Halestorm - "Everest" (Alternative / Heavy)

Mira que siento que estoy en contacto con el mundillo que rodea el Metal y sin embargo no tengo claro el más que inusual nivel de hate que sufre Halestorm. Es verdad que la banda se mueve entre el Alternative, el Core, el Heavy y su dosis de cierto Pop, cosa que hace que nuestro sector musical le tenga cierto recelo por lo que algunos podrían denominar 'indefinición'. Puedo estar de acuerdo con esto, de hecho es lo que lastra sus trabajos, incluso éste, pero dentro de cada entrega de la banda que lidera Lzzy Hale siempre o casi, hay algunas cosas que valen la pena. El punto es que no creo que los comentaristas al uso sean siempre honestos con Halestorm.

"Everest" séptimo larga duración de la banda, tiene -exactamente- los elementos mencionados en el párrafo anterior y cómo no, decae en algunos temas, es verdad. Pero el trabajo tiene algunas buenas canciones, quizás se puedan percibir un tanto sueltas, pero no por eso desmeritables. Especialmente el tema Darkness Always Wins, me pareció un puto temazo que tiene que impresionar a más de uno, una canción que pasa de la balada fácil, de ultra pegadizo coro, pero hermosa, a la agresión -contenida, cierto- de una instrumentación cercana a la perfección, muy medida en la velocidad a la que se va desarrollando. A pesar de la nota del disco que verán abajo, el tema es un claro contendiente a Canción del Año de ELOMC y como tal queda nominado.

En el centro de "Everest" se encuentra la imponente voz de Hale, feroz y emotiva a partes iguales. Su interpretación oscila con naturalidad entre aullidos guturales y murmullos blues, ayudando incluso al material más débil con su carisma. Instrumentalmente, el álbum lo hace bien, aunque a veces decae, pero en general se perciben muy cohesionados, lo mejor, la guitara. Ojo, entiendo que este disco está grabado estando todos juntos en el estudio, no por pistas separadas como hace el 99,9% de las bandas, esta inusual decisión ciertamente captura la espontaneidad de la banda, otorgando a las canciones una inmediatez cruda, lista para concierto.

Desafortunadamente y como mencioné, la cohesión estilística es, en el mejor de los casos, floja: el álbum oscila entre algunos momentos excelsos a baladas Góticas, Thrash flojo y Blues, muchas veces con escasa conexión. Esta incesante oscilación entre géneros puede hacer que la experiencia auditiva resulte inconexa, con algunas canciones que resultan ser declaraciones feroces, como la canción K-I-L-L-I-N-G o Gather The Lambs y otras que parecen meditaciones de estilo en lugar de sustancia, tipo I Gave You Everything. Cuando la composición no está a la altura de la ambición de la banda, corren el riesgo de caer en la mediocridad, especialmente en comparación con los temas claramente destacados.

A pesar de su irregularidad, "Everest" es un testimonio de la voluntad de Halestorm de superar sus límites. Cuando funciona, la mezcla de vulnerabilidad y bravuconería crea algunos de sus mejores momentos hasta la fecha, con sus cosas, creo que hay que escucharlos. 

7/10

Vauruvã - "Mar da Deriva" (Atmospheric Black / Progressive / Folk)

"Mar da Deriva" marca un capítulo conmovedor y radical en la evolutiva saga de Vauruvã, a quienes tenía en el radar desde su "Por Nós Da Ventania" (2022) pero se me había pasado comentar. Esta nueva entrega es una ambiciosa odisea de solo tres temas y contenidos treinta y seis minutos, que respira el espíritu de Brasil, tanto musical como temáticamente. Originarios de Río de Janeiro, el dúo formado por Caio Lemos y Bruno Augusto Ribeiro canaliza la diversa topografía y mitología de su tierra natal en una mezcla de Black Atmosférico, texturas Progresivas y una atmósfera de raíz Folk.

Brasil está presente aquí no como un telón de fondo, sino como un pulso vivo, entretejido en el adn de la música. El álbum se inspira en la tropicalia, las leyendas amazónicas y las tradiciones folclóricas nativas, manifestándose en pasajes de guitarra acústica, grabaciones de campo de la selva tropical y estructuras melódicas que evocan el folclore brasileño. El viaje plasmado en "Mar da Deriva" es casi cartográfico: el tema inicial, Legado, evoca paisajes primigenios intactos que pronto chocan con fuerzas depredadoras que sugiere en el tema Os Caçadores, para finalizar con As Selvas Vermelhas No Planeta Dos Eminentes es un quejido que denuncia a poderosos intereses que se ceban en la amazonía.

Desde las primeras notas el disco se destaca: me encontré con una lluvia de blast beats, guitarras ásperas que alternan entre punteos trémolos y melodías serpenteantes. La intensidad es incesante, pero nunca monótona; la agresividad se ve acentuada por los cambios de tempo y color. En la evocadora pieza central del álbum, se fusiona Black con interludios Folk de ensueño: tras riffs frenéticos y una percusión implacable, se produce un silencio repentino: un tranquilo motivo de sintetizador y guitarras acústicas, acentuado por el canto de los pájaros que evoca una paz fugaz antes de que se reanude la tempestad. El tema de cierre es a la vez una culminación y un descenso: comienza con ominosos sonidos ambientales y evoluciona hacia una saga de Black con tinte Psicodélicos, repleta de baterías y un apasionado trabajo de guitarra. Lemos y Ribeiro intercambian gritos, guturales y voces limpias, amplificando la tensión emocional.

Me parece que lo que distingue a "Mar da Deriva" es su capacidad para equilibrar la agresividad con la introspección. La estructura del álbum permite un desarrollo orgánico e imprevisibilidad. Sus vínculos con la herencia musical brasileña impregnan las canciones de calidez y melancolía, pero la postura general es contundente. Vauruvã si bien se inspira en la violencia del Black, también abraza el sentido de aventura del Progresivo.

"Mar da Deriva" es un disco luminoso y tumultuoso: su agresividad es primaria, su atmósfera  evocadora y sus raíces brasileñas inconfundibles. Ya sea que uno se sienta atraído por su ferocidad implacable o por sus momentos de rara belleza, el álbum se erige como testimonio de la visión de Vauruvã.

8.5/10

Crimson Shadows - "Whispers Of War" (Extreme Power)

Crimson Shadows regresa con "Whispers Of War", un álbum que busca ser una experiencia cinematográfica y atronadora, pero que como ha ocurrido con algunos de los más recientes discos comentados aquí, con demasiada frecuencia se derrumba bajo el peso de su propia ambición. La banda canadiense de Extreme Power, que ya elogié en su "Kings Among Men" (2014) por su habilidad para combinar riffs vibrantes con melodías envolventes y coros imponentes, trae esta vez una fórmula que se siente recargada, caótica y quizás lo más grave, agotadora.

Desde los primeros momentos, "Whispers Of War" avanza a toda velocidad, incorporando una y otra vez instrumentación: riffs densos, dobles bombos implacables, elementos orquestales, gritos, voces en duelo (growls y limpias) y coros. Si bien cada componente se ejecuta con maestría por separado, juntos a menudo se difuminan en un muro de ruido indistinto. La producción, aunque potente, no deja mucho espacio para que la música respire. Es como si todos los canales estuvieran subidos al máximo, y el resultado es más abrumador que inmersivo.

En comparación con los trabajos anteriores adolece claridad y enfoque. Sus discos anteriores no eran minimalistas en absoluto, pero al menos tenían cierta estructura y un ritmo dinámico. Las canciones tenían espacio para evolucionar; las melodías eran memorables; la interacción entre voces ásperas y limpias añadía un dramatismo genuino. En este disco, ese equilibrio se pierde. Las voces, aunque técnicamente sólidas, a menudo se pierden en la mezcla recargada o compiten por espacio con la instrumentación sobrecargada. Las voces limpias, en particular, se sienten forzadas, como si cumplieran con un requisito en lugar de contribuir al arco emocional de la canción.

Hay momentos en los que la banda insinúa brillantez -un puente bien elaborado, una ingeniosa armonía de guitarra-, pero estas chispas se ahogan rápidamente en la avalancha sonora circundante. Los estribillos se difuminan y a mitad de camino se vuelve difícil distinguir una canción de la siguiente. Lo que me resulta particularmente frustrante es que Crimson Shadows es claramente una banda con mucho talento. La musicalidad nunca está en duda: el trabajo de calado es impresionante, la batería retumba como artillería y la energía es innegable. Pero en "Whispers Of War", da la sensación de que intentaron concentrar cada idea, cada instrumento, cada floritura dramática en cada tema y el resultado es una sobrecarga sensorial que no logra conectar a un nivel más profundo.

En definitiva, "Whispers Of War" no es un álbum malo, simplemente es indisciplinado. Los fans del sonido rimbombante quizá disfruten de su fuerza y velocidad, pero para quienes buscan matices, ritmo o una composición memorable, este álbum probablemente se sentirá como una batalla de desgaste. Crimson Shadows todavía tiene las herramientas, pero en esta ocasión las ha utilizado sin reparar en artículos.

6.5/10

Eluveitie - "Ànv" (Melodic Death / Folk)

"Ànv", el último álbum de Eluveitie, sigue una línea familiar para la banda suiza, pero con resultados dispares. Si bien la línea de fusión de Death Melódico con instrumentos Folk celtas sigue siendo ambiciosa, la ejecución aquí se siente irregular, como si la banda se debatiera entre dos identidades musicales. El resultado es un disco con sus momentos, pero rara vez logra total cohesión.

Aclaremos algo, cuando Eluveitie se adentra en sus raíces Folk, "Ànv" brilla de verdad. Los temas, impulsados principalmente por instrumentos tradicionales (zanfona, gaitas, flautas y violines), transmiten una calidez orgánica y una profundidad emocional de la que carece gran parte del material más pesado. Estos momentos se sienten más honestos, más arraigados y musicalmente más interesantes que las secciones metaleras. Las canciones que permiten que las melodías celtas respiren, a veces sin distorsión, muestran una claridad y una maestría que a menudo quedan sepultadas cuando los elementos metaleros cobran protagonismo.

El problema con "Ànv" no es que intente ser Folk y Metal a la vez, Eluveitie siempre lo ha hecho así, sino que en este disco pareciera que no siempre supo cómo combinar ambos estilos, hay como dos trabajos en uno. Los riffs metaleros resultan demasiado familiares, casi mecánicos por momentos y la producción se inclina considerablemente hacia un sonido pulido pero estéril. Las voces ásperas, aunque competentes, no contribuyen a elevar el material.

Vocalmente, el álbum tiene un problema de equilibrio. Las voces limpias, sobre todo en los temas más Folk, suelen ser lo más destacado: melódicas, expresivas y bien fraseadas. Pero cuando los growls vuelven al primer plano, a veces parecen una ocurrencia tardía, carentes de matices o textura emocional. Se percibe que la banda está cumpliendo con lo prometido: aquí está el blast beat, aquí está la secuencia de violín, aquí está la estrofa con el scream. Es funcional, pero no mucho más.

Siento que lejos ha quedado su opera prima, "Origins" (2014) o de su excelente "Helvetios" (2012) y aunque elevan el nivel de "Ategnatos" (2019), la banda no está haciendo clic. Este trabajo se puede oír, hay partes gustosas, aunque a veces un tanto auto plagiadas, pero no mucho más, no cala en el cerebro casi ningún tema, las excepciones pueden ser Ànv, Memories Of Innocence y All Is One, una clara referencia sonora a su tema bandera The Call Of The Mountains, de resto, lo dicho.

En resumen, "Anv" no es un mal álbum, pero tampoco es particularmente convincente. Es aceptable, competente y ciertamente escuchable, pero dista mucho de ser esencial. Para los fans de la banda hay suficiente para disfrutar, especialmente en los elementos Folk. Pero para quienes buscan innovación o una revitalización del género, "Anv" se arriesga demasiado como para dejar una huella imborrable; me pregunto si tantos cambios en la alineación pueden estar afectando el producto final.

7/10

Rivers Of Nihil - "Rivers Of Nihil" (Progressive Death)

Con su lanzamiento homónimo, Rivers of Nihil presenta un capítulo paradójico en la evolución de la banda: un disco a la vez atrevido y divisivo, repleto de ambición, pero limitado por su amplio alcance estilístico. Tras el aclamado "Where Owls Know My Name" (2018) y el más introspectivo "The Work" (2021), la banda parece decidida a trascender las fronteras del género por completo. Desafortunadamente, este disco a menudo se siente más como una antología de experimentos sonoros que como un álbum coherente.

Desde el primer tema, la banda sumerge a los oyentes en una vorágine de estéticas contrastantes. Death, Jazz-fusión, Post-Rock, Shoegaze, Industrial y Progresivo compiten por un espacio dentro del mismo ecosistema musical. Cada estilo se presenta con buena técnica y genuino arte, pero su yuxtaposición puede resultar desconcertante. Las transiciones de guturales brutales y traqueteos graves a pasajes etéreos de saxofón y texturas electrónicas suelen ser discordantes en lugar de fluidas. Tuve la sensación de que la banda intenta condensar todo un universo musical en cincuenta minutos, pero sin darle a ningún planeta la gravedad que necesita.

Temas como Water & Time y House Of Light muestran la brillantez técnica de la banda y su disposición a explorar, pero también resaltan el problema central del disco: la cohesión. A mitad de casi cada canción, me puse a dudar si seguía escuchando el mismo tema o era una lista de reproducción completamente diferente. Si bien la imprevisibilidad puede ser una fortaleza en el Prog, aquí a menudo se percibe más como una falta de dirección que como una decisión audaz.

La producción es limpia y dinámica, como se espera de una banda de esta talla. Los instrumentos están articulados con nitidez y la mezcla permite que los elementos más intrincados, como las capas de saxofón o los sintetizadores ambientales, respiren sin eclipsar las bases más agresivas. Las interpretaciones vocales, tanto ásperas como limpias, son competentes, aunque a veces parecen hechas a la medida del género del momento en lugar de servir a una visión artística unificada.

Es innegable que "Rivers of Nihil" es un proyecto ambicioso. Es el sonido de una banda que se esfuerza por superar sus propios límites, quizás incluso rompiéndolos. Pero al hacerlo, también han perdido parte de la cohesión y el enfoque emocional que hicieron que sus discos anteriores resonaran más profundamente. Más que una declaración singular y evolutiva, este álbum se presenta como una mezcla de identidades musicales en constante cambio.

"Rivers of Nihil" es un disco audaz y técnicamente impresionante, pero adolece de intentar ser demasiadas cosas a la vez. En su afán por ser agnósticos con respecto al género, la banda corre el riesgo de alienar a los oyentes que buscaban profundidad y consistencia. Interesante, pero desenfocado.

6.5/10

Warkings - "Armageddon" (Power)

Imagina que los vikingos rastrearan tus hábitos de escucha en Spotify y decidieran grabar su música directamente para tu cerebro: esto es "Armageddon" el rugiente quinto álbum de estudio de Warkings. Claramente desde la primera impresión, cuando suena el riff inicial de To Lindisfarne... está claro que todo el disco irrumpirá como un hacha envuelta en fuegos artificiales impulsando el álbum a toda marcha.

Warkings claramente hizo su trabajo leyó el libro de historia sobre guerreros y presenta, entre otras, temas como Genghis Khan un dueto con Orden Ogan, que es como un karaoke de guerra medieval. Hangman's Night, con Dominum, dramatiza la caída de los Caballeros Templarios con cánticos emocionantes en el coro. Incluso hay un tema llamado Stahl auf Stahl extrañamente divertido con Subway to Sally, con melodías de violín que se baten en duelo con las guitarras estridentes como un duelo de espadas en el aire.

Morgana Le Fay ha pasado de ser vocalista invitada en discos anteriores a ser una integrante a tiempo completo y con sus vocales le agrega valor a lo que hace la banda. Mientras tanto, el cantante The Tribune (aka George Neuhauser, de Serenity) sigue siendo lo mejor de la agrupación, en mi mente es quizás una de las mejores cinco voces del Power.

Ahora el elemento obvio, el disco es ligero y pegadizo, pero no tiene profundidad. Me gustó el sabor de boca que deja, sus catorce canciones en un tiempo relativamente corto tienen por objeto hipnotizar a los amantes del estilo, pero su alcance es solo aceptable. Para mi sigue siendo mejor lo que ha realizado el cantante en Serenity, y aunque entiendo que bajo este nombre con sus caras tapadas intentan enfocarse más en la música que en sus orígenes, no creo que lo haga mejor que cuando el Power es más frontal como en esa otra banda del mencionado bardo.

Sin embargo, "Armageddon" tiene algo extrañamente encantador. Los hooks se te clavan en la cabeza sin darte cuenta. Tras unas cuantas escuchas, te encontrarás tarareando Kings of Ragnarök y el trabajo tiene melodía, pero es un disco divisivo, no remata, no tiene ese par de temas que el alter ego musical de su líder ha mostrado, como Iniquity, en "Codex Atlanticus" (2016), Empire de "Lionheart" (2017) The Matricide en "War Of Ages" (2013)... yo se, es otra banda, la inspiración es otra, pero en el fondo son un poco lo mismo, nada que hacer ante la evidencia.

"Armageddon" de Warkings solo mantiene el nivel de su anterior, "Revenge" (2020), ofrece unos temas divertidos, hay calidad individual dentro de sus componentes, los instrumentos necesitan un poco más de protagonismo y algunas canciones gustarán, de resto, ni pena ni gloria. El tema Nightfall quizás el mejor del trabajo, junto con Hangman's Night.

7/10. ¿Otra portada creada con IA...? Mal vamos

Shadow Of Intent - "Imperium Delirium" (Symphonic Death / Deathcore)

En el par de discos revisados aquí en el pasado, "Melancholy" (2019) y "Elegy" (2022) le intuía a Shadow Of Intent calidad; su Death Sinfónico toma cosas de algunas bandas, de Dimmu Borgir la que más y sin embargo con cada trabajo tienen más personalidad y calidad, probablemente por sus elementos Deathcore. Ahora con "Imperium Delirium" es posible que hayan alcanzado la mayoría de edad en lo que a capacidades se refiere y seguramente nos encontremos con lo mejor que han realizado hasta el momento. Veamos.

Shadow Of Intent no me parecía una banda que hiciera las cosas a medias, pero con "Imperium Delirium", los de Connecticut han alcanzado un nuevo plano de locura musical, uno que se siente como si te lanzaran a una catedral de fuego y blast beats,  A diferencia de sus trabajos anteriores, que se inclinaban más por las narrativas conceptuales y la densa construcción de mundos de ciencia ficción o brutalidad histórica, "Imperium Delirium" se siente como que hay un poco más de rienda narrativa, más aventurera musicalmente y me atrevería a decir más interesante.

Desde el primer disparo, Prepare To Die, nos sumergimos hasta el cuello en grandeza orquestal y brutalidad que reorganiza las entrañas, esta forma de llamar el tema de inicio del trabajo es toda una declaración de intenciones. Ben Duerr, quien debe hacer gárgaras de magma con café negro cada mañana, ofrece una voz que se siente menos como palabras y más como eventos sísmicos. Sus graves son monstruosos y sus agudos salvajes, probablemente lo más interesante del disco. 

Pero "Imperium Delirium" no es solo fuerza bruta. Lo que lo distingue es su amplio rango. Hay una cantidad impactante de grooves en temas como Infinity Of Horrors, They Murdered Sleep o Beholding The Sickness Of Civilization. La colaboración de George Fisher (aka Corpsegrinder) queda espectacular y también es un punto elevado del trabajo, donde no se quedan en exhibir la presencia del de Cannibal Corpse, sino que hacen un tema destructivo con Feeding The Meatgrinder.

Donde la banda casi coquetea con la arrogancia es en las largas zonas sinfónicas que incorporan al trabajo, pareciéndome de las mejores cosas que he escuchado, probablemente desde alguno de los mejores discos de Fleshgod Apocalypse. En definitiva, "Imperium Delirium" es un deslumbrante descenso a la locura. Es pesado, teatral y lo suficientemente ingenioso como para mantener incluso al fan más hastiado del Deathcore sonriendo y atento. Shadow Of Intent se ha lucido.

8.5/10

Draugveil - "Cruel World Of Dreams And Fears" (Black / Raw Black)

Cuando una banda, en este caso un unipersonal, titula su álbum "Cruel World Of Dreams And Fears", sabes que no te estás sumando a un paseo inspirador por un prado. No, Draugveil te invita a un paisaje sonoro desolado y helado donde la gente de tus pesadillas lucen corpse paint y las únicas canciones de cuna provienen del fondo de un gélido lago checo, lugar donde vive este artista. Este álbum no debe ser tanto escuchado como sobrevivido y curiosamente, eso es un cumplido.

Los temas suenan como si hubieran sido grabados dentro del aire acondicionado averiado de Satanás, si estás familiarizado con el concepto 'raw', espera a ver esto. Las guitarras son como una furiosa tormenta de nieve de trémolos, y los blast beats llegan como un animal cargando contra una batería. ¿La voz? Imagina a un hombre lobo con faringitis intentando recitar a Edgar Allan Poe al revés mientras le disparan con un taser. En otras palabras: pura poesía Black.

Draugveil no pierde tiempo en la accesibilidad. Si buscas coros que puedas tararear o letras que puedas entender, este álbum te devorará y te escupirá en un fiordo helado. Pero si tu idea de diversión con el género es ser asaltado sónicamente por la desesperación existencial, "Cruel World Of Dreams And Fears" podría ser tu nueva colcha de seguridad.

El tema más destacado es Griefmarch que hace honor a su nombre. Tiene una extraña elegancia en el caos, como un ballet interpretado íntegramente por cabras con armadura de púas. A Draugveil no le falta alcance emocional, eso es cierto. Muestra el tipo de canciones que te hace querer mirar por la ventana durante una tormenta y arrepentirte de cada decisión que has tomado, lo cual, siendo sinceros, forma parte del encanto del estilo. En cuanto a la letra, supongo que trata sobre dolor, escarcha, sombras y probablemente, la traición de algún tipo de espíritu del bosque. Pero la voz es tan inentendible que podría estar gritando el catálogo de IKEA y nunca lo sabremos. 

Lo más interesante del disco, fuera de que sus temas son en general muy aceptables para los cánones del estilo, es la producción, aquí no hay el tradicional equilibrio esquivo entre lo crudo y lo refinado. Suena -de verdad- como si hubiera sido grabado con dos vasos de plástico unidos por un cordel, pero los matices de los temas y el recuerdo de que así se hacía en la Primera Ola del Black, le da bastante valor a lo realizado.

En resumen: Draugveil (nombre real, Yevhen Konovalov, nacido en Ucrania) ha creado un álbum interesante, partiendo de una posición a la que el género negro se ha prestado antes: el anonimato y el aura de bicho raro que emana especialmente de la portada (la cual ha sido pasto de los memes en todo el mundo). "Cruel World Of Dreams And Fears" es frío e implacable y lo que más importa, el artista muestra calidad expresada donde hace realmente falta, en algunas putas buenas canciones. Si el Black es tu veneno, este disco tiene bastante que ofrecer, sin embargo hay que entender en qué pantano se está nadando y las cosas que viven en él.

7.5/10

Fallujah - "Xenotaph" (Tecnical Melodic Death)

"Xenotaph" es apenas el sexto álbum de larga duración de Fallujah, digo apenas porque pareciera que la banda tiene mucho más tiempo en el ambiente y es que lo que hacen -fuera del faux pas de 2019, "Undying Light"- siempre suenan grande y bien. Veremos que tal les ha ido con esta nueva entrega que, con la incorporación del nuevo baterista Kevin Alexander pareciera que la formación busca continuar evolucionando, aunque su guitarrista Scott Carstairs siempre se mantiene como el centro y referente de la banda.

Musicalmente, "Xenotaph" se mueve entre el Death Técnico, con elementos melódicos y las texturas Progresivas y Atmosféricas. El trabajo es de complejidad contenida, melodías cautivadoras y pasajes inspiradores, tienen elementos Jazz Fussion y en esta oportunidad hay mayor presencia de voces limpias.  El álbum no se aleja de lo que los fans esperamos, algunos riffs complejos, cambios y agresión limitada, más bien pareciera que refina estos elementos.

El trío de temas de apertura, In Stars We Drown, Kaleidoscopic Waves y Labyrinth Of Stone definen el disco con un gran rango dinámico, pasando todos de una atmósfera serena a una que se transforma en furia intensa y técnica, no puedo dejar de mencionar lo que este disco me ha recordado lo realizado por Scar Symmetry en el pasado, antojándoseme esa banda como de las mejores en este estilo, creo que Fallujah con este disco ha logrado algo grande ciertamente.

Los temas The Crystalline Veil y Step Through the Portal And Breathe profundizan la exploración musical, combinando una batería jazzística, elementos melódicos limpios y momentos de mucho ritmo atmosférico. El penúltimo tema, The Obsidian Architect, ofrece pesadez combinada con una buena dosis melódica. Y el tema homónimo de cierre emerge como una piedra angular más contemplativa y emocionalmente resonante, donde la gracia encuentra su lugar en medio del caos, sin duda lo mejor del trabajo y nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

Incluso entre los elogios hay alguna crítica, no todos los temas son tan memorables como otros y la precisión del álbum podría atenuar la energía agresiva, las voces limpias están muy bien pero todavía tienen que convertirse en un sabor adquirido con esta banda. "Xenotaph" no reinventa la rueda del Techdeath Melódico, pero la usa con maestría, ofreciendo una experiencia por encima del promedio. Este es, a mi parecer, el más cohesivo y técnicamente capaz disco de Fallujah a la fecha. Combina paisajes sonoros ambientales, ritmos con sabor a Jazz y riffs virtuosos en un álbum cautivador. La concisa estructura de ocho pistas y cuarenta y dos minutos son ciertamente un acierto. Muy recomendable.

9/10 Nominado como contendiente a Disco del Año de ELOMC.

Cryptopsy - "An Insatiable Violence" (Death)

"An Insatiable Violence" de Cryptopsy marca un regreso feroz y vigorizante a la vanguardia del Metal extremo, demostrando que incluso tras tres décadas de evolución y experimentación, los titanes canadienses del Death siguen ávidos de brutalidad. Este último disco equilibra su característico salvajismo técnico con una claridad renovada en la composición y la producción, lo que lo convierte en uno de los lanzamientos más cohesivos y satisfactorios de su catálogo desde su disco más laureado "None So Vile" (1996).

Desde los primeros segundos, The Nimis Adoration sumerge al oyente en un torbellino de blast beats, riffs frenéticos y un ataque de growls, pero lo que distingue a este disco es la nitidez de cada instrumento. La producción es clara pero no estéril: lo suficientemente áspera como para resultar peligrosa, lo suficientemente pulida como para revelar cada complejidad. Las guitarras, manejadas con agresividad quirúrgica, se mueven entre el caos atonal y el crujido cargado de intensidad, mientras que el bajo se desliza por debajo con un gutural amenazante que añade profundidad a la carnicería.

Flo Mounier, una vez más, destaca: su batería es absolutamente absurda en su precisión y creatividad. No se limita a arrasar con las canciones; las acentúa, manipula el tempo e inyecta complejidad de una manera que eleva cada canción más allá de la mera brutalidad. Su interacción con los guitarristas en canciones como Until There's Nothing Left y Dad Eyes Replete es casi telepática, impulsando la violencia rítmica de la banda a alturas emocionantes.

Vocalmente, la interpretación es un triunfo. Los guturales son densos y amenazantes, pero con suficientes capas de variación para evitar la monotonía, una trampa en la que caen muchas bandas de género. Incluso hay indicios de voces ásperas roncas y aullidos de rango medio que añaden tensión dramática, especialmente en temas destacados como Our Great Deception y el sorprendente cierre y mejor tema del trabajo, nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC, Malicious Needs.

Lo que creo que realmente hace brillar a "An Insatiable Violence" es su ritmo y estructura. No se trata de un muro de ruido indistinto; cada tema tiene una identidad clara. Ya sean los ritmos desequilibrados y matemáticos o las inquietantes melodías disonantes -y a veces ni tanto- que serpentean a través de trabajo, Cryptopsy evita con maestría la redundancia. El álbum es implacable, sí, pero también es inteligente y dinámico.

En resumen, "An Insatiable Violence" es un disco brutal pero refinado, que equilibra a la perfección la intensidad característica de Cryptopsy con un agudo sentido de propósito y maestría. Es un álbum que satisfará a los fans de toda la vida e invitará a nuevos oyentes a unirse, demostrando que Cryptopsy no solo sobrevive en la escena del Death, sino que nuevamente es capaz de marcar la pauta. Violento, despiadado y muy vivo, este es Cryptopsy en excelente forma.

8.5/10

Gruesome - "Silent Echoes" (Death)

"Silent Echoes" es el tercer larga duración de Gruesome. Está inspirado sin complejos en la era "Human" (1991) de los celebérrimos Death, honrando tanto a Chuck Schuldiner como al fallecido baterista Sean Reinert con un enfoque de Death Tecnico que equilibra la réplica, el tributo y un toque más que sano de sonido vieja escuela. 

El álbum está meticulosamente elaborado, ejecutado con habilidad, cuidado y reverencia. Si bien su mayor atractivo es su homenaje a los nombrados Schuldiner y Reinert, su dedicación a este sonido también limita su originalidad en general. Seguramente para los fans más fieles de Death, el universo alternativo "Human" de Gruesome cumple con creces: un álbum profundamente nostálgico, bien interpretado y con una resonancia emocional.

Diría que musicalmente, "Silent Echoes" se caracteriza por un trabajo de guitarra altamente técnico, solos precisos pero melódicos, estructuras complejas y una batería ingeniosa. El dúo de guitarras formado por Matt Harvey y Dan Gonzalez canaliza la mezcla de agresividad y melodía de Schuldiner, ofreciendo riffs y solos que encajarían perfectamente en lo realizado por la banda que los inspira, incluso Paul Masvidal, otro ex integrante de Death, colabora como artista invitado en el instrumental Voice Within the Void, lo que añade credibilidad al disco y que de paso, es un temazo.

La actuación del baterista Gus Rios es claramente sobresaliente. Su batería no solo es competente, sino también emotiva, canalizando el estilo Prog Sean Reinert, a la vez que mantiene un toque agresivo. Por otro lado, el bajo de Robin Mazen, aunque sólido y competente, queda enterrado en la mezcla, una queja común entre los lugares en internet al uso y la mía. En cuanto a la producción, el álbum es pulido, pero conserva una sensación orgánica que recuerda al estilo de principios de los 90s. El sonido es limpio pero no estéril, lo que permite que los aspectos técnicos de la música brillen sin perder su crudeza. La portada, con influencias visuales de la estética de Death, complementa el enfoque nostálgico del trabajo.

Quizás el tema más destacado es A Darkened Window, elogiado por su equilibrio entre brutalidad y melodía. En todo caso, "Silent Echoes" no está exento de críticas, yo argumentaría que la dedicación de la banda a la asimilación de sus ídolos va en detrimento de la originalidad. Si bien técnicamente brillante, el disco no necesariamente innova ni evoluciona más allá del material original. Para quienes no estén familiarizados con el catálogo de Death, éste trabajo servirá de plato entrante aunque no sea todo lo que Death fue (no se si a estas alturas del comentario se me nota todo lo que esa banda significa para mí).

En conclusión, "Silent Echoes" cumple con su misión principal: servir como un homenaje respetuoso y técnicamente impresionante a una de las bandas más influyentes del estilo Death. Para los fans y los puristas del género, esta es una valiosa adición al catálogo de sonidos, pero para quienes buscan innovación o sonidos frescos, "Silent Echoes" puede parecer más un desvío nostálgico que un paso adelante. Supongo que este es un disco que depende seriamente del conocimiento que se tenga del Metal.

7.5/10

Katatonia - "Nightmares As Extensions Of The Waking State" (Alternative / Gothic / Progressive)

Tenía tiempo que no hablaba de Katatonia y no se si tenía ganas, pero decidí darle una oportunidad a su "Nightmares As Extensions Of The Waking State" y de entrada me parece que es un disco que busca profundidad, pero que a menudo se derrumba bajo el peso de su propia ambición. Si bien su clara intención es ser una exploración inmersiva del malestar psicológico, la ejecución a menudo resulta autocomplaciente, ocultando su impacto potencial bajo capas de abstracción innecesaria y elecciones sonoras opresivas. El resultado es un álbum que se siente más como un ejercicio académico de incomodidad que como una experiencia emocional o musical convincente.

La producción, aunque técnicamente competente, a menudo cae en terreno recargado. Hay una dependencia excesiva de texturas turbias, sintetizadores monótonos y capas de distorsión que se perciben menos como decisiones artísticas y más como afectaciones. En lugar de crear tensión o atmósfera, el diseño sonoro a menudo se vuelve monótono. El uso frecuente de percusión distante y sumergida se siente arbitrario; a veces, parece que solo está ahí para llenar el espacio en lugar de contribuir significativamente a las composiciones.

Habiéndome tomado un tiempo para revisar sus letras, diría que son intencionalmente abstractas, pero en lugar de provocar reflexión, resultan mayormente vagas. Lo que podría haber sido poesía críptica termina sonando más como fragmentos a medio formar en busca de significado. Quizás el mayor defecto de "Nightmares As Extensions Of The Waking State" es su inquebrantable compromiso con la desolación sin ofrecer ningún rango emocional. La oscuridad, la ansiedad y el temor existencial pueden ciertamente crear un material temático poderoso, pero sin momentos de contraste o vulnerabilidad, el disco se siente emocionalmente plano. Hay una diferencia entre crear una obra de arte desafiante y crear algo que simplemente aliena y este álbum a menudo se inclina por esto último. Incluso los oyentes que gravitan hacia la música abrasiva o experimental pueden preguntarse cuál se supone que es exactamente la recompensa emocional o intelectual.

El ritmo no ayuda. Aunque cada tema se funde con el siguiente en un intento de cohesión, la uniformidad de tono y textura termina haciendo que el disco parezca más largo de lo que es. A mitad de camino, la sensación de fatiga empieza a superar la curiosidad. Lo que podría haber sido un viaje inquietante se siente, en cambio, como una prueba de resistencia, carente de los momentos de claridad o contraste necesarios para que valga la pena.

Dicho esto, es evidente que "Nightmares As Extensions Of The Waking State" está hecho con intención, y sin duda habrá un pequeño grupo de oyentes que entenderán su desolación sin concesiones. Pero para la mayoría, resultará un álbum tan obsesionado con su concepto que se olvida de conectar. Lo que queda es una masa densa y gris de sonido que se siente más como estar atrapado en la pesadilla de otra persona que experimentando una propia. Realmente ningún tema me parece demasiado destacable. Muy flojo Katatonia, no levantan cabeza.

5.5/10

Changeling - "Changeling" (Progressive Death)

El disco homónimo de la banda Changeling, "Changeling", es una joya que se mueve entre géneros, logrando forjar un sonido único y propio. Con una rica paleta Death y Progresivo con toques melódicos que presenta un viaje musical introspectivo y emocionante a la vez. Pero a veces es mucho con demasiado. Veamos.

Desde las primeras notas, queda claro que "Changeling" no busca encajar en una sola categoría y para hacerlo más patente han decidido incorporar en su debut cualquier cantidad de instrumentos, tales como tubas wagnerianas, viola, cello, trompeta, trombones, pianos, cornos, órganos de iglesia, flautas, clarinetes y un largo etcétera, que no queda duda, engalanan un trabajo diferente a lo usual, mucho más para un debut. El  disco tiene elementos intrincados, agresores y también melódicos en un crescendo de voces imponentes. La voz del cantante principal, Morean, lleva gran parte de la carga emocional del álbum: potente y que encaja a la perfección con la temática del disco.

Instrumentalmente, la banda es impresionante. La interacción entre instrumentos es especialmente notable. Casi todas las canciones tienen algo que decir con bastante intensidad y el gran momento viene dado con el tema de cierre, Anathema -nominado a contendiente a Canción del Año de ELOMC- que con casi diecisiete minutos entrega una emoción especial. Sin duda los arreglos del disco son meticulosos y aunque algo sobrecargados, permiten que cada instrumento brille.

En cuanto a la producción, el álbum logra un equilibrio entre exuberancia e intimidad. Se siente a la vez vasto y cercano, como estar solo en una catedral, rodeado de ecos pero consciente de cada paso. Si hay críticas es que "Changeling" requiere un oyente atento, sus sutilezas y matices no se revelan en escuchas casuales, pero para quienes estén dispuestos a sumergirse por completo, la recompensa es abundante. Adicionalmente el disco podría haber intentado abarcar demasiado, como debe suponerse, semejante empeño deviene de músicos muy experimentados, miembros de multitud de bandas y quizás "Changeling" pierde foco de tanto intentar.

Con "Changeling", la banda ha creado un disco evocador que invita a escucharlo repetidamente, es una obra que tiene espíritu; es un un álbum bien realizado y que sorprenderá a quienes aman el Metal poderoso, agresor y complejo. Espero que luego del asentamiento del debut, consigan más enfoque temático y estilístico

7.5/10

Ancient Bards - "Artifex" (Symphonic / Power)

"Artifex" de Ancient Bards es el ejemplo de una banda tan comprometida con una fórmula que se ha olvidado de infundirle vida, originalidad o propósito. Tras años de alargar su saga de fantasía a través de un Sinfónico rimbombante, que a veces deja de serlo para convertirse en una especie de Cinematográfico popero, "Artifex" se siente menos como la gran continuación de un mito y más como un intento desesperado por sonar épico, reciclando todos los clichés del género.

Empecemos por la composición, o mejor dicho, por su completa falta de progresión. Cada tema está repleto de orquestaciones recargadas, riffs de Power convencionales y letras tan llenas de lugares comunes que parecen un generador de nombres de fantasía vomitado en un diccionario de rimas. La mayoría de las canciones son indistinguibles entre sí en tono, ritmo y estructura. La obsesión del álbum por sonar 'grande' lo despoja de cualquier intimidad o matiz emocional. Hay una clara falta de contraste dinámico: cada coro es una explosión de furia orquestal que rápidamente pierde impacto debido a la pura repetición.

Sara Squadrani sigue siendo una vocalista técnicamente competente, pero su voz ahora está sepultada bajo un pantano de sobreproducción y melodías predecibles. Lo que antes parecía fresco en discos anteriores como "The Alliance Of The Kings" (2010) -su mejor disco a la fecha- o "Soulles Childs" (2011) ahora suena automatizado. Sus líneas se elevan pero siguen contornos melódicos tan rígidos que da la sensación de estar escuchando el mismo pasaje vocal todos los temas. No hay sorpresa ni tensión, solo la inevitabilidad del exceso.

La producción no ayuda. Todo está al máximo: las guitarras, la batería, los teclados, los coros, las cuerdas. Es un muro de sonido tan impenetrable que entumece el oído. En lugar de sonar rico y con textura, la mezcla se derrumba por su propio peso. La batería es mecánica y sin vida, con bombos que suenan más a chasquidos de máquina de escribir que a percusión. Las guitarras -cuando aparecen- son estériles, ahogadas por capas orquestales que parecen servir más de relleno que de herramientas compositivas.

Peor aún, "Artifex" parece completamente inconsciente de lo rancio que es. No hay ironía ni autoconciencia, solo una insistencia constante y agotadora en que lo que escuchas es grandioso e importante, pero no lo es. Es cansado. Es formulista. Y se siente más como una obligación contractual que como una auténtica declaración artística. En definitiva, lo realizado por Ancient Bards es un trabajo pesado, inflado y autocomplaciente, un disco que confunde volumen y complejidad con profundidad y emoción. Es Sinfónico en toda regla, sin la magia ni el peligro que hicieron del género algo emocionante en sus inicios. La banda tiene seguidores fieles, pero para quien busque evolución, creatividad o incluso algo memorable, este álbum es una auténtica decepción.

4/10

Horizon Ignited - "Tides" (Melodic Death / Metalcore)

El tercer álbum de estudio de Horizon Ignited, "Tides", representa una evolución en el sonido de la banda finlandesa de Death Melódico con toques Core. Si bien el disco muestra la ambición de la banda por expandir sus horizontes musicales, también presenta ciertos desafíos que podrían afectar su aceptación entre los puristas del género.

El álbum abre con Beneath The Dark Waters, la mejor del trabajo, tema que establece un tono sombrío con sus melodías melancólicas y un rango vocal dinámico. El vocalista Okko Solanterä ofrece una interpretación convincente, con una transición fluida entre guturales y voces limpias. El uso de una guitarra más grave de lo usual añade profundidad, creando un paisaje sonoro denso que sumerge al oyente.

Otro tema interesante es Welcome To This House Of Hate, introduciendo un tempo más agresivo y demostrando la capacidad de la banda para crear canciones contagiosas sin sacrificar demasiado la agresión. El ritmo y el coro de la canción seguramente se convertirán en un clásico de sus en vivo. Otro momento destacado del álbum es Prison Of My Mind, que por algunas cosas que entendí me dio por buscar las letras y darme cuenta de que trata la experiencia de la enfermedad de Alzheimer, interesante y fuerte. La letra es conmovedora, combinada con buena melodía y riffs convincente.

La pieza más propia de la identidad que conocía de la banda es My Grave Shall Be the Sea (Leviathan pt. II), que retoma temáticas de su debut, ampliándolos con elementos orquestales y arreglos dramáticos. La integración de elementos sinfónicos y melodía limpia le queda bien a la canción, demostrando la disposición de la banda a experimentar y traspasar los límites del género. En su segunda mitad el disco tiende a decaer con canciones como Fraction of Eternity y Aurora’s Dance, perdiendo algo de identidad con la incorporación de elementos y breakdowns muy del Metalcore, los cuales no me transmitieron demasiado.

Aunque el disco no está mal no todos los aspectos de "Tides" pueden resultar atractivos para todos los oyentes. La producción pulida lo hace un tanto plástico y la incorporación de los mencionados elementos Core, como sintetizadores y voces limpias, le restan la crudeza tradicionalmente asociada al Melodeath, incluso algo de Nu que se le logra percibir siento que le quita en vez de agregarle, -reitero- puede que algunos perciban este trabajo de Horizon Ignited como inconexo y un tanto carente de identidad, pero tiene sus momentos.

6.5/10

...And Oceans - "The Regeneration Itinerary" (Symphonic Black)

…el último trabajo de ...And Oceans, "The Regeneration Itinerary" se erige como un testimonio del viaje de tres décadas de la banda por los reinos del Black Sinfónico. Este álbum no solo encapsula su esencia histórica, sino que también se aventura con audacia en territorios sonoros inexplorados,  mayormente Electrónica, combinando la agresividad del Black con elementos etéreos y experimentación vanguardista... de relativo éxito pero bastante innovación.

...iniciando con Inertiae, el álbum sumerge al oyente en un paisaje sonoro laberíntico donde la potente voz de Mathias Lillmåns se entrelaza con los ritmos laberínticos creados por Timo Kontio y Antti Simonen. El tema sirve como un diálogo entre el yo y lo metafísico, explorando temas de parálisis e introspección.

...Förnyelse i Tre Akter continúa esta exploración, tejiendo melodías evocadoras con estructuras complejas que desafían los esquemas tradicionales del Black. La capacidad de la banda para combinar agresión. La producción del álbumes de un sonido pulido y crudo a la vez, capturando el rango dinámico y la profundidad emocional de la banda, lo que hace que los temas sean gustosos de oír.

...temas como The Fire in Which We Burn y The Ways of Sulphur muestran energía y destreza técnica en la banda, mientras que I Am Coin, I Am Two y Towards The Absence Of Light se adentran en territorios más introspectivos. La edición 'de lujo' del álbum ofrece mayor profundidad con los temas adicionales como Copper Blood, Titanium Scars y The Discord Static, ampliando la temática y el panorama sonoro del álbum. La mejor canción del disco es Phophetical Mercury Implement, de lejos, de riff enorme.

...en "The Regeneration Itinerary", …And Oceans han creado un trabajo que es a la vez la culminación de su pasado y un paso audaz hacia el futuro. Es un álbum que desafía al oyente, exigiendo una interacción con sus complejos temas y estructuras, y recompensando esa interacción con una experiencia inmersiva. Para los fanáticos del género negro y algo de experimentación, este álbum es un buena oportunidad.

...tengo la impresión de que la banda quiso desafiar tanto a ellos mismos como a sus oyentes, "As In Gardens So In Tombs" (2023) y "Cosmic World Mother" (2020), entiendo que fueron bastante más clásicos en su acercamiento al género que ejecutan, pero aquí han comenzado a cambiar, quizás de cara a un futuro diferente, una evolución hacia otros sectores, puede ser. Me ha costado un poco más este trabajo, pero tiene sus virtudes.

...7/10 (se metan los tres punticos por el...)

Opia - "I Welcome Thee, Eternal Sleep" (Gothic / Doom / Melodic Death)

Si alguna vez has pensado: 'Ojalá mi música me hiciera sentir como si me enterraran lentamente en un ataúd forrado de terciopelo mientras un fantasma me susurra poesía al oído', entonces el álbum debut de Opia, "I Welcome Thee, Eternal Sleep", es tu nueva banda sonora favorita para el terror existencial.

Formada por una coalición de músicos del Reino Unido y España con experiencia en bandas de Black como Agrona, Scandelion y Dystopian Wrath, esta gente fusiona el peso aplastante del Death y el Doom con evocadoras imágenes góticas y un toque interesante de melodía. La vocalista Tereza Rohelova exhibe un rango notable, con una transición fluida de voces limpias y etéreos a growls desgarradores, añadiendo capas de emoción a la atmósfera ya de por sí pesada.

Este es uno de esos discos donde es necesario buscar las letras para abrazar bien el concepto y aunque abre con un instrumental que establece un tono sombrío, da paso a On Death's Door Part I, donde la voz de Rohelova brilla con un fondo de guitarras y teclados atmosféricos. Luego el tema Man Proposes, God Disposes destaca por su melodía lenta y reflexiva, The Fade profundiza en temas del deterioro mental con la edad, combinando riffs contundentes y trasfondos de piano para evocar una sensación de nostalgia y pérdida. The Eye explora los peligros de ahondar demasiado en lo oculto, construyendo desde riffs lentos hasta un clímax de voces ásperas y ritmos contundentes.

Days Gone By reflexiona sobre la naturaleza finita del tiempo, instando a disfrutar al máximo de la vida. Los potentes riffs contundentes y los elementos de piano del tema subrayan la agridulce reflexión sobre las oportunidades perdidas. Silence captura la angustia de esperar noticias de un ser querido fallecido, oscilando entre hermosos pasajes y un ritmo brutal que refleja la agitación emocional.

El álbum concluye con su mejor tema, el cual voy a dejar nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC, On Death's Door Part II, inspirado en la práctica victoriana de cubrir los espejos para evitar que las almas quedaran atrapadas. La canción combina pasajes brutalmente demoledores con elementos reflexivos, retratando el tormento de un viudo y su decisión final de unirse a su difunta esposa en la muerte.

Se me antoja que "I Welcome Thee, Eternal Sleep" es una magistral mezcla de elementos Góticos y Doom, que ofrece una experiencia profundamente emotiva y atmosférica. Es un álbum que invita a los oyentes a abrazar la oscuridad y encontrar la belleza en ella. Me tiene un tanto sorprendido que no esté en las listas más conspicuas del Metal ya que, aunque ciertamente el disco no es un dechado de innovación sonora y obviamente el Doom es una especie en si misma y no es lo más 'comercial' de nuestra música, pero no por eso sugiero un repaso con tiempo y detenimiento de Opia, cuyo trabajo que es bueno o incluso un poco más.

8/10

Tower - "Let There Be Dark" (Heavy)

Tower era un desconocido para mi hasta que este disco llegara a mis manos, los preconceptos afloran cuando se lee que son una banda Heavy, viniéndose de inmediato a la cabeza imágenes de la dama de hierro y similares. Nada más alejado de la realidad, "Let There Be Dark", segundo trabajo de estos neoyorkinos es una caja de sorpresas y evidencia de que dentro de los estilos hay mucho espacio para innovar.

Decir que Tower hace Heavy y dejarlo así es como decir que Cirith Ungol también lo hace y no explicar -de esa banda toman una interesante inspiración-. Este tipo de grupos expande su sonido hacia sectores más experimentales, de amplia lírica y complejidad sonora, con fuerte matiz oscuro, bastante alejado de la felicidad y facilismo que el Heavy usual, especialmente lo que sus derivaciones Power sugiere. "Let There Be Dark" es un buen ejemplo de inspiración y calidad sin necesidad de caer en lugares comunes. Esta es su virtud y a la vez su desafío, la grabación no es de 'poner y llevar', va a requerir un tanto más de atención y tiempo para poderle descubrir sus grandezas, que las tiene.

"Let There Be Dark" me ha parecido un buen disco, innovador y muy bien producido, pero también tiene  un pecado, no es fácil distinguir donde comienza y donde termina, la banda consigue una fórmula de sonido muy-muy suya y la explota hasta la saciedad, el sonido oscuro e intenso de su Heavy tiende a cambiar poco... suena bien, pero a veces se hace mucho de lo mismo. No se me mal entienda, la grabación, dándole la oportunidad, va a satisfacer paladares exigentes -probablemente menos a consumidores poco experimentados-, es original en su sonido y la voz de su cantante Sarabeth Linden interesante, recordándome a la cantante de los franceses Triosphere, pero se excede en la explotación de la alquimia.

El mejor tema del disco es el de cerrar, The Hammer y también destacan Let There Be Dark, Book Of The Hidden y Iron Clad, siendo lo más flojo Legio X Fratensis (un interludio realmente) y The Well Of Souls. Los guitarristas James Danzo y Zak Penley ofrecen una lluvia de solos, mientras que la sección rítmica, del baterista Keith Mikus, impulsa bien el ritmo del álbum. 

"Let There Be Dark" es un testimonio del compromiso de Tower de superar los límites del Heavy tradicional. Es una escucha cautivadora que consolida su lugar en el panorama contemporáneo del género, entendiendo que son una gente más difícil de lo que se acostumbra a encontrar en el estilo. Recomiendo darle su repaso, con el tiempo debido y aceptarle sus detalles, cuando eso ocurre se me antoja que esta banda podría estar impactando en la escena en un futuro nada lejano. 

7.5/10

Dormant Ordeal - "Tooth And Nail" (Blackened Technical Death)

"Tooth And Nail" de Dormant Ordeal es un lanzamiento de Death complejo, riguroso y profundamente texturizado que no tolera a los ingenuos, pero tampoco se libra de la tentación. Ha gustado a muchos pero yo he tenido mis desencuentros con él, sin embargo ha valido la pena. Tras "The Grand Scheme of Things" (2021), el trío polaco parece empeñado en consolidar su presencia en el Metal extremo. Si bien logran superar sus límites sonoros, "Tooth and Nail" también es un disco que, en ocasiones, se excede, lastrado por su propia ambición y densidad.

Desde el primer tema, es evidente que Dormant Ordeal no ha bajado la intensidad. El trabajo de guitarra es salvaje e intrincado, la batería frenética pero precisa y la voz —profunda, casi abisal— transmite terror existencial con convicción. En cuanto a la producción, "Tooth and Nail" posee la claridad y el peso necesarios para resaltar los detalles más sutiles de su torbellino sonoro. Hay un admirable esfuerzo por combinar brutalidad y sofisticación, pero en esta dualidad es donde el disco brilla y a la vez tropieza.

Musicalmente, el álbum es un laberinto de riffs disonantes, blast beats implacables y giros dinámicos y bruscos. Temas como Solvent y Against The Dying Of The Light muestran la destreza técnica y la agresividad implacable de la banda, evocando a artistas como Ulcerate o Gorguts, pero impregnados de la sensibilidad polaca en el Black que recuerda a Hate o incluso a Azarath. Sin embargo, el tecnicismo a veces se convierte en una muleta. Varias canciones se confunden, no por falta de intensidad, sino por un exceso de texturas similares. El álbum rara vez respira y aunque esto probablemente sea intencional, resulta en fatiga para el oyente a mitad de camino.

Aunque es algo habitual en este género, yo desearía que Dormant Ordeal impulsara su interpretación vocal para igualar la misma complejidad narrativa que sugieren los títulos de las canciones y la portada del álbum. El disco se siente meticulosamente construido, pero emocionalmente permanece un tanto frío, más cerebral que visceral. Para una banda tan evidentemente talentosa, no es descabellado exigir más humanidad en medio del caos.

Hay momentos en los que el álbum insinúa algo más grande. El tema Halo Of Bones, por ejemplo, introduce un motivo melódico inquietante y la convierten en la mejor del disco. Este un trabajo que busca provocar asombro y lo hace con frecuencia, pero a costa de su propia accesibilidad. En definitiva, "Tooth and Nail" es una declaración de intenciones: Dormant Ordeal no está aquí para entretener, sino para desafiar. Los fans del Death encontrarán mucho que apreciar, pero los oyentes ocasionales pueden quedar algo exhaustos. Como siempre con lo extremo, esta es música que exige atención, compromiso y una dosis pequeña de masoquismo. También es música que podría recompensar esa atención con un poco más de generosidad.

7.5/10

Structure - "Heritage" (Doom / Melodic Death)

Hay discos que te dan ganas de bailar y otros que te dan ganas de acostarte en un campo de noche, bajo un cielo amoratado, mirando al vacío y desafiándolo a que te devuelva la mirada. "Heritage", de Structure, se sitúa firmemente en la segunda categoría. Un monolito sónico que revoluciona tanto placas tectónicas como estados emocionales, "Heritage" es el tipo de debut que te atrapa y te dice: 'escucha y siente'.

Structure, un unipersonal del holandés Bram Bijlhout que canaliza la intensidad espiritual de eminencias del Melodeath Doom, de gente como Cult of Luna y Amenra y a la vez que se forja un nicho propio con un sorprendentemente ágil sentido de la melodía y un uso cautivador del espacio. "Heritage" no es solo pesado, es melódico, es lento, es atmosférico y por sobre todo, está bien hecho, es ese primer disco que siempre me deja pensando si semejante demostración podrá ser replicada en futuras entregas o si aquí se puede haber gastado todo lo que traía en el tanque.

El álbum abre con Will I Deserve It, una catedral sonora que no puede dejar indiferente a nadie, su emoción melódica y oscura es trascendente y su riff, de esos que se quedan contigo bastante tiempo después de haberlo escuchado, un serio contendiente a Canción del Año de ELOMC, que como tal queda nominada. En general el resto del disco se pasea entre el Doom y el Death de tintes melódicos con mucha calidad. Las guitarras, invocan riffs y sus bloques de sonido son a veces majestuosos. La batería, por su parte, logra equilibrio entre la urgencia tribal y la serenidad apocalíptica; piensen en tambores de guerra tocados por existencialistas XD

La producción de "Heritage" es cruda sin ser turbia, espaciosa sin perder impacto. Cada golpe de platillo resuena y cada nota grave se percibe. Este no es un álbum que 'se pone', es un álbum que se percibe y que te hipnotiza. Sin ser un disco perfecto, puesto que quizás recurre a algunas fórmulas conocidas y le puede faltar algo de innovación, "Heritage" tiene honestidad sonora y emocional. En definitiva, el trabajo es menos una colección de canciones y más un ritual. Es música para los espacios liminales, para los momentos en los que no estás seguro de si te estás desmoronando o finalmente te estás recomponiendo.

Me ha gustado mucho este disco, se siente que deja recuerdo, sentimiento y música. Si tan solo Structure fuera capaz de seguir creciendo en su sonido y alguna próxima entrega deslastrarse de ciertos lugares comunes, estoy seguro que estaríamos en presencia de una de los hechos más importantes del género. Bien por Mr. Bijlhout, ha llamado la atención, ahora solo falta hacer carrera.

8/10