciales es especialmente devastador, y las mejores el disco, Cremation Of A Seraph, Disentombed And Reassembled By The Ages y Scalded By His Sacred Halo. La primera marca el tono con ritmos y riffs frenéticos e inexorables que se enroscan como invocaciones sepulcrales, sumergiendo al oyente en un mundo sonoro desolador y aplastante. La segunda destaca por su arco dinámico, que se ralentiza hacia pasajes Doom antes de redoblar la velocidad, una evolución estructural que se siente a la vez épica y castigadora y la tercera profundiza aún más la atmósfera, entrelazando figuras melódicas inquietantes con su violencia, de modo que la canción se siente a la vez litúrgica y enfermiza, como un ritual realizado en un templo en ruinas, clara nominación a Canción del Año de ELOMC. 

A lo largo de su metraje, “Advent Of Wounds” ofrece una excelente lección de cómo el Metal extremo puede ser a la vez brutalmente directo y audaz en su composición. Es oscuro y denso, pero rico en detalles e intención, recompensando la escucha atenta con capas de textura y desarrollo que van mucho más allá de los clichés del género. Para quienes buscan un Death cavernoso, siniestro, macabro y atmosférico cuidadosamente construido, lo último de Fossilization no solo es recomendable, sino que se siente imprescindible.

8.5/10

Worm - "Necropalace" (Symphonic Blackened Doom)

"Necropalace" de Worm es un viaje oscuro, frío y misterioso al Blackened Doom Sinfónico, donde la atmósfera y la destreza técnica se fusionan en una pesadilla gótica y vampírica. En general, es un disco decente, pero sus fallos de producción y la dura competencia dentro del estilo le impiden alcanzar la verdadera grandeza.

El álbum se inclina con fuerza hacia una atmósfera sombría y neblinosa, con teclados densos, órganos y guitarras superpuestas que crean un paisaje sonoro imponente. Su autodenominado Black Doom Nigromántico gira decisivamente hacia el Black Sinfónico, pero sin abandonar sus raíces Doom y Death, lo que confiere a las canciones una sensación glacial y opresiva bajo la influencia orquestal. El resultado es una música que se siente a la vez fría y extrañamente majestuosa, como deambular por interminables pasillos helados iluminados únicamente por antorchas parpadeantes.

A pesar de su extrema intensidad, "Necropalace" es bastante melódico, con temas recurrentes y motivos principales que hacen que cada tema parezca un viaje en sí mismo. Temas como el que da título al disco y Halls Of Weeping presentan arreglos exóticos, a veces impredecibles, que desestabilizan ligeramente al oyente, reforzando el carácter misterioso del disco. La fluidez entre los temas está cuidadosamente construida, pero su duración de más de una hora se siente exagerada.

Bajo la atmósfera se esconde un núcleo sorprendentemente técnico, especialmente en la composición de riffs y la batería. La banda alterna entre pasajes sinfónicos de ritmo medio, al estilo de los 90, y secciones más lentas de Doom con cambios de tempo al estilo de disSEMBOWELMENT, que exigen una atención minuciosa del oyente. Esta complejidad estructural le da al álbum profundidad y valor de repetición, incluso cuando algunas secciones individuales resultan intencionadamente sofocantes.

Uno de los puntos fuertes son los solos de guitarra, de espíritu descaradamente Heavy e incluso Neoclásico. El guitarrista principal, Wroth Septentrion, aporta un toque extravagante y altamente melódico que atraviesa la penumbra como un foco, y la aparición de Marty Friedman (ex-Megadeth) como artista invitado en el último tema subraya ese linaje del Metal clásico. Estos solos añaden una sensación de dramatismo y optimismo que contrasta a la perfección con el ambiente, por lo demás desolador.

Donde “Necropalace” falla es en su producción. Aunque las capas sinfónicas suenan imponentes, la obra maestra se siente demasiado comprimida, con un rango dinámico limitado que mantiene la música constantemente 'fuerte' pero rara vez realmente impactante. El muro de sonido puede resultar fatigante incluso a corto plazo, especialmente en secciones que deberían respirar más para que la orquestación y los elementos Doom resuenen plenamente. El bajo funciona particularmente mal, a menudo enterrado o indistinto bajo las guitarras y el teclado, lo que resta peso y claridad a algunos pasajes graves.

Dentro del panorama más amplio del Black Sinfónico, "Necropalace" es interesante, pero no mucho más. Los fans de bandas como Fleshgod Apocalypse o Dimmu Borgir, con su integración orquestal más nítida y una producción más expansiva, podrían encontrar este trabajo Worm menos refinado. En definitiva, este es un disco decente: oscuro, atmosférico, bastante melódico, técnicamente ambicioso y adornado con fantásticos solos de guitarra inspirados en el Heavy, pero limitado por su sonido encogido.

7/10

Converge - "Love Is Not Enough" (Metalcore)

En “Love Is Not Enough”, los ultra veteranos de Converge hacen lo que mejor saben hacer: detonar un torbellino de emoción y ruido que te hace querer atravesar una pared y luego abrazar a la persona que tienes a tu lado para decirle lo buena que es. A lo largo de su breve y denso metraje, el disco canaliza la rabia, el dolor y un realismo desolador en una experiencia sorprendentemente catártica que se siente como si te desgarraran y te volvieran a unir en un mismo instante.

Desde el tema que da título al álbum, la banda se lanza directo a la yugular, con riffs frenéticos y una batería desenfrenada que evoca inmediatamente su material más cruel. La letra de la canción, que habla de aprender a 'soportar el sabor de nuestra propia sangre' y aceptar que 'el amor no es suficiente', marca el tono de un álbum obsesionado con la empatía bajo asedio y la supervivencia emocional en un mundo depredador. Este es Converge en plena lucha: enérgico, caótico, agresivamente oscuro, crudo y ruidoso, cada golpe contundente y cada grito cargado de amargura. La gran fortaleza del disco reside en su precisión técnica y densidad rítmica, sin resultar estéril en ningún momento. 

Emocionalmente -fin último de este tipo de trabajos-, el álbum vive en ese extraño espacio donde la violencia y la vulnerabilidad se vuelven indistinguibles. Temas como To Feel Something convierten la ansiedad en un arma, con guitarras que suenan como nervios de punta y versos aulladores de Bannon que resultan instantáneamente identificables. En otros momentos, momentos de melodía con tintes Punk, como en Make Me Forget You, abren brevemente las ventanas antes de que la banda las cierre de golpe en una lluvia de retroalimentación y percusión. 

Dicho esto, "Love Is Not Enough" no es una reinvención radical del lenguaje de Converge. "Jane Doe" (2001) sigue siendo su declaración definitiva, el álbum que no solo cristalizó su sonido, sino que ayudó a dar forma al Metalcore en su conjunto, y sigue siendo su mejor y más singular trabajo. En comparación, este nuevo disco no lleva su estética a un territorio radicalmente nuevo; en cambio, refina y condensa elementos familiares en una explosión corta y violenta. Hay guiños a épocas anteriores en algunos ritmos y texturas, pero nada que redibuje el mapa de la banda.

Sin embargo, esa falta de innovación no se percibe como complacencia, sino como un enfoque intencional. Tras décadas transformando el Metalcore en nuevas formas, Converge se contenta con ser la versión más pura de sí mismos: furiosos, técnicos, rítmicamente densos y emocionalmente lacerantes. "Love Is Not Enough" es una declaración de intenciones que demuestra que esta banda aún puede hacerte querer golpear primero y luego, inmediatamente, envolver a todos en un abrazo magullado y exhausto.

8/10

Karnivool - "In Verses" (Progressive)

El cuarto y demoradísimo álbum de Karnivool, "In Verses", es como un eclipse prolongado y lento: un disco oscuro y emocionalmente intenso que ilumina gradualmente al oyente a medida que lo escucha. Trece años después de "Asymmetry" (2013), la banda regresa con un sonido inconfundiblemente suyo -rítmicamente intrincado, melódicamente rico y profundamente introspectivo-, pero refinado y algo más paciente, atmosférico y maduro.

Desde el principio, "In Verses" se inclina hacia un tono melancólico, casi opresivo, que sustenta sus ganchos melódicos. Ghost y Drone reintroducen la mezcla característica de Karnivool de Rock y Metal  Progresivo: riffs sinuosos, ritmos desfasados ​​y dinámicos que pasan del susurro al rugido sin resultar forzados. El disco es innegablemente oscuro, tanto en sus armonías melancólicas como en la carga emocional que impregna sus letras, pero esa oscuridad nunca es unidimensional; se siente reflexivo más que nihilista, como si luchara con viejas cicatrices en lugar de revolcarse en ellas.

Los elementos progresivos se entrelazan en cada rincón del álbum, no como ejercicios técnicos ostentosos, sino como el ADN de la composición. Compases y polirritmos inusuales están por todas partes, especialmente en temas como Aozora, Remote Self Control y Animation, donde la batería de Steve Judd evoluciona sin perder su ritmo hipnótico. Estos rompecabezas rítmicos se equilibran con fuertes líneas melódicas; la voz de Ian Kenny se eleva por encima de la complejidad, haciendo que canciones que podrían parecer extrañas resulten, en cambio, accesibles.

El núcleo melódico y apasionado del álbum se evidencia más en sus piezas más largas y de ritmo lento. Conversations, un tema de ocho minutos y probablemente el mejor del disco, comienza en un silencio frágil antes de expandirse hacia un clímax catártico. Salva intercambia atmósfera y textura, utilizando el espacio, guitarras superpuestas y, finalmente, cuerdas y gaitas para crear recompensas emocionales que parecen ganadas en lugar de forzadas. De principio a fin, la interpretación de Kenny es a la vez técnicamente segura y abiertamente emotiva, dotando al disco de su esencia humana en medio de toda la ambición estructural.

Lo que hace a "In Verses" particularmente convincente es su contundencia sin depender únicamente de la agresividad. En definitiva, este trabajo es un viaje que recompensa la escucha atenta y repetida y aunque es demasiado largo en su hora y tres minutos, se siente oscuro pero no sombrío, técnico pero no clínico, atmosférico pero anclado en melodías potentes e interpretaciones apasionadas. Creo que Karnivool ha vuelto con un gran disco. Probablemente el tiempo asiente su gran calidad.

8/10

Urne - "Setting Fire To The Sky" (Melodic Death / Sludge / Metalcore)

"Setting Fire To The Sky" de Urne se siente como Melodeath y Metalcore mezclados con elementos Sludge a partes iguales de liberación emocional... un paraíso para los frikis. Es un disco que toma la grandeza y el ritmo de Gojira o Mastodon y los filtra a través de una sensación distintivamente británica de crudeza y melancolía.

El tema de apertura, Be Not Dismayed, -la mejor del trabajo- establece inmediatamente el esquema: guitarras limpias y desoladas y un ambiente solemne dan paso a riffs descomunales y cargados de Sludge y una batería potente, estableciendo el tira y afloja del álbum entre la vulnerabilidad y la pura gravedad. Urne se inclina con fuerza hacia unos graves fangosos (de ahí el término Sludge, o así siempre he creído), pero las canciones están entrelazadas con elementos de Death Melódico y una tensión y liberación al estilo Core, por lo que cuando los estribillos alcanzan su máximo esplendor, se sienten catárticos en lugar de simplemente castigadores. 

Vocalmente, la banda oscila entre rugidos ásperos y pasajes más melodiosos, otorgando a varios ganchos una resonancia emocional casi Post, sin perder su arraigo en la extrema intensidad. La mitad del álbum es donde realmente se cristalizan las comparaciones entre Gojira y Mastodon. The Spirit, Alive surge con riffs vibrantes, impulsados ​​por un groove tectónico que recuerda a los momentos más pesados ​​de Gojira, pero Urne se inclina más por breakdowns con influencia metalcore y líneas potentes y cantables. 

El tema Harken The Waves, (con Troy Sanders de... bueno, Mastodon), es una pieza central, una épica de Sludge de nueve minutos que deja respirar cada parte del arsenal de Urne y la canción de cierre, Breathe, se despoja de la agresividad a favor de una balada sombría, casi -como dije- Post, enriquecida por texturas de cuerdas.

Nuevamente la virtud del trabajo es su propia carencia, y es que "Setting Fire To The Sky" a veces se aferra demasiado a sus influencias, con ecos tan fuertes de las bandas mencionadas como inspiración que la propia identidad de Urne se difumina. Sin embargo, la calidad de la composición, los ganchos memorables y la cautivadora mezcla de Sludge, florituras de Melodeath y energía del Core lo convierten en un disco de interesante.

7.5/10

Alter Bridge - "Alter Bridge" (Alternative / Hard Rock)

El disco homónimo de Alter Bridge da la impresión de ser un álbum compuesto por una banda que sabe exactamente cómo quiere sonar, pero que aún lucha por expresar esa identidad. A lo largo de sus aproximadamente sesenta minutos, "Alter Bridge" ofrece una mezcla de melodías potentes, interpretaciones apasionadas y momentos de musicalidad intrincada que insinúan ambiciones Progresivas. La mezcla de Alternativo, Hard Rock y toques de Heavy le dan al disco una textura versátil: es vigoroso y melancólico, pero también inesperadamente emotivo. A pesar de ello, no siempre mantiene el mismo nivel de inspiración a lo largo del álbum, lo que lo convierte en un recorrido interesante pero irregular.

La primera mitad no siempre impacta con el mismo nivel que la banda parece buscar en la segunda mitad. El sonido es innegablemente potente: riffs de guitarra densos, baterías resonantes y la expresiva voz de Myles Kennedy que lo ancla todo. Las melodías están ahí, pero algunos temas se sienten empantanados por la repetición, lo que opaca la intensidad emocional. Aun así, se percibe el afán de la banda por fusionar coros imponentes con ritmos potentes y vibrantes, una combinación que funciona bien incluso cuando no llega a su máximo potencial.

Luego llega la segunda mitad, y todo empieza a encajar. A partir de Tested And Able, el disco cobra vida. Las canciones se sienten más dinámicas, los arreglos más atrevidos y la química de la banda más convincente. El cierre con Slave To Master actúa como un punto de inflexión, inyectando energía, claridad emocional y un toque de introspección que muchos cortes anteriores solo insinuaban, la mejor del disco. 

Lo que mantiene a "Alter Bridge" cautivador, incluso cuando tropieza, es su pasión. Hay un tono agridulce que recorre gran parte de la composición: una sensación de lucha, resiliencia y anhelo que otorga peso emocional incluso a los temas menos memorables. La voz de Kennedy se eleva con convicción, mientras que el trabajo de guitarra de Mark Tremonti se mantiene impecable, repleto de solos expresivos y riffs de buen gusto. No deja de ser cierto que la duración del álbum, de sesenta minutos, resulta desafiante; algunas canciones podrían haberse recortado o ajustado para darle más enfoque a la experiencia.

En definitiva, "Alter Bridge" es un álbum heterogéneo: ambicioso, emotivo y, en ocasiones, brillante, pero también inconsistente y demasiado largo. Es un álbum que captura a una banda en transición, habiendo dejado atrás su etapa Post-Grunge. A pesar de sus irregularidades, el disco deja una impresión persistente: la de una banda talentosa que no tiene miedo de alcanzar lo más alto, incluso si ocasionalmente pierde el equilibrio en el camino.

7.5/10

Kreator - "Krushers Of The World" (Thrash)

Con "Krushers of the World", Kreator continúa su largo reinado como una de las fuerzas más resistentes del Thrash, pero los resultados esta vez son divisivos. El disco es innegablemente interesante: enérgico, con una producción impecable y lleno de momentos que sugieren que la banda aún disfruta experimentando tras décadas en el género. Sin embargo, a pesar de esa chispa, este álbum se apoya demasiado en sonidos fáciles y melódicos que no encajan bien con la ferocidad cruda que aún evoca su nombre. El resultado se siente como una versión más accesible, casi 'suavizada', de Kreator, una que podría intrigar a los nuevos oyentes, pero que podría dejar a los fans de toda la vida preguntándose dónde se fue el peligro.

En esencia, "Krushers of the World" sigue siendo inconfundiblemente Thrash. Los riffs galopan, la batería pega fuerte y la rasposa voz característica de Mille Petrozza sigue ofreciendo mucha fuerza. Sin embargo, la composición rara vez se desvía de las estructuras habituales. Hay pocos momentos de sorpresa, y la mayoría de los temas se desarrollan según los patrones esperados: estrofas concisas, estribillos potentes y abundantes solos que llegan justo a tiempo. La peculiaridad es que muchos de esos solos y florituras melódicas toman prestado mucho del Power -pecado-, lo que otorga a partes del álbum un brillo extrañamente triunfal, incluso heroico. Esta mezcla estilística añade color, pero a menudo opaca el filo que siempre ha definido el mejor trabajo de Kreator.

Una de las cualidades más notables del disco es su producción. "Krushers of the World" suena limpio, quizás demasiado limpio. La mezcla se inclina hacia lo pulido y lo himnario en lugar de lo áspero o lo callejero, perdiendo parte de la cruda inmediatez que caracterizó sus álbumes clásicos. Para un género construido sobre el caos y la agresión, esa fluidez puede hacer que incluso los temas más rápidos se sientan extrañamente seguros.

La melodía juega un papel más importante aquí que en cualquier trabajo reciente de Kreator. Grandes estribillos para cantar a coro dominan muchas canciones, invitando a una participación del público más típica de festivales de Metal mainstream que de clubes underground. Es innegable que estos estribillos son pegadizos -se quedan con uno tras una sola escucha-, pero esa accesibilidad tiene un precio. En la segunda mitad del álbum, la abundancia de ganchos brillantes y progresiones de acordes heroicas añade una notable capa de cursilería. La intensidad que antes parecía peligrosa y vital ahora se siente atenuada, como si la banda hubiera cambiado la rabia por la grandeza.

En definitiva, "Krushers of the World" es un disco técnicamente sólido, pero emocionalmente conflictivo. Es más compacto, llamativo y melódico de lo que los fans de siempre podrían esperar: una muestra de maestría musical que sacrifica la intensidad y la agresividad que antaño distinguieron a Kreator. Es Thrash despojado de sus coñazos estatutarios. Los fans acérrimos lo encontrarán demasiado brillante para conectar con él, pero para quienes prefieren el Metal con coros potentes y matices más limpios, este podría ser el álbum más accesible de Kreator en años.

7/10

Megadeth - "Megadeth" (Thrash)

Para una banda que definió (o ayudó a definir) el sonido y el espíritu del Thrash durante más de cuatro décadas, Megadeth — y su disco homónimo y supuestamente último— se siente como una vuelta de honor y una carta de despedida, todo en uno. Cada riff y letra tiene un peso innegable, no por lo que son, sino por lo que representan: el cierre de un capítulo en la historia del Metal. La música tiene un trasfondo melancólico, una tristeza silenciosa bajo sus bordes afilados, como si Dave Mustaine y compañía se despidieran conscientemente de su legado.

Desde el primer tema, el disco rebosa energía. Es rápido, contundente y melódico, con muchas de las notas esperadas de Megadeth: riffs galopantes, solos intrincados y esa precisión rítmica mordaz que convirtió a la banda en uno de los Cuatro Grandes del Thrash. Sin embargo, a pesar de esa intensidad, nunca alcanza la ferocidad de trabajos anteriores como "Rust in Peace" (1990) o "Peace Sells… but Who’s Buying?" (1986). Hay una notable moderación aquí: un equilibrio entre agresividad y reflexión, como si la banda no tuviera nada más que demostrar, pero aun así se sintiera obligada a recordarnos lo que podían hacer a toda máquina.

La voz de Mustaine, sin embargo, acapara quizás demasiado protagonismo esta vez. Su interpretación vocal es fundamental, eclipsando a veces la firmeza de su musicalidad. La mueca de desprecio que antes sonaba venenosa y urgente ahora se percibe como torpe en la mezcla, diluyendo las sutiles complejidades de las guitarras gemelas y la sección rítmica. Es una decisión que puede dividir a los fans de toda la vida -algunos podrían percibir confianza, otros ego-, pero es inconfundiblemente Mustaine.

Sonoramente, "Megadeth" es un álbum bien producido con muchos momentos que recuerdan al pasado histórico de la banda. Muchos temas parecen reflejos o ecos de clásicos anteriores. Hay riffs que podrían haber salido directamente de "Countdown to Extinction" (1992), armonías que recuerdan a "Youthanasia" (1994) y cortes rítmicos que recuerdan a "Cryptic Writings" (1997). Es como si la banda hubiera rebuscado en su propia historia y hubiera creado un collage de lo que los hizo grandes. Aunque pueda sonar fortuito, para sus fieles seguidores funciona como una despedida nostálgica.

Entre las canciones destacadas, Tipping Point se erige como la estrella: trepidante, bien construida y melódica en el mejor de los sentidos. Let There Be Shred también cumple, haciendo honor a su título con un trabajo de guitarra deslumbrante y un estilo técnico que encantará a cualquier fan del estilo preciso de Megadeth. Pero más allá de esos puntos culminantes, gran parte del álbum se asienta en un ritmo cómodo, consistente pero rara vez sorprendente. No hay clásicos instantáneos aquí, ni momentos como Holy Wars o Symphony of Destruction que redefinan nada.

En definitiva, "Megadeth" es un álbum que será recordado menos por sus canciones y más por lo que representa: la declaración final de una de las bandas más influyentes del Metal. Es enérgico, técnicamente sólido y, en muchos sentidos, una despedida adecuada; no por ser perfecto, sino porque se siente humano, ligeramente cansado y consciente de su propio lugar en la historia. El final de una era rara vez suena tan consciente o tan agridulce.

7/10

Marianas Rest - "The Bereaved" (Melodic Death / Doom)

El último lanzamiento de Marianas Rest, "The Bereaved", es un viaje nocturno y melancólico a través del familiar terreno emocional que la banda finlandesa ha cultivado en sus álbumes anteriores. La banda se mantiene firmemente arraigada en la tradición del Death Melódico por el que su país se ha hecho conocido -atmósferas gélidas, melodías tristes y bases rítmicas contundentes- pero aquí, en lugar de reinventar su fórmula, la refinan. El resultado es un álbum que se siente cohesivo y emotivo, aunque no lleve su sonido a nuevos territorios.

Desde el primer tema, "The Bereaved" exuda una sensación de melancolía. La producción posee una cualidad nocturna y brumosa: cada nota parece resonar contra las frías paredes de un vasto espacio vacío. Las guitarras tejen armonías lúgubres que brillan sobre la densa sección rítmica, mientras que las voces rugientes emergen como lamentos distantes en lugar de ataques directos. Es música pesada, no solo sonoramente, sino también emocionalmente; La banda canaliza el dolor y la introspección más que la agresión, lo que siempre los ha distinguido de muchos de sus colegas.

Uno de los puntos fuertes del álbum reside en el trabajo de la guitarra líder. A lo largo de "The Bereaved", los solos melódicos surcan la mezcla con precisión y sentimiento, elevando a menudo las canciones desde sus profundidades melancólicas a momentos de belleza catártica. No presumen de tecnicismo por sí mismos, sino que contribuyen a la atmósfera y la emoción de cada canción. Esta atención a la atmósfera y la textura, en lugar de a la brutalidad pura, se ha convertido en un sello distintivo del sonido de Marianas Rest, y sigue brillando aquí.

Comparar "The Bereaved" con los trabajos anteriores de la banda -"Auer" (2023) y "Fata Morgana" (2021)- revela continuidad. Mientras que el segundo se inclinó con fuerza hacia la melancolía melódica y el primero exploró un paisaje sonoro ligeramente más expansivo, "The Bereaved" se siente más introspectivo, con un tono más nocturno. La composición es más precisa y deliberada, aunque la banda se mantiene en gran medida dentro de su zona de confort.

Aunque el disco no innova dentro del género sí contiene momentos de genuina resonancia emocional. Canciones como Divided, Diamonds In The Rough y Pity The Living, destacan por sus fuertes líneas melódicas y su ritmo emotivo. En estos temas, la banda encuentra un equilibrio perfecto entre pesadez y vulnerabilidad, brindando a los oyentes la catarsis que define lo mejor del Metal finlandés. La interacción de la melodía melancólica y el ritmo sombrío en estas canciones crean los pasajes más memorables del disco.

En general, "The Bereaved" es una sólida incorporación al catálogo de Marianas Rest un álbum que se siente como una contemplación nocturna en forma musical. Puede que no sea innovador ni sorprendente, pero refuerza la identidad de la banda.

7.5/10

Anna Pest - "Dark Arms Reach Skyward With Bone White Fingers II: Be (Not) Afraid" (Deathcore / Technical Death / Grindcore / Shoegaze)

"Dark Arms Reach Skyward With Bone White Fingers II: Be (Not) Afraid" de Anna Pest no es un disco fácil de definir. A lo largo de su duración, da la sensación de ser lanzado a un laberinto mecánico construido a partir de la emoción y la precisión, un espacio donde el caos y la técnica coexisten de forma incómoda pero intencionada. Es técnico, caótico, denso y, en ocasiones, incluso sofocante en su complejidad; sin embargo, de alguna manera, sigue siendo emocional y extrañamente humano bajo toda la disonancia.

Este es en gran medida un álbum conceptual, aunque su 'concepto' no se transmite tanto a través de la narrativa como a través del sentimiento. La música lidia con la ansiedad existencial: la sensación de luchar contra la falta de sentido o de ser consumido por los propios patrones de pensamiento. El resultado es algo violento e introspectivo, una visión sonora del pavor existencial representada a través de blastbeats, compases cambiantes y armonías disonantes que suenan como si se derrumbaran sobre sí mismas.

El uso que Anna Pest hace del género es ambicioso y desenfrenado. Puedes empezar con un ritmo Techdeath, solo para que la canción se fragmente en gritos de Grindcore y luego, de forma igualmente inesperada, se abra a una neblina de texturas Shoegaze. Ese cambio entre la agresividad implacable y la melancolía suave y brillante define la identidad experimental del álbum. La banda no solo coquetea con las fronteras del género; las trata de disolver, creando un collage donde coexisten el Grindcore, el Deathcore y el Post. El resultado es emocionante por momentos y desorientador en otros.

La mayor fortaleza del disco puede ser también su principal defecto: su negativa a comprometerse con una identidad sonora única. La mezcla caótica de texturas, compases e ideas tonales puede hacer que el oyente se sienta como si hubiera entrado en varios álbumes a la vez. A veces resulta estimulante: el sonido de la verdadera experimentación sin restricciones creativas. Otras veces, la inconsistencia dificulta la conexión emocional, como si la densidad e imprevisibilidad del álbum fueran a costa de la cohesión.

Aun así, incluso cuando el experimento no triunfa del todo, hay algo magnético en la visión de Anna Pest. "Dark Arms Reach Skyward With Bone White Fingers II: Be (Not) Afraid" es el tipo de disco que llama la atención, no por su perfección, sino por su vivacidad: lidia con ideas, emociones y métodos en tiempo real. Es caótico, sí, pero también audazmente sincero en su exploración del miedo, la fragilidad y la catarsis a través del sonido.

7.5/10

The Ruins Of Beverast - "Tempelschlaf" (Black / Doom)

El nuevo trabajo de The Ruins Of Beverast, "Tempelschlaf", sumerge a la banda en una neblina ritualista y nocturna, pero no supera el imponente legado de sus trabajos anteriores. Este disco se siente agresivo pero sobrio, cavernoso pero extrañamente estilizado y a pesar de su densidad y atmósfera ominosa, resulta más predecible y menos exótico que los mejores momentos de la banda.

Desde los primeros momentos, "Tempelschlaf" envuelve al oyente con un aura ritualista: buena percusión -lo mejor del trabajo-, mantras vocales resonantes y sonido Drone crean una sensación de ceremonia nocturna que se desarrolla de forma subterránea. La producción se centra en unos graves densos y reverberantes que hacen que el álbum se sienta húmedo y cavernoso.

A pesar de esta carga, el disco se escucha claro y navegable, con su fría arquitectura dispuesta en largos sonidos de reverberación de guitarra y patrones de batería mesurados. "Tempelschlaf" marca un paso significativo desde los sonidos  Black de sus inicios a "Exuvia" (2017) -su mejor disco a la fecha-. Los tempos son más lentos y los riffs priorizan las figuras contundentes y sostenidas sobre los frenéticos aluviones de trémolo que una vez definieron gran parte del ataque de la banda.

Efectivamente persisten elementos del Black, pero ahora se entrelazan con estructuras que se sienten menos cercanas a ese estilo. Este cambio amplifica la cualidad ritualista y procesional del álbum, pero no se si necesariamente lo ha hecho para mejor.

Para los oyentes atraídos por el Doom denso, ominoso y ritualista con un toque ennegrecido, "Tempelschlaf" será una experiencia envolvente; su mezcla cavernosa y su ritmo sombrío ofrecen mucho en lo que sumergirse. Pero para aquellos que aprecian The Ruins Of Beverast principalmente por su imprevisibilidad, inflexiones exóticas y composición laberíntica, este álbum puede parecer menos aventurero en un catálogo por lo demás visionario.

7/10

Enshine - "Elevation" (Melodic Death / Doom)

Once años después de su último álbum, "Origin" (2015), el dúo sueco-francés Enshine finalmente regresa con "Elevation", y la espera ha merecido la pena. Conocidos por tejer melancolía cósmica con texturas melódicas de Death y Doom, Enshine ha sido una banda que difumina los límites entre la pesadez y la serenidad. "Elevation" continúa ese legado, pero con una mayor soltura, una sensación de descubrimiento más improvisada que hace que el álbum se sienta orgánico y a la vez transportante.

Lo que destaca de inmediato es el trabajo de guitarra, en constante movimiento, de la mejor manera posible. En lugar de riffs rígidos o una interpretación excesivamente técnica, las guitarras fluyen y brillan, creando un paisaje que respira. Capas de líneas melódicas se entremezclan, expandiéndose y colapsando lentamente alrededor de ritmos constantes y fascinantes. Es como si la banda invitara a los oyentes a sumergirse en el sonido en lugar de quedarse fuera y analizarlo. Esa energía improvisada le da a "Elevation" una calidez rara vez encontrada en un Metal tan meticulosamente construido.

Las voces, como siempre, anclan este remolino atmosférico en algo primario y emocional. Los growls mortales se asientan debajo de la mezcla, casi entretejidos con la instrumentación en lugar de dominarla. No se perciben como agresión; se perciben como gravedad: el peso que impide que el paisaje sonoro se desvanezca por completo. Su textura complementa las melodías a la perfección, añadiendo profundidad a las estructuras sonoras, por lo demás oníricas.

"Elevation" realmente hace honor a su nombre. Este es un álbum diseñado para hacerte trascender, y lo hace no a través de la grandeza, sino a través de la inmersión. El disco se mueve en oleadas: a veces glacial e introspectivo, otras veces surgiendo con una intensidad serena. Es música para perderse, especialmente cuando los riffs de guitarra toman la delantera y te elevan hacia un territorio vasto y luminoso.

Compararlo con los discos anteriores de Enshine hace que su evolución sea aún más impactante. "Origin" (2015) se sintió como una continuación cuidadosamente construida de "Singularity" (2013): denso, atmosférico y arquitectónicamente preciso. Aquellos álbumes anteriores exploraban la melancolía cósmica a través de una composición precisa: capas de teclados, ritmos ajustados y fraseo melódico que se desplegaba como un reloj. "Elevation", en cambio, se siente liberado. Es como si, tras años de refinar su estética, Enshine hubiera decidido dejarla respirar. Las guitarras tienen más espacio. Las texturas de sintetizador se dejan llevar en lugar de dictar. Se trata menos del destino y más del viaje entre estrellas.

Tras una década de espera, "Elevation" continúa la historia de Enshine y la mantiene. La fusión del Melodeath y el Doom lo hace fluido y trascendental. El trabajo es pesado e hipnótico, triste y extrañamente eufórico. En resumen, "Elevation" nos recuerda que, a veces, los mejores viajes son los que tardan en llegar.

8.5/10

Ellende - "Zerfall" (Melodic Black / Atmospheric Black)

"Zerfall" de los austríacos de Ellende es un disco de Black, un tanto depresivo e intensamente atmosférico que busca la devastación emocional y la catarsis a partes iguales. Presenta un sonido denso y complejo, tan agridulce como brutal, que se mueve constantemente entre la desesperación asfixiante y destellos de belleza melódica. En conjunto, se percibe como una obra ambiciosa y emocionalmente intensa, cuyo alcance está muy bien logrado y sorprende que sea uno de los primeros discos del año.

En esencia, "Zerfall" está impregnado de Black, con pasajes explosivos, riffs de trémolo y voces angustiadas que anclan el álbum en una perspectiva de desolación. Alrededor de esa base, se encuentra un fuerte sentido melódico extraído del Progresivo, el Post y un toque de Power e incluso algo de Alternativo. Este enfoque híbrido le da al disco una cualidad inquieta y exploratoria, como si intentara constantemente traducir el dolor en algo grandioso y arrollador en lugar de simplemente abrasivo. El resultado es un sonido denso y melódico a la vez, que combina solos tristes y texturas atmosféricas sobre un pulso rítmico vibrante.

El álbum suena a menudo realmente bien, donde el bajo se abre paso con una presencia rica y clara que añade calidez y profundidad a los arreglos. También hay momentos de arreglos y texturas que valen la pena. Estos toques refuerzan la profunda atmósfera que puede tener "Zerfall" cuando se inclina hacia la sutileza y el contraste dinámico, permitiendo que sus melodías respiren y que su tristeza se sienta vivida en lugar de interpretativa.

Sin embargo, diría que "Zerfall" se ve lastrado por una ejecución inconsistente que le impide alcanzar su máximo potencial. La batería se siente demasiado redonda y demasiado directa en la mezcla, sobresaliendo del sonido, por lo demás envolvente, de una forma que puede resultar distractora. En lugar de hundirse en la niebla sonora y apoyar la atmósfera, a veces parecen estar sobre ella, desviando la atención de las emociones que la banda intenta crear.

Las interpretaciones y los arreglos también, en ocasiones, socavan la atmósfera cuidadosamente cultivada del álbum. La teatralidad de algunos solos de guitarra y rellenos de batería puede caer en una grandilocuencia algo excesiva, perturbando la frágil atmósfera con florituras que parecen más ostentosas que sinceras. Varios temas crean una atmósfera realmente cautivadora, como Wahrheit Teil I y II y aunque algunas canciones languidecen en un solo riff durante demasiado tiempo el disco está bastante bien.

“Zerfall” sigue siendo, en última instancia, una experiencia agridulce: oscura, depresiva y atmosféricamente rica, pero desigual en cómo cumple sus grandes ambiciones. Cuando todo encaja, es poderosa y conmovedora; cuando no es así, se siente como una conversación que nunca termina.

7.5/10

Lo Mejor del Metal 2025 - Premiación virtual de El Lado Oscuro - Metal Crítica

Este año escribí más que en cada uno de los últimos cinco, me sentí a gusto con el sonido que trajo el 2025, aunque -con alguna honrosa excepción- no fue tan genial como 2024 y 23, que me parecieron excepcionales. Sin embargo hay cosas muy interesantes de las que hablar, claro que si. El Metal en 2025 puede verse como un año de resurgimiento del mainstream, fusión creativa y escenas underground prósperas, donde el Metal clásico colisionó con la experimentación que fusionó géneros y la cultura digital viral para devolverle visibilidad global.

Aunque nuestro estilo musical de preferencia sigue siendo un gusto adquirido por relativamente pocos -en un contexto donde el Pop y otros géneros 'urbanos' arrasan- creo que sigue siendo una extraordinaria manifestación cultural, que sobrepasa a la música en si misma, sino lo creen, vayan a su festival veraniego de preferencia y verán con que intensidad se vive. ¿Qué tal mi imagen realizada con IA?... signo de los tiempos, y se parece un poco XD

Pero vayamos al punto:

MEJOR DISCO PROGRESSIVE:

Los nominados son:

Dream Theater - "Parasomnia" (Progressive)

Tómarúm - "Beyond Obsidian Euphoria" (Technical Progressive Black / Death)

Vauruvã - "Mar da Deriva" (Atmospheric Black / Progressive / Folk)

Between The Buried And Me - "The Blue Nowhere" (Progressive / Avant-Garde / Blues / Rock 'n Roll)

In Mourning - "The Immortal" (Progressive Melodic Death)

An Abstract Illusion - "The Sleeping City" (Progressive Melodic Death)

Otro año donde la cantidad y la calidad se hicieron presentes, a quien le gusta el buen Metal, le gusta el Progresivo, eso es así.

El Mejor Disco Progressive es:

In Mourning - "The Immortal" (Progressive Melodic Death)

Para los fans de toda la vida, "The Immortal" lo sentimos como la culminación de años de evolución: una declaración definitiva de una banda que realmente ha dominado su arte.

MEJOR DISCO POWER / HEAVY / NWOBHM / SYMPHONIC:

Los nominados son:

Majestica - "Power Train" (Symphonic Power)

Dragonknight - "Legions" (Symphonic Power)

Tower - "Let There Be Dark" (Heavy)

Alestorm - "The Thunderfist Chronicles" (Power / Folk)

Sabaton - "Legends" (Power)

Epica - "Aspiral" (Symphonic)

Un año un tanto flojo para el estilo emocionante y donde el disco de Epica comenzó a decaer un poco en mi gusto con el paso del tiempo y hoy lo reclasificaría con un 7.5 a un 8, en todo caso, 

El Mejor Disco Power / Heavy es:

Tower - "Let There Be Dark" (Heavy)

Un testimonio del compromiso de Tower de superar los límites del Heavy tradicional. Es una escucha cautivadora que consolida su lugar en el panorama contemporáneo del género, entendiendo que son una gente más difícil de lo que se acostumbra a encontrar en el estilo.

MEJOR DISCO BLACK / MELODIC BLACK / ATMOSPHERIC BLACK:

Los nominados son:

Saor - "Amidst The Ruins" (Atmospheric Black / Folk)

The Great Old Ones - "Kadath" (Atmospheric Black / Sludge)

Harakiri for the Sky - "Scorched Earth" (Blackgaze / Post / Atmospheric Black)

Havukruunu - "Tavastland" (Melodic Black / Folk)

Tómarúm - "Beyond Obsidian Euphoria" (Technical Progressive Black / Death)

Blackbraid - "Blackbraid III" (Melodic Black)

Vauruvã - "Mar da Deriva" (Atmospheric Black / Progressive / Folk

Excelentes muestras en 2025, el Mejor Disco Black es:

Tómarúm - "Beyond Obsidian Euphoria" (Technical Progressive Black / Death)

La crítica ha elogiado el álbum por su dinamismo audaz y su brillantez técnica. La gente de No Clean Singing dijo con mucha razón: 'La audacia y el dinamismo que exclama son tan impresionantes técnicamente como fervientemente gratificantes'. Sin embargo, algunos oyentes podrían encontrar la complejidad del álbum un poco abrumadora.

MEJOR DISCO MELODIC DEATH / SYMPHONIC DEATH:

Buenas muestras, el retorno en forma de Fallujah fue un punto a destacar, los nominados son:

Allegaeon - "The Ossuary Lens" (Technical Melodic Death / Melotech)

Opia - "I Welcome Thee, Eternal Sleep" (Gothic / Doom / Melodic Death)

Structure - "Heritage" (Doom / Melodic Death)

Fallujah - "Xenotaph" (Tecnical Melodic Death)

In Mourning - "The Immortal" (Progressive Melodic Death)

Mors Principium Est - "Darkness Invisible" (Melodic Death)

An Abstract Illusion - "The Sleeping City" (Progressive Melodic Death)

No me puedo quejar, buena añada, pero el mejor disco Melodic Death del año es:

Opia - "I Welcome Thee, Eternal Sleep" (Gothic / Doom / Melodic Death)

Disco que es una magistral mezcla de elementos Góticos y Doom y que ofrece una experiencia profundamente emotiva y atmosférica. Es un álbum que invita a los oyentes a abrazar la oscuridad y encontrar la belleza en ella.

MEJOR DISCO DEATH / SYMPHONIC DEATH / DEATHCORE:

Muy buen período para el género brutal:

Los Nominados son:

Retromorphosis - "Psalmus Mortis" (Technical Death)

Phrenelith - "Ashen Womb" (Death / Doom)

Whitechapel - "Hymns in Dissonance" (Deathcore)

Cryptopsy - "An Insatiable Violence" (Death)

Shadow Of Intent - "Imperium Delirium" (Symphonic Death / Deathcore)

Difícil escogencia, pero creo que:

El mejor disco de Death es:

Retromorphosis - "Psalmus Mortis" (Technical Death)

Formidable debut -de gente que no está debutando-, que combina una musicalidad virtuosa con un sentido palpable de atmósfera y profundidad narrativa. No solo desafía la apreciación técnica del oyente, sino también su capacidad para contar historias oscuras y retorcidas... increíble como hay belleza en la oscuridad.

MEJOR DISCO THRASH:

Para variar, este año el estilo me atrajo especialmente con bastantes cosas interesantes y por encima del promedio, los nominados son:

Hazzerd - "The 3rd Dimension" (Thrash / Speed)

Warbringer - "Wrath And Ruin" (Modern Thrash)

Sarcator - "Swarming Angels & Flies" (Blackened Thrash / Death)

Coroner - "Dissonance Theory" (Thrash / Technical Thrash)

Testament - "Para Bellum" (Thrash)

Creo que este es uno de los renglones cuyo ganador es más obvio, 

El mejor disco Thrash es:

Coroner - "Dissonance Theory" (Thrash / Technical Thrash)

"Dissonance Theory" se erige como una declaración agresiva, enérgica y meticulosamente elaborada. Sus inusuales compases, su tecnicismo y su sensibilidad progresiva lo diferencian notablemente de las banda en panorama actual, convirtiéndolo en uno de los mejores lanzamientos del año y un hito en el Thrash.

MEJOR DISCO DOOM / GOTHIC / BLACKGAZE:

Estos estilos se lucieron, grande representantes, los nominados son:

Harakiri for the Sky - "Scorched Earth" (Blackgaze / Post / Atmospheric Black)

Cradle Of Filth - "The Screaming Of The Valkyries" (Symphonic / Gothic / Black)

Messa - "The Spin" (Doom / Psych)

Deafheaven - "Lonely People With Power" (Blackgaze)

Structure - "Heritage" (Doom / Melodic Death)

Paradise Lost - "Ascension" (Doom / Death / Gothic)

Paradise Lost hizo méritos para llevarse el galardón, pero pierde por una nariz con uno de los discos más completos del año, 

El ganador del Doom / Gothic / Blackgaze es:

Deafheaven - "Lonely People With Power" (Blackgaze)

Trabajo que es un testimonio de la evolución de la banda, fusionando hábilmente sus raíces con matices experimentales. El álbum no solo reafirma su posición en el panorama del Metal contemporáneo, sino que también demuestra su compromiso de traspasar los límites musicales.

MEJOR DISCO AVANT-GARDE:

Pocos pero excelentes contendientes, los nominados son:

Am I In Trouble? - "Spectrum" (Blackened Avant-Gard)

Imperial Triumphant - "Goldstar" (Blackened Avant-Garde / Jazz)

Igorrr - "Amen" (Avant-Garde / Breakcore / Experimental)

Between The Buried And Me - "The Blue Nowhere" (Progressive / Avant-Garde / Blues / Rock 'n Roll)

El que sigue el blog sabe que el ganador es el más evidente, el disco perfecto del estilo en años, el galardón va para:

Igorrr - "Amen" (Avant-Garde / Breakcore / Experimental)

Una delicia de disco, muy difícil pero para repetir en bucle. En la discografía de la banda nunca ha habido un álbum tan cohesivo en su locura y tan sereno en su aproximación al caos. Discos anteriores me gustaron por su fusión extrema, pero sentí que se desviaron hacia la imprevisibilidad salvaje por sí misma. En contraste, éste alcanza un nuevo nivel de tensión y disciplina, canalizando el afán experimental de Igorrr en su declaración artística más pura y poderosa hasta la fecha

EL DISCO DEL AÑO 2025 DE EL LADO OSCURO - METAL CRÍTICA

El mejor disco de 2025 año me ha llevado bastante tiempo decidirme, Igorrr es lo mejor de su estilo y el único 10/10, pero en lo que refiere al Metal en general, creo que el premio se lo debe llevar un trabajo cuyo estilo no está en mis primeros lugares, pero que creó algo único, diferente y que rescata al género en si y de sí mismo:

El disco del año 2025 de El Lado Oscuro - Metal Crítica es:

Coroner - "Dissonance Theory" (Thrash / Technical Thrash)

La calidad de este trabajo es envidiable, además que esta gente tenía décadas alejada de los escenarios... era obvio que tenían razones de peso para volver a grabar, ojalá no se pierdan mucho tiempo otra vez.

Se mantiene una energía vibrante de principio a fin, pasando de ataques de Thrash frenéticos a ritmos hipnóticos y temas atmosféricos de cocción lenta. El álbum nunca se siente monótono ni repetitivo, lo que demuestra la renovada química de la banda y su audaz impulso por explorar nuevos territorios sonoros.

En definitiva, el ganador de 2025 se erige como una declaración agresiva, enérgica y meticulosamente elaborada. Sus inusuales compases, su tecnicismo y su sensibilidad progresiva lo diferencian notablemente de las bandas en el panorama actual, convirtiéndolo en un hito en el Thrash.

Le siguen en orden de llegada:

2.  Igorrr - "Amen" (Avant-Garde / Breakcore / Experimental)

3.  Opia - "I Welcome Thee, Eternal Sleep" (Gothic / Doom / Melodic Death)

4.  Deafheaven - "Lonely People With Power" (Blackgaze)

5.  Paradise Lost - "Ascension" (Doom / Death / Gothic)

6.  In Mourning - "The Immortal" (Progressive Melodic Death)

7.  Tómarúm - "Beyond Obsidian Euphoria" (Technical Progressive Black / Death)

8.  Retromorphosis - "Psalmus Mortis" (Technical Death)

9.  Cradle Of Filth - "The Screaming Of The Valkyries" (Symphonic / Gothic / Black)

10. Tower - "Let There Be Dark" (Heavy)

CANCIÓN DEL AÑO 2025 DE EL LADO OSCURO - METAL CRÍTICA

En un disco que no es todo lo que yo esperaba, destacó enormemente este tema, con una calidad excepcional y el que sin duda más repetí en mis escuchas, la canción del año es:

Darkness Always Wins de Halestorm

Le siguen en orden de llegada:

2.  Will I Deserve It de Structure

3.  Non Omnis Moriar de Cradle Of Filth
4.  Mega-Supreme Treasure Of The Eternal Thunderfist de Alestorm
5.  Heal Me de Harakiri For The Sky
6.  Gomorrah Nouveaux de Imperial

7.  The Dress de Messa

8.  Amethyst de Deafheaven

9.  Daemoni de Igorrr

10.Consequence de Coroner

Aquí el enlace a la playlist en Spotify de todos los temas nominados en el año 2025.

LA DECEPCIÓN DEL AÑO:

Siendo este el estilo de mi preferencia, y las bandas finlandesas las que en general mejor lo hacen y ésta en particular una que tuvo mucho que decir en algún momento, no puedo menos que sentirme decepcionado por el bajo nivel al que han venido cayendo, por eso la decepción del año es:

 Omnium Gatherum - "May The Bridges We Burn Light The Way"

LA MEJOR PORTADA DEL AÑO:

En una época donde la IA comienza a hacer las portadas, esta ilustración está excelente y le agrega fuerza a un disco ya de por sí bueno, la mejor portada es:

Saor - "Amidst The Ruins"

EL PEOR DISCO DEL AÑO:

No se qué tiene esta gente que hacer por estos lados, cuando fue grande y ya son un despojo de su época gloriosa:

Katatonia - "Nightmares As Extensions Of The Waking State"

Este fue un año de cambios para mí y sin embargo logré mis metas con este humilde sitio que en 2026 cumplirá quince primaveras, lo que cada vez que me fijo en ese tipo de cosas no hago más que sorprenderme. Quizás no importa, quizás transciende, quizás ha formado alguna opinión o dado alguna buena sugerencia, esas son cosas que desde este lado no son fácilmente perceptibles, salvo los comentarios que recibo de cuando en cuando... pero me ha hecho feliz, eso si.

Nos leemos en 2026, cuídense.

Alfonso \m/