Elvenking - "Reader Of The Runes - Luna" (Power / Folk)

"Reader of the Runes – Luna" de Elvenking, marca la tercera entrega de su trilogía "Reader of the Runes". Conocida por su singular mezcla de Power, influencias Folk y narrativa fantástica, la banda italiana continúa expandiendo su sonido mientras profundiza en un complejo mundo narrativo. Este álbum es la continuación de "Divination" (2019) y "Rapture" (2023) y eleva trata de elevar la apuesta tanto musical como temáticamente.

Desde el principio, queda claro que Luna es un capítulo tanto más oscuro y pesado como su predecesor. La banda se inclina un tanto más hacia el Extreme Power, lo que le da al álbum una sensación de urgencia e intensidad. El tema inicial, Season Of The Owl, marca el tono con una batería atronadora, riffs agudos y la voz de su cantante Damnagoras. El trabajo es de tintes épico como no podría ser diferente y la composición no pierde el enfoque. Hay una sensación de propósito y progresión a lo largo del disco, lo cual es impresionante considerando su duración de casi una hora, definitivamente un tanto largo.

Canciones como Luna, Stormcarrier y la de cierre, Reader Of The Runes - Book II demuestran la habilidad de Elvenking para equilibrar melodía y un tanto de agresividad. En general los temas son enérgicos, con melodías de inspiración Folk que se entrelazan a la perfección con un buen trabajo de guitarra. El violín, un elemento esencial del sonido de Elvenking, permanece presente, pero integrado de forma más sutil, a menudo sirviendo como un acento atmosférico o melódico en lugar de ser el punto focal.

Líricamente, el álbum continúa la saga del misterioso lector de las runas, aunque quienes se inician en la historia podrían sentirse un poco perdidos sin el contexto del primer y segundo disco. Aun así, incluso sin profundizar en la historia, las letras son evocadoras y poéticas, pintando vívidas imágenes de traición, profecía y guerra mágica.

No comentaba lo realizado por la banda desde "Era" (2012) y "The Pagan Manifesto" (2014), este último todavía lo mejor que han presentado. Aún así se siente la maduración de la banda a lo largo de los años. Si bien Elvenking siempre ha contado con una base de fans fiel, sus álbumes anteriores a veces recurrían demasiado a los recursos Folk o a una teatralidad desmesurada. Aquí, el equilibrio es interesante. Los elementos Folk son más refinados, y los momentos más pesados ​​no se forzados, sin embargo el songwriting no es todo lo genial que les he percibido en sus mejores discos.

El álbum podría no ser para todos. Su naturaleza conceptual y tono dramático pueden resultar excesivos para los oyentes ocasionales, y la dependencia de una historia continua podría alejar a quienes no estén ya inmersos en la saga. Pero para los fans del Power con influencias Folk, esta es una experiencia divertida, aunque no trascendente.

En conclusión, "Reader of the Runes – Luna" es un trabajo ambicioso de Elvenking, han tenido la virtud de terminar con buen gusto su trilogía, pero me han faltado algo de sonidos novedosos, un poco más de atrevimiento. En todo caso, bien vale la pena darle una repasada.

7/10

Grima - "Nightside" (Atmospheric Black / Folk)

"Nightside", el sexto álbum de estudio del dúo siberiano de Black Atmosférico, Grima, es un testimonio de la evolución de la banda y su profunda conexión con la mística de la naturaleza salvaje de su zona. Compuesta por los hermanos gemelos Vilhelm y Morbius (se llaman realmente Max y Gleb Sysoev), Grima entrelaza constantemente temas de la naturaleza y antiguos espíritus del bosque en su música y "Nightside" no es la excepción.

El álbum abre con Intro (Cult), una serena pieza instrumental que establece un tono melancólico a través de melodías limpias de guitarra y los sonidos evocadores del bayán, un acordeón cromático ruso. Esta introducción da paso a Beyond the Dark Horizon, donde la áspera voz de Vilhelm se abre paso a través de una densa gama de riffs melódicos de guitarra y una batería dinámica. El tema demuestra la habilidad de Grima para combinar elementos tradicionales con el Black, creando una experiencia auditiva inmersiva.

Flight of the Silver Storm comienza con acordes majestuosos, generando expectación antes de lanzarse a una embestida. La estructura de la canción refleja la habilidad de la banda para equilibrar la agresividad con la melodía, a medida que los blasbeats y los riffs con trémolo se entrelazan con sintetizadores y el distintivo bayán. 

Los mejores temas del trabajo son The Nightside, una delicadeza que voy dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC y Where We Are Lost. Estos temas resaltan la destreza compositiva de Grima: la primera ofrece una amenazante pared sonora que transporta a los oyentes a los fríos paisajes de Siberia, junto con un trabajo instrumental preciosista, mientras que la segunda es un emocionante ataque de riffs, cautivador e intenso.

A lo largo de sus contenidos cincuenta minutos de duración (para lo que se acostumbra en el género), "Nightside" se mantiene inmersivo, con Grima asegurándose de que cada tema contribuya a la atmósfera general del álbum. La inclusión de instrumentos folclóricos, junto con sintetizadores, voces cantadas y guitarras acústicas, añade capas de complejidad y enriquece la experiencia auditiva, aunque no siempre sea tan fácil de digerir el instrumento nativo.

Con "Nightside", Grima ha creado un álbum que no solo honra el espíritu de la taiga siberiana, sino que muestra su capacidad para integrar a la perfección elementos del Folk de la zona con la ferocidad del Black, dando como resultado una obra interesante y bien elaborada, con buenos detalles de innovación instrumental.

7.5/10

Havukruunu - "Tavastland" (Melodic Black / Folk)

En los anales helados del Black finlandés, donde el sol no se atreve a quedarse y las melodías se forjan en el crisol de fuegos antiguos, el último opus de Havukruunu, "Tavastland", surge como un formidable testimonio de la vitalidad del género. Este cuarto álbum consolida la estatura de la banda como abanderados del Black pagano, entrelazando hábilmente la ferocidad cruda con un estilo distintivo, melódico y vigorizante, que refrenda lo que se presentía con su anterior trabajo "Uinuos Syömein Sota" (2020), un dechado de virtudes.

Desde su inicio, "Tavastland" envuelve al oyente en un paisaje sonoro que es a la vez expansivo e íntimo, que recuerda una travesía por vastos terrenos nórdicos mientras se está en sintonía con los susurros de los espíritus ancestrales. El tema de apertura marca el tono con un riff cataclísmico (un motivo que se repite a lo largo del álbum) y que da paso a melodías grandiosas y una percusión atronadora. Esta composición ejemplifica la destreza de Havukruunu para crear epopeyas que son tan emotivas como imponentes desde el punto de vista sonoro.

Una característica destacada de "Tavastland" es su magistral equilibrio entre la agresión y la melodía. En el disco se personifica este equilibrio, con blast beats implacables que apuntalan melodías de guitarra altísimas, cuya calidad es más que notable en este trabajo, quedándose con el protagonismo del disco. Esta síntesis de ferocidad y armonía no solo rinde homenaje a las raíces Black de la banda, sino que también muestra su evolución hacia un sonido más matizado.

La calidad de producción de "Tavastland" merece un elogio especial. El álbum cuenta con un sonido rico y envolvente, con instrumentación en capas y armonías vocales grandiosas que elevan la experiencia auditiva. La batería resuenan con una intensidad primaria, proporcionando una base sólida para el intrincado trabajo de guitarra y las voces evocadoras. Esta meticulosa atención a los detalles en la producción realza la atmósfera épica del álbum, envolviendo al oyente en un tapiz sonoro que es a la vez majestuoso y visceral.

Las influencias de Havukruunu son perceptibles pero ingeniosamente integradas, lo que permite que "Tavastland" se destaque como una entidad única dentro del panteón del Black. Si bien los paralelismos con Moonsorrow son evidentes, particularmente en la atmósfera del álbum y las sensibilidades melódicas, Havukruunu evita la mera imitación. En cambio, infunden estas inspiraciones con su propia visión creativa, lo que da como resultado un sonido que es a la vez familiar y refrescantemente original.

En el ámbito de los sitios de costumbre , "Tavastland" ha sido elogiado por su composición cohesiva y su madurez artística con justa razón. En resumen, "Tavastland" es un logro monumental que no solo refuerza la posición de Havukruunu dentro de la jerarquía del estilo, sino que también amplía sus límites, incorporando melodía poderosa e inspiradora y una calidad de grabación poco común. Todos -todos- los temas del trabajo tienen algo que ofrecer, riffs recordables y desarrollo a profundidad, especialmente destacados son Kouleman Oma, Unissakävijä, Havukruunu Ja Talvenvarjo y Tavastland, nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

Disco indispensable para 2025 y uno de los mejores de fechas recientes del género, de necesidad absoluta.

9/10. Nominado como Disco del Año.

Saor - "Amidst The Ruins" (Atmospheric Black / Folk)

Lo más reciente de Saor, "Amidst The Ruins", se erige como un testimonio monumental de la inquebrantable dedicación de Andy Marshall a sus raíces caledonias. El sexto álbum de estudio de este unipersonal invita a los oyentes a un viaje épico a través de las tierras altas cubiertas de niebla de Escocia, mezclando elementos feroces del Black con melodías Folk de una belleza inquietante.

El álbum comienza con la canción principal, Amidst The Ruins, una odisea de casi trece minutos que encapsula la esencia del sonido característico de Saor. Tambores trepidantes que dan paso a riffs con  un trémolo electrizante. A medida que avanza la canción, los instrumentos tradicionales como las flautas y las gaitas irlandesas se entrelazan con el tapiz sonoro, creando un paisaje que es a la vez feroz y melódico. Los minutos finales se intensifican con una enorme armonización de guitarras y cuerdas, que culmina en una demostración auditiva de orgullo y heroísmo escoceses.

Echoes Of The Ancient Land sigue, adoptando inmediatamente un enfoque de composición más punzante. La canción mezcla riffs predeciblemente rápidos y pasajes impredeciblemente técnicos, creando un aura de deambular por paisajes antiguos. La instrumentación Blackened Folk evoca paisajes sonoros que inspiran sentimientos de caminar por terrenos antiguos. El tema Glen Of Sorrow se destaca como un momento destacado conmovedor, que recupera la devastación, la pérdida y la traición sufridas en la Masacre de Glencoe, una de esas oportunidades en el siglo diecisiete en la que los humanos dejamos de serlo. La atmósfera envolvente de la canción transporta a los oyentes al corazón de las Highlands de Escocia, con sus majestuosos paisajes sonoros y melodías melancólicas. 

El disco toma un giro contemplativo con The Sylvan Embrace, una sentida y melancólica pieza Neofolk que incluye voces susurrantes, violonchelo y suaves guitarras acústicas. Esta pista sirve como un respiro bienvenido, ofreciendo un delicado contraste con sus empalagosas progresiones de acordes y dulces melodías. Rebirth cierra el álbum con una nota triunfal, forjando una armonización de guitarras y cuerdas con capas de voces cantadas limpiamente, siendo éste el tema que más me gusto. El cambio de tono vertiginoso en la sección intermedia es un momento conmovedor que hace terminar el álbum de manera espectacular.

Con "Amidst The Ruins", Saor ha creado un álbum que es a la vez un tributo a la rica historia de Escocia y un testimonio del poder perdurable del género. Es un viaje que vale la pena emprender, incluso si eso significa perderse un poco en el camino y algunos momentos baja la intensidad un poco demás desarrollados, pero en general el disco me ha parecido una de las cosas más destacadas del reciente año.

8/10. Buena portada.

Patriarkh - "Prophet Ilja" (Melodic Black / Folk)

"Prophet Ilja", el último trabajo de Patriarkh, anteriormente conocida como Batushka, quienes han experimentado una transformación que es a la vez un renacimiento y una reafirmación de su visión artística. Ya superada la etapa de la división que vino a dar con el cambio de nombre, pareciera que el camino por andar es prometedor.

El álbum conformado por ocho canciones, llamadas Wierszalin, numeradas de la I a la VIII; palabra que es el nombre de un profeta bielorruso o a sí me ha parecido entender, sumerge inmediatamente al oyente en un paisaje sonoro donde lo sagrado se entrelaza con lo profano. El uso de cantos litúrgicos tradicionales yuxtapuestos con riffs de guitarra Black y un toque de Folk marcan el tono para una experiencia que es tanto evocadora como sonoramente intensa.

La calidad de producción del álbum es notable. La intrincada superposición de arreglos corales y elementos orquestales crea un rico tapiz de sonido. Especialmente los temas más largos, III, VII y VIII, muestran esta complejidad, con melodías inquietantes que perduran. El vocalista ofrece una interpretación que es a la vez imponente y llena de matices. Sus guturales transmiten una sensación de seriedad, mientras que su voz limpia agrega una capa de vulnerabilidad, esto unido a unos coros que tienden a sonar eclesiales le dan mucho carácter al trabajo.

Musicalmente, Patriarkh sigue mezclando elementos del Black con la música litúrgica ortodoxa oriental que exploró en "Panihida" (2019) cuando se llamaban diferente. Esta fusión que se ha convertido en su estilo característico. Sin embargo, creo que en esta oportunidad la banda está llevando estos límites aún más lejos, incorporando estructuras progresivas y firmas de tiempo poco convencionales.

Si bien el álbum es un testimonio del crecimiento artístico de Patriarkh, no está exento de momentos de indulgencia. Algunas pistas serpentean hacia pasajes instrumentales extensos que, si bien son Atmosféricos, pueden poner a prueba la paciencia de los oyentes que buscan una gratificación más inmediata. En conclusión, "Prophet Ilja" es un trabajo audaz y ambicioso que mejora mi percepción de Patriarkh, especialmente por lo innovador de la grabación. Para comenzar el año está bastante bien.

7.5/10

Sólstafir - "Hin Helga Kvöl" (Post / Folk / Shoegaze)

"Hin Helga Kvöl" de Sólstafir es uno de esos discos que se siente como un fantasma no invitado: no estás muy seguro de si está aquí para atormentarte, inspirarte o simplemente hacerte tomar otra cerveza. Esta banda islandesa de Post tiene un don para crear álbumes que se perciben como folclore antiguo desenterrado de una tumba cubierta de musgo y salpicado con suficiente distorsión atmosférica para hacerte sentir como si hubieras marcado accidentalmente una estación de radio de una dimensión diferente. Pero este no es el típico cuento de fogatas amigables. La mezcla de Doom cinematográfico y Black, con infusión de Folk de Sólstafir es densa, a veces lo suficientemente densa como para hacerte preguntarte si simplemente no eres lo suficientemente sombrío como para entenderlos.

El álbum comienza con el tipo de paisaje sonoro envolvente que te hace sentir como si te hubiera recogido el viento en una oscura costa islandesa. Pero, como ocurre con muchos de los trabajos de Sólstafir, este no es tanto un sonido que te relaje y te haga vibrar, sino más bien una prueba de resistencia. Con cuarenta y ocho minutos de duración, "Hin Helga Kvol" tiene temas que se desarrollan como novelas, que exigen que te sientes, te abroches el cinturón y dejes que la narración te inunde, desafortunadamente ninguno me terminó de impactar. Y aunque el álbum rezuma cierta mística poética, hay una sensación inquebrantable de que podría haber sido diez minutos más corto sin perder mucho. Cada tema parece aferrarse al peso existencial del mundo, lo que da lugar a un disco que a menudo es más pesado que verdaderamente profundo.

Pero hay algo innegablemente encantador en la forma en que Sólstafir equilibra la crudeza cruda con una melodía inquietante. Su vocalista Aðalbjörn Tryggvason (así se escribe, pero dígame alguien como se pronuncia) es en parte poeta torturado, en parte chamán, canalizando un espíritu que suena a partes iguales exhausto y enfurecido. Su voz tiene el peso del antiguo folclore islandés, no importa si entiendes o no el islandés: las canciones te atraviesan como una guadaña y te deja mirando perplejo de lo que acabas de oir.

La producción aquí es otra mezcla de todo. Por un lado, captura el sonido central de la banda: neblina Shoegaze y estruendo Post a partes iguales. Pero, a veces, es difícil no sentir que todo es demasiado ruidoso, demasiado implacable. Hay una cualidad monótona en algunas de las pistas que, en lugar de ser hipnótica, termina sintiéndose como si estuvieras atrapado en un sonido que no termina. Cuando estás inmerso en ella, la retroalimentación ambiental y la reverberación sónica crean este paisaje inmersivo y salvaje que es a partes iguales fascinante y agotador. Pero tras varias escuchas, es fácil empezar a sentir que el sonido de Sólstafir en este disco tiene tanto que ver con la atmósfera como con la ocasional canción de relleno disfrazada de un viaje épico.

Cuando llegué al final de "Hin Helga Kvol", me quedé a la vez desconcertado y algo aliviado. Este no es un álbum fácil de digerir. Ni siquiera es particularmente divertido. Hubiera querido que me gustara más; desde "Svartir Sandar" (2011) y "Ótta" (2014), incluso todavía con "Berdreyminn" (2017) no hacen esa cosas geniales que los dieron a conocer fuera de su terruño.., mira que es difícil destacar cantando en ese idioma. Es verdad que Sólstafir tiene una manera única de convertir el terror existencial en un viaje sonoro que es a la vez miserable y extrañamente mágico, como si estuvieran aquí para recordarte la belleza de las cosas rotas, pero esta vez no vengas esperando un éxito: es más como mirar fijamente un hermoso acantilado islandés mientras te congelas: extraño y brutal... no se si vale la pena cada escalofrío.

6.5/10

Ensiferum - "Winter Storm" (Power / Folk)

Ensiferum se ha estado dando de bandazos en los últimos años, desde mi favorito "Unsung Heroes" (2012), comenzando a bajar con "One Man Army" (2015) -aunque manteniendo fuerza- hasta caer peligrosamente con "Two Paths" (2017) y recuperarse nuevamente con "Thalassic" (2020), los finlandeses han tenido momentos difíciles, pareciera que viene dado porque gente ha ido y venido, de hecho, componentes originales no queda ni uno, eso es bastante inusual.

Pero a estas bandas que resucitan le pasa como a los grandes clubes de futbol, o eso me parece a mi, tienen un ADN, un 'je ne sais quoi' que les permite retomar la senda y con "Winter Storm" logran atraer la atención a base de mezclar los ingredientes conocidos para presentar un disco plagado de coros, himnos y épica. Con este trabajo Ensiferum no viene a redescubrir el Folk o el Power, pero hacen lo que finalmente cautiva a los fanáticos, unas putas buenas canciones, sin necesidad de histrionismos o excesos... haz cuatro buenos temas, metes otros cuatro aceptables y experimenta con uno o dos, es una fórmula que hasta yo, que no tengo nada de músico, tengo clara.

"Winter Storm" es un disco para el seguidor de la banda, para que lo disfrute, para que lo acaricie y lo recuerde con cariño. Le falta la voz femenina que distinguió en el pasado a la banda y que -obviamente- no va a volver, aunque incluyan a la cantante Madeleine Liljestam (Nanowar Of Steel, Liv Sin, Confidential). En lo que a mi respecta este es un buen disco de Power Folk que distrae, gusta, está muy bien instrumentado, mejor grabado incluso y tiene sus momentos épicos y gloriosos que le permitirán mantener el legado.

Los temas que destacan son varios, Fatherland, From Order To Chaos y Victorious, pero especialmente Winter Storm Vigilantes, la cual es de esas a las que hay que ponerle una etiqueta de precaución porque crea adicción. El disco no es genial, lejos de eso tiene -como dije- su dosis generosa de formulismo lo que le quita puntos en el apartado de novedad, pero no deja de divertir. Visto lo que está sonando recientemente, quizás el último par de años, pienso que hay que bajar las expectativas de sorpresas y espectacularidad en favor de sectores más crudos, por aquí nos conformaremos con mera diversión.

"Winter Storm" viene a confirmar que Ensiferum sigue vivo y probablemente, incluso, le queden algunos años de buena fortuna, los cuales me gustaría seguir disfrutando en primera línea. Por otro lado, ya no espero de ellos malabarismos musicales, me conformo con que me brinden ganas de ponerme el kilt, la peluca rubia de trenzas y salir al campo de batalla medieval (con un suéter).

7.5/10. Portadaza

Wormwood - "The Star" (Melodic Black / Folk)

"The Star" de Wormwood es una interesante mezcla de Melodic Black (quizás hasta Ultra Melodic) y Folk Atmosférico, impregnada de misticismo y la oscuridad del norte de Europa. Esta banda sueca es conocida por ofrecer un sonido agresivo pero melódico y este disco continúa el legado del camino abierto con "Ghostlands - Wounds From A Bleeding Earth" (2017), Disco del Año del género de este sitio. Sin embargo "The Star" no necesariamente abre nuevos caminos para ellos, solo aprieta los tornillos de lo que ya hacen bien.

El álbum tiene torbellinos apocalípticos de riffs de trémolo y blast beats que establecen un tono sombrío. Un ritmo implacable se siente como un descenso al caos, pero no sin su propia belleza retorcida y cambios a pasajes lentos y meditativos que ayudan a apreciar la entrega. La yuxtaposición de growls y coros limpios, junto con líneas de guitarra melódicas, sigue siendo uno de sus puntos fuertes. Cometen el pecado de los coros de niños, pero digamos que no les queda tan mal, sin embargo no termino de entender la razón de hacer esto. Los riffs de "The Star" son fáciles de entender y a menudo dan paso a interludios melódicos que evocan una sensación de paisajes antiguos, indómitos y vastos.

Los temas A Distant Glow -lo mejor del disco y uno de los mejores del año-, Liminal y Ro, son lo más destacado del trabajo, introducen influencias Folk a través de pasajes de guitarra acústica y atmósferas sombrías, brindando un respiro del material más pesado. Estos momentos se sienten casi cinematográficos, como la banda sonora de alguna saga vikinga. Wormwood no rehúye de la grandiosidad, y si bien más que ocasionalmente pisa la línea de la autocomplacencia, el ritmo general del álbum evita que se vuelva demasiado inflado.

Vocalmente, la entrega se adapta al estado de ánimo, pero no se destaca mucho del mar de actos de Black que ofrecen un sonido similar. Las letras se inclinan hacia temas de muerte, destrucción y sabiduría esotérica, lo cual es normal en este género, pero parecen más poéticas que sermoneadoras, un cambio bienvenido que a menudo también plaga álbumes similares.

Donde "The Star" realmente brilla es en su producción. El sonido es nítido, con cada instrumento perfectamente equilibrado. La mezcla fría, casi clínica, funciona a favor del álbum, permitiendo al oyente perderse en las complejidades de los arreglos sin sentirse abrumado por el sonido del conjunto. Al final, "The Star" es una incorporación sólida, aunque no innovadora, a la discografía de Wormwood. Honesto buen disco que si no se le escucha demasiado seguido mejora su percepción porque es demasiado melódico y empalaga, pero destaca en 2024.

7.5/10

Sacred Outcry - "Towers Of Gold" (Power / Progressive / Folk)

Siempre me ha parecido interesante, incluso divertido, observar las diferencias entre el Power europeo y el americano. Para el oidor distraído puede sonar similar, nada realmente diferente, pero cuando se pone un poco de cuidado en lo que ocurre en cada lado de las orillas, se encuentra que si hay notorias diferencias, quizás dentro de las que más resaltan está el diferente acercamiento a la melodía, siendo en Europa mucho más meloso que en el otro lado y también el nivel de refinamiento, en América (del Norte, me refiero) el aproach es más frontal, menos técnico, pero no menos interesante por eso. Aún así, a veces todo se revuelve y enreda, como en el caso de Sacred Outcry quienes a pesar de ser griegos, hacen justamente lo contrario a lo esperado... veamos.

"Towers Of Gold", segundo -y crítico- disco de la banda me ha tenido fascinado con esa forma de hacer Power, con toques Heavy, Prog y Folk, pero a la americana, cero abuso de teclados, menos melódico pero muy épico y sobretodo con ese deje melancólico de su sonido, que sin llegar a ser Doom o Gotico, ni mucho menos, se siente a lo largo de todo el trabajo. No esperen conseguir aquí esa visión Happy o ultra Melodic que tanto se hace de Portugal hasta Turquía, no, este es un disco que va a hacer voltear a quienes se esperen eso, se van a conseguir con algo raro, Power con sentimiento.

No se vayan a creer que tampoco me refiero a "Tower Of Gold" como algo que va a deprimir o aburrir, no señor, este disco es una de esas oportunidades de pasarla bien, con el estilo que más fácilmente se vende al gran público metalero menos agresor, pero con cosas que transmitir que van más allá de hooks y riffs fáciles. Lo que unido a la incorporación de elementos Folk y las suficientes variaciones como para permitir a Sacred Outcry ser considerados Progresivos -un poquito, tampoco mucho-.

Obviamente depende del estado de ánimo de cada quien, pero a veces, como me ha ocurrido recientemente, este tipo de Power me ha comprado, tanto que me parece uno de los mejores trabajos del año en el género, con temas que destacan mucho como The Flame Rekindled (Lurid Lights and Drunken Revelry) y Towers of Gold (Tempus Edax Rerum), aunque el resto de los ocho temas que componen el trabajo (y dos interludios) valen la pena y hablan bien de la calidad del cuarteto, pudiéndose encontrarles influencias tomadas de gente como Lost Horizon, Virgin Steele y quizás hasta Blind Guardian... ese es el nivel.

Lo conceptual de "Towers Of Gold" le agrega un plus a la experiencia, narrando una historia -como no- de reyes, reinos y enfrentamientos épicos, un poco más de mundo realista que fantasia tolkiniana (¿existirá esa palabra?). En todo caso, no quiero que pase debajo del radar de los seguidores específicos esta entrega y porque la banda tiene muchos años de formada pero no es muy prolífica, se vale el tiempo invertido en Sacred Outcry, no sea que no los veamos nuevamente.

8/10