Changeling - "Changeling" (Progressive Death)

El disco homónimo de la banda Changeling, "Changeling", es una joya que se mueve entre géneros, logrando forjar un sonido único y propio. Con una rica paleta Death y Progresivo con toques melódicos que presenta un viaje musical introspectivo y emocionante a la vez. Pero a veces es mucho con demasiado. Veamos.

Desde las primeras notas, queda claro que "Changeling" no busca encajar en una sola categoría y para hacerlo más patente han decidido incorporar en su debut cualquier cantidad de instrumentos, tales como tubas wagnerianas, viola, cello, trompeta, trombones, pianos, cornos, órganos de iglesia, flautas, clarinetes y un largo etcétera, que no queda duda, engalanan un trabajo diferente a lo usual, mucho más para un debut. El  disco tiene elementos intrincados, agresores y también melódico en un crescendo de voces imponentes. La voz del cantante principal, Morean, carga gran parte de la carga emocional del álbum: potente y que encaja a la perfección con la temática del disco.

Instrumentalmente, la banda es impresionante. La interacción entre instrumentos es especialmente notable. Casi todas las canciones tienen algo que decir con bastante intensidad y el gran momento viene dado con el tema de cierre, Anathema -nominado a contendiente a Canción del Año de ELOMC- que con casi diecisiete minutos entrega una emoción especial. Sin duda los arreglos del disco son meticulosos y aunque algo sobrecargados, permiten que cada instrumento brille.

En cuanto a la producción, el álbum logra un equilibrio entre exuberancia e intimidad. Se siente a la vez vasto y cercano, como estar solo en una catedral, rodeado de ecos pero consciente de cada paso. Si hay críticas es que "Changeling" requiere un oyente atento, sus sutilezas y matices no se revelan en escuchas casuales, pero para quienes estén dispuestos a sumergirse por completo, la recompensa es abundante. Adicionalmente el disco podría haber intentado abarcar demasiado, como debe suponerse, semejante empeño deviene de músicos muy experimentados, miembros de multitud de bandas y quizás "Changeling" pierde foco de tanto intentar.

Con "Changeling", la banda ha creado un disco evocador que invita a escucharlo repetidamente, es una obra que tiene espíritu; es un un álbum bien realizado y que sorprenderá a quienes aman el Metal poderoso, agresor y complejo. Espero que luego del asentamiento del debut, consigan más enfoque temático y estilístico

7.5/10

Ancient Bards - "Artifex" (Symphonic / Power)

"Artifex" de Ancient Bards es el ejemplo de una banda tan comprometida con una fórmula que se ha olvidado de infundirle vida, originalidad o propósito. Tras años de alargar su saga de fantasía a través de un Sinfónico rimbombante, que a veces deja de serlo para convertirse en una especie de Cinematográfico popero, "Artifex" se siente menos como la gran continuación de un mito y más como un intento desesperado por sonar épico, reciclando todos los clichés del género.

Empecemos por la composición, o mejor dicho, por su completa falta de progresión. Cada tema está repleto de orquestaciones recargadas, riffs de Power convencionales y letras tan llenas de lugares comunes que parecen un generador de nombres de fantasía vomitado en un diccionario de rimas. La mayoría de las canciones son indistinguibles entre sí en tono, ritmo y estructura. La obsesión del álbum por sonar 'grande' lo despoja de cualquier intimidad o matiz emocional. Hay una clara falta de contraste dinámico: cada coro es una explosión de furia orquestal que rápidamente pierde impacto debido a la pura repetición.

Sara Squadrani sigue siendo una vocalista técnicamente competente, pero su voz ahora está sepultada bajo un pantano de sobreproducción y melodías predecibles. Lo que antes parecía fresco en discos anteriores como "The Alliance Of The Kings" (2010) -su mejor disco a la fecha- o "Soulles Childs" (2011) ahora suena automatizado. Sus líneas se elevan pero siguen contornos melódicos tan rígidos que da la sensación de estar escuchando el mismo pasaje vocal todos los temas. No hay sorpresa ni tensión, solo la inevitabilidad del exceso.

La producción no ayuda. Todo está al máximo: las guitarras, la batería, los teclados, los coros, las cuerdas. Es un muro de sonido tan impenetrable que entumece el oído. En lugar de sonar rico y con textura, la mezcla se derrumba por su propio peso. La batería es mecánica y sin vida, con bombos que suenan más a chasquidos de máquina de escribir que a percusión. Las guitarras -cuando aparecen- son estériles, ahogadas por capas orquestales que parecen servir más de relleno que de herramientas compositivas.

Peor aún, "Artifex" parece completamente inconsciente de lo rancio que es. No hay ironía ni autoconciencia, solo una insistencia constante y agotadora en que lo que escuchas es grandioso e importante, pero no lo es. Es cansado. Es formulista. Y se siente más como una obligación contractual que como una auténtica declaración artística. En definitiva, lo realizado por Ancient Bards es un trabajo pesado, inflado y autocomplaciente, un disco que confunde volumen y complejidad con profundidad y emoción. Es Sinfónico en toda regla, sin la magia ni el peligro que hicieron del género algo emocionante en sus inicios. La banda tiene seguidores fieles, pero para quien busque evolución, creatividad o incluso algo memorable, este álbum es una auténtica decepción.

4/10

Horizon Ignited - "Tides" (Melodic Death / Metalcore)

El tercer álbum de estudio de Horizon Ignited, "Tides", representa una evolución en el sonido de la banda finlandesa de Death Melódico con toques Core. Si bien el disco muestra la ambición de la banda por expandir sus horizontes musicales, también presenta ciertos desafíos que podrían afectar su aceptación entre los puristas del género.

El álbum abre con Beneath The Dark Waters, la mejor del trabajo, tema que establece un tono sombrío con sus melodías melancólicas y un rango vocal dinámico. El vocalista Okko Solanterä ofrece una interpretación convincente, con una transición fluida entre guturales y voces limpias. El uso de una guitarra más grave de lo usual añade profundidad, creando un paisaje sonoro denso que sumerge al oyente.

Otro tema interesante es Welcome To This House Of Hate, introduciendo un tempo más agresivo y demostrando la capacidad de la banda para crear canciones contagiosas sin sacrificar demasiado la agresión. El ritmo y el coro de la canción seguramente se convertirán en un clásico de sus en vivo. Otro momento destacado del álbum es Prison Of My Mind, que por algunas cosas que entendí me dio por buscar las letras y darme cuenta de que trata la experiencia de la enfermedad de Alzheimer, interesante y fuerte. La letra es conmovedora, combinada con buena melodía y riffs convincente.

La pieza más propia de la identidad que conocía de la banda es My Grave Shall Be the Sea (Leviathan pt. II), que retoma temáticas de su debut, ampliándolos con elementos orquestales y arreglos dramáticos. La integración de elementos sinfónicos y melodía limpia le queda bien a la canción, demostrando la disposición de la banda a experimentar y traspasar los límites del género. En su segunda mitad el disco tiende a decaer con canciones como Fraction of Eternity y Aurora’s Dance, perdiendo algo de identidad con la incorporación de elementos y breakdowns muy del Metalcore, los cuales no me transmitieron demasiado.

Aunque el disco no está mal no todos los aspectos de "Tides" pueden resultar atractivos para todos los oyentes. La producción pulida lo hace un tanto plástico y la incorporación de los mencionados elementos Core, como sintetizadores y voces limpias, le restan la crudeza tradicionalmente asociada al Melodeath, incluso algo de Nu que se le logra percibir siento que le quita en vez de agregarle, -reitero- puede que algunos perciban este trabajo de Horizon Ignited como inconexo y un tanto carente de identidad, pero tiene sus momentos.

6.5/10

...And Oceans - "The Regeneration Itinerary" (Symphonic Black)

…el último trabajo de ...And Oceans, "The Regeneration Itinerary" se erige como un testimonio del viaje de tres décadas de la banda por los reinos del Black Sinfónico. Este álbum no solo encapsula su esencia histórica, sino que también se aventura con audacia en territorios sonoros inexplorados,  mayormente Electrónica, combinando la agresividad del Black con elementos etéreos y experimentación vanguardista... de relativo éxito pero bastante innovación.

...iniciando con Inertiae, el álbum sumerge al oyente en un paisaje sonoro laberíntico donde la potente voz de Mathias Lillmåns se entrelaza con los ritmos laberínticos creados por Timo Kontio y Antti Simonen. El tema sirve como un diálogo entre el yo y lo metafísico, explorando temas de parálisis e introspección.

...Förnyelse i Tre Akter continúa esta exploración, tejiendo melodías evocadoras con estructuras complejas que desafían los esquemas tradicionales del Black. La capacidad de la banda para combinar agresión. La producción del álbumes de un sonido pulido y crudo a la vez, capturando el rango dinámico y la profundidad emocional de la banda, lo que hace que los temas sean gustosos de oír.

...temas como The Fire in Which We Burn y The Ways of Sulphur muestran energía y destreza técnica en la banda, mientras que I Am Coin, I Am Two y Towards The Absence Of Light se adentran en territorios más introspectivos. La edición 'de lujo' del álbum ofrece mayor profundidad con los temas adicionales como Copper Blood, Titanium Scars y The Discord Static, ampliando la temática y el panorama sonoro del álbum. La mejor canción del disco es Phophetical Mercury Implement, de lejos, de riff enorme.

...en "The Regeneration Itinerary", …And Oceans han creado un trabajo que es a la vez la culminación de su pasado y un paso audaz hacia el futuro. Es un álbum que desafía al oyente, exigiendo una interacción con sus complejos temas y estructuras, y recompensando esa interacción con una experiencia inmersiva. Para los fanáticos del género negro y algo de experimentación, este álbum es un buena oportunidad.

...tengo la impresión de que la banda quiso desafiar tanto a ellos mismos como a sus oyentes, "As In Gardens So In Tombs" (2023) y "Cosmic World Mother" (2020), entiendo que fueron bastante más clásicos en su acercamiento al género que ejecutan, pero aquí han comenzado a cambiar, quizás de cara a un futuro diferente, una evolución hacia otros sectores, puede ser. Me ha costado un poco más este trabajo, pero tiene sus virtudes.

...7/10 (se metan los tres punticos por el...)

Opia - "I Welcome Thee, Eternal Sleep" (Gothic / Doom / Melodic Death)

Si alguna vez has pensado: 'Ojalá mi música me hiciera sentir como si me enterraran lentamente en un ataúd forrado de terciopelo mientras un fantasma me susurra poesía al oído', entonces el álbum debut de Opia, "I Welcome Thee, Eternal Sleep", es tu nueva banda sonora favorita para el terror existencial.

Formada por una coalición de músicos del Reino Unido y España con experiencia en bandas de Black como Agrona, Scandelion y Dystopian Wrath, esta gente fusiona el peso aplastante del Death y el Doom con evocadoras imágenes góticas y un toque interesante de melodía. La vocalista Tereza Rohelova exhibe un rango notable, con una transición fluida de voces limpias y etéreos a growls desgarradores, añadiendo capas de emoción a la atmósfera ya de por sí pesada.

Este es uno de esos discos donde es necesario buscar las letras para abrazar bien el concepto y aunque abre con un instrumental que establece un tono sombrío, da paso a On Death's Door Part I, donde la voz de Rohelova brilla con un fondo de guitarras y teclados atmosféricos. Luego el tema Man Proposes, God Disposes destaca por su melodía lenta y reflexiva, The Fade profundiza en temas del deterioro mental con la edad, combinando riffs contundentes y trasfondos de piano para evocar una sensación de nostalgia y pérdida. The Eye explora los peligros de ahondar demasiado en lo oculto, construyendo desde riffs lentos hasta un clímax de voces ásperas y ritmos contundentes.

Days Gone By reflexiona sobre la naturaleza finita del tiempo, instando a disfrutar al máximo de la vida. Los potentes riffs contundentes y los elementos de piano del tema subrayan la agridulce reflexión sobre las oportunidades perdidas. Silence captura la angustia de esperar noticias de un ser querido fallecido, oscilando entre hermosos pasajes y un ritmo brutal que refleja la agitación emocional.

El álbum concluye con su mejor tema, el cual voy a dejar nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC, On Death's Door Part II, inspirado en la práctica victoriana de cubrir los espejos para evitar que las almas quedaran atrapadas. La canción combina pasajes brutalmente demoledores con elementos reflexivos, retratando el tormento de un viudo y su decisión final de unirse a su difunta esposa en la muerte.

Se me antoja que "I Welcome Thee, Eternal Sleep" es una magistral mezcla de elementos Góticos y Doom, que ofrece una experiencia profundamente emotiva y atmosférica. Es un álbum que invita a los oyentes a abrazar la oscuridad y encontrar la belleza en ella. Me tiene un tanto sorprendido que no esté en las listas más conspicuas del Metal ya que, aunque ciertamente el disco no es un dechado de innovación sonora y obviamente el Doom es una especie en si misma y no es lo más 'comercial' de nuestra música, pero no por eso sugiero un repaso con tiempo y detenimiento de Opia, cuyo trabajo que es bueno o incluso un poco más.

8/10

Tower - "Let There Be Dark" (Heavy)

Tower era un desconocido para mi hasta que este disco llegara a mis manos, los preconceptos afloran cuando se lee que son una banda Heavy, viniéndose de inmediato a la cabeza imágenes de la dama de hierro y similares. Nada más alejado de la realidad, "Let There Be Dark", segundo trabajo de estos neoyorkinos es una caja de sorpresas y evidencia de que dentro de los estilos hay mucho espacio para innovar.

Decir que Tower hace Heavy y dejarlo así es como decir que Cirith Ungol también lo hace y no explicar -de esa banda toman una interesante inspiración-. Este tipo de grupos expande su sonido hacia sectores más experimentales, de amplia lírica y complejidad sonora, con fuerte matiz oscuro, bastante alejado de la felicidad y facilismo que el Heavy usual, especialmente lo que sus derivaciones Power sugiere. "Let There Be Dark" es un buen ejemplo de inspiración y calidad sin necesidad de caer en lugares comunes. Esta es su virtud y a la vez su desafío, la grabación no es de 'poner y llevar', va a requerir un tanto más de atención y tiempo para poderle descubrir sus grandezas, que las tiene.

"Let There Be Dark" me ha parecido un buen disco, innovador y muy bien producido, pero también tiene  un pecado, no es fácil distinguir donde comienza y donde termina, la banda consigue una fórmula de sonido muy-muy suya y la explota hasta la saciedad, el sonido oscuro e intenso de su Heavy tiende a cambiar poco... suena bien, pero a veces se hace mucho de lo mismo. No se me mal entienda, la grabación, dándole la oportunidad, va a satisfacer paladares exigentes -probablemente menos a consumidores poco experimentados-, es original en su sonido y la voz de su cantante Sarabeth Linden interesante, recordándome a la cantante de los franceses Triosphere, pero se excede en la explotación de la alquimia.

El mejor tema del disco es el de cerrar, The Hammer y también destacan Let There Be Dark, Book Of The Hidden y Iron Clad, siendo lo más flojo Legio X Fratensis (un interludio realmente) y The Well Of Souls. Los guitarristas James Danzo y Zak Penley ofrecen una lluvia de solos, mientras que la sección rítmica, del baterista Keith Mikus, impulsa bien el ritmo del álbum. 

"Let There Be Dark" es un testimonio del compromiso de Tower de superar los límites del Heavy tradicional. Es una escucha cautivadora que consolida su lugar en el panorama contemporáneo del género, entendiendo que son una gente más difícil de lo que se acostumbra a encontrar en el estilo. Recomiendo darle su repaso, con el tiempo debido y aceptarle sus detalles, cuando eso ocurre se me antoja que esta banda podría estar impactando en la escena en un futuro nada lejano. 

7.5/10

Dormant Ordeal - "Tooth And Nail" (Blackened Technical Death)

"Tooth And Nail" de Dormant Ordeal es un lanzamiento de Death complejo, riguroso y profundamente texturizado que no tolera a los ingenuos, pero tampoco se libra de la tentación. Ha gustado a muchos pero yo he tenido mis desencuentros con él, sin embargo ha valido la pena. Tras "The Grand Scheme of Things" (2021), el trío polaco parece empeñado en consolidar su presencia en el Metal extremo. Si bien logran superar sus límites sonoros, "Tooth and Nail" también es un disco que, en ocasiones, se excede, lastrado por su propia ambición y densidad.

Desde el primer tema, es evidente que Dormant Ordeal no ha bajado la intensidad. El trabajo de guitarra es salvaje e intrincado, la batería frenética pero precisa y la voz —profunda, casi abisal— transmite terror existencial con convicción. En cuanto a la producción, "Tooth and Nail" posee la claridad y el peso necesarios para resaltar los detalles más sutiles de su torbellino sonoro. Hay un admirable esfuerzo por combinar brutalidad y sofisticación, pero en esta dualidad es donde el disco brilla y a la vez tropieza.

Musicalmente, el álbum es un laberinto de riffs disonantes, blast beats implacables y giros dinámicos y bruscos. Temas como Solvent y Against The Dying Of The Light muestran la destreza técnica y la agresividad implacable de la banda, evocando a artistas como Ulcerate o Gorguts, pero impregnados de la sensibilidad polaca en el Black que recuerda a Hate o incluso a Azarath. Sin embargo, el tecnicismo a veces se convierte en una muleta. Varias canciones se confunden, no por falta de intensidad, sino por un exceso de texturas similares. El álbum rara vez respira y aunque esto probablemente sea intencional, resulta en fatiga para el oyente a mitad de camino.

Aunque es algo habitual en este género, yo desearía que Dormant Ordeal impulsara su interpretación vocal para igualar la misma complejidad narrativa que sugieren los títulos de las canciones y la portada del álbum. El disco se siente meticulosamente construido, pero emocionalmente permanece un tanto frío, más cerebral que visceral. Para una banda tan evidentemente talentosa, no es descabellado exigir más humanidad en medio del caos.

Hay momentos en los que el álbum insinúa algo más grande. El tema Halo Of Bones, por ejemplo, introduce un motivo melódico inquietante y la convierten en la mejor del disco. Este un trabajo que busca provocar asombro y lo hace con frecuencia, pero a costa de su propia accesibilidad. En definitiva, "Tooth and Nail" es una declaración de intenciones: Dormant Ordeal no está aquí para entretener, sino para desafiar. Los fans del Death encontrarán mucho que apreciar, pero los oyentes ocasionales pueden quedar algo exhaustos. Como siempre con lo extremo, esta es música que exige atención, compromiso y una dosis pequeña de masoquismo. También es música que podría recompensar esa atención con un poco más de generosidad.

7.5/10

Structure - "Heritage" (Doom / Melodic Death)

Hay discos que te dan ganas de bailar y otros que te dan ganas de acostarte en un campo de noche, bajo un cielo amoratado, mirando al vacío y desafiándolo a que te devuelva la mirada. "Heritage", de Structure, se sitúa firmemente en la segunda categoría. Un monolito sónico que revoluciona tanto placas tectónicas como estados emocionales, "Heritage" es el tipo de debut que te atrapa y te dice: 'escucha y siente'.

Structure, un unipersonal del holandés Bram Bijlhout que canaliza la intensidad espiritual de eminencias del Melodeath Doom, de gente como Cult of Luna y Amenra y a la vez que se forja un nicho propio con un sorprendentemente ágil sentido de la melodía y un uso cautivador del espacio. "Heritage" no es solo pesado, es melódico, es lento, es atmosférico y por sobre todo, está bien hecho, es ese primer disco que siempre me deja pensando si semejante demostración podrá ser replicada en futuras entregas o si aquí se puede haber gastado todo lo que traía en el tanque.

El álbum abre con Will I Deserve It, una catedral sonora que no puede dejar indiferente a nadie, su emoción melódica y oscura es trascendente y su riff, de esos que se quedan contigo bastante tiempo después de haberlo escuchado, un serio contendiente a Canción del Año de ELOMC, que como tal queda nominada. En general el resto del disco se pasea entre el Doom y el Death de tintes melódicos con mucha calidad. Las guitarras, invocan riffs y sus bloques de sonido son a veces majestuosos. La batería, por su parte, logra equilibrio entre la urgencia tribal y la serenidad apocalíptica; piensen en tambores de guerra tocados por existencialistas XD

La producción de "Heritage" es cruda sin ser turbia, espaciosa sin perder impacto. Cada golpe de platillo resuena y cada nota grave se percibe. Este no es un álbum que 'se pone', es un álbum que se percibe y que te hipnotiza. Sin ser un disco perfecto, puesto que quizás recurre a algunas fórmulas conocidas y le puede faltar algo de innovación, "Heritage" tiene honestidad sonora y emocional. En definitiva, el trabajo es menos una colección de canciones y más un ritual. Es música para los espacios liminales, para los momentos en los que no estás seguro de si te estás desmoronando o finalmente te estás recomponiendo.

Me ha gustado mucho este disco, se siente que deja recuerdo, sentimiento y música. Si tan solo Structure fuera capaz de seguir creciendo en su sonido y alguna próxima entrega deslastrarse de ciertos lugares comunes, estoy seguro que estaríamos en presencia de una de los hechos más importantes del género. Bien por Mr. Bijlhout, ha llamado la atención, ahora solo falta hacer carrera.

8/10

Ghost - "Skeletá" (Hard Rock / Melodic Metal)

A mi me gusta Ghost, puede que su música no sea perfecta, aún cuando tiene algunos temas excepcionales, pero es una banda/unipersonal que se ha atrevido a hacer cosas, mayormente de carácter estético y parcialmente de tipo musical, que le han dado nueva vida al Metal y Hard Rock -con toques Pop (para que negarlo)-. Tobias Forge, amo y señor de este feudo trae su sexto disco en quince años, un tanto escasos para la fama que tiene, pero digamos que lo normal en el ambiente.

La discografía de Ghost se ha mantenido más o menos homogénea, de cada disco que he comentado hay algo que extraer, "Impera" (2022), "Prequelle" (2018), "Meliora" (2015) y de sus anteriores también, sin embargo en cada uno de estos discos hay más ganas que capacidad, le ha costado a Forge alcanzar cotas absolutas... pendejo yo que no lleno estadios noche tras noche, es verdad, pero trato de ser honesto al decir que es capaz de mucho y de poco, todo al mismo tiempo.

"Skeletá" marca un cambio significativo respecto a "Impera", su anterior, el cual tenía una fuerte carga política. Ahora para este disco, adoptando la nueva identidad de Papa V Perpetua, se centra en el interior personal, explorando temas de esperanza, arrepentimiento, tristeza y amor, envueltos en una estética de Rock de estadio de los 80's. Si bien la ambición del álbum por ahondar en las emociones humanas más profundas es admirable, la ejecución a menudo se queda corta. Temas como Satanized y Lachryma intentan combinar riffs de Hard con letras introspectivas, pero terminan resultando inconexos y fastidiosos. Estos y otros temas carecen de la profundidad y complejidad que se espera de una banda conocida por su estilo teatral.

A pesar de estas deficiencias, "Skeletá" tiene momentos de brillantez. Especialmente la segunda parte del trabajo suena más cohesionada, hay más riffs y hooks de esos que han hecho de la banda un 'radio friendly' sin que esto tenga consideraciones peyorativas, sencillamente son temas más gustosos... pegadizos. Missilia Amori, Cenotaph, Umbra y Marks Of The Evil One destacan, suenan bien, pero están sin duda alejados de temas más intensos de trabajos anteriores. Diría que la banda cada vez suena menos potente y eso, finalmente, no es bueno, al menos no para los que nos ubicamos en el sector headbanger.

En conclusión, "Skeletá" es un proyecto que busca explorar las profundidades de las emociones humanas a través del estilo característico de Ghost. Sin embargo, la ejecución inconsistente, algo de sobreproducción (muy de su estilo) y la ambigüedad de identidad musical del álbum le impiden conectar plenamente con el oyente, al menos con los más intensos. Si bien puede atraer a los fans más fieles, quienes buscan la narrativa cohesiva y la energía pura de los trabajos anteriores de Ghost pueden conseguir en "Skeletá" a un disco menor respecto a sus anteriores.

7/10

Messa - "The Spin" (Doom / Psych)

Estas bandas oscuras, pero consistentemente buenas, son un regalo para el Metal. Eso no lo saben los más chiquillos, a ellos le puede parecer silvestre que haya quien disco tras disco contribuya a hacer arte... nada más alejado de la normalidad. La calidad es una 'rara avis' pero -por suerte- en el Metal, por sus características propias (alejado del sonido mainstream, complejo, menos melódico, etc.) es más fácil encontrase de vez en cuando a esa especie, gente que como Messa dan asco por lo buenas que son... aunque no los conozca nadie, son putas buenas bandas.

"Close" (2022) disco Doom de ese año de este sitio no es un trabajo precisamente fácil, pero luego de darle el  suficiente tiempo, arrebata con su intensidad, reitero la importancia de revisarlo. Ahora con su cuarto larga duración, "The Spin", los italianos nos traen una nueva entrega de ese Doom-Psych con toque Góticos que tanto impacta, con la voz de su Sara Bianchin como fuerza de la naturaleza desatada, dispuesta a tomarlo todo y no dejar hueso sano.

Si bien esa voz nombrada hace un trabajo -nuevamente- genial, en este disco el acento que imprime la guitarra que ejecuta Alberto Piccolo es notable, ciertamente depurado en su calidad. En general el sonido de la banda ha crecido, incluso diría que con "The Spin" no quisieron hacer un disco tan exigente como el anterior, sino algo un poco más asequible y ello lo han logrado sin quitarle la intensidad emocional y musical que los ha destacado. No me sorprendería que con este trabajo la banda terminara de saltar al conocimiento popular (lo que en términos de Metal son cincuenta mil seguidores en vez de cinco mil, pero ustedes entienden)

Temas como The Dress -nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC- Thicker Blood y At Races, son ejemplos patentes de la calidad, intensidad, crudeza y sonoridad de Messa. Como dije antes, son temas más fáciles de digerir que lo que la banda nos tenía acostumbrados, le han quitado un poco de algo, ¿quizás Sludge? Esto puede ser negativo para los puristas come clavos que solo quieren cosas que atraganten, pero en mi visión el disco mantiene una calidad en el songwriting que pocas agrupaciones pueden lograr.

Termino el comentario y siento que no he logrado transmitir precisamente lo que he percibido sonoramente con "The Spin" y es que el disco es exactamente eso, una muestra de cosas que no son fáciles de definir. En el canon de los géneros a los que rinden pleitesía, Messa está logrando innovar y mostrar ventaja respecto a bandas que tratan y tratan, pero no alcanzan este nivel. Háganse un favor, si solo van a escuchar cuatro o cinco discos este año, incorporen a éste en esa lista, los va a recompensar.

8.5/10

Elvenking - "Reader Of The Runes - Luna" (Power / Folk)

"Reader of the Runes – Luna" de Elvenking, marca la tercera entrega de su trilogía "Reader of the Runes". Conocida por su singular mezcla de Power, influencias Folk y narrativa fantástica, la banda italiana continúa expandiendo su sonido mientras profundiza en un complejo mundo narrativo. Este álbum es la continuación de "Divination" (2019) y "Rapture" (2023) y eleva trata de elevar la apuesta tanto musical como temáticamente.

Desde el principio, queda claro que Luna es un capítulo tanto más oscuro y pesado como su predecesor. La banda se inclina un tanto más hacia el Extreme Power, lo que le da al álbum una sensación de urgencia e intensidad. El tema inicial, Season Of The Owl, marca el tono con una batería atronadora, riffs agudos y la voz de su cantante Damnagoras. El trabajo es de tintes épico como no podría ser diferente y la composición no pierde el enfoque. Hay una sensación de propósito y progresión a lo largo del disco, lo cual es impresionante considerando su duración de casi una hora, definitivamente un tanto largo.

Canciones como Luna, Stormcarrier y la de cierre, Reader Of The Runes - Book II demuestran la habilidad de Elvenking para equilibrar melodía y un tanto de agresividad. En general los temas son enérgicos, con melodías de inspiración Folk que se entrelazan a la perfección con un buen trabajo de guitarra. El violín, un elemento esencial del sonido de Elvenking, permanece presente, pero integrado de forma más sutil, a menudo sirviendo como un acento atmosférico o melódico en lugar de ser el punto focal.

Líricamente, el álbum continúa la saga del misterioso lector de las runas, aunque quienes se inician en la historia podrían sentirse un poco perdidos sin el contexto del primer y segundo disco. Aun así, incluso sin profundizar en la historia, las letras son evocadoras y poéticas, pintando vívidas imágenes de traición, profecía y guerra mágica.

No comentaba lo realizado por la banda desde "Era" (2012) y "The Pagan Manifesto" (2014), este último todavía lo mejor que han presentado. Aún así se siente la maduración de la banda a lo largo de los años. Si bien Elvenking siempre ha contado con una base de fans fiel, sus álbumes anteriores a veces recurrían demasiado a los recursos Folk o a una teatralidad desmesurada. Aquí, el equilibrio es interesante. Los elementos Folk son más refinados, y los momentos más pesados ​​no se forzados, sin embargo el songwriting no es todo lo genial que les he percibido en sus mejores discos.

El álbum podría no ser para todos. Su naturaleza conceptual y tono dramático pueden resultar excesivos para los oyentes ocasionales, y la dependencia de una historia continua podría alejar a quienes no estén ya inmersos en la saga. Pero para los fans del Power con influencias Folk, esta es una experiencia divertida, aunque no trascendente.

En conclusión, "Reader of the Runes – Luna" es un trabajo ambicioso de Elvenking, han tenido la virtud de terminar con buen gusto su trilogía, pero me han faltado algo de sonidos novedosos, un poco más de atrevimiento. En todo caso, bien vale la pena darle una repasada.

7/10

Epica - "Aspiral" (Symphonic)

Viejos conocidos de este humilde blog, a quienes por cierto tuve la oportunidad de ver por primera vez y en primera fila hace un par de años, Epica tiene ya bastante recorrido, "Requiem For The Indifferent" (2012), "The Quantum Enigma" (2014), "The Holographic Principle" (2016), "Omega" (2021) han sido todos discos, mínimo, excelentes, algunos un poco más. Esta banda, la más metalera de las bandas Sinfónicas del conocimiento popular (léase: Nightwish, Xandria, en un tiempo atrás Within Temptation, etc) vuelve con su temática existencialista, puede que un cierre, entre otros, de "Quantum", "Holographic" y "Design Your Universe" (2009) como concepto sobre el ser humano y su grandeza.

En su nuevo trabajo, "Aspiral", observo signos, el primero es que no he querido que llegue el momento de escribir sobre él porque quiere decir que debo pasar al próximo trabajo y ya no lo voy a escuchar tan regularmente, el segundo es el interés que me ha suscitado nuevamente su lírica, muy en la perspectiva de aquello de 'be the master over your own energy'. De acuerdo o no con el creacionismo o la evolución, no se puede negar que Mark Jansen, amo y señor de la banda, tiene un don para el arte y la música.

El disco está, como es de suponer, muy bien, incluso podría decir que la orientación metalera, como referí arriba, está más presente aún; lejos de facilismos sinfónicos, hay un nivel de agresión poco común para lo que se acostumbra a esperar de las bandas mal llamadas 'Female Fronted'... y tampoco se puede dejar de alabar por enésima vez la calidad vocal de Simone Simons, de la que puedo dar fe, -aquí el comentario misógino y cancelador- luego de verla a cuatro metros de distancia, que es todo lo hermosa que aparece en las fotos, bella con avaricia.

Los temas buenos están por doquier en "Aspiral", Arcana, Cross The Divide, Darkness Dies In Light - A New Age Dawns Part VII (la más Sinfónica), la balada Obsidian Heart -un puto temazo de riff memorable, nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC- The Grand Saga of Existence - A New Age Dawns Part IX y Aspiral, otra hermosa balada y punto de cierre del disco, el cual incorpora la narración -en la tónica existencialista- de Stanisław Szukalski, un artista polaco con tintes controversiales por su ¿teoría? llamada Zermatismo, que postula que toda la cultura humana se derivó de la Isla de Pascua posterior al diluvio y que la humanidad estaba atrapada en una lucha eterna con los Hijos del Yeti (Yetinsyny), la descendencia del Yeti y los humanos... una vaina rara, aunque lo que dice en el tema está interesante.

Nada de todo lo que he mencionado valdría realmente la pena si "Aspiral" no tuviera un buen songwriting y lo tiene, para mi es excepcional el nivel del trabajo y madurez que ha alcanzado Epica en sus veintipico años de carrera, sin caer en personalismos (cough, Holopainen) y haciendo buena música tanto para ellos como para su público. Me siento afortunado de haber escuchado este disco, creo que tiene madera para trascender en el tiempo, cosa que quizás es lo más difícil para cualquier expresión artística. Puede que sea el mejor disco de Epica.

9/10 Nominado como contendiente a Disco del Año.

Allegaeon - "The Ossuary Lens" (Technical Melodic Death / Melotech)

Bandón, bandón... Allegaeon nunca decepciona. Trabajos como "Proponent For Sentience" (2016) y sus geniales "Apoptosis" (2019)  y "Elements Of The Infinite" (2014) son ejemplos patentes, incluso cuando no fue todo lo esperado con "Damnum" (2022) les agradecí el esfuerzo. No es menos que una buen noticia que se encuentren de vuelta con "The Ossuary Lens", un disco que nuevamente comprueba que los de Colorado tienen todo lo que hace falta.

Es una lástima que este tipo de bandas pasen un poco desapercibidas, está claro que el Melodeath Técnico es un gusto adquirido, no es el Extreme Power del primer apellido, ni tampoco el puro onanismo instrumental que domina el segundo. Es -bueno- justamente eso, una forma de ver el Metal con agresión, pero algo de atemperamiento de la crudeza gracias a las armonías más fáciles y bastante de calidad en la ejecución.

Este, séptimo álbum de estudio de Allegaeon, marca el regreso del vocalista original Ezra Haynes, ausente desde "Elements of..." y reintroduce una intensidad familiar en su sonido. Los growls de Haynes, combinados con la destreza técnica de la banda, ofrecen una excelente mezcla que él mismo ha denominado Melotech... creo que debo incorporar el término al abultado repertorio de estilos, sub-estilos, sub-sub-estilos y sub-sub-sub-estilos (seguro me falta un nivel más abajo) que tiene el Metal.

Recomiendo enfáticamente buscar las letras del disco, el enfoque temático del álbum gira en torno a diversas perspectivas sobre la muerte, y cada canción explora una faceta diferente de esta experiencia universal. Musicalmente, el álbum muestra la complejidad característica de Allegaeon, con un intrincado trabajo de guitarra, ritmos dinámicos y elementos atmosféricos que aportan profundidad a su sonido. 

Caben destacar varios temas Imperial, Chaos Theory, The Swarm, Carried By Delusion -la mejor del disco y nominada a Canción del Año de ELOMC- y casi cualquier otra. Hay un tema que ha llamado la atención y es en el que contribuye Adrian Bellue, un guitarrita de técnica fingerstyle, llamado Dark Matter, el cual es realmente también interesante, pomposo, pero llamativo, típica canción que odias o amas... diría que Allegaeon buscó hacer aquí su Stairway To Heaven :)

"The Ossuary Lens" representa una incorporación cohesiva y madura a la discografía de Allegaeon, que equilibra la destreza técnica con la profundidad temática. La exploración de la mortalidad en el álbum, combinada con sus intrincadas composiciones, ofrece una experiencia reflexiva y sonoramente rica y sus elementos melódicos le imprimen suficiente épica como para no saturar con la agresión, un gran álbum -repito- muy equilibrado.

8.5/10

Tómarúm - "Beyond Obsidian Euphoria" (Technical Progressive Black / Death)

Si alguna vez te has preguntado qué se siente ser aplastado por una manada de virtuosos, no busques más: el último trabajo de Tómarúm, "Beyond Obsidian Euphoria", es lo que buscas. Este álbum no solo traspasa los límites del Black Técnico y Progresivo, ahora con elementos Death también, sino que los catapulta a otra dimensión, todo con la sonrisa confiada del que sabe lo que está haciendo.

Desde el principio, el tema de apertura, In Search of the Triumph Beyond... (Obsidian Overture) -nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC-, te sumerge en un torbellino de diez minutos de riffs vertiginosos, melodías etéreas y compases que parecen tener vida propia. Es como si la banda hubiera decidido que la mejor manera de empezar un álbum era retar a los oyentes a una lucha musical para luego ganar sin esfuerzo. La formación de la banda se ha ampliado desde su debut, el gran "Ash In Realms Of Stone Icons" (2022) y ahora cuenta con tres guitarristas. Se puede suponer que esta decisión se tomó para asegurar que ningún diapasón quedara sin destrozar. El resultado es un muro de sonido tan denso que incluso la luz tendría dificultades para escapar.

Temas como Shed This Erroneous Skin y Halcyon Memory: Dreamscapes Across the Blue -también excelente- combinan a la perfección la ferocidad con momentos de calma introspectiva. Es el equivalente musical a estar atrapado en un mosh un momento y beber té al siguiente. Y justo cuando crees que tienes el álbum resuelto, Blood Mirage ofrece un golpe conciso de agresividad Death, recordándote que la previsibilidad no está en el vocabulario de Tómarúm.

El penúltimo tema, The Final Pursuit of Light, es un coloso de catorce minutos que te lleva a un viaje por diversos paisajes musicales. Es como ver de golpe una temporada completa de una serie de ciencia ficción: desafiante, pero gratificante. El último tema, Becoming the Stone Icon (Obsidian Reprise), ofrece un momento de calma introspectiva, quizás como el descenso después de la montaña rusa.

La crítica ha elogiado el álbum por su dinamismo audaz y su brillantez técnica. La gente de No Clean Singing -no acostrumbro a citar, pero esto vale la pena, dijo: 'La audacia y el dinamismo que exclama "Beyond Obsidian Euphoria" son tan impresionantes técnicamente como fervientemente gratificantes', yo creo que dan en el clavo. Sin embargo, algunos oyentes podrían encontrar la complejidad del álbum un poco abrumadora. No es música de fondo, eso que quede claro. En resumen, "Beyond Obsidian Euphoria" es una clase magistral de caos controlado. Es un álbum que exige atención y recompensa la paciencia, creo que Tómarúm esta destinada a trascender.

9/10 Nominado como Disco del Año

Deafheaven - "Lonely People With Power" (Blackgaze)

El sexto álbum de estudio de Deafheaven, "Lonely People With Power", marca una síntesis convincente de los paisajes sonoros en evolución de la banda. Tras "Infinite Granite" (2021), más pulido y orientado al Blackgaze, esta última entrega retoma las raíces más pesadas de la banda, fusionando a la perfección elementos de su diversa trayectoria musical, aunque no todo el disco es homogéneamente tan bueno como sus anteriores, habiendo una especie de dos discos en uno, una primera parte estándar y una segunda parte genial.

El álbum abre con Incidental I, un preludio atmosférico que prepara el terreno para Doberman, esta canción reintroduce a los oyentes en la fusión característica de Deafheaven de la intensidad del Black y el Post, con los gritos viscerales de George Clarke junto con el intrincado trabajo de guitarra de Kerry McCoy y Shiv Mehra. El sencillo Magnolia, destaca por su energía implacable que evocan el estilo agresivo inicial de la banda. The Garden Route ofrece un contraste con su sensibilidad Dream-Pop de medio tempo, mostrando la versatilidad de la banda. Por su parte, Heathen equilibra pasajes etéreos con intensos crescendos, destacando el dinámico registro vocal. Hasta aquí una primera parte que hace del trabajo una buena entrega.

Es a partir Amethyst, el mejor tema y más expansivo del álbum, que se inicia el verdadero impacto al que en el pasado me había acostumbrado esta gente, sino iniciadores del género, los cimentadores del estilo (denostado y odiado por más de un Black metalero, no se crean que la cosa no es controversial). Este tema pasa de segmentos de palabra hablada a una mezcla culminante de percusión y guitarras imponentes, ejemplificando la maestría de Deafheaven en la dinámica de construcción y liberación. ​

Los interludios Incidental II e Incidental III presentan colaboraciones notables, con Jae Matthews de Boy Harsher y Paul Banks de Interpol aportando sus distintivas voces. Estos temas añaden profundidad y textura, reflejando la disposición de la banda a explorar nuevos territorios sonoros. Revelator ofrece un aluvión implacable de riffs y una batería trepidante, mientras que Body Behavior profundiza en temas de masculinidad y expectativas sociales, subrayados por un ritmo impetuoso (recuerden buscar las letras). El penúltimo tema, Winona -otra gran canción-, encapsula la temática central del álbum, tejiendo narrativas de traumas personales y generacionales a través de una mezcla de pasajes melódicos y agresivos. Para cerrar, The Marvelous Orange Tree rinde homenaje a los orígenes Blackgaze de la banda, con la voz limpia de Clarke aportando belleza a la composición. ​

En esencia, "Lonely People With Power" es un testimonio de la evolución de Deafheaven, fusionando hábilmente sus raíces con matices experimentales. El álbum no solo reafirma su posición en el panorama del Metal contemporáneo, sino que también demuestra su compromiso de traspasar los límites musicales. Un poco menos genial que sus anteriores, pero porque probablemente están explorando nuevos horizontes musicales, igual un gran disco en 2025.

8/10

Arch Enemy - "Blood Dynasty" (Melodic Death / Extreme Power)

El último álbum de Arch Enemy, "Blood Dynasty" es como si la banda hubiera decidido organizar una fiesta por todo lo alto, pero se hubiera olvidado de invitar a la emoción. Este décimo tercer álbum de estudio se siente como un déjà vu meticulosamente elaborado, donde cada tema compite por superar a los demás en un concurso de previsibilidad.

Comenzando con Dream Stealer, la banda ofrece un tema tan convencional que podría servir como modelo para un taller de 'Cómo escribir Death Melódico', la canción se precipita por un camino trillado de riffs y percusiones, sin desvíos ni rutas pintorescas. Illuminate the Path se atreve a añadir voces limpias, quizás con la intención de agregar sabor a este guiso insulso, sin embargo, esta fusión se siente más como añadir helado a un asado: innecesaria y confusa. Es como si la banda intentara demostrar que puede hacer varias cosas a la vez, pero termina tropezando con sus propias ambiciones.

Luego está March of the Miscreants, una canción que marcha en el mismo sitio sin llegar nunca a un destino. La robusta introducción percusiva promete un viaje, pero la canción rápidamente se asienta en un ritmo monótono, dejando a los oyentes mirando sus relojes y preguntándose si se perdieron en el camino. Vivre Libre surge como una versión de la canción de la banda francesa Blaspheme, cantada íntegramente en francés, la voz limpia de Alissa White-Gluz se luce aquí, es bonita, pero no combina con el estilo, al menos hubo un intento decente con ella.

La canción homónima, Blood Dynasty, intenta imponer su dominio, pero termina sintiéndose como una recreación de glorias pasadas. Con líneas melódicas de guitarra y growls, pinta una imagen sin ideas frescas, reciclando viejas fórmulas con resultados decrecientes. Paper Tiger intenta inyectar energía con riffs galopantes y un trabajo armónico de guitarra, la canción exige mover la cabeza, pero su previsibilidad es descarada. El cierre con Liars & Thieves, me produjo un encogimiento de hombros, es un final frenético que da la sensación de que la banda busca con ahínco su creatividad perdida y no da en el blanco. Francamente ningún tema, quizás con la excepción del cover, me atrajo.

En resumen, "Blood Dynasty" es un álbum que se aferra desesperadamente a los éxitos pasados ​​de Arch Enemy, ofreciendo poco en cuanto a innovación o emoción. Es un recordatorio de que incluso las dinastías más poderosas pueden caer, no con un colapso dramático, sino con el lento y sordo golpe de la mediocridad. Es una lástima porque era uno de los discos más esperados del año y me constan que la banda tiene bastantes seguidores.

6/10

Warbringer - "Wrath And Ruin" (Modern Thrash)

Si alguna vez te has preguntado qué se siente al ser apaleado por una guitarra en lugar de un martillo, el último álbum de Warbringer, "Wrath And Ruin", ofrece una aproximación bastante cercana. Este disco consolida la reputación del quinteto californiano como titanes del Thrash moderno, ofreciendo un asalto sónico implacable y emocionante. 

En una breve lección de historia, esta gente viene de Ventura, California y ha sido una fuerza formidable en el resurgimiento del género desde principios de la década del 2000. Sus álbumes anteriores, en especial "Woe To The Vanquished" (2017) y "Weapons Of Tomorrow" (2020), mostraron su evolución, desde unos disco solo decentes al comienzo hasta verdaderos creadores de riffs demoledores y solos fulminantes en los más recientes.

El álbum abre con una fanfarria casi al estilo de Manowar, preparando el terreno para una cruzada de riffs. La primera canción transiciona fluidamente entre ritmos galopantes y riffs a medio ritmo, mientras el vocalista John Kevill ofrece sus característicos gritos desenfrenados. Luego A Better World entrega un riff melódico con tintes Death, muy interesante.

La canción Neuromancer se sumerge en temas distópicos, esta canción se mueve de forma tranquila y constante, The Jackhammer, fiel a su nombre, es un aluvión implacable de riffs rápidos y ritmos de batería febriles, que garantizan un frenesí salvaje. Through A Glass, Darkly, inspirada en el general de la Segunda Guerra Mundial, George Patton, opta por un enfoque más contemplativo y melódico, con tonos dramáticos. Strike From The Sky surge con un impulso imparable, con riffs adictivos y explosiones vocales frenéticas que inyectan una repentina descarga de adrenalina. Cierran Cage Of Air, con blastbeats aplastantes alta lírica, siendo The Last Of My Kind, un final poderoso, este tema está armado con gritos de desafío y una voluntad inquebrantable de defender lo que es justo... o así me parece a mí.

"Wrath And Ruin" es un testimonio de la capacidad de Warbringer para evolucionar ellos como banda y el género al que se le acusa de haberse estancado, todo sin perder la ferocidad que los define (a ambos). Es un álbum que invita a hacer un mosh mientras se reflexiona sobre las complejidades de la vida moderna: una combinación rara y estimulante. La incorporación de elementos Black, Melodeath y Heavy hacen del disco un rato entretenido que bien merece la pena. Este puede ser el mejor trabajo de la banda a la fecha, lo que ya es decir.

8/10

Whitechapel - "Hymns in Dissonance" (Deathcore)

En el gran escenario de la evolución del Metal, pocas bandas han tejido un patrón tan intrincado como Whitechapel. Con su último lanzamiento, "Hymns in Dissonance", revisitan sus raíces brutales y elaboran su nuevo trabajo con la delicadeza de artesanos que han pasado casi dos décadas perfeccionando su arte. Es como si nos invitaran a un sermón de alto voltaje donde los himnos tratan menos sobre la salvación y más sobre la aceptación del abismo caótico y hermoso. Para mi, un viaje al pasado, con explosivos modernos.

¿Recuerdan aquellos días en que la música de Whitechapel se sentía como si la hubieran apaleado con un martillo? "Hymns in Dissonance" recupera esa sensación, temas como Prisoner 666 y el homónimo Hymns in Dissonance evocan la ferocidad de sus primeros trabajos, con riffs implacables y voces guturales que podrían invocar a uno o dos demonios. Es una experiencia nostálgica y refrescante. Pero se deje engañar por la brutalidad; hay un método en esta locura. 

El álbum se estructura ingeniosamente en torno a los siete pecados capitales, y cada canción, desde Diabolic Slumber hasta Nothing Is Coming for Any of Us, encarna un vicio específico. Este enfoque temático añade una capa de profundidad, convirtiendo la experiencia auditiva no solo en un ejercicio para los músculos del cuello, sino también en un festín para la corteza cerebral. Es como asistir a una clase de filosofía, pero ensangrentado.

El asalto de tres guitarras de Ben Savage, Alex Wade y Zach Householder es una lección de caos controlado. Sus riffs atraviesan la mezcla con precisión, mientras que la sección rítmica —Gabe Crisp al bajo y Brandon Zackey a la batería— proporciona una base sólida. La voz de Phil Bozeman es la guinda del pastel, oscilando entre guturales demoníacos y melodías inquietantes.

Para mi el punto culminante del disco son los temas de cerrar, Mammoth God y la mencionada Nothing Is Coming For Any Of Us, las cuales tienen de todo, melodía, agresión, introspección instrumental... hacía tiempo que no me sentía tan movido por un par de canciones de este estilo con tal calidad y profundidad. Obvias candidatas a Canción del Año de ELOMC y así quedan nominadas.

"Hymns in Dissonance" es un regreso fuerte para Whitechapel, que combina la agresividad desenfrenada de sus primeros años con la sofisticada composición que han desarrollado con el tiempo y aunque no todos los temas mantengan la perfección, el álbum no solo te invita a escucharlo, exige tu atención completa. Tanto si eres un fan de toda la vida como si eres un recién llegado con curiosidad por el lado más oscuro del espectro musical, este disco ofrece una experiencia profundamente emocionante.

8/10

Sarcator - "Swarming Angels & Flies" (Blackened Thrash / Death)

El tercer álbum de estudio de Sarcator, "Swarming Angels & Flies" muestra la evolución del cuarteto sueco en la escena del Blackened Thrash, inspirándose en grupos seminales como Kreator, Sodom y Morbid Angel, la banda ofrece una experiencia fresca pero nostálgica que rinde homenaje a las raíces del género al tiempo que afirma su identidad única.

El álbum comienza con Burning Choir, una pista explosiva que sumerge inmediatamente a los oyentes en una vorágine de riffs agresivos y percusión implacable. La energía es palpable, con la voz gutural de Mateo Tervonen canalizando la intensidad cruda característica del Thrash de mediados de los 80s. Este tema de apertura establece un estándar alto, combinando la ferocidad de la vieja escuela con la claridad de la producción moderna.

Comet Of End Times continúa con un trabajo de guitarra vertiginoso y cambios de ritmo dinámicos. Los intrincados arreglos de la canción demuestran la madurez compositiva de la banda, tejiendo melodías clásicas de Metal con matices ennegrecidos. La interpretación vocal es a la vez amenazante y vigorizante. Luego la canción homónima se destaca como un testimonio de la destreza de Sarcator para crear coros en medio del caos. El ritmo implacable de la canción y los solos vertiginosos recuerdan al Death temprano, pero el estilo distintivo de la banda garantiza que no se sienta derivado. Esta fusión de estilos da como resultado una canción que es a la vez castigadora y estimulante.

El siguiente tema, The Deep Ends ofrece un respiro de medio tiempo sin sacrificar la intensidad. Sus riffs y melodías inquietantes evocan una sensación de fatalidad inminente, mostrando la capacidad de la banda para diversificar su sonido manteniendo la cohesión. La influencia del Heavy tradicional es evidente aquí, añadiendo profundidad a la paleta sonora del álbum. Para mí es el mejor tema del disco, sin duda.

El resto del trabajo se aventura en territorios a veces un tanto Prog, con estructuras complejas y pasajes atmosféricos que desafían las convenciones del género; le alabo la voluntad de Sarcator de experimentar, pero no estoy seguro que haya quedado todo lo bien que ellos esperaban, especialmente Where The Voids Begins se me hizo rara -buena considerada individualmente, pero no era este el disco donde pienso que de debía estar-.

"Swarming Angels & Flies" es un testimonio del crecimiento de Sarcator como músicos y su dedicación al oficio. El álbum combina influencias del Thrash, el Black, Heavy y Death, lo que da como resultado un sonido innovador. La calidad de la producción mejora la experiencia auditiva, capturando la energía cruda de la interpretación de la banda sin sacrificar la claridad. En un género en el que es fácil caer en lugares comunes, Sarcator logra mantener las cosas frescas y atractivas.

7.5/10

Havukruunu - "Tavastland" (Melodic Black / Folk)

En los anales helados del Black finlandés, donde el sol no se atreve a quedarse y las melodías se forjan en el crisol de fuegos antiguos, el último opus de Havukruunu, "Tavastland", surge como un formidable testimonio de la vitalidad del género. Este cuarto álbum consolida la estatura de la banda como abanderados del Black pagano, entrelazando hábilmente la ferocidad cruda con un estilo distintivo, melódico y vigorizante, que refrenda lo que se presentía con su anterior trabajo "Uinuos Syömein Sota" (2020), un dechado de virtudes.

Desde su inicio, "Tavastland" envuelve al oyente en un paisaje sonoro que es a la vez expansivo e íntimo, que recuerda una travesía por vastos terrenos nórdicos mientras se está en sintonía con los susurros de los espíritus ancestrales. El tema de apertura marca el tono con un riff cataclísmico (un motivo que se repite a lo largo del álbum) y que da paso a melodías grandiosas y una percusión atronadora. Esta composición ejemplifica la destreza de Havukruunu para crear epopeyas que son tan emotivas como imponentes desde el punto de vista sonoro.

Una característica destacada de "Tavastland" es su magistral equilibrio entre la agresión y la melodía. En el disco se personifica este equilibrio, con blast beats implacables que apuntalan melodías de guitarra altísimas, cuya calidad es más que notable en este trabajo, quedándose con el protagonismo del disco. Esta síntesis de ferocidad y armonía no solo rinde homenaje a las raíces Black de la banda, sino que también muestra su evolución hacia un sonido más matizado.

La calidad de producción de "Tavastland" merece un elogio especial. El álbum cuenta con un sonido rico y envolvente, con instrumentación en capas y armonías vocales grandiosas que elevan la experiencia auditiva. La batería resuenan con una intensidad primaria, proporcionando una base sólida para el intrincado trabajo de guitarra y las voces evocadoras. Esta meticulosa atención a los detalles en la producción realza la atmósfera épica del álbum, envolviendo al oyente en un tapiz sonoro que es a la vez majestuoso y visceral.

Las influencias de Havukruunu son perceptibles pero ingeniosamente integradas, lo que permite que "Tavastland" se destaque como una entidad única dentro del panteón del Black. Si bien los paralelismos con Moonsorrow son evidentes, particularmente en la atmósfera del álbum y las sensibilidades melódicas, Havukruunu evita la mera imitación. En cambio, infunden estas inspiraciones con su propia visión creativa, lo que da como resultado un sonido que es a la vez familiar y refrescantemente original.

En el ámbito de los sitios de costumbre , "Tavastland" ha sido elogiado por su composición cohesiva y su madurez artística con justa razón. En resumen, "Tavastland" es un logro monumental que no solo refuerza la posición de Havukruunu dentro de la jerarquía del estilo, sino que también amplía sus límites, incorporando melodía poderosa e inspiradora y una calidad de grabación poco común. Todos -todos- los temas del trabajo tienen algo que ofrecer, riffs recordables y desarrollo a profundidad, especialmente destacados son Kouleman Oma, Unissakävijä, Havukruunu Ja Talvenvarjo y Tavastland, nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

Disco indispensable para 2025 y uno de los mejores de fechas recientes del género, de necesidad absoluta.

9/10. Nominado como Disco del Año.