Mourning Star - "Miserere" (Epic Doom / Gothic / Symphonic)

Hay discos malos, y luego están los discos que te hacen replantearte el propósito de la crítica musical. "Miserere", el álbum debut de Mourning Star, pertenece sin duda a la segunda categoría. Publicado como un proyecto independiente de un supuesto estilo Epic Doom, el álbum aparentemente busca oscuridad, grandiosidad, dramatismo orquestal y ambición conceptual. Es una forma notablemente elaborada de explicar lo que llega a una simple conclusión: a veces, las cosas simplemente no funcionan.

El primer y más evidente problema es la ejecución instrumental, que es pésima. Hay muy poca sensación de control, dinámica o diálogo musical entre los diferentes elementos. Las guitarras, la batería, la orquestación y las voces a menudo parecen ocupar el mismo espacio sonoro sin formar un todo realmente coherente. La técnica no es buena y "Miserere" ofrece una demostración casi didáctica de como no-se-hace. Las interpretaciones a menudo dan la impresión de ser un personal al servicio de las composiciones, más que músicos que intentan demostrar que saben tocar sus instrumentos.

La sección rítmica es particularmente desconcertante. Se supone que esto es Doom, o al menos algo que se inspira en la estética del género, pero el enfoque rítmico parece basarse en otra cosa, hace que la batería parezca, si no es que es, un beat box. El Doom tradicionalmente depende de la contundencia, la paciencia, la tensión y la manipulación deliberada del espacio. Aquí, la música suena con frecuencia como si alguien se hubiera confundido en la programación. El resultado no es ni aplastante ni majestuoso; simplemente es malo.

Y luego está la ambición. "Miserere" pretende ser una declaración épica, presumiblemente conceptual, con arreglos Sinfónicos, atmósferas oscuras y una grandilocuente narrativa. Todos los ingredientes están presentes. Desafortunadamente, la ambición desmedida se convierte en parodia. En lugar de crear un universo imponente, el álbum recuerda repetidamente al oyente que se esfuerza demasiado por sonar importante. La solemnidad se exagera, el drama se vuelve teatral y el concepto termina sintiéndose menos como una visión artística que como una caricatura de la misma.

Esto es particularmente lamentable porque la idea básica no es intrínsecamente mala. El proyecto se describe a sí mismo como una combinación de riffs potentes, arreglos orquestales, voces inquietantes y atmósferas melancólicas, inspirándose en las tradiciones del Metal Gótico y Sinfónico. Sin duda, hay suficiente material para sugerir que el creador tenía una visión muy específica de lo que "Miserere" debía ser. El problema es que la ejecución jamás se acerca a la magnitud de la intención.

Es común encontrar discos malos de vez en cuando. La mayoría simplemente no los reseño. La vida es demasiado corta y hay demasiados álbumes excelentes esperando ser escuchados. Pero ocasionalmente aparece un disco tan fundamentalmente fallido que ignorarlo se siente casi irresponsable. En esos casos, escribir sobre el álbum se convierte menos en crítica y más en un servicio público. "Miserere" es uno de esos casos. Es demasiado ambicioso sin ser nada épico, mecánico sin ser enérgico, pesado sin ser aplastante y pseudo sinfónico sin alcanzar una verdadera grandeza. Puede que haya pasión detrás, e incluso que se esconda una idea musical valiosa bajo las capas de orquestación y la agresividad mal canalizada. Desafortunadamente, la pasión no puede compensar una mala ejecución.

3/10. Para rematar, otra portada con IA

Moonspell - "Far From God" (Gothic)

Seré sincero: no tenía grandes expectativas con "Far From God". Tras trece álbumes previos, las bandas suelen vivir de la nostalgia o seguir tendencias. Por eso, fue una grata sorpresa descubrir que el último trabajo de Moonspell es una pieza de Gótico apasionada e intensa que realmente merece las comparaciones.

Para mí, los dos primeros temas son lo mejor del álbum. Cross Your Heart abre el disco con una nota melancólica y de ritmo medio; reflexiona sobre santuarios al borde de la carretera y vidas truncadas prematuramente, con la sección rítmica reflejando el movimiento incesante del camino, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC. La voz de Fernando Ribeiro es la protagonista, oscilando entre un barítono cansado y explosiones contenidas de intensidad sin caer nunca en el melodrama. Luego, la canción que da título al disco, Far From God, retoma el romanticismo vampírico sobre el que la banda forjó su reputación y le da un aire genuinamente fresco. Ribeiro ha hablado de su deseo de rescatar la imagen del vampiro de los clichés baratos y reconectar con la figura trágica y romántica que reside en su esencia. Juntas, estas dos canciones establecen un estándar que el resto del disco no siempre alcanza, pero por sí solas justifican escucharlo.

Sin embargo, lo que más me impactó fue lo notablemente diferente que suena este álbum en comparación con los trabajos recientes de Moonspell. Discos como "Extinct" (2015) y algunas partes de "Hermitage" (2021) se inclinaban hacia una agresividad más fría y cercana al Black: riffs con trémolo, atmósferas gélidas y una voz más agresiva. "Far From God" se aleja casi por completo de eso. Las guitarras cambian los blast beats por la atmósfera, los teclados tienen mayor peso emocional que los riffs, y la voz áspera de Ribeiro aparece en momentos oportunos, en lugar de dominar. Sería fácil calificarlo como un disco más suave, pero eso no le hace justicia: se trata de un cambio deliberado y maduro que funciona. La banda parece menos interesada en la intensidad a través de la velocidad y más en la intensidad a través de la atmósfera, y ese equilibrio se nota en la mayoría de las canciones.

Temas destacados posteriores como The Great Wolf In The Sky y la pesadez con tintes Doom de Our Freedom to Fall, mantienen el ritmo, incluso si un par de temas intermedios parecen depender de la atmósfera en lugar de ganarla por sí mismos. No es un disco impecable -algunas canciones se confunden al escucharlas repetidamente-, pero en conjunto, es una declaración segura y emocionalmente directa de una banda que claramente aún tiene algo que decir. Esperaba un lanzamiento rutinario de su etapa final, pero me encontré con una de las escuchas de metal gótico más gratificantes del año.

8/10

Angellore - "Nocturnes" (Gothic)

Habiéndome enfocado en muchas bandas conocidas en mis últimos comentarios, me pareció oportuno darle la oportunidad a cosas menos 'comerciales' por llamarlo de alguna manera, y así me consigo con "Nocturnes" de Angellore, que es un disco de Gótico puro, potente y melancólico que resulta a la vez inmersivo y maduro. Este trabajo es una agradable sorpresa pues combina una atmósfera densa con riffs memorables, una variedad vocal y un control que evita que el drama se desborde.

Angellore lleva casi veinte años en activo, pero este es el primer trabajo que descubro de ellos. Su estilo se basa en el Doom Gótico, con detalles Folk y grandes contrastes emocionales. "Nocturnes" destaca porque suena como un álbum donde esas fortalezas se alinean de una manera que trasciende, gracias en parte a una producción pulida y una presentación atractiva.

Las guitarras son uno de los puntos fuertes del álbum. Los riffs impactan con fuerza, pero no solo aportan contundencia; impulsan las canciones con una gran melodía y tensión, lo que encaja a la perfección con el carácter nocturno del disco. Este equilibrio es crucial porque Angellore busca la grandiosidad, pero evita sonar recargado o exagerado.

La interacción vocal es otro punto fuerte. La banda utiliza una mezcla de voces limpias y guturales, con texturas adicionales de instrumentos invitados como la flauta, el oboe, el violonchelo y el clarinete y esa combinación le da profundidad al álbum sin convertirlo en un mezclote de sonidos. El resultado es un disco con un aire teatral, en el buen sentido: expresivo, con múltiples capas y arreglos cuidados.

Lo que "Nocturnes" hace especialmente bien es evitar los clichés sentimentales manidos que pueden debilitar el género. Tiene emoción, pero no recurre al melodrama por sí mismo; la melancolía se siente merecida a través de la composición y la atmósfera, en lugar de forzada por un recurso barato y lacrimógeno. Esa contención hace que el disco sea más efectivo, porque la tristeza y la belleza se sienten entretejidas en la música, en lugar de superpuestas.

También es fácil entender por qué este álbum podría ser el que -a diferencia de sus anteriores- acerca a Angellore a un público más amplio, "Nocturnes" suena con identidad, la producción es -como dije- brillante y la composición de la banda convergen con la claridad y la fuerza suficiente para conectarse con el público.

En general, "Nocturnes" es simplemente un muy buen disco: agradable, evocador y bien ejecutado. Posee una belleza oscura que invita a escucharlo repetidamente y muestra a Angellore como una banda que sabe cómo crear atmósferas memorables. Los cinco temas del trabajo son disfrutables, pero destacan Black Sun River y Forsaken Fairytale, la cual se me antoja un gran tema el cual voy a dejar nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

8/10

Draconian - "In Somnolent Ruin" (Doom / Gothic)

En "In Somnolent Ruin", Draconian hace lo que mejor sabe: extender el largo y melancólico arco del Doom Gótico con paciencia, contundencia y una atmósfera profundamente inmersiva. El disco no busca grandes sorpresas, innovaciones ni desvíos experimentales, pero esa sobriedad es parte de su fuerza. No quiero dejar de expresar mi emoción al ver la llegada de este nuevo trabajo, de gente que ha sido Disco de Año 2020 y Disco Doom del Año 2015 de este humilde sitio.

Draconian se ha destacado durante mucho tiempo como una de las bandas más consistentes del género, y este álbum refuerza esa reputación. A lo largo del disco, refinan en lugar de reinventar, construyendo pasajes de desarrollo lento donde la pesadez, la melodía y la tensión emocional se mueven en un equilibrio preciso. Este enfoque familiar hace que el disco se sienta como una continuación segura de su identidad, en lugar de un reinicio radical.

Lo que hace que "In Somnolent Ruin" sea tan cautivador es la disciplina de la banda en la composición. Las canciones se desarrollan con un ritmo deliberado, y Draconian superpone repetidamente la voz limpia de Lisa Johansson -quien vuelve a la banda, ocupando el lugar que dejó durante diez años a Heike Langhans-, con los guturales y texturas instrumentales expansivas en una única arquitectura lúgubre. El resultado es ostentoso, rico, controlado e inmersivo.

La producción también merece mención. La ejecución impecable y suntuosa del álbum, así como su atmósfera cautivadora, lo que sugiere que cada elemento ha sido moldeado con esmero estético. En lugar de saturar el sonido, la banda permite que cada capa respire, lo que crea una experiencia auditiva amplia, oscura y gratificante.

El mencionado regreso de Lisa Johansson añade otra dimensión significativa, recuperando una química emocional familiar con la interpretación más cruda del líder de la banda, Anders Jacobsson. Ese contraste sigue siendo una de las fortalezas definitorias de Draconian, y aquí ayuda a que el álbum se sienta a la vez íntimo y monumental. Incluso cuando el material se mantiene cerca de la fórmula establecida de la banda, la interpretación y los arreglos lo elevan por encima de la mera repetición.

Si hay alguna limitación, es simplemente que los oyentes que esperen un cambio estilístico drástico no lo encontrarán aquí. Pero "In Somnolent Ruin" no necesita un giro radical para justificarse. Su éxito está en profundizar en un lenguaje que Draconian ha perfeccionado durante décadas, y en transformar la atmósfera, el detalle y la carga emocional en algo que resulta a la vez familiar y vital.

En definitiva, se trata de un álbum maduro y meticulosamente elaborado que confirma la posición de Draconian como maestros de su género. Puede que no sorprenda, pero resuena, y ese suele ser el mayor logro en el Doom. Los mejores temas son The Monochrome Blade, nominada como Canción del Año de ELOMC, Anima, The Face Of God y Cold Heavens. Un disco que estará en todas las listas de este año.

8.5/10. Excelente portada.

Paradise Lost - "Ascension" (Doom / Death / Gothic)

Paradise Lost es más una institución que una banda, no lejos de los cuarenta años de formación, cada disco atrae a los fanáticos del Gothic, el Doom, el Death y tantos otros géneros que se han permitido explorar; algunos de sus trabajos han sido genialidades, especialmente "Draconian Times" (1995) y algunos no han satisfecho las expectativas, como "Believe In Nothing" (2001)... ha habido de todo como no puede ser diferente con dieciocho discos originales en su cuenta de haberes. De los comentados aquí, "Obsidian" (2020) me pareció un gran trabajo, pero "The Plague Within" (2015) no tanto. Me ha pasado como a todos.

Ahora con "Ascension" se siente como una renovada fuerza en la banda y aunque ciertamente es una continuación de lo que han realizado en años recientes, el disco se muestra intenso, con tres o cuatro temas realmente destacados y el resto entre bien y bastante bien, con una instrumentación pesada pero llena de matices y arreglos que regalan alguno de los mejores momentos en el año en lo que a producción se merece. Temas como Serpent On The Cross, Tyrants Serenade, Silence Like The Grave y Salvation, incluso The Stark Town, son canciones que debe ser impactantes escucharlas en vivo, por su calidad, cantidad de riffs, cadencia perfecta y elementos interesantes. Dejo Tyrants Serenade nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

"Ascencion" es un disco más frontalmente Death Doom que Gothic, la velocidad del trabajo está claramente destinada a obligar a prestar atención, pero si se le deja correr como sonido de fondo, arrulla. El Doom tiene esa particularidad, siempre lo he dicho, que fuera de su ritmo específico, no deja lugar para el error. Paradise Lost claramente conoce esto y ha creado un trabajo preciosista en lo que a la calidad técnica se refiere, sin dejar de lado por eso una importante cantidad de intensidad emocional.

Se me ocurre definir a "Ascension" como una continuación del legado de la banda, que combina sus bases melódicas y oscuras con una renovada energía y una atmósfera a la vez melancólica y majestuosa. Nick Holmes ofrece una de sus interpretaciones vocales más convincentes de los últimos años, alternando entre tristes pasajes de sonidos limpios y growls ásperos que añaden verdadera intensidad a los momentos más pesados.

En definitiva, "Ascension" se siente a la vez clásico y contemporáneo, mostrando una banda cómoda con su identidad y quizás hasta con ganas de evolucionar. A partir de la mitad del trabajo, un tanto excesivo en su hora de duración, los temas se hacen un poco más estándar, pero el disco no es solo un capítulo más en la discografía de Paradise Lost, es uno de sus más fuertes en años y tras tanto tiempo en el escenario, eso es ya de por sí, sorprendente.

8/10

Katatonia - "Nightmares As Extensions Of The Waking State" (Alternative / Gothic / Progressive)

Tenía tiempo que no hablaba de Katatonia y no se si tenía ganas, pero decidí darle una oportunidad a su "Nightmares As Extensions Of The Waking State" y de entrada me parece que es un disco que busca profundidad, pero que a menudo se derrumba bajo el peso de su propia ambición. Si bien su clara intención es ser una exploración inmersiva del malestar psicológico, la ejecución a menudo resulta autocomplaciente, ocultando su impacto potencial bajo capas de abstracción innecesaria y elecciones sonoras opresivas. El resultado es un álbum que se siente más como un ejercicio académico de incomodidad que como una experiencia emocional o musical convincente.

La producción, aunque técnicamente competente, a menudo cae en terreno recargado. Hay una dependencia excesiva de texturas turbias, sintetizadores monótonos y capas de distorsión que se perciben menos como decisiones artísticas y más como afectaciones. En lugar de crear tensión o atmósfera, el diseño sonoro a menudo se vuelve monótono. El uso frecuente de percusión distante y sumergida se siente arbitrario; a veces, parece que solo está ahí para llenar el espacio en lugar de contribuir significativamente a las composiciones.

Habiéndome tomado un tiempo para revisar sus letras, diría que son intencionalmente abstractas, pero en lugar de provocar reflexión, resultan mayormente vagas. Lo que podría haber sido poesía críptica termina sonando más como fragmentos a medio formar en busca de significado. Quizás el mayor defecto de "Nightmares As Extensions Of The Waking State" es su inquebrantable compromiso con la desolación sin ofrecer ningún rango emocional. La oscuridad, la ansiedad y el temor existencial pueden ciertamente crear un material temático poderoso, pero sin momentos de contraste o vulnerabilidad, el disco se siente emocionalmente plano. Hay una diferencia entre crear una obra de arte desafiante y crear algo que simplemente aliena y este álbum a menudo se inclina por esto último. Incluso los oyentes que gravitan hacia la música abrasiva o experimental pueden preguntarse cuál se supone que es exactamente la recompensa emocional o intelectual.

El ritmo no ayuda. Aunque cada tema se funde con el siguiente en un intento de cohesión, la uniformidad de tono y textura termina haciendo que el disco parezca más largo de lo que es. A mitad de camino, la sensación de fatiga empieza a superar la curiosidad. Lo que podría haber sido un viaje inquietante se siente, en cambio, como una prueba de resistencia, carente de los momentos de claridad o contraste necesarios para que valga la pena.

Dicho esto, es evidente que "Nightmares As Extensions Of The Waking State" está hecho con intención, y sin duda habrá un pequeño grupo de oyentes que entenderán su desolación sin concesiones. Pero para la mayoría, resultará un álbum tan obsesionado con su concepto que se olvida de conectar. Lo que queda es una masa densa y gris de sonido que se siente más como estar atrapado en la pesadilla de otra persona que experimentando una propia. Realmente ningún tema me parece demasiado destacable. Muy flojo Katatonia, no levantan cabeza.

5.5/10

Opia - "I Welcome Thee, Eternal Sleep" (Gothic / Doom / Melodic Death)

Si alguna vez has pensado: 'Ojalá mi música me hiciera sentir como si me enterraran lentamente en un ataúd forrado de terciopelo mientras un fantasma me susurra poesía al oído', entonces el álbum debut de Opia, "I Welcome Thee, Eternal Sleep", es tu nueva banda sonora favorita para el terror existencial.

Formada por una coalición de músicos del Reino Unido y España con experiencia en bandas de Black como Agrona, Scandelion y Dystopian Wrath, esta gente fusiona el peso aplastante del Death y el Doom con evocadoras imágenes góticas y un toque interesante de melodía. La vocalista Tereza Rohelova exhibe un rango notable, con una transición fluida de voces limpias y etéreos a growls desgarradores, añadiendo capas de emoción a la atmósfera ya de por sí pesada.

Este es uno de esos discos donde es necesario buscar las letras para abrazar bien el concepto y aunque abre con un instrumental que establece un tono sombrío, da paso a On Death's Door Part I, donde la voz de Rohelova brilla con un fondo de guitarras y teclados atmosféricos. Luego el tema Man Proposes, God Disposes destaca por su melodía lenta y reflexiva, The Fade profundiza en temas del deterioro mental con la edad, combinando riffs contundentes y trasfondos de piano para evocar una sensación de nostalgia y pérdida. The Eye explora los peligros de ahondar demasiado en lo oculto, construyendo desde riffs lentos hasta un clímax de voces ásperas y ritmos contundentes.

Days Gone By reflexiona sobre la naturaleza finita del tiempo, instando a disfrutar al máximo de la vida. Los potentes riffs contundentes y los elementos de piano del tema subrayan la agridulce reflexión sobre las oportunidades perdidas. Silence captura la angustia de esperar noticias de un ser querido fallecido, oscilando entre hermosos pasajes y un ritmo brutal que refleja la agitación emocional.

El álbum concluye con su mejor tema, el cual voy a dejar nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC, On Death's Door Part II, inspirado en la práctica victoriana de cubrir los espejos para evitar que las almas quedaran atrapadas. La canción combina pasajes brutalmente demoledores con elementos reflexivos, retratando el tormento de un viudo y su decisión final de unirse a su difunta esposa en la muerte.

Se me antoja que "I Welcome Thee, Eternal Sleep" es una magistral mezcla de elementos Góticos y Doom, que ofrece una experiencia profundamente emotiva y atmosférica. Es un álbum que invita a los oyentes a abrazar la oscuridad y encontrar la belleza en ella. Me tiene un tanto sorprendido que no esté en las listas más conspicuas del Metal ya que, aunque ciertamente el disco no es un dechado de innovación sonora y obviamente el Doom es una especie en si misma y no es lo más 'comercial' de nuestra música, pero no por eso sugiero un repaso con tiempo y detenimiento de Opia, cuyo trabajo que es bueno o incluso un poco más.

8/10

Cradle Of Filth - "The Screaming Of The Valkyries" (Symphonic / Gothic / Black)

La acostumbrada introducción donde uno dice algo interesante es una especie de lugar común, se le da la vuelta a algo que no tiene relación y como por arte de magia se cae en el disco (ahí es donde el comentarista se gana su sueldo)... en el caso de Cradle Of Filth es como caerle a martillazos a una galleta, es demasiado fácil, la banda -Dani Filth, en puridad- es un gusto adquirido, te gusta, lo odias, lo escuchas, no lo soportas, casi cualquier cosa que digas podría ser cierto. El espectro de opciones con este veterano de treinta y cinco años de vida artística es enorme y nada como un nuevo disco suyo para inspirarse, hablemos de "The Screaming Of The Valkyries"

Debo comenzar diciendo que sus últimos discos no me impactaron, "Cryptoriana - The Seductivness Of Decay" (2017) abiertamente no me gustó y  "Hammer Of The Witches" (2015) pasó aprobado por no mucho, creo que ni escuché su anterior "Existence Is Futile" (2021) y no me he resentido por esa decisión, pero ahora con "The Screaming Of The Valkyries" he sentido renovadas ganas de pasearme por él, porque por el murmullo mediático pareciera que puede haber sorpresas. Y efectivamente las hay...

Desde el primer tema del trabajo, el disco marca la pauta con una celebración del hedonismo desenfrenado. Dani Filth, lo describe como un tributo a vivir sin las restricciones de las normas sociales, disfrutando de los placeres de la vida tal como lo dispuso la naturaleza. 

En lo que a algunos temas respecta, Demagoguery muestra la característica voz gutural de Dani en medio de una vorágine de caos, recordando a los oyentes por qué Cradle Of Filth ha sido venerado y vilipendiado a la vez durante décadas. El tema es un asalto implacable a los sentidos, que combina riffs de sierra con gritos operísticos, característicos de la banda. La canción más destacada del disco es Non Omnis Moriar (en latín, no todo de mí morirá), que entrelaza hilos folk en un tapiz Black. Este tema ejemplifica la capacidad de la banda para fusionar lo antiguo con lo nuevo, creando un sonido atemporal y contemporáneo, con un riff francamente genial y unos coros emocionantes, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC

White Hellebore destaca como una composición siniestra pero seductora, con letras que ahondan en la naturaleza agridulce de la existencia. El video musical que acompaña al álbum, por si no lo han visto, esta repleto de horror gótico, presenta a una joven estrella de cine que sobrevive a la tumba a través de oscuras fuerzas ocultas, añadiendo un festín visual a la experiencia auditiva. Abajo lo pueden ver.

"The Screaming of the Valkyries" es un testimonio de la resiliencia y adaptabilidad de Cradle of Filth, con un sonido que, manteniéndose fiel a su historia, muestra unas buenas canciones, cosa que siempre es de agradecer. A pesar de los cambios en la formación, incluyendo la incorporación del guitarrista Donny Burbage y la teclista/vocalista Zoe Marie Federoff, la banda ha creado un álbum que se siente fresco y familiar. Es una combinación de grandilocuencia extremista, atmósfera poco convencional y gritos operísticos que sigue definiendo su estilo único de Metal. Por una vez, para mi, Cradle Of Filth se ocupó más del fondo que de la forma, bien por ellos.

8/10

Cemetery Skyline - "Nordic Gothic" (Gothic / Modern)

"Nordic Gothic" de Cemetery Skyline promete una cosa y entrega otra, por un lado esta puede ser la mejor forma de definir lo que es una super banda, tome nota: vocales, Stanne de Dark Tranquility; guitarra, Vanhala de Insomnium; teclados, Kallio de Amorphis; bajo, Brandt de Dimmu Borgir y batería, Rant de Sentenced... al que no le transpiren las glándulas sudoríparas metaleras, es que está muerto. Pero pasa una y otra vez cuando las expectativas son tan altas que en vez de tensión atmosférica, se ofrece un cóctel sombrío de tropos reciclados y una producción plana. Es como si la banda hubiera arrojado todos los clichés góticos contra la pared, con la esperanza de que algo se pegara, excepto que nada lo hace.

Primero, la atmósfera. Uno podría esperar que el término "Nordic Gothic" evocara imágenes de fiordos melancólicos, vientos helados y noches largas y opresivas. Sin embargo, el álbum solo logra una imitación superficial de ese ambiente, con algo que me parece que es más Modern que otra cosa. Es como si buscaran en Google 'oscuro' y 'frío' y pusieran una mesa al lado de una tienda de Halloween. Lo que debería ser inquietante y profundamente melancólico se siente más como una pista de fondo que no produce mayor emoción. Si estás buscando un viaje evocador a través de la penumbra nórdica, por aquí no es.

Luego, está la composición. Cemetery Skyline parece tomó un puñado de líneas de cada canción gótica escrita y las mezcló sin ningún propósito real. Cada canción se funde en una niebla homogénea de sufrimiento vago, que no ofrece conexión emocional. Las letras apuntan a la introspección, pero caen en algún punto entre lo pretencioso y lo incoherente.

Musicalmente, el álbum está atrapado en su propia monotonía. Pista tras pista se ve empantanada por guitarras lentas que parecen moverse a un ritmo extraño, ni rápido ni lento, pero sin ningún peso o gravedad. Y no me hagas hablar de las voces. El cantante intenta ofrecer ese sonido gótico etéreo pero atormentado, pero termina sonando como si estuviera leyendo noticias. No hay realmente emoción, dejando al oyente con una experiencia solo meh...

En cuanto a la producción, el álbum se siente débil, como si se hubiera grabado con un presupuesto escaso. La mezcla es turbia, los instrumentos aparecen y desaparecen de foco y hay una falta general de claridad. Cualquier belleza que pudiera haber estado latente bajo la superficie se ve sofocada por una ingeniería descuidada. En resumen, "Nordic Gothic" es un ejercicio decepcionante de estilo sobre sustancia. Cemetery Skyline tenía TODOS los ingredientes para crear algo evocador e impresionante, pero en cambio ofreció un paisaje sombrío a medio hacer.

5.5/10

On Thorns I Lay - "On Thorns I Lay" (Gothic / Doom)

Aunque estos griegos se denominan a si mismos como una banda de Gótico, en sus influencias hay mucho de Black, Doom y Melodeath, lo que hace de sus trabajos siempre un evento interesante y luego de casi treinta años en el ambiente, su nueva entrega, la décima, denominada de forma muy sugestiva como su propio nombre -lo que siempre he dicho, es un indicativo de vuelta a raíces- ha sido bien recibida, incluso habiendo gente que los ubica como material para el álbum del año. Veremos entonces qué trae On Thorns I Lay.

Como buen disco de la banda, "On Thorns I Lay" es oscuro, denso, melódico hasta cierto punto y bastante sombrío. El sexteto que conforma On Thorns I Lay se ha apoyado en al menos ocho invitados especiales, todos vocalistas, con la sola intención de incrementar el efecto de sus coros y partes cantadas, creando un trabajo fuerte en ese sector, obviamente la voz de su nuevo cantante, Peter Miliadis, es el punto focal de la grabación, sin dejar de lado una buena guitarra que crea el ambiente guiando todo el elemento melódico.

En lo particular, On Thorns I Lay me suena un poco a la mejor versión de Katatonia si esta hubiera tenido un hijo com Lacrimas Profundere. Tienen su propia personalidad, eso es claro y por eso se han ganado su puesto en el submundo Doom/Goth. Ya su anterior "Threnos" (2020) me pareció interesante, con quizás poca variedad, pero bueno. En "On Thorns I Lay" se percibe más novedad, obviamente todo esto deviene de los cambios de formación, pues además de la llegada de nuevo vocalista, también se incorporan nuevas guitarra y bajo. Me parece que han salido ganando la prueba.

No tengo la sapiencia necesaria para asegurar que la banda vuelve con éste a sus inicios sonoros, por lo que leo en la red quizás no sea necesariamente así, pero denominar un album con el nombre del grupo es significativo. No he encontrado explicación específica, pero me imagino que una renovación de la mitad de los componentes debe sugerir una nueva intención, quizás retomar algún camino extraviado. En todo caso lo que el disco muestra es de calidad, con momentos y canciones que bien valen la pena.

Los seis temas que componen "On Thorns I Lay", repartidos en cuarenta y tres minutos son buenos, probablemente Crestfallen y la homónima a disco y banda con la que cierran, las mejores. Me parece que se superan en esta oportunidad y entregan el mejor trabajo que les conozco y asiento con quienes sugieren que destacará en las cuentas a final de año, deben tener razón.

8/10

Saturnus - "The Storm Within" (Gothic / Funeral Doom / Melodic Death)

El Gótico puede no ser un estilo en sí mismo, al menos eso me parece a mi, puede ser Doom, puede ser Sinfónico, puede ser Melodeath, Neo Clasico, Melodic Female Fronted (como malamente lo etiquetan alguno). En general es uno de esos, pero con más elementos tristes, gente vestida de negro, narraciones y definitivamente muchas lágrimas, temáticas depresivas, muertos por todos lados,  especialmente novias y héroes... jeje, parece la Opera del Metal cuando uno viene a darse cuenta, siempre alguien sucumbe. En todo caso, digamos que por una vez le vamos a dar beligerancia como un género aparte.

De esta gente no se sabia nada desde hace más de diez años, casi once, cuando mostraron su "Saturnus In Ascension" (2012), que en su momento me pareció un discazo, pero también era una época en la que acababa de comenzar a escribir y ponía nueves a diestra y siniestra, aunque seguro que me gustó, eso si. En todo caso Saturnus sale de la cueva donde se encontraba escondidos (mayormente creo que pasa porque la mitad de la formación es nueva, contando con dos nuevos guitarras y teclados) y presentan "The Storm Within" un disco de solo siete canciones pero una hora de duración, veremos qué ha pasado en una década.

Para ir al hueso dejo claro, el disco es bueno, quizás incluso muy bueno si se tiene el estado de ánimo sintonizado con la perspectiva musical, que pasa desde un Funeral Doom y llega hasta un Melodic Death, ambos extremos bien logrados, especialmente algunos riffs que llaman la atención, particularmente en los temas The Calling -la mejor del disco y nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC- The Storm Within y Even Tide. La música que hace este sexteto es sentida, intensa y bien ejecutada, además de que el trabajo técnico es superior, la producción me gustó.

La clave con "The Storm Within" es el asunto de las narraciones, sean ya las que ejecuta solo su líder, Thomas Akim Grønbæk Jensen, o en las que se entremezclan con los coros. Que quieren que les diga, no estoy del todo seguro que me haya capturado esta forma de mostrar su filo 'dark', a veces me parecía que estaba bien, muy intenso, pero otras me pareció cliché, agotándome por momentos. En el fondo pienso que teniendo Saturnus tanta música como la que muestran, no hacía falta afincarse tanto en la muletilla... de pronto se les fue la mano.

Reitero que el disco me gustó, los solos de guitarra son de primer orden, la temática musical del disco está bien estructurada, el ritmo pesado y lento le da atmósfera al trabajo, los teclados no son abusivos ni plásticos y los coros llenan el ambiente. "The Storm Within" complace, pero la narración agota, supongo que en la misma proporción en la que el estilo Gótico lo hace, excediéndose en el recargo de poses tipo novela de Mary Shelley... sin el mencionado elemento éste podría haber sido otro nueve.

8/10