El Lado Oscuro Metal Critica

Heavy Symphonic Death Black Power Folk Progressive Viking Epic Gothic Folk Melodic Neoclassic Stoner Technical NWOBHM Melodeath Speed Avant-Garde Thrash Psychodelic Brutal Post Art Atmospheric Extreme Gothic Doom... críticas, comentarios y reviews en español ... pero sólo a veces

Mostrando entradas con la etiqueta El Lado Oscuro Metal Critica. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta El Lado Oscuro Metal Critica. Mostrar todas las entradas

martes, 25 de marzo de 2025

Cradle Of Filth - "The Screaming Of The Valkyries" (Symphonic / Gothic / Black)

La acostumbrada introducción donde uno dice algo interesante es una especie de lugar común, se le da la vuelta a algo que no tiene relación y como por arte de magia se cae en el disco (ahí es donde el comentarista se gana su sueldo)... en el caso de Cradle Of Filth es como caerle a martillazos a una galleta, es demasiado fácil, la banda -Dani Filth, en puridad- es un gusto adquirido, te gusta, lo odias, lo escuchas, no lo soportas, casi cualquier cosa que digas podría ser cierto. El espectro de opciones con este veterano de treinta y cinco años de vida artística es enorme y nada como un nuevo disco suyo para inspirarse, hablemos de "The Screaming Of The Valkyries"

Debo comenzar diciendo que sus últimos discos no me impactaron, "Cryptoriana - The Seductivness Of Decay" (2017) abiertamente no me gustó y  "Hammer Of The Witches" (2015) pasó aprobado por no mucho, creo que ni escuché su anterior "Existence Is Futile" (2021) y no me he resentido por esa decisión, pero ahora con "The Screaming Of The Valkyries" he sentido renovadas ganas de pasearme por él, porque por el murmullo mediático pareciera que puede haber sorpresas. Y efectivamente las hay...

Desde el primer tema del trabajo, el disco marca la pauta con una celebración del hedonismo desenfrenado. Dani Filth, lo describe como un tributo a vivir sin las restricciones de las normas sociales, disfrutando de los placeres de la vida tal como lo dispuso la naturaleza. 

En lo que a algunos temas respecta, Demagoguery muestra la característica voz gutural de Dani en medio de una vorágine de caos, recordando a los oyentes por qué Cradle Of Filth ha sido venerado y vilipendiado a la vez durante décadas. El tema es un asalto implacable a los sentidos, que combina riffs de sierra con gritos operísticos, característicos de la banda. La canción más destacada del disco es Non Omnis Moriar (en latín, no todo de mí morirá), que entrelaza hilos folk en un tapiz Black. Este tema ejemplifica la capacidad de la banda para fusionar lo antiguo con lo nuevo, creando un sonido atemporal y contemporáneo, con un riff francamente genial y unos coros emocionantes, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC

White Hellebore destaca como una composición siniestra pero seductora, con letras que ahondan en la naturaleza agridulce de la existencia. El video musical que acompaña al álbum, por si no lo han visto, esta repleto de horror gótico, presenta a una joven estrella de cine que sobrevive a la tumba a través de oscuras fuerzas ocultas, añadiendo un festín visual a la experiencia auditiva. Abajo lo pueden ver.

"The Screaming of the Valkyries" es un testimonio de la resiliencia y adaptabilidad de Cradle of Filth, con un sonido que, manteniéndose fiel a su historia, muestra unas buenas canciones, cosa que siempre es de agradecer. A pesar de los cambios en la formación, incluyendo la incorporación del guitarrista Donny Burbage y la teclista/vocalista Zoe Marie Federoff, la banda ha creado un álbum que se siente fresco y familiar. Es una combinación de grandilocuencia extremista, atmósfera poco convencional y gritos operísticos que sigue definiendo su estilo único de Metal. Por una vez, para mi, Cradle Of Filth se ocupó más del fondo que de la forma, bien por ellos.

8/10


jueves, 20 de marzo de 2025

Grima - "Nightside" (Atmospheric Black / Folk)

"Nightside", el sexto álbum de estudio del dúo siberiano de Black Atmosférico, Grima, es un testimonio de la evolución de la banda y su profunda conexión con la mística de la naturaleza salvaje de su zona. Compuesta por los hermanos gemelos Vilhelm y Morbius (se llaman realmente Max y Gleb Sysoev), Grima entrelaza constantemente temas de la naturaleza y antiguos espíritus del bosque en su música y "Nightside" no es la excepción.

El álbum abre con Intro (Cult), una serena pieza instrumental que establece un tono melancólico a través de melodías limpias de guitarra y los sonidos evocadores del bayán, un acordeón cromático ruso. Esta introducción da paso a Beyond the Dark Horizon, donde la áspera voz de Vilhelm se abre paso a través de una densa gama de riffs melódicos de guitarra y una batería dinámica. El tema demuestra la habilidad de Grima para combinar elementos tradicionales con el Black, creando una experiencia auditiva inmersiva.

Flight of the Silver Storm comienza con acordes majestuosos, generando expectación antes de lanzarse a una embestida. La estructura de la canción refleja la habilidad de la banda para equilibrar la agresividad con la melodía, a medida que los blasbeats y los riffs con trémolo se entrelazan con sintetizadores y el distintivo bayán. 

Los mejores temas del trabajo son The Nightside, una delicadeza que voy dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC y Where We Are Lost. Estos temas resaltan la destreza compositiva de Grima: la primera ofrece una amenazante pared sonora que transporta a los oyentes a los fríos paisajes de Siberia, junto con un trabajo instrumental preciosista, mientras que la segunda es un emocionante ataque de riffs, cautivador e intenso.

A lo largo de sus contenidos cincuenta minutos de duración (para lo que se acostumbra en el género), "Nightside" se mantiene inmersivo, con Grima asegurándose de que cada tema contribuya a la atmósfera general del álbum. La inclusión de instrumentos folclóricos, junto con sintetizadores, voces cantadas y guitarras acústicas, añade capas de complejidad y enriquece la experiencia auditiva, aunque no siempre sea tan fácil de digerir el instrumento nativo.

Con "Nightside", Grima ha creado un álbum que no solo honra el espíritu de la taiga siberiana, sino que muestra su capacidad para integrar a la perfección elementos del Folk de la zona con la ferocidad del Black, dando como resultado una obra interesante y bien elaborada, con buenos detalles de innovación instrumental.

7.5/10


martes, 18 de marzo de 2025

Warbringer - "Wrath And Ruin" (Modern Thrash)

Si alguna vez te has preguntado qué se siente al ser apaleado por una guitarra en lugar de un martillo, el último álbum de Warbringer, "Wrath And Ruin", ofrece una aproximación bastante cercana. Este disco consolida la reputación del quinteto californiano como titanes del Thrash moderno, ofreciendo un asalto sónico implacable y emocionante. 

En una breve lección de historia, esta gente viene de Ventura, California y ha sido una fuerza formidable en el resurgimiento del género desde principios de la década del 2000. Sus álbumes anteriores, en especial "Woe To The Vanquished" (2017) y "Weapons Of Tomorrow" (2020), mostraron su evolución, desde unos disco solo decentes al comienzo hasta verdaderos creadores de riffs demoledores y solos fulminantes en los más recientes.

El álbum abre con una fanfarria casi al estilo de Manowar, preparando el terreno para una cruzada de riffs. La primera canción transiciona fluidamente entre ritmos galopantes y riffs a medio ritmo, mientras el vocalista John Kevill ofrece sus característicos gritos desenfrenados. Luego A Better World entrega un riff melódico con tintes Death, muy interesante.

La canción Neuromancer se sumerge en temas distópicos, esta canción se mueve de forma tranquila y constante, The Jackhammer, fiel a su nombre, es un aluvión implacable de riffs rápidos y ritmos de batería febriles, que garantizan un frenesí salvaje. Through A Glass, Darkly, inspirada en el general de la Segunda Guerra Mundial, George Patton, opta por un enfoque más contemplativo y melódico, con tonos dramáticos. Strike From The Sky surge con un impulso imparable, con riffs adictivos y explosiones vocales frenéticas que inyectan una repentina descarga de adrenalina. Cierran Cage Of Air, con blastbeats aplastantes alta lírica, siendo The Last Of My Kind, un final poderoso, este tema está armado con gritos de desafío y una voluntad inquebrantable de defender lo que es justo... o así me parece a mí.

"Wrath And Ruin" es un testimonio de la capacidad de Warbringer para evolucionar ellos como banda y el género al que se le acusa de haberse estancado, todo sin perder la ferocidad que los define (a ambos). Es un álbum que invita a hacer un mosh mientras se reflexiona sobre las complejidades de la vida moderna: una combinación rara y estimulante. La incorporación de elementos Black, Melodeath y Heavy hacen del disco un rato entretenido que bien merece la pena. Este puede ser el mejor trabajo de la banda a la fecha, lo que ya es decir.

8/10


viernes, 14 de marzo de 2025

Whitechapel - "Hymns in Dissonance" (Deathcore)

En el gran escenario de la evolución del Metal, pocas bandas han tejido un patrón tan intrincado como Whitechapel. Con su último lanzamiento, "Hymns in Dissonance", revisitan sus raíces brutales y elaboran su nuevo trabajo con la delicadeza de artesanos que han pasado casi dos décadas perfeccionando su arte. Es como si nos invitaran a un sermón de alto voltaje donde los himnos tratan menos sobre la salvación y más sobre la aceptación del abismo caótico y hermoso. Para mi, un viaje al pasado, con explosivos modernos.

¿Recuerdan aquellos días en que la música de Whitechapel se sentía como si la hubieran apaleado con un martillo? "Hymns in Dissonance" recupera esa sensación, temas como Prisoner 666 y el homónimo Hymns in Dissonance evocan la ferocidad de sus primeros trabajos, con riffs implacables y voces guturales que podrían invocar a uno o dos demonios. Es una experiencia nostálgica y refrescante. Pero se deje engañar por la brutalidad; hay un método en esta locura. 

El álbum se estructura ingeniosamente en torno a los siete pecados capitales, y cada canción, desde Diabolic Slumber hasta Nothing Is Coming for Any of Us, encarna un vicio específico. Este enfoque temático añade una capa de profundidad, convirtiendo la experiencia auditiva no solo en un ejercicio para los músculos del cuello, sino también en un festín para la corteza cerebral. Es como asistir a una clase de filosofía, pero ensangrentado.

El asalto de tres guitarras de Ben Savage, Alex Wade y Zach Householder es una lección de caos controlado. Sus riffs atraviesan la mezcla con precisión, mientras que la sección rítmica —Gabe Crisp al bajo y Brandon Zackey a la batería— proporciona una base sólida. La voz de Phil Bozeman es la guinda del pastel, oscilando entre guturales demoníacos y melodías inquietantes.

Para mi el punto culminante del disco son los temas de cerrar, Mammoth God y la mencionada Nothing Is Coming For Any Of Us, las cuales tienen de todo, melodía, agresión, introspección instrumental... hacía tiempo que no me sentía tan movido por un par de canciones de este estilo con tal calidad y profundidad. Obvias candidatas a Canción del Año de ELOMC y así quedan nominadas.

"Hymns in Dissonance" es un regreso fuerte para Whitechapel, que combina la agresividad desenfrenada de sus primeros años con la sofisticada composición que han desarrollado con el tiempo y aunque no todos los temas mantengan la perfección, el álbum no solo te invita a escucharlo, exige tu atención completa. Tanto si eres un fan de toda la vida como si eres un recién llegado con curiosidad por el lado más oscuro del espectro musical, este disco ofrece una experiencia profundamente emocionante.

8/10


martes, 11 de marzo de 2025

Sarcator - "Swarming Angels & Flies" (Blackened Thrash / Death)

El tercer álbum de estudio de Sarcator, "Swarming Angels & Flies" muestra la evolución del cuarteto sueco en la escena del Blackened Thrash, inspirándose en grupos seminales como Kreator, Sodom y Morbid Angel, la banda ofrece una experiencia fresca pero nostálgica que rinde homenaje a las raíces del género al tiempo que afirma su identidad única.

El álbum comienza con Burning Choir, una pista explosiva que sumerge inmediatamente a los oyentes en una vorágine de riffs agresivos y percusión implacable. La energía es palpable, con la voz gutural de Mateo Tervonen canalizando la intensidad cruda característica del Thrash de mediados de los 80s. Este tema de apertura establece un estándar alto, combinando la ferocidad de la vieja escuela con la claridad de la producción moderna.

Comet Of End Times continúa con un trabajo de guitarra vertiginoso y cambios de ritmo dinámicos. Los intrincados arreglos de la canción demuestran la madurez compositiva de la banda, tejiendo melodías clásicas de Metal con matices ennegrecidos. La interpretación vocal es a la vez amenazante y vigorizante. Luego la canción homónima se destaca como un testimonio de la destreza de Sarcator para crear coros en medio del caos. El ritmo implacable de la canción y los solos vertiginosos recuerdan al Death temprano, pero el estilo distintivo de la banda garantiza que no se sienta derivado. Esta fusión de estilos da como resultado una canción que es a la vez castigadora y estimulante.

El siguiente tema, The Deep Ends ofrece un respiro de medio tiempo sin sacrificar la intensidad. Sus riffs y melodías inquietantes evocan una sensación de fatalidad inminente, mostrando la capacidad de la banda para diversificar su sonido manteniendo la cohesión. La influencia del Heavy tradicional es evidente aquí, añadiendo profundidad a la paleta sonora del álbum. Para mí es el mejor tema del disco, sin duda.

El resto del trabajo se aventura en territorios a veces un tanto Prog, con estructuras complejas y pasajes atmosféricos que desafían las convenciones del género; le alabo la voluntad de Sarcator de experimentar, pero no estoy seguro que haya quedado todo lo bien que ellos esperaban, especialmente Where The Voids Begins se me hizo rara -buena considerada individualmente, pero no era este el disco donde pienso que de debía estar-.

"Swarming Angels & Flies" es un testimonio del crecimiento de Sarcator como músicos y su dedicación al oficio. El álbum combina influencias del Thrash, el Black, Heavy y Death, lo que da como resultado un sonido innovador. La calidad de la producción mejora la experiencia auditiva, capturando la energía cruda de la interpretación de la banda sin sacrificar la claridad. En un género en el que es fácil caer en lugares comunes, Sarcator logra mantener las cosas frescas y atractivas.

7.5/10


jueves, 6 de marzo de 2025

Havukruunu - "Tavastland" (Melodic Black / Folk)

En los anales helados del Black finlandés, donde el sol no se atreve a quedarse y las melodías se forjan en el crisol de fuegos antiguos, el último opus de Havukruunu, "Tavastland", surge como un formidable testimonio de la vitalidad del género. Este cuarto álbum consolida la estatura de la banda como abanderados del Black pagano, entrelazando hábilmente la ferocidad cruda con un estilo distintivo, melódico y vigorizante, que refrenda lo que se presentía con su anterior trabajo "Uinuos Syömein Sota" (2020), un dechado de virtudes.

Desde su inicio, "Tavastland" envuelve al oyente en un paisaje sonoro que es a la vez expansivo e íntimo, que recuerda una travesía por vastos terrenos nórdicos mientras se está en sintonía con los susurros de los espíritus ancestrales. El tema de apertura marca el tono con un riff cataclísmico (un motivo que se repite a lo largo del álbum) y que da paso a melodías grandiosas y una percusión atronadora. Esta composición ejemplifica la destreza de Havukruunu para crear epopeyas que son tan emotivas como imponentes desde el punto de vista sonoro.

Una característica destacada de "Tavastland" es su magistral equilibrio entre la agresión y la melodía. En el disco se personifica este equilibrio, con blast beats implacables que apuntalan melodías de guitarra altísimas, cuya calidad es más que notable en este trabajo, quedándose con el protagonismo del disco. Esta síntesis de ferocidad y armonía no solo rinde homenaje a las raíces Black de la banda, sino que también muestra su evolución hacia un sonido más matizado.

La calidad de producción de "Tavastland" merece un elogio especial. El álbum cuenta con un sonido rico y envolvente, con instrumentación en capas y armonías vocales grandiosas que elevan la experiencia auditiva. La batería resuenan con una intensidad primaria, proporcionando una base sólida para el intrincado trabajo de guitarra y las voces evocadoras. Esta meticulosa atención a los detalles en la producción realza la atmósfera épica del álbum, envolviendo al oyente en un tapiz sonoro que es a la vez majestuoso y visceral.

Las influencias de Havukruunu son perceptibles pero ingeniosamente integradas, lo que permite que "Tavastland" se destaque como una entidad única dentro del panteón del Black. Si bien los paralelismos con Moonsorrow son evidentes, particularmente en la atmósfera del álbum y las sensibilidades melódicas, Havukruunu evita la mera imitación. En cambio, infunden estas inspiraciones con su propia visión creativa, lo que da como resultado un sonido que es a la vez familiar y refrescantemente original.

En el ámbito de los sitios de costumbre , "Tavastland" ha sido elogiado por su composición cohesiva y su madurez artística con justa razón. En resumen, "Tavastland" es un logro monumental que no solo refuerza la posición de Havukruunu dentro de la jerarquía del estilo, sino que también amplía sus límites, incorporando melodía poderosa e inspiradora y una calidad de grabación poco común. Todos -todos- los temas del trabajo tienen algo que ofrecer, riffs recordables y desarrollo a profundidad, especialmente destacados son Kouleman Oma, Unissakävijä, Havukruunu Ja Talvenvarjo y Tavastlandnominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

Disco indispensable para 2025 y uno de los mejores de fechas recientes del género, de necesidad absoluta.

9/10. Nominado como Disco del Año.


lunes, 3 de marzo de 2025

Avantasia - "Here Be Dragons" (Power / Hard Rock)

Embarcarse en la última obra de Avantasia, "Here Be Dragons", es como zarpar en un viaje fantástico donde el Metal se encuentra con el mito. Tobias Sammet, el carismático capitán de este barco sinfónico, vuelve a reunir a una tripulación de vocalistas legendarios para navegar por los tumultuosos mares del Power. Pero, ¿esta expedición infestada de dragones se elevará a nuevas alturas o se tambaleará en aguas familiares?

El viaje comienza con Creepshow, -la mejor del disco- una canción que atrae a los oyentes con sus pegadizos estribillos y su estilo teatral. La brevedad de la canción y su sensibilidad cuasi-Pop la convierten en un punto de entrada accesible, aunque algunos pueden añorar las composiciones más intrincadas de antaño. La canción homónima, Here Be Dragons, se despliega como una epopeya de ocho minutos con la inconfundible voz de Geoff Tate. Esta canción es un viaje laberíntico a través de melodías cambiantes y arreglos bien ejecutados que muestra la inclinación de Avantasia por contar historias. La contribución de Tate agrega una capa de misticismo, recordándonos por qué sigue siendo una figura venerada en el mundo del Metal.

The Moorlands at Twilight ve a Michael Kiske prestando su voz imponente a una canción que galopa con la urgencia de un caballero que llega tarde a un torneo de justas. Es Power en su forma más emocionante, con Kiske y Sammet intercambiando líneas como espadachines en duelo, aunque el líder de Avantasia no muestra su potencia de antaño, ni llega a los gritos que lo han destacado, sigue haciendo buen papel.

Tommy Karevik se convierte en el centro de atención en The Witch, una canción que teje un tapiz oscuro con tintes electro. La entrega emotiva de Karevik aporta profundidad a la narrativa, lo que hace de esta canción quizás el segundo momento más destacado en el álbum. Ronnie Atkins inyecta una dosis de energía cruda en Phantasmagoria, una canción que avanza a toda velocidad con un impulso implacable pero su songwriting no me terminó de convencer.

Bring On the Night reúne a Sammet con Bob Catley, lo que da como resultado una canción que exuda un aura de Rock clásico y que me atrajo bastante. La voz experimentada de Catley se combina a la perfección con el coro himno de la canción, evocando una sensación de nostalgia sin dejar de sentirse fresca. La aparición de Adrienne Cowan en Avalon introduce un toque vívido de color, su excelente voz combina bien con la de Sammet. 

Kenny Leckremo aporta sus tonos distintivos a la canción más épica del álbum, Against the Wind, con una interpretación dinámica y memorable. El álbum culmina con quizás lo más esperado, a Roy Khan con Everybody's Here Until the End, esta canción de cierre es un momento de emoción pausada, con la voz emotiva de Khan bajando el telón con gracia en este viaje musical.

Sin embargo, no todo es un camino de rosas en este viaje. La voz de Sammet a veces suena forzada, particularmente en notas más altas, lo que puede distraer a los oyentes más exigentes y el songwriting aunque bueno, no alcanza las cotas altas de discos recientes, tipo "A Paranormal Evening With The Moonflower Society" (2022) o "Moonglow" (2019)... lejos quedaron las genialidades de sus "Metal Operas"Además, la mezcla ecléctica de estilos del álbum, si bien muestra la versatilidad de Avantasia, puede dejar a algunos con ganas de una experiencia sonora más cohesiva.

En conclusión, "Here Be Dragons" es un testimonio de la capacidad duradera de Avantasia para crear narrativas musicales y reunir a algunos de los mejores cantantes del género, pero no termina de convencerme tanto como algunos de sus mejores trabajos. Buen disco, pero con limitaciones.

7/10


viernes, 28 de febrero de 2025

Retromorphosis - "Psalmus Mortis" (Technical Death)

En el escenario del Death Técnico, donde la complejidad a menudo eclipsa al alma, el álbum debut de Retromorphosis, "Psalmus Mortis", avanza a paso firme sobre el escenario como un maestro de orquesta con una motosierra: preciso, brutal e inesperadamente ingenioso. Este conjunto, que incluye cuatro quintas partes de la legendaria banda Spawn of Possession, resucita la esencia de su antigua gloria al tiempo que inyecta una vitalidad fresca, aunque macabra, al género.

Desde los inquietantes acordes iniciales del intro Obscure Exordium, es evidente que Retromorphosis no llegó simplemente para repetir viejos riffs. Este preludio instrumental establece un tono inquietante, mezclando tonos de órgano fantasmales con cuerdas que generan tensión, como si invocaran horrores sobrenaturales desde el abismo. Luego viene Vanished, una con una andanada de riffs cargados de groove y precisión quirúrgica. Los solos de Christian Muenzner chillan como espíritus torturados, mientras que el bajo de Erlend Caspersen se desliza por debajo, agregando un tono siniestro. La voz de Dennis Röndum es cavernosa y dominante, pero sorprendentemente inteligible, evocando una atmósfera cargada de terror que encaja perfectamente con los temas del álbum de decadencia y transformación. 

Aunt Christie's Will se destaca como una obra maestra narrativa, tejiendo una historia siniestra sobre riffs agitados y excéntricos. La influencia de las bandas sonoras de terror clásicas es inconfundible, con espeluznantes florituras de sintetizador que realzan la narrativa inquietante de la canción. Es como escuchar una adaptación de una historia de Edgar Allan Poe: oscura, retorcida y absolutamente absorbente.

Sin embargo, no todo es perfecto en esta casa de los horrores. Algunos críticos han señalado que, si bien el álbum apunta a una producción cruda y de la vieja escuela, ciertos elementos como los coros góticos en temas como Obscure Exordium y Retromorphosis se sienten un poco anticuados. Es una objeción razonable, similar a encontrar una telaraña fuera de lugar.

La canción principal, Retromorphosis, sirve como una pieza central temática y sonora, que encapsula la capacidad de la banda para fusionar la destreza técnica con la profundidad atmosférica. La canción gira y se retuerce a través de firmas de tiempo complejas y cambios de tempo, todo ello manteniendo una experiencia cohesiva e inmersiva. Nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

En conclusión, "Psalmus Mortis" de Retromorphosis es un formidable debut -de gente que no está debutando- en el canon Tech Death, que combina una musicalidad virtuosa con un sentido palpable de atmósfera y profundidad narrativa. Es un álbum que no solo desafía la apreciación técnica del oyente, sino también su capacidad para contar historias oscuras y retorcidas... increíble como hay belleza en la oscuridad.

8/10


martes, 25 de febrero de 2025

Dynazty - "Game Of Faces" (Power / Electronic)

Si se pudiera morir de alegría, este disco te mataría en quince minutos, la gente de Dynazty, quien tiene en su haber algunos de los mejores discos que he escuchado en el Power, como fue "Renatus" (2014), vuelve a las andadas tras tres años de espera con "Game Of Faces", un disco que confirma su variación de estilo hacia zonas más Electronica e incluso de toques Industrial, aunque manteniendo la base Power que los ha distinguido... pero ¿Puede tanta felicidad completar un disco redondo?... iremos viendo.

A ver, "Game of Faces" ¿Por dónde empiezo? Si alguna vez te has preguntado cómo se siente estar atrapado en un ascensor con un sintetizador y un vocalista que acaba de descubrir el autotune, este álbum es tu respuesta. Es como si la banda se propusiera crear el equivalente musical de una crisis de la mediana edad, con pantalones de cuero y pirotecnia innecesaria. Por una vez me he sentido abrumado por la cantidad de clichés que Dynazty ha reunido en un solo disco, es demasiado, de tanto tratar creo que se pasaron dos pueblos.

Desde la primera canción, Call of the Night, te recibe una pared de teclados mientras las guitarras intentan hacer su aparición, pero se ahogan rápidamente. La canción homónima, Game of Faces, continúa este asalto auditivo con un ritmo que solo podría describirse como palpitante, sus letras profundizan en temas de autodescubrimiento y renacimiento, lo cual es irónico considerando que la música parece haber sido resucitada del cementerio de los clichés olvidados del Glam. En Devilry of Ecstasy es donde la banda intenta ser atrevida, la canción cuenta con melodías enormes pero nuevamente me produjeron risa en vez de gusto, es sencillamente excesivo, caricaturesco. Aunque la mayoría de los coros del disco son pegadizos, lo admito, el concepto 'over the top' que la banda maneja me pareció sobrecogedor.

El disco no es malo, pero es demasiado fresita, mucho con demasiado, un banana-split musical (busquen los más jóvenes que plato es ese), hecho para novatos del Metal y sus novias no metaleras, y desafortunadamente la voz de Nils Molin requiere ayuda de la tecnología. La masterización hace que las guitarras estén tapadas por el omnipresente teclado, el cual es excesivo desde todo punto de vista y aunque en algunos temas los coros se hacen gustosos, el songwriting es genérico.

En resumen, "Game of Faces" es un álbum que intenta serlo todo y termina siendo poco, está destinado para gente que odia el mínimo nivel de agresión y prefiere el exceso melódico sin pudor. Lastimosamente este disco es mezcolanza de temas sobreproducidos que carecen de verdadera alma, originalidad y cualquier atisbo de cohesión... joder, si un tema como Dream Of Spring no te produce cierto cringe, este es tu disco. Para cualquier otro que necesite algo más de intensidad y arte, hazte un favor y busca en otra parte. 

5.5/10


sábado, 22 de febrero de 2025

Phrenelith - "Ashen Womb" (Death / Doom)

¡Ah, el Death! Un género en el que los riffs son subterráneos, las voces suenan como una deidad del terror haciendo gárgaras con alquitrán y la atmósfera es tan opresiva que hace que el derrumbe de una cueva parezca una brisa. Aquí entra "Ashen Womb", el tercer trabajo de los daneses Phrenelith, un álbum que no solo adopta estas cualidades, sino que desciende a un abismo, cava más profundo y supura.

Desde el intro y la canción de apertura, Phrenelith marca el tono con guitarras turbias y empapadas de reverberación y gruñidos cavernosos que suenan menos como una voz humana y más como algo gimiendo. Recuerdo haber oído su debut "Desolate Endscape" (2017) pero no tuve tiempo de escribir sobre él, ahora no se me escapa la oportunidad de referirles el sonido de cripta de la banda en el que las cosas miserables que hay en su interior se abren camino hacia la superficie.

Los riffs del disco se filtran, moviéndose con una sensación de pavor y pesadez interesante. Hay momentos de desesperación, como en el tema A Husk Wrung Dry, donde el ritmo se ralentiza como una bestia que se niega a morir. Phrenelith  es una banda que domina el arte del ritmo, equilibrando asaltos de trémolo con pasajes espeluznantes del mundo Doom y en este trabajo se percibe esa cualidad claramente.

La producción es cavernosa pero nunca turbia: hay una niebla espesa y siniestra alrededor de todo, pero la mezcla aún permite que los riffs atraviesen la pared de sonido. El ataque de cuerdas es particularmente notable, tejiendo entre acordes gruesos y melodías inquietantes y disonantes, gran calidad instrumental de este cuarteto en el que no hace falta excederse en la exhibición técnica para hacer un buen disco.

Vocalmente, Simon Daniel y David Torturdød hacen de Phreneith un abismo de guturales. Los growls suenan como una bestia que brama desde las profundidades y cuando las voces más profundas, casi como un canto, se superponen, es genuinamente inquietante. Hay una cualidad ritualista en la forma en que las voces interactúan con la música: no es solo brutalidad, es invocación.

En poco más de treinta y nueve minutos "Ashen Womb" no se extiende demasiado, te arrastra a su abismo y te deja pudrirte lo suficiente como para no agotar. No hay relleno, solo Death puro e implacable, ejecutado con una sensación de horror Doom. Siento que este disco muestra el sonido del género bien hecho: primario, sofocante y lleno de terror sobrenatural, este es un trabajo que se debe escuchar. Otros temas destacados son Nebulae, Chrysopoeia y Ashen Womb.

8/10


lunes, 17 de febrero de 2025

Majestica - "Power Train" (Symphonic Power)

Todos a bordo de "Power Train", donde Majestica diseña un viaje de Power Sinfónico tan emocionante como una montaña rusa y tan grandioso como la guarida de un dragón, con exactamente las mismas herramientas que el resto de bandas similares, pero digamos que con algo más de buen gusto que lo usual. Este álbum marca un regreso para los suecos, quienes tenían cinco años de parón, mezclando sus característicos riffs de alta velocidad con esplendor orquestal. 

Desde el momento en que la canción que da título al álbum sale de la estación, los oyentes se ven inmersos en un torbellino de voces altísimas y solos de guitarra ultrarrápidos. Tommy Johansson (a.k.a. ReinXeed), el líder de la banda y ex guitarrista de Sabaton, muestra su talento multifacético, entregando una voz que podría hacer sonrojar a una valquiria y manejando su guitarra con la delicadeza de un guerrero experimentado. La canción marca el tono, prometiendo un álbum lleno de composiciones rápidas, extremas, melódicas y... rápidas.

No Pain, No Gain sigue, levantando un poco el acelerador, con intros y coros cargados de sintetizadores que se clavan en tu cerebro como una flecha bien apuntada, siendo ésta la mejor del disco desde mi perspectiva. No dudarán que el ritmo de la canción es contagioso, obligando incluso al oyente más estoico a seguirla, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

A medida que avanza el viaje, el disco suena un poco más estándar, con los elementos básico de los shows en vivo que creo tienen en ciernes. Sus introducciones vocales grupales y sus llamados a las armas evocan imágenes de batallas épicas en costas lejanas. La energía es palpable y uno casi puede escuchar a la multitud cantando al unísono.

Un momento destacado del álbum es My Epic Dragon, una canción que ha estado filtrándose en el repertorio de la banda durante años. Esta canción está bastante bien y combina potencia sinfónica  con arreglos orquestales y la ridícula lírica del Euro Power -no se puede hacer nada contra eso-. Es un tapiz sonoro que transporta a los oyentes a un reino donde los dragones vuelan y los héroes triunfan... alto, altísimo, muy-muy-muy alto... bueno, eso.

La calidad de producción de "Power Train" es pulida, los instrumentos suena bien, desde los tambores de Joel Kollberg hasta las líneas de bajo de Chris Davidsson. La incorporación de Petter Hjerpe en las guitarras complementa la destreza de Johansson, creando armonías que son complejas y armoniosas. Las capas orquestales agregan profundidad sin abrumar, logrando un raro equilibrio que realza la sensación épica del álbum.

En "Power Train", Majestica ha creado un álbum que sigue rindiendo homenaje al género y aunque no lo lo eleva a nuevas alturas, combina la competencia técnica con la emoción sincera y un par de muy buenas canciones. Ya seas un fan de toda la vida o un novato en las propuestas de la banda, este álbum promete un viaje emocionante pero quizás olvidable tan pronto aparezca la próxima banda que hace esto.

7.5/10


viernes, 14 de febrero de 2025

Saor - "Amidst The Ruins" (Atmospheric Black / Folk)

Lo más reciente de Saor, "Amidst The Ruins", se erige como un testimonio monumental de la inquebrantable dedicación de Andy Marshall a sus raíces caledonias. El sexto álbum de estudio de este unipersonal invita a los oyentes a un viaje épico a través de las tierras altas cubiertas de niebla de Escocia, mezclando elementos feroces del Black con melodías Folk de una belleza inquietante.

El álbum comienza con la canción principal, Amidst The Ruins, una odisea de casi trece minutos que encapsula la esencia del sonido característico de Saor. Tambores trepidantes que dan paso a riffs con  un trémolo electrizante. A medida que avanza la canción, los instrumentos tradicionales como las flautas y las gaitas irlandesas se entrelazan con el tapiz sonoro, creando un paisaje que es a la vez feroz y melódico. Los minutos finales se intensifican con una enorme armonización de guitarras y cuerdas, que culmina en una demostración auditiva de orgullo y heroísmo escoceses.

Echoes Of The Ancient Land sigue, adoptando inmediatamente un enfoque de composición más punzante. La canción mezcla riffs predeciblemente rápidos y pasajes impredeciblemente técnicos, creando un aura de deambular por paisajes antiguos. La instrumentación Blackened Folk evoca paisajes sonoros que inspiran sentimientos de caminar por terrenos antiguos. El tema Glen Of Sorrow se destaca como un momento destacado conmovedor, que recupera la devastación, la pérdida y la traición sufridas en la Masacre de Glencoe, una de esas oportunidades en el siglo diecisiete en la que los humanos dejamos de serlo. La atmósfera envolvente de la canción transporta a los oyentes al corazón de las Highlands de Escocia, con sus majestuosos paisajes sonoros y melodías melancólicas. 

El disco toma un giro contemplativo con The Sylvan Embrace, una sentida y melancólica pieza Neofolk que incluye voces susurrantes, violonchelo y suaves guitarras acústicas. Esta pista sirve como un respiro bienvenido, ofreciendo un delicado contraste con sus empalagosas progresiones de acordes y dulces melodías. Rebirth cierra el álbum con una nota triunfal, forjando una armonización de guitarras y cuerdas con capas de voces cantadas limpiamente, siendo éste el tema que más me gusto. El cambio de tono vertiginoso en la sección intermedia es un momento conmovedor que hace terminar el álbum de manera espectacular.

Con "Amidst The Ruins", Saor ha creado un álbum que es a la vez un tributo a la rica historia de Escocia y un testimonio del poder perdurable del género. Es un viaje que vale la pena emprender, incluso si eso significa perderse un poco en el camino y algunos momentos baja la intensidad un poco demás desarrollados, pero en general el disco me ha parecido una de las cosas más destacadas del reciente año.

8/10. Buena portada.


martes, 11 de febrero de 2025

Dream Theater - "Parasomnia" (Progressive)

El último trabajo de Dream Theater, "Parasomnia" marca un capítulo monumental en la legendaria carrera de la banda. No solo es su decimosexto álbum de estudio, sino que también anuncia el esperado regreso del baterista fundador Mike Portnoy después de una pausa de quince años. La reunión de la formación clásica, Portnoy, el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el tecladista Jordan Rudess y el vocalista James LaBrie, tiene a los fanáticos y a los críticos entusiasmados.

Temáticamente, "Parasomnia" se adentra en el enigmático reino de los trastornos del sueño, explorando temas como los terrores nocturnos, la parálisis del sueño y los sueños lúcidos. La estructura del álbum recuerda trabajos anteriores y cada tema ofrece una narrativa relacionada con el tema general, muy similar al enfoque adoptado en "Six Degrees of Inner Turbulence" (2002).

El tema de apertura, In the Arms of Morpheus, prepara el escenario con una introducción ambiental que gradualmente se convierte en un tapiz complejo de sonido. La interacción entre los intrincados riffs de guitarra de Petrucci y los teclados atmosféricos de Rudess crea un ambiente onírico, que atrae al oyente al mundo conceptual del álbum. Night Terror sigue, sumergiéndose en la desgarradora experiencia de pesadillas vívidas. La voz de LaBrie transmite una sensación palpable de terror, cantando líneas como 'La carne se arrastra; necesito abrirme paso con garras fuera de este infierno', capturando la esencia del miedo nocturno. Los cambios dinámicos de la canción y las firmas de tempo impredecibles reflejan la naturaleza inquietante de los propios terrores nocturnos.

Un momento destacado del álbum es Midnight Messiah -probablemente la mejor del trabajo-, que sorprende a los oyentes con un estribillo feroz y de alto octanaje que evoca la energía del metal de los '80s. Este giro inesperado muestra la capacidad de la banda para mezclar la nostalgia con su estilo progresivo característico, lo que da como resultado una canción que es a la vez estimulante e innovadora. La balada Bend the Clock ofrece un momento de introspección en medio de la intensidad del álbum. Descrita por algunos como 'una de las cosas más hermosas que la banda ha escrito en décadas', la canción mantiene una atmósfera tensa y oscura, sin abrazar nunca por completo la serenidad, pero cautivando con sus lánguidos giros y vueltas.

El disco culmina con la épica de veinte minutos, The Shadow Man Incident. Esta extensa composición entrelaza elementos de Speed, interludios ambientales y melodías altísimas, encapsulando la inclinación de la banda por contar historias ambiciosas a través de la música. El regreso de Portnoy es innegablemente un punto focal de "Parasomnia". Su batería aporta una energía y complejidad renovadas a las composiciones, recordando a los oyentes la química que definió los trabajos anteriores de Dream Theater. 

En conclusión, para una banda que atrae tanto hate como love por parte de todo el mundillo del Metal e incluso fuera de él, las altas expectativas que se tenían de este come back y la dificultad propia del Progresivo puro (me tomó varios intentos terminarlo, tiene demasiado para un solo bocado), "Parasomnia" es un testimonio de la perdurable destreza de Dream Theater en el género. Yo lo ubico, si de preferencias se trata, por detrás de "Metropolis Pt.2..." (1999), "Image And Words" (1992), "Awake" (1994), "Six Degrees..." (2002) y "A Dramatic Turn Of Events" (2011), al menos a la altura de "DT" (2013) y por encima del resto de su discografía, especialmente del que-no debe-ser-nombrado (2016), "Distance Over Time" (2019) y "A View..." (2021), es decir los más reciente. 

Como no sería menos de esperar, el álbum combina a la perfección el virtuosismo técnico con una narrativa emotiva y un buen songwriting, a veces incluso muy bueno, todo mientras reúne una formación que muchos fanáticos consideran la formación por excelencia. Ya seas un devoto desde hace mucho tiempo o un recién llegado a su sonido, "Parasomnia" ofrece una experiencia rica e inmersiva que se percibe como un punto destacado en la impresionante discografía de Dream Theater.

8/10


viernes, 7 de febrero de 2025

Dragonknight - "Legions" (Symphonic Power)

Cambiando el tercio totalmente respecto al comentario anterior, hablaremos de la otra punta del Metal, el Power melódico, en este caso del álbum debut de Dragonknight, "Legions", el cual es una odisea que transporta a los oyentes a reinos de fantasía y valor. Originaria de Finlandia, esta enigmática banda está compuesta por miembros enmascarados conocidos solo por sus apodos: Lord Gryphon, Lord Kharatos, Lord Solarius, Lord Orthrakis y Lord Salo Khan.

El viaje comienza con Ascendance - Through Sea and Fire, un preludio instrumental que establece un tono majestuoso, mezclando melodías etéreas con una sensación de aventura inminente. Esto da paso a The Legions of Immortal Dragonlords, una canción que avanza a paso rápido con ritmos poderosos, riffs melódicos y voces imponentes, encapsulando el sonido característico de la banda.

A lo largo de "Legions", Dragonknight muestra un tapiz de influencias y cada tema hace eco de los estilos de los incondicionales del género. En el disco se canalizan la grandeza de Gloryhammer o se evoca el estilo energético de Edenbridge. A pesar de estos guiños, el álbum mantiene cierta cohesión a través de sus elementos sinfónicos generales, lo que garantiza una experiencia de escucha unificada.

Temas como Pirates, Bloody Pirates! -la mejor del disco- infunden una energía audaz y agregan variedad al repertorio temático del álbum. Mientras tanto, Defender of Dragons y Astarte Rise presentan melodías inspiradas en el Folk, incorporando instrumentos de viento clásicos y arreglos acústicos que ofrecen un contraste refrescante con los momentos más grandilocuentes del álbum. Si bien el disco es un testimonio de la habilidad técnica y producción pulida, pisa terreno familiar sin aventurarse en territorios inexplorados. Las melodías, aunque agradables, a veces carecen de la audacia que define a los himnos destacados del Power. Sin embargo, el evidente entusiasmo de la banda infunde al álbum una energía contagiosa que resuena en los oyentes.

En esencia, "Legions" es una celebración de los temas grandiosos y la musicalidad del sector amable del Metal. Dragonknight no está reinventando nada, pero maneja su estilo con buen gusto y por sobre todo tienen un buen songwriting (lo de siempre: ¡escribe unas putas buenas canciones!). La banda entrega un álbum que es a la vez un homenaje a los gigantes del género y una introducción prometedora a su propio mito. Para los fanáticos de los cuentos épicos, las melodías imponentes y el encanto atemporal de los dragones y los caballeros, "Legions" ofrece un viaje que vale la pena emprender, ojalá se encuentren más con su propio yo.

7.5/10


miércoles, 5 de febrero de 2025

Revenge - "Violation.Strife.Abominate" (War Metal)

El War Metal es una especie de Raw Black mezclado con Powerviolence, esto es seriamente extremo, incluso hay gente que lo ubica en la zona del NSBM, es decir, agárrese que vienen curvas. En estas aguas se baña el séptimo álbum de estudio de Revenge, "Violation.Strife.Abominate", que continúa el implacable asalto de la banda a los límites de la música. El dúo canadiense, formado por J. Read y su compañero Vermin, se ha ganado una reputación por su sonido caótico y abrasivo, y esta última propuesta no es una excepción.

El álbum consta de doce temas, cada uno de ellos un testimonio del compromiso de la banda con su estilo único de sonido extremo. Desde 'la canción' de apertura hasta la de cierre, el oyente se ve sometido a un bombardeo implacable de guitarras frenéticas, bajos decapitadores y gritos primarios. El álbum ha generado una variedad de reacciones de los oyentes en las redes, pues realmente es difícil entender semejante pared sonora. Reitero mi visión con el sector extremo: es un tema de disposición, a veces te parecerá un espectáculo andante, otras no podrás superar el minuto de atención.

En términos de producción, el álbum mantiene la estética cruda y sin pulir que se ha convertido en un sello distintivo del sonido de Revenge. Las guitarras son abrasivas, la batería implacable y las voces se entregan con una ferocidad que raya en lo inhumano. Este es un álbum  que ofrece mucho en cuanto a agresión y poco en cuanto a respiro. Lo que no se puede negar es que el disco es un testimonio del compromiso de la banda con con su arte, con la visión más nihilista posible: no creen en nadie, les complace que a ellos les guste, si lo escuchan dos personas o doscientas mil, les da igual.

En conclusión, "Violation.Strife.Abominate" es Metal extremo en crudo, en el estilo de lo que hizo hace más de dos décadas gente como Blasphemy, yo los escucho en determinadas ocasiones y se convierte en una especie de telón de fondo, no se puede pretender que haya demasiada novedad entre tema y tema y el concepto es agredir, exorcizar demonios... o algo así. Si paseas por el sector que esta gente habita, el disco ofrece una experiencia sonora que es tan castigadora como intransigente, pero emocionante, lástima que cada disco de este género sea literalmente el mismo disco, nicho con apenas algún matiz aquí y otro allá. Especialmente en vivo es donde este tipo de Metal destaca, eso es cierto.

7.5/10


martes, 4 de febrero de 2025

The Great Old Ones - "Kadath" (Atmospheric Black / Sludge)

En el universo en constante expansión del Black Atmosférico, The Great Old Ones se han ganado un nicho como los abanderados del horror lovecraftiano. Su último trabajo, "Kadath" lanzado a través de Season of Mist, es un testimonio de su compromiso con el género, unido con las narrativas inquietantes de H.P. Lovecraft. Este quinto álbum de estudio es un viaje extenso e inmersivo que se adentra en los paisajes surrealistas del libro 'The Dream-Quest of Unknown Kadath'... así de aplicaditos son los muchachos.

Con una duración de más de una hora, "Kadath" es el álbum más largo de la banda hasta la fecha. La canción de apertura, Me, The Dreamer, marca el tono con sus guitarras acústicas reflexivas pero siniestras y sus sutiles melodías, que se convierten en una imponente pared de sonido. Esta dinámica está presente en todo el álbum, con temas como Under The Sign Of Koth que se despliegan con intrincadas capas de riffs, paisajes sonoros siniestros y una batería implacable. La capacidad de la banda para entrelazar grandeza e inquietud es evidente, creando una atmósfera que es a la vez cautivadora y desconcertante.

El momento más destacado del disco es la pieza instrumental de quince minutos Leng, donde The Great Old Ones muestran su talento compositivo. La pista presenta un Sludge excepcional y elementos de Post, con varios cambios de tempo y una parte solista memorable en el medio. Si bien no es la parte más 'comercial' del álbum, la canción es el punto culminante, demostrando la capacidad de la banda para crear paisajes sonoros expansivos e inmersivos.

Temáticamente, "Kadath" captura el viaje surrealista de Randolph Carter mientras camina entre dioses caprichosos y entidades monstruosas en la Tierra de los Sueños. El álbum resuena con su anhelo y determinación, encarnando el camino traicionero que recorre. El uso que hace la banda de estructuras poco convencionales y la disonancia subyacente da la impresión de un mundo que se tambalea al borde del caos, un tema recurrente en el mito de Lovecraft.

Sin embargo, la complejidad del álbum son un arma de doble filo y lo cierto es que en algún momento cae en la indulgencia de alargar las canciones en exceso. Si bien los fanáticos del Black encontrarán que "Kadath" es una experiencia gratificante, las composiciones densas y las largas duraciones de las pistas son un desafío para los no iniciados. El álbum exige paciencia y múltiples escuchas para apreciar completamente su profundidad y complejidades. En conclusión, "Kadath" es un viaje a través del horror y la majestuosidad del Atmosférico, The Great Old Ones han creado una obra difícil y absorbente que honra la visión de Lovecraft mientras lleva su sonido a nuevas alturas.

8/10

sábado, 1 de febrero de 2025

Harakiri for the Sky - "Scorched Earth" (Blackgaze / Post / Atmospheric Black)

Y hablando de Blackgaze se aparece una de las bandas más interesantes de lo últimos años en este sector, Harakiri For The Sky me sorprendió desde sus inicios, con "Aokigahara" (2014) ya se les presentía el buen hacer, con "III:Trauma" siguió dando esperanzas y al llegar "Arson" (2018) alacanzaron lo que para mi ha sido el pináculo de su carrera, decayendo algo con "Mære" (2021) dejándome esa sensación de que podían más. Ahora con "Scorched Earth" siento que demuestran que esa percepción era cierta, aunque el disco sea -nuevamente- demasiado largo.

El último trabajo de Harakiri for the Sky es una clase de sonido melancólico que equilibra hábilmente la tristeza y la agresión. Con él, este dúo austríaco continúa su tradición de mezclar Post y Black Atmosférico en una experiencia cohesiva y emocionalmente resonante. El álbum abre con Heal Me,  la cual establece un tono sombrío con sus melodías inquietantes y voces emotivas. La pista pasa sin problemas entre pasajes serenos y crescendos intensos, encapsulando el sonido característico de la banda. En este tema destaca un riff dirigido por los teclados que cala en el cerebro, la mejor del disco probablemente y que voy a nominar como contendiente a Canción del Año de ELOMC

Luego el tema Keep Me Longing sigue, mostrando la capacidad de la banda para crear un intrincado trabajo de guitarra que se entrelaza con letras conmovedoras. La estructura de la canción permite una exploración dinámica de los temas, equilibrando la agresión con momentos introspectivos. Otro tema destacado es Without You I'm Just a Sad Song, que comienza con delicadas notas de piano antes de evolucionar hacia una composición poderosa. La yuxtaposición de una instrumentación suave y voces crudas crea una narrativa convincente de pérdida y anhelo.

En el resto de "Scorched Earth" se muestra la destreza de la banda para mezclar elementos melódicos con una intensidad ennegrecida. Se ofrecen ritmos enérgicos y líneas de guitarra evocadoras, mientras que la atmósfera se siente reflexiva, destacando la versatilidad de la banda. Yo podría decir que Harakiri For The Sky ha evolucionado hacia un sonido menos agresor en favor de más melodía y sensación atmosférica, lo han hecho sin olvidar sus raíces Black, pero sin duda esta es la grabación menos 'brvtal' de su discografía.

En "Scorched Earth", Harakiri for the Sky ha creado un álbum profundamente conmovedor que resuena tanto en los fans de toda la vida como en los recién llegados. Sus intrincadas composiciones y su profundidad emocional lo convierten en un lanzamiento destacado en el género del Post Black y su ligero cambio de dirección me ha parecido bien logrado, ciertamente recuperando una buena forma. Me gustó mucho y habiendo logrado algo de contención en la duración del trabajo, podría haber sido un disco extraordinario, sin embargo, no puedo dejar de alabar su gran calidad.

8.5/10


lunes, 27 de enero de 2025

Avatarium - "Between You, God, The Devil And The Dead" (Stoner / Psych)

Los primeros discos de Avatarium, especialmente su debut "Avatarium" (2013), "The Girl With The Raven Mask" (2015) y "Hurricanes And Halos" (2017), fueron geniales, decayendo un poco en mi gusto con "The Fire I Long For" (2019), habiéndoseme pasado comentar su anterior, "Death, Where Is Your Sting" (2022), aunque también me parece que era un trabajo menor respecto a sus tres primeros. Ahora no voy a eludir la obligación y placer de conversar sobre "Between You, God, The Devil And The Dead", lo más reciente de los suecos liderados por la gran cantante, Jennie-Ann Smith.

Este sexto álbum de estudio de Avatarium, marca una evolución significativa en el viaje musical de la banda. Fundada originalmente por Leif Edling, de Candlemass, pero ya ido de la agrupación, ha pasado de sus raíces de Doom a un sonido más diverso, más Stoner, Rock y Psych. El álbum comienza con Long Black Waves, una canción que inmediatamente establece un tono premonitorio con su riff tambaleante y siniestro y su acompañamiento de órgano. La voz de Smith brilla, mezclando el drama con tonos de Jazz y mostrando su rango dinámico y su entrega emotiva.

El tema I See You Better In The Dark acelera el ritmo, con un energía palpable, siendo el mejor del trabajo a mi parecer, ya que ofrece un contraste con los momentos más sombríos del álbum, siendo este ultimo calificativo lo que creo que define el conjunto al disco, este es un trabajo de tonos oscuros, de poca facilidad melódica y esta visión es la que puede resultar el elemento divisivo con "Between You, God, The Devil And The Dead", va a depender bastante del estado de ánimo del oyente y posiblemente del recuerdo que de discos anteriores se tenga para apreciarlo más o menos.

El álbum incluye elementos melancólicos y transiciones suaves pero intrigantes con giros apasionados, mientras hay una base rítmica sólida. La voz de Smith se destaca y es un testimonio de su liderazgo. me parece que han logrado crear un sonido único, muy de ellos, siendo difícil encontrar bandas que hagan cosas similares, lo que les gana mucho en innovación. 

En resumen, la última propuesta de Avatarium es una colección singular y convincente de temas según se tenga dispuesto el ánimo, pero con una musicalidad diferente, interesante, pero mucho menos asequible que lo que mostraron en sus inicios, lo que muestra a la banda continuando su crecimiento después de la partida de su fundador. "Between You, God, The Devil And The Dead" es un álbum que, sin duda, resonará más entre los fanáticos nuevos que entre los que los que añoramos un poco de los realizado en sus inicios.

7/10


viernes, 24 de enero de 2025

Besna - "Krásno" ( Post / Blackgaze)

Los eslovacos Besna han emergido con "Krásno" (su segundo disco, en realidad), un álbum que es a partes iguales catarsis emocional y viaje atmosférico. Con una mezcla de grandeza Post y Blackgaze, el disco ofrece un viaje que hala de las fibras sensibles y de los tímpanos. Pero si bien el disco muestra las capacidades técnicas y emocionales de la banda, ocasionalmente se tambalea con clichés familiares.

Desde las notas iniciales de "Krásno", Besna crea un estado de ánimo que se siente como ver una tormenta eléctrica atravesar una vasta llanura. La producción es exuberante, con capas de guitarras que brillan, todo apuntalado por ritmos enérgicos y una sensación de urgencia contenida. Las pistas a menudo se construyen con paciencia, tejiendo melodías delicadas antes de desatar poder crudo y distorsionado. Es una fórmula dinámica y, si bien no es revolucionaria, la banda la ejecuta con precisión.

La cualidad sobresaliente del álbum es su profundidad emocional. El vocalista hace uso de letras en eslovaco, lo que añade una capa de autenticidad y resonancia cultural a la música. Sin entender para nada el idioma, la interpretación sugiere suavidad inquietante e intensidad. Abundan los aspectos destacados, temas como Krásno ejemplifican la capacidad de la banda para generar tensión con intrincadas líneas de guitarra antes de ofrecer el clímax sonoro. Por otro lado, canciones como Oceán Prachu muestran la voluntad de la banda de bajar el ritmo y apoyarse en su lado más melódico, ofreciendo a los oyentes la oportunidad de respirar en medio de las canciones más pesadas, especialmente Bezhviezdna Obloha, la más interesante del trabajo.

A pesar de todas sus virtudes, "Krásno" tropieza ocasionalmente con su propia ambición. La tendencia a los clímax prolongados pueden -a veces- ser un exceso en el manual del Post y no siempre aportan suficientes ideas nuevas para diferenciarse de bandas similares, tipo Harakiri For The Sky, de quienes se les percibe inspiración. Los momentos de previsibilidad corren el riesgo de opacar el impacto emocional del álbum, especialmente para los oyentes que ya están familiarizados con el estilo. Pero aunque a "Krásno" le falta en originalidad innovadora creo que lo compensa con corazón, existe la sensación de que este disco es muy personal para sus creadores.

En definitiva, "Krásno" es un disco que puede cautivar a los fans del Post y el Blackgaze. No reinventa el género, pero su resonancia emocional y su ejecución lo convierten en una incorporación interesante. Besna demuestra que es capaz de crear música evocadora; si logra refinar su enfoque para encontrar un sentido de identidad más propio, su próximo trabajo podría ser admirable.

7.5/10


miércoles, 22 de enero de 2025

Grave Digger - "Bone Collector" (Power / Heavy)

Grave Digger ha sido durante mucho tiempo un fiel de la escena del Heavy / Power alemán, ofreciendo himnos grandilocuentes y cargados de historia desde sus inicios. Sin embargo su última entrega, "Bone Collector", encapsula tanto las fortalezas como las debilidades evidentes de la banda. Si bien el disco es una sólida representación de su estilo característico, también subraya el estancamiento creativo y la previsibilidad que han plagado su producción más reciente.

En este disco lo más interesante es el trabajo de guitarra de Tobias Kersting, ciertos riffs puede evocar entusiasmo, pero rápidamente el disco se convierte en un bucle repetitivo y sin inspiración que parece reciclado de materiales anteriores de Grave Digger, desafortunadamente "Bone Collector" suena como si hubiera sido hecho con una plantilla que la banda tiene guardada, con pequeños ajustes realizados para diferenciar una canción de la siguiente.

En cuanto a las letras, "Bone Collector" es una pequeña decepción también, aunque Grave Digger se ha labrado una carrera tejiendo narrativas históricas y mitológicas en su música, este esfuerzo parece forzado. Las letras son una colección de clichés góticos, carentes de verdadera creatividad o profundidad. Muchas frases genéricas y un tanto cringe, no le conseguí el impacto que en algunos de sus mejores temas del pasado les escuché. 

La sección rítmica del trabajo no sale mejor parada. Las líneas de bajo de Jens Becker son prácticamente inexistentes en la mezcla, y no aportan nada a la textura o dinámica de las canciones. La batería es funcional pero poco inspirada, con patrones predecibles que hacen poco por mejorar la energía o el impulso del disco. La falta general de ambición de la sección rítmica solo se suma a la sensación de mediocridad de "Bone Collector".

La producción, como no puede ser diferente para una banda como Grave Digger, es limpia y pulida, quizás higienizada, pero en lo que se refiere a producir impacto, es realmente poco lo que hay, quizás los temas The Rich The Poor The Dying y Killing Is My Pleasure destacan un poco más. En definitiva, "Bone Collector" es una entrada mediocre en el catálogo de Grave Digger, no ofrece nada nuevo para los fans, le falta inspiración, se siente que recicla sonidos de mejores épocas y su dependencia de clichés lo convierten en un trabajo olvidable. Para una banda con tal legado, esté disco es un recordatorio decepcionante de su estancamiento, que ya puede estar durando diez años.

Comentario al margen: La portada es creada con IA, lo que es una vergüenza en un mundo donde artistas como ellos merecen la oportunidad. Inaceptable.

5.5/10