Power Paladin - “Beyond The Reach Of Enchantment” (Power)

“Beyond The Reach Of Enchantment” es el sonido de Power Paladin redoblando la apuesta por dragones, mazmorras y dopamina, solo que esta vez han cambiado parte de la sorpresa de su álbum debut por un sonido más contundente y listo para la batalla. Es absolutamente épico, gloriosamente impregnado de fantasía, tremendamente enérgico, melódico y descaradamente inspirador; y sí, blande una espada más pesada que “With The Magic Of Windfyre Steel” (2022).

Desde el tema inicial la banda se lanza directamente a la batalla con riffs abrasadores, ritmos de doble bombo y un estribillo que suena como si hubiera sido creado por un consejo de magos. La producción le da un toque extra de fuerza: las guitarras rítmicas golpean con más fuerza, la batería tiene un golpe más profundo y todo se siente como el debut después de un largo descanso. Se percibe esa mayor contundencia en la forma en que los riffs retumban bajo los estribillos y en el ocasional toque thrash que se cuela en canciones como la épica final, Valediction.

El factor fantástico, por supuesto, está presente. Glade Lords Of Athel Loren suena exactamente como su título: un recorrido galopante por los bosques de Warhammer con solos que se disparan como proyectiles mágicos perdidos. The Royal Road y Aegis Of Eternity continúan con la especialidad de la banda: Power melódico y turboalimentado que, de alguna manera, te hace creer que deberías llevar una capa mientras lavas los platos. Y The Arcane Tower, con la participación especial de Tommy Johansson, es básicamente una declaración de principios en forma de canción: solos triunfales, voces imponentes y un estribillo tan potente que se puede ver desde el espacio.

Una de las virtudes ocultas del álbum es su carácter juguetón sin perder ritmo. Camelot Rock City es puro rock heroico con un toque de humor negro, fusionando la arrogancia del Rock 'n Roll con la grandilocuencia del Power

Sin embargo, hay un detalle: este disco no es tan impactante como su debut. Aquel debut llegó como un ataque sorpresa: fresco, ágil y repleto de temas que se convirtieron en clásicos instantáneos, dejando a los fanáticos del Power boquiabiertos, preguntándose: ¿De dónde salieron estos islandeses?. El nuevo disco se siente más como una secuela segura que como una revelación: más grande, más pesado, más pulido, pero sin ese par de temas impactantes que te elevan a la estratosfera desde la primera escucha.

En otras palabras, "Beyond The Reach Of Enchantment" es una aventura épica, llena de fantasía, enérgica, melódica y estimulante que demuestra que Power Paladin no es un grupo pasajero, simplemente no alcanza el nivel mágico de "With The Magic Of Windfyre Steel". Para los seguidores específicos vale la pena.

7/10

Triumpher - "Piercing The Heart Of The World" (True / Heavy)

"Piercing The Heart Of The World" de Triumpher es una declaración de una de las bandas de Metal épico más emocionantes de la década de 2020, y llega con la intención -al menos, honesta- de convertirse en un clásico del género. Con raíces en el Heavy tradicional, fusiona riffs contundentes, himnos de batalla y melodías envolventes con matices más duros, sonando como los herederos de Manowar, quienes de alguna manera conservaron el buen gusto y añadieron nuevos matices a su sonido.

Desde el primer ataque de Black Blood -la mejor del disco- junto a la de cerrar Naus Apidalia, Triumpher deja claro dónde reside su esencia: un Metal potente y épico, construido sobre riffs monumentales y ritmos galopantes. Las guitarras marchan con la melodía clásica del Heavy y el Power, mientras que la sección rítmica impulsa todo con potentes golpes de doble bombo y ritmos marciales que parecen hechos a medida para puños en alto y gargantas roncas en primera fila. Estilísticamente, se percibe la influencia de los mencionado Manowar y Virgin Steele en la atmósfera heroica y la composición épica, pero Triumpher evita los excesos caricaturescos en favor de una composición concisa y una auténtica tensión dramática.

Vocalmente, su cantante Mars Triumph ofrece uno de los puntos fuertes del álbum, con una interpretación versátil, no tan impactante como el Eric Adams de los inicios, pero muy competente. Pasa de un barítono ronco y autoritario a growls más ásperos, con coros y voces superpuestas que recuerdan a Bathory y al Metal épico clásico, sin perder su toque personal. Para mi, el lema del álbum, es ser 'herederos in pectore de Manowar, pero con buen gusto', cosa que sus ungidos públicamente y ya desaparecidos legatarios, Majesty, no lograron nunca.

En cuanto a la producción, el disco logra un equilibrio entre claridad y potencia bruta, manteniendo un sonido orgánico y contundente, a la vez que permite que cada instrumento respire. Las guitarras penetran sin sonar estériles, el bajo brilla con un tono redondo, y la batería golpea con fuerza sin opacar los matices ni los coros. 

En definitiva, “Piercing The Heart Of The World” se siente como un hito para Triumpher, aunque todavía le falte un par de temas verdaderamente transcendentes. Sin embargo se trata de una buena colección de canciones de Heavy/True, impulsadas por una voz versátil e instrumentación inteligente que nunca traiciona la esencia del género. Si alguna vez te has preguntado cómo sonaría Manowar con blast beats, un sonido más oscuro y una mayor atención a la dinámica y la atmósfera, este álbum ofrece esa respuesta.

7.5/10

Hellripper - "Coronach" (Melodic Black / Thrash / Speed)

"Coronach", el más reciente álbum de Hellripper, es la declaración más completa y letal hasta la fecha del genio escocés James McBain, único miembro permanente y artífice de esta máquina de velocidad. Partiendo de la reputación del proyecto, el álbum lleva su mezcla de Black, Speed, Punk y Thrash a un sitio más oscuro, expansivo e innegablemente interesante. Se siente como su disco donde cada aspecto del sonido se enfoca con mas precisión, dando como resultado lo que se erige como su mejor trabajo hasta la fecha.

Desde los primeros segundos, "Coronach" es oscuro, galopante e implacablemente enérgico, avanzando constantemente con riffs vertiginosos y una actitud salvaje. Temas como Hunderprest irrumpen con una batería atronadora, líneas de trémolo abrasadoras y cambios rítmicos que mantienen la violencia contenida, siempre al borde de la explosión. McBain infunde velocidad y agresividad con una sorprendente dosis de melodía, permitiendo que los solos épicos atraviesen el caos sin atenuar el tono siniestro del álbum. El resultado es una música satánica y feroz, pero extrañamente contagiosa y divertida, que captura el espíritu exagerado del Metal sin caer jamás en la parodia.

Lo que para mi realmente eleva a "Coronach" es el trabajo de guitarra, que se sitúa entre las mejores interpretaciones de guitarra grabadas en lo que va de año. Los solos -uno de los grandes olvidados de los últimos años por el Metal- llegan en el momento preciso, con una técnica depurada y una estructura meticulosa. Los temas donde más destaca este elemento son el mencionado en el párrafo anterior, Kinchyle (Goatkraft and Granite) y la de cierre, Coronach, esta última nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

A pesar de su violencia, "Coronach" nunca se desmorona en un caos absoluto gracias a su sólida instrumentación y una producción clara y potente. Cada instrumento destaca en la mezcla, preservando la esencia independiente de un proyecto en solitario, pero con un sonido lejos de ser lo-fi. Los growls-barra-screams de McBain se alzan con una presencia imponente. Se percibe que este músico ha volcado todo lo que ama del Metal extremo —el horror escocés, el Thrash clásico, la furia oscura y la actitud Punk— en los ocho temas y cuarenta y cinco minutos que dura el trabajo.

"Coronach" perfecciona la fórmula de Hellripper: riffs vertiginosos y oscuros, descarada actitud y el Speed Thrash con tintes ocultistas de sus trabajos anteriores elevándolos a un nivel más duro, rápido y afilado que nunca. En un año ya repleto de lanzamientos de Metal de gran calidad, este trabajo destaca como uno de los favoritos a estar en las listas de todo el mundo.

8.5/10. Portadaza.

Gaerea - "Loss" (Alternative / Melodic Metalcore)

Quiero titular este comentario 'Cuando la evolución conduce a la erosión'. Pocas bandas de Metal moderno han logrado combinar ferocidad y emoción con tanta fuerza como Gaerea. Con "Coma" (2024) y "Mirage" (2022), el colectivo portugués forjó una voz propia dentro del Black, fusionando una agresividad sombría con una atmósfera cinematográfica y una profundidad melódica. Estos discos no solo eran intensos, sino también emocionalmente inteligentes, equilibrando la desesperación y la trascendencia con un singular sentido de propósito. Desafortunadamente, su último lanzamiento, "Loss", supone un decepcionante alejamiento de esa maestría.

Mientras que "Mirage" es bastante escuchable y "Coma" rebosaba intensidad, "Loss" simplemente se estanca. El giro de la banda, alejándose de sus raíces de Black Melódico para adentrarse en un híbrido de Alternativo y Metalcore Melódico, que pudo haber sido interesante en teoría, pero en la práctica resulta desacertado y extrañamente vacío. En lugar de expandir su sonido, Gaerea parece haberlo diluido, suavizando las texturas desgarradoras y la rabia catártica que alguna vez los definieron, hasta convertirlas en algo excesivamente pulido y emocionalmente inerte.

La diferencia más evidente radica en la producción. "Loss" suena limpio, incluso aséptico, despojado de la crudeza que alguna vez hizo que la música de Gaerea fuera tan visceral. Las guitarras carecen de fuerza; la batería, antes un torbellino de precisión y caos, ahora suena mecánica. El vocalista Guilherme Henriques aún tiene presencia, pero sus gritos se ven relegados en la mezcla, como si el álbum mismo se resistiera a confrontar la crudeza que solía ser el sello distintivo de la banda.

Estilísticamente, Gaerea experimenta con estribillos melódicos, cambios de ritmo predecibles y un enfoque más cercano al Metal comercial de lo que sus fans podrían esperar. Los momentos que buscan la introspección resultan vacilantes en lugar de conmovedores. El resultado no es una evolución hacia la profundidad emocional, sino una pérdida -acertadamente titulada- de la intensidad y el propósito que alguna vez los hicieron tan cautivadores. Incluso cuando la banda intenta generar impulso, las canciones rara vez prenden; se mantienen latentes, dan vueltas y se disuelven sin dejar una huella duradera.

Es importante señalar que el cambio, en sí mismo, no es el problema. Las bandas evolucionan; el estancamiento es la muerte del arte. Pero "Loss" no suena a progresión artística, sino a concesión. Las melodías son formuladas, las letras carecen de la oscuridad poética de sus trabajos anteriores y la experiencia general es curiosamente impersonal. En esencia, "Loss" no representa una transformación, sino una erosión: de poder, de emoción, de identidad. Para una banda que alguna vez fue aclamada como la abanderada de la vanguardia emocional del estilo, esa erosión se siente verdaderamente trágica.

6/10

Neurosis - “An Undying Love For A Burning World” (Sludge)

“An Undying Love For A Burning World” es una declaración de intenciones tardía -esta gente tiene cuarenta años haciendo esto- que muestra a Neurosis refinando sus instintos Sludge hasta convertirlos en algo grandioso, centrado y emocionalmente devastador. Suena como una banda plenamente consciente de su legado, pero decidida a seguir adelante en lugar de vivir de glorias pasadas.

Desde los primeros compases, el disco es inconfundiblemente atmosférico y ominoso, envolviendo sus riffs en texturas reverberantes, retroalimentación suspendida y electrónica distante que evoca nubes de tormenta que se acumulan en el horizonte. Las guitarras se mantienen densas y abrasivas, pero la banda deja mucho espacio a su alrededor, permitiendo que sintetizadores y percusión se integren en la mezcla hasta que todo se siente denso y casi asfixiante. Esta densidad nunca se convierte en desorden; al contrario, contribuye a una atmósfera sombría y melancólica que recorre todo el álbum.

La ira siempre ha sido una parte esencial del lenguaje de Neurosis, y aquí se siente más madura, más controlada y más desesperada, en lugar de juvenil o explosiva. Las voces estallan en aullidos desgarradores sobre progresiones de acordes lentas y aplastantes, dotando a las canciones de una rabia apenas contenida que encaja a la perfección con los temas del álbum: crisis, pérdida y perseverancia en un mundo en llamas.

El ruido se utiliza tanto como arma como atmósfera, haciendo del álbum una experiencia ruidosa e hipnótica a la vez. En lugar de un estruendo constante, Neurosis emplea oleadas de distorsión, electrónica y bajos saturados que suben y bajan, atrayendo al oyente a patrones largos y cíclicos. La repetición se convierte en una herramienta de trance: los riffs regresan ligeramente alterados, los ritmos se desfasan y uno se encuentra atrapado en el pulso interno de la banda casi sin darse cuenta.

Sus mejores canciones son First Red Rays y Last Light. la primera se desarrolla lentamente desde unos comienzos tranquilos, casi frágiles, hasta unos riffs imponentes y majestuosos que canalizan tanto tristeza como furia, encarnando la mezcla de reflexión y agresividad del álbum. La segunda y que cierra el disco se extiende por unos epopéyicos diecisiete minutos, entrelazando electrónica pulsante, sonoridades expansivas de Space Rock y colosales riffs de Sludge en un único y catártico final. En conjunto todo hace que “An Undying Love For A Burning World” sea atmosférico, ominoso, furioso, denso, sombrío, ruidoso e hipnótico; prueba de que Neurosis aún puede encontrar nuevos territorios emocionales dentro del lenguaje del Sludge que ayudaron a codificar.

8/10

Angus McSix - “Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye” (Power)

“Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye” es una muestra divertida y exagerada del Power épico y extravagante que uno espera del proyecto post-Gloryhammer de Thomas Winkler, pero que rara vez supera lo aceptable y nunca llega a rivalizar con su antigua banda en su mejor momento.

El álbum se centra en ritmos vertiginosos, coros grandilocuentes y -demasiados- teclados sinfónicos, todo ello envuelto en una producción pulida que evoca fantasía y el lore que Angus McSix desarrolla en sus canciones. 6666, I Am Adam McSix son, junto con The Power Of Metal, de los temas más destacados: himnos con grandes orquestaciones, una batería ágil y solos de guitarra llamativos, perfectos para corear en festivales. 

La calidad musical es aceptable, desde la melodía principal hasta la sólida base rítmica, pero con un abuso descarado y casi abusivo de los teclados, lo que le quita bastante organicidad. La voz de Winkler sigue siendo potente y carismática, alcanzando los agudos heroicos y el fraseo teatral que lo convirtieron en uno de los favoritos del público, además de que el universo de Angus McSix se ha expandido en directo y en sencillos donde la banda ha colaborado con grupos como Feuerschwanz, Warkings, y Orden Ogan, todos parte del mismo ecosistema teatral del Power/Folk. En este disco, Angus McSix invita a Van Canto, Freedom Call, Rhapsody Of Fire y algún otro, lo que subraya la naturalidad con la que este proyecto encaja en una red de bandas del norte de Europa.

Sin embargo, este trabajo sigue siendo menos comparado con los mejores trabajos de Gloryhammer y respecto al anterior de la banda, "Angus McSix and the Sword of Power" (2023), no le veo mayores diferencias, incluso puede que hasta un poco más plástico, si se puede, aunque captura una sensación similar de diversión grandilocuente. Total, es tu Power cursi estándar, con algunas canciones y momentos disfrutables, pero que carece de dientes más afilados que lo hagan memorable.

6.5/10

PD. Un amable lector me hizo caer en cuenta del error de que Winkler no seguía siendo el cantante de la banda, lo que más allá del 'mea culpa', comprueba que el disco es solo aceptable y bastante formulista. Como dicen los andaluces: es igua'

Miserere Luminis - "Sidera" (Black / Atmospheric Black / Art Metal)

"Sidera" de los canadienses francófonos Miserere Luminis, es una impresionante muestra del Black, un álbum donde la agresividad, la melancolía y la ambición artística se fusionan en una experiencia profundamente emotiva. A lo largo de sus cinco extensas canciones, la banda refina su sonido hasta convertirlo en algo a la vez atmosférico, íntimo y explosivamente catártico.

"Sidera" se presenta como una continuación y culminación del camino abierto en "Ordalie" (2023), pero todo se siente más nítido, más enfocado y más audaz -discazo que deben también oir-. El trío de Montreal entrelaza un Black angustioso con paisajes sonoros cinematográficos y texturas contemplativas, creando un disco que funciona como un cuerpo emocional en constante transformación. Esto le confiere a "Sidera" un aura distintivamente artística: para mi es Art Metal en el sentido de que la estructura, la dinámica y el timbre se tratan como herramientas narrativas en lugar de obligaciones del género.

Estilísticamente, el álbum se sitúa en la intersección del Black y su subgénero, el Atmosférico, pero constantemente desafía los tópicos esperados de ambos. En lugar de recurrir a interminables pasajes de trémolo o clímax de blast beat directos, Miserere Luminis construye composiciones fluidas donde los estados de ánimo evolucionan orgánicamente, a veces deteniéndose en una frágil introspección antes de estallar en una violencia salvaje. El resultado es una música melancólica y cambiante, que oscila constantemente entre la desesperación susurrada y los estallidos aterradores, pero siempre anclada en una sólida línea melódica y emocional.

La lista de canciones -Les fleurs de l’exil, Aux bras des vagues & des vomissures, À la douleur de l’aube y ans la voie de nos lumières— se lee como una suite poética, y las canciones hacen honor a esos títulos, la segunda pieza De cris & de cendres me parece de una calidad especial y la voy a dejar nominada a Canción del Año de ELOMC, pero realmente cualquiera podría alzarse con ese título, siento que es un disco que de punta a punta es un refugio para el espíritu. El piano y las cuerdas crean espacios introspectivos, casi litúrgicos, sobre los que las guitarras despliegan arpegios hipnóticos y solos vertiginosos que remiten tanto al Post como al Black Depresivo. Cuando finalmente estallan la batería y los gritos, el impacto es total, pero nunca gratuito; cada explosión se siente merecida.

Emocionalmente, "Sidera" es una epopeya melancólica, impregnada de tristeza, anhelo y tensión existencial, pero animada por una feroz voluntad de vivir. La banda explora con gran profundidad la tensión entre la fragilidad humana y la inmensidad cósmica, entre el instinto y el significado, lo que convierte al álbum no solo en una obra emotiva, sino también genuinamente reflexiva. En definitiva, "Sidera" es melancólico, agresivo, explosivo, profundo, cambiante y emotivo a partes iguales: un álbum que recompensa la escucha atenta y que destaca como una de las fusiones más fascinantes de Black Metal, Black Metal Atmosférico y Art Metal de los últimos tiempos.

10/10 Un disco perfecto y para atesorar, clarísimo contendiente a Disco del Año de ELOMC.

Exhumed - "Red Asphalt" (Death / Grindcore)

"Red Asphalt" de Exhumed es un álbum contundente, caótico y macabro que trata sobre una sola cosa: accidentes de vehículos y todas las pesadillas sangrientas que surgen cuando los metaleros pasan demasiado tiempo mirando a la carretera. Anunciado por la banda y la prensa como un disco obsesionado con las carreteras estadounidenses, "Red Asphalt" se aleja de las morgues y quirófanos habituales de la banda para acercarse a una carnicería vehicular que recorre cada tema, lo que hace que llamarlo 'álbum conceptual' suene irónico. 

Desde Unsafe at Any Speed hasta Death on Four Wheels y Symphorophilia, el álbum se centra en choques múltiples, gases tóxicos y metal retorcido como eje narrativo, centrándose en curiosos asesinos en serie con vehículos y demonios de carretera que usan la autopista como su matadero personal. Exhumed siempre ha estado obsesionado con el terror, pero aquí canalizan esa fijación hacia lo más mundano y cotidiano de simplemente ponerse al volante.

Musicalmente, "Red Asphalt" es todo lo que un buen álbum de Death con tintes Grindcore debería ser: rápido, directo y absolutamente despiadado y extrañamente divertido. El disco tiene la duración ideal de treinta y seis minutos, ofreciendo diez temas compactos sin interludios innecesarios, solo ritmos que te dejan con blastbeats y riffs que oscilan entre la brutalidad del trémolo de la vieja escuela y secciones demoledoras que hacen que la cabeza se bata.

La producción es contundente y caótica como exigen los esquemas: sucia pero lo suficientemente clara para que se puede seguir cada riff. El ataque vocal dual de Matt Harvey y Ross Sewage sigue siendo una de las armas más fiables de Exhumed. Al final, "Red Asphalt" puede que esté usando el término 'álbum conceptual' con bastante ligereza, pero ese enfoque despreocupado forma parte de su encanto; es menos una narrativa ordenada y más una extensa acumulación de riffs y gritos de horror. 

Como un contundente, caótico y macabro disco de Death, dedicado por completo a accidentes automovilísticos, ofrece exactamente lo que promete la premisa y quizás un poco más, demostrando que Exhumed no solo ha encontrado una nueva forma de ser repugnante, sino también de ser divertido.

8/10

 

Mayhem - "Liturgy Of Death" (Black)

"Liturgy Of Death" de Mayhem no es una reinvención del legado de la banda, sino una declaración vigorosa y sorprendentemente interesante al final de su carrera, donde refinan armas conocidas en lugar de forjar otras nuevas. Dentro de ese marco, logra ofrecer varias ideas interesantes, especialmente en su segunda mitad, rica en texturas, que se convierte silenciosamente en el principal atractivo del álbum.

El disco surge siete años después de "Daemon" (2019), con la formación ya consolidada de Attila Csihar, Necrobutcher, Teloch, Ghul y Hellhammer, que suena cómoda en su piel actual -recordarle a los neófitos que esta es 'La Banda' de Black, junto con dos o tres más-. Temas iniciales como Ephemeral Eternity y Despair se apoyan en arreglos densos, alternando entre violencia asfixiante y pasajes inquietantes, casi cinematográficos, y demuestran claramente que Mayhem sigue comprometido con la abstracción y la disonancia, en lugar del enfoque basado en ganchos más melódicos que muchos colegas han adoptado. Por momentos, este primer tramo parece una continuación de la estética refinada de "Daemon" y "Esoteric Warfare" (2014).

A partir de Funeral Of Existence, el disco cobra una velocidad mucho más convincente, convirtiendo su segunda mitad en la parte más memorable y cohesiva de la experiencia. Realm Of Endless Misery y Propitious Death impulsan esto aún más, jugando con el tempo y la textura para que cada explosión de velocidad se sienta ganada en lugar de obligatoria, y el control de la banda sobre el flujo del sonido se convierte en uno de los placeres silenciosos del álbum. Este tramo se siente como Mayhem en su momento más concentrado en años, no necesariamente innovador para su catálogo, pero sí agudo, variado y consistentemente cautivador.

La pieza central de cierre, The Sentence Of Absolution, es donde "Liturgy Of Death" se impone con fuerza. Construida sobre solos mordaces y una base rítmica impenetrable, la canción muta gradualmente de un asalto ansioso de Black a algo más ritualista, permitiendo que sintetizadores y guitarras disonantes se arremolinen alrededor de la voz cambiante de Attila antes de que la composición se disuelva en una coda de percusión tribal, similar a un canto. Aquí, Mayhem entreteje melodías y patrones de percusión con sabor árabe, lo que refuerza el aura de la pieza. El resultado es un final que se siente a la vez teatral y extrañamente íntimo, cerrando el álbum con pulsos de tambores y voces espectrales que perduran mucho después de que se desvanece el último growl. Nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

En definitiva, "Liturgy Of Death" no revoluciona la historia de Mayhem ni derriba sus lanzamientos canónicos, pero sí presenta un refinamiento seguro y a veces un poco aventurero, de su sonido moderno que recompensa la escucha completa del álbum. Es menos un nuevo capítulo que un oscuro epílogo de una historia ya escrita, pero aun así es apasionante, divertido y, en ocasiones, fascinante.

7.5/10

 

Cryptic Shift - "Overspace & Supertime" (Technical Thrash / Technical Death / Jazz / Avant-Prog)

El segundo álbum de larga duración de Cryptic Shift, "Overspace & Supertime", es una inmersión de casi ochenta minutos y cinco canciones en el exceso de la ciencia ficción Techdeath que o bien te hará sentir con una emocionante liberación de la estructura... o como estar atrapado en una lavadora. Es deliberadamente amorfo, orgullosamente demasiado largo y casi cómicamente hostil a la oída desprejuiciada, las listas de reproducción o la escucha casual de fondo.

El disco consta de tan solo cinco temas, con tres piezas de unos diez minutos, una cerca de los veinte minutos y un coloso que roza la media hora. Títulos como Cryogenically Frozen, Hexagonal Eyes (Diverity Trepaphymphasyzm) y Stratocumulus Evergaol indican inmediatamente que estamos en territorio de abstracción: la narrativa de ciencia ficción y la atmósfera alienígena importan mucho más que la memorabilidad o el gancho. En lugar de construir canciones en torno a temas recurrentes o arcos argumentales convencionales, Cryptic Shift opta por largas cadenas de estallidos de sonido, riffs, explosiones, cambios de tempo y cambios de textura que aparecen, se queman y desaparecen. En teoría, cada composición es una suite épica de múltiples movimientos; en la práctica, a menudo da la sensación de que la canción comienza en algún punto, rebota a través de una docena de giros intencionales y tangentes accidentales, y solo llega a un final porque la banda decide dejar de tocar.

Estilísticamente, "Overspace & Supertime" se sitúa en una extraña intersección de Thrash Técnico, Death, Jazz y Avant-Prog. La experiencia general se acerca más a géneros muy under, tipo Chaos Core o Death Fusion: un bombardeo continuo de ideas donde los sonidos Grind coexisten con pasajes extensos, casi jazzísticos, y una atmósfera cósmica.

Hay momentos de brillantez, pero estas islas de estructura reconocible están rodeadas de océanos de caos, y para muchos oyentes la experiencia resultará más arbitraria que épica, más agotadora que inmersiva. "Overspace & Supertime" no es 'malo' en ningún sentido directo; es profundamente comprometido, desbordantemente imaginativo y ejecutado con una destreza asombrosa. También es caótico, intangible y, por momentos, exasperantemente inaccesible; un álbum que parece priorizar la extrema duración y complejidad por encima de la claridad emocional o la narrativa.

Si necesitas que los riffs resurjan, que los elementos raros resuelvan o que las canciones se sientan como viajes en lugar de sonidos cohesionados, "Overspace & Supertime" probablemente será un objeto fascinante, para mí es desconcertante, impresionante y casi único, pero imposible de amar sin compromisos, demasiado raro aunque tiene sus momentos y probablemente su público.

7/10

 

Lovebites - "Outstanding Power" (J-Power)

"Outstanding Power" marca el quinto álbum de estudio de la banda femenina japonesa de Power, Lovebites. El disco llega en medio de la creciente presencia global de la banda, una contrato con Napalm Records y una actuación histórica en el icónico Budokan de Tokio programada poco después del lanzamiento, yo las vi hace dos años y me sorprendieron gratamente.

A primera vista, "Outstanding Power" suena exactamente como lo promete el título: una exhibición de maestría técnica, riffs potentes y un ritmo trepidante. Temas como The Castaway abren con un Power dramático y potente y las brillantes líneas de tinte Neoclasical que los fans esperan de Lovebites. El ataque característico de la banda con dos guitarras, cortesía de Midori y Miyako, es, como siempre, nítido y logrado, y la batería de Haruna es tan precisa y ultra rápida como siempre.

Sin embargo, donde "Outstanding Power" se diferencia de los trabajos previos más aclamados de la banda no es en la instrumentación ni en la maestría, sino en la composición y la memorabilidad. En "Judgement Day" (2023), Lovebites presentó un disco que muchos críticos y fans consideramos uno de los más cohesivos y convincentes, con estribillos sobresalientes y un ritmo implacable que, sin embargo, encontró espacio para la melodía y la energía de un himno. Las reseñas de la época elogiaron sus vigorosos riffs y su entrega llena de energía, y algunos críticos lo calificaron como una declaración definitiva y una sólida evolución para la banda.

En contraste, "Outstanding Power" a menudo se siente más como una recopilación de trucos metaleros competentes que como un conjunto de canciones realmente cautivadoras. A lo largo de sus doce temas, es sorprendentemente difícil encontrar momentos verdaderamente pegadizos. La actuación de la banda es técnicamente impecable, pero el álbum lucha por justificar consistentemente sus sesenta y cuatro minutos de duración con material inolvidable; muchos temas se funden sin los ganchos emotivos o memorables que hicieron que las canciones de su anterior perduraran mucho después de la última nota. No se trata de habilidad -Lovebites  toca con fluidez y estilo-, sino de la composición.

Algunas piezas individuales brillan algo: arreglos de medio tiempo como Dream of King ofrecen un contraste ligeramente más contemplativo que el ariete de la alta velocidad, y la inclusión de una balada Eternally demuestra la voluntad de la banda de respirar y diversificarse. Pero incluso estos momentos tienden a sentirse aislados en lugar de ser fundamentales para la trayectoria del álbum. En general, "Outstanding Power" a veces se siente demasiado largo y carente de momentos verdaderamente sobresalientes, a pesar de los momentos de estilo instrumental.

En definitiva, "Outstanding Power" es un trabajo bien ejecutado que satisfará a los fans incondicionales de Lovebites y a los entusiastas del J-power que aprecian la destreza técnica. Sin embargo, en comparación con su anterior álbum, se queda corto, dejando la sensación de que la banda ha perfeccionado su maquinaria, pero aún no ha creado los himnos memorables que elevarían este disco a las mismas alturas. A pesar de toda su energía y destreza, "Outstanding Power" está, irónicamente, lejos de ser realmente excepcional

6.5/10

Fossilization - "Advent Of Wounds" (Death)

“Advent Of Wounds” de Fossilization es una imponente pieza de Death donde los elementos más oscuros y sofocantes del género se llevan a un extremo abrumador. Sobre todo, su mayor característica diferencial es su oscuridad y densidad: cada tema se siente como si uno se arrastrara por una cueva llena de humo y ceniza. El disco es denso, cavernoso, siniestro, macabro y atmosférico, uniendo Death, Doom y texturas Black en una única visión opresiva que nunca pierde su enfoque.

Fossilization, un dúo brasileño elogiado en varios sitios por su trabajo en “Leprous Daylight” (2023), destaca por su inclinación hacia el Death turbio y Doom de la vieja escuela, manteniendo una composición precisa y decidida, evitando divagar. La producción se siente deliberadamente envuelta en la sombra: las guitarras vibran como maquinaria subterránea, la batería retumba y las voces emergen cavernosas.

Lo que realmente eleva "Advent Of Wounds" es la composición de riffs. El álbum está repleto de riffs muy interesantes que van más allá de la forma habitual 'mono-estructural', a menudo parten de un motivo sencillo y luego evolucionan hacia una secuencia mucho más elaborada y de varias partes. Las canciones respiran y mutan: los tempos se tambalean, las líneas de trémolo se transforman en disonancias atmosféricas y las figuras recurrentes reaparecen en formas alteradas, dotando al disco de una sensación narrativa y cohesión. 

El trío de canciones iniciales es especialmente devastador, y las mejores el disco, Cremation Of A Seraph, Disentombed And Reassembled By The Ages y Scalded By His Sacred Halo. La primera marca el tono con ritmos y riffs frenéticos e inexorables que se enroscan como invocaciones sepulcrales, sumergiendo al oyente en un mundo sonoro desolador y aplastante. La segunda destaca por su arco dinámico, que se ralentiza hacia pasajes Doom antes de redoblar la velocidad, una evolución estructural que se siente a la vez épica y castigadora y la tercera profundiza aún más la atmósfera, entrelazando figuras melódicas inquietantes con su violencia, de modo que la canción se siente a la vez litúrgica y enfermiza, como un ritual realizado en un templo en ruinas, clara nominación a Canción del Año de ELOMC. 

A lo largo de su metraje, “Advent Of Wounds” ofrece una excelente lección de cómo el Metal extremo puede ser a la vez brutalmente directo y audaz en su composición. Es oscuro y denso, pero rico en detalles e intención, recompensando la escucha atenta con capas de textura y desarrollo que van mucho más allá de los clichés del género. Para quienes buscan un Death cavernoso, siniestro, macabro y atmosférico cuidadosamente construido, lo último de Fossilization no solo es recomendable, sino que se siente imprescindible.

8.5/10

Worm - "Necropalace" (Symphonic Blackened Doom)

"Necropalace" de Worm es un viaje oscuro, frío y misterioso al Blackened Doom Sinfónico, donde la atmósfera y la destreza técnica se fusionan en una pesadilla gótica y vampírica. En general, es un disco decente, pero sus fallos de producción y la dura competencia dentro del estilo le impiden alcanzar la verdadera grandeza.

El álbum se inclina con fuerza hacia una atmósfera sombría y neblinosa, con teclados densos, órganos y guitarras superpuestas que crean un paisaje sonoro imponente. Su autodenominado Black Doom Nigromántico gira decisivamente hacia el Black Sinfónico, pero sin abandonar sus raíces Doom y Death, lo que confiere a las canciones una sensación glacial y opresiva bajo la influencia orquestal. El resultado es una música que se siente a la vez fría y extrañamente majestuosa, como deambular por interminables pasillos helados iluminados únicamente por antorchas parpadeantes.

A pesar de su extrema intensidad, "Necropalace" es bastante melódico, con temas recurrentes y motivos principales que hacen que cada tema parezca un viaje en sí mismo. Temas como el que da título al disco y Halls Of Weeping presentan arreglos exóticos, a veces impredecibles, que desestabilizan ligeramente al oyente, reforzando el carácter misterioso del disco. La fluidez entre los temas está cuidadosamente construida, pero su duración de más de una hora se siente exagerada.

Bajo la atmósfera se esconde un núcleo sorprendentemente técnico, especialmente en la composición de riffs y la batería. La banda alterna entre pasajes sinfónicos de ritmo medio, al estilo de los 90, y secciones más lentas de Doom con cambios de tempo al estilo de disSEMBOWELMENT, que exigen una atención minuciosa del oyente. Esta complejidad estructural le da al álbum profundidad y valor de repetición, incluso cuando algunas secciones individuales resultan intencionadamente sofocantes.

Uno de los puntos fuertes son los solos de guitarra, de espíritu descaradamente Heavy e incluso Neoclásico. El guitarrista principal, Wroth Septentrion, aporta un toque extravagante y altamente melódico que atraviesa la penumbra como un foco, y la aparición de Marty Friedman (ex-Megadeth) como artista invitado en el último tema subraya ese linaje del Metal clásico. Estos solos añaden una sensación de dramatismo y optimismo que contrasta a la perfección con el ambiente, por lo demás desolador.

Donde “Necropalace” falla es en su producción. Aunque las capas sinfónicas suenan imponentes, la obra maestra se siente demasiado comprimida, con un rango dinámico limitado que mantiene la música constantemente 'fuerte' pero rara vez realmente impactante. El muro de sonido puede resultar fatigante incluso a corto plazo, especialmente en secciones que deberían respirar más para que la orquestación y los elementos Doom resuenen plenamente. El bajo funciona particularmente mal, a menudo enterrado o indistinto bajo las guitarras y el teclado, lo que resta peso y claridad a algunos pasajes graves.

Dentro del panorama más amplio del Black Sinfónico, "Necropalace" es interesante, pero no mucho más. Los fans de bandas como Fleshgod Apocalypse o Dimmu Borgir, con su integración orquestal más nítida y una producción más expansiva, podrían encontrar este trabajo Worm menos refinado. En definitiva, este es un disco decente: oscuro, atmosférico, bastante melódico, técnicamente ambicioso y adornado con fantásticos solos de guitarra inspirados en el Heavy, pero limitado por su sonido encogido.

7/10

Converge - "Love Is Not Enough" (Metalcore)

En “Love Is Not Enough”, los ultra veteranos de Converge hacen lo que mejor saben hacer: detonar un torbellino de emoción y ruido que te hace querer atravesar una pared y luego abrazar a la persona que tienes a tu lado para decirle lo buena que es. A lo largo de su breve y denso metraje, el disco canaliza la rabia, el dolor y un realismo desolador en una experiencia sorprendentemente catártica que se siente como si te desgarraran y te volvieran a unir en un mismo instante.

Desde el tema que da título al álbum, la banda se lanza directo a la yugular, con riffs frenéticos y una batería desenfrenada que evoca inmediatamente su material más cruel. La letra de la canción, que habla de aprender a 'soportar el sabor de nuestra propia sangre' y aceptar que 'el amor no es suficiente', marca el tono de un álbum obsesionado con la empatía bajo asedio y la supervivencia emocional en un mundo depredador. Este es Converge en plena lucha: enérgico, caótico, agresivamente oscuro, crudo y ruidoso, cada golpe contundente y cada grito cargado de amargura. La gran fortaleza del disco reside en su precisión técnica y densidad rítmica, sin resultar estéril en ningún momento. 

Emocionalmente -fin último de este tipo de trabajos-, el álbum vive en ese extraño espacio donde la violencia y la vulnerabilidad se vuelven indistinguibles. Temas como To Feel Something convierten la ansiedad en un arma, con guitarras que suenan como nervios de punta y versos aulladores de Bannon que resultan instantáneamente identificables. En otros momentos, momentos de melodía con tintes Punk, como en Make Me Forget You, abren brevemente las ventanas antes de que la banda las cierre de golpe en una lluvia de retroalimentación y percusión. 

Dicho esto, "Love Is Not Enough" no es una reinvención radical del lenguaje de Converge. "Jane Doe" (2001) sigue siendo su declaración definitiva, el álbum que no solo cristalizó su sonido, sino que ayudó a dar forma al Metalcore en su conjunto, y sigue siendo su mejor y más singular trabajo. En comparación, este nuevo disco no lleva su estética a un territorio radicalmente nuevo; en cambio, refina y condensa elementos familiares en una explosión corta y violenta. Hay guiños a épocas anteriores en algunos ritmos y texturas, pero nada que redibuje el mapa de la banda.

Sin embargo, esa falta de innovación no se percibe como complacencia, sino como un enfoque intencional. Tras décadas transformando el Metalcore en nuevas formas, Converge se contenta con ser la versión más pura de sí mismos: furiosos, técnicos, rítmicamente densos y emocionalmente lacerantes. "Love Is Not Enough" es una declaración de intenciones que demuestra que esta banda aún puede hacerte querer golpear primero y luego, inmediatamente, envolver a todos en un abrazo magullado y exhausto.

8/10

Karnivool - "In Verses" (Progressive)

El cuarto y demoradísimo álbum de Karnivool, "In Verses", es como un eclipse prolongado y lento: un disco oscuro y emocionalmente intenso que ilumina gradualmente al oyente a medida que lo escucha. Trece años después de "Asymmetry" (2013), la banda regresa con un sonido inconfundiblemente suyo -rítmicamente intrincado, melódicamente rico y profundamente introspectivo-, pero refinado y algo más paciente, atmosférico y maduro.

Desde el principio, "In Verses" se inclina hacia un tono melancólico, casi opresivo, que sustenta sus ganchos melódicos. Ghost y Drone reintroducen la mezcla característica de Karnivool de Rock y Metal  Progresivo: riffs sinuosos, ritmos desfasados ​​y dinámicos que pasan del susurro al rugido sin resultar forzados. El disco es innegablemente oscuro, tanto en sus armonías melancólicas como en la carga emocional que impregna sus letras, pero esa oscuridad nunca es unidimensional; se siente reflexivo más que nihilista, como si luchara con viejas cicatrices en lugar de revolcarse en ellas.

Los elementos progresivos se entrelazan en cada rincón del álbum, no como ejercicios técnicos ostentosos, sino como el ADN de la composición. Compases y polirritmos inusuales están por todas partes, especialmente en temas como Aozora, Remote Self Control y Animation, donde la batería de Steve Judd evoluciona sin perder su ritmo hipnótico. Estos rompecabezas rítmicos se equilibran con fuertes líneas melódicas; la voz de Ian Kenny se eleva por encima de la complejidad, haciendo que canciones que podrían parecer extrañas resulten, en cambio, accesibles.

El núcleo melódico y apasionado del álbum se evidencia más en sus piezas más largas y de ritmo lento. Conversations, un tema de ocho minutos y probablemente el mejor del disco, comienza en un silencio frágil antes de expandirse hacia un clímax catártico. Salva intercambia atmósfera y textura, utilizando el espacio, guitarras superpuestas y, finalmente, cuerdas y gaitas para crear recompensas emocionales que parecen ganadas en lugar de forzadas. De principio a fin, la interpretación de Kenny es a la vez técnicamente segura y abiertamente emotiva, dotando al disco de su esencia humana en medio de toda la ambición estructural.

Lo que hace a "In Verses" particularmente convincente es su contundencia sin depender únicamente de la agresividad. En definitiva, este trabajo es un viaje que recompensa la escucha atenta y repetida y aunque es demasiado largo en su hora y tres minutos, se siente oscuro pero no sombrío, técnico pero no clínico, atmosférico pero anclado en melodías potentes e interpretaciones apasionadas. Creo que Karnivool ha vuelto con un gran disco. Probablemente el tiempo asiente su gran calidad.

8/10

El Lado Oscuro - Metal Critica - 15 años

Hoy ELOMC cumple hoy quince años y aún me cuesta creerlo... cuando me fijo que tengo una hija menor que este sitio, me parece increíble. Lo que comenzó como un pequeño rincón para compartir comentarios y reflexiones personales sobre mi  placer al escuchar Metal, ha terminado convirtiéndose en un espacio en el que que muchas personas me han acompañado.

En este viaje ha habido de todo: noches escribiendo hasta tarde, cambios de diseño, silencios largos, regresos inesperados, y lo más importante, una comunidad de lectores fieles que siempre ha estado ahí, explorando conmigo el fascinante mundo de la mejor de la manifestaciones musicales que existe, al menos el más popular, como dice el antetítulo.

A cada persona que ha leído, comentado, compartido o simplemente pasado por aquí: gracias. Gracias por alimentar este proyecto con su curiosidad, su apoyo y su paciencia durante tres lustros.

Quince años después, El Lado Oscuro - Metal Critica sigue vivo porque juntos mantenemos la llama encendida y mientras haya buenos discos de los que hablar, seguiremos adentrándonos juntos en este placer.

Vamos a tratar de llegar a los veinte años, con ustedes por aquí será más fácil.

Alfonso

Urne - "Setting Fire To The Sky" (Melodic Death / Sludge / Metalcore)

"Setting Fire To The Sky" de Urne se siente como Melodeath y Metalcore mezclados con elementos Sludge a partes iguales de liberación emocional... un paraíso para los frikis. Es un disco que toma la grandeza y el ritmo de Gojira o Mastodon y los filtra a través de una sensación distintivamente británica de crudeza y melancolía.

El tema de apertura, Be Not Dismayed, -la mejor del trabajo- establece inmediatamente el esquema: guitarras limpias y desoladas y un ambiente solemne dan paso a riffs descomunales y cargados de Sludge y una batería potente, estableciendo el tira y afloja del álbum entre la vulnerabilidad y la pura gravedad. Urne se inclina con fuerza hacia unos graves fangosos (de ahí el término Sludge, o así siempre he creído), pero las canciones están entrelazadas con elementos de Death Melódico y una tensión y liberación al estilo Core, por lo que cuando los estribillos alcanzan su máximo esplendor, se sienten catárticos en lugar de simplemente castigadores. 

Vocalmente, la banda oscila entre rugidos ásperos y pasajes más melodiosos, otorgando a varios ganchos una resonancia emocional casi Post, sin perder su arraigo en la extrema intensidad. La mitad del álbum es donde realmente se cristalizan las comparaciones entre Gojira y Mastodon. The Spirit, Alive surge con riffs vibrantes, impulsados ​​por un groove tectónico que recuerda a los momentos más pesados ​​de Gojira, pero Urne se inclina más por breakdowns con influencia metalcore y líneas potentes y cantables. 

El tema Harken The Waves, (con Troy Sanders de... bueno, Mastodon), es una pieza central, una épica de Sludge de nueve minutos que deja respirar cada parte del arsenal de Urne y la canción de cierre, Breathe, se despoja de la agresividad a favor de una balada sombría, casi -como dije- Post, enriquecida por texturas de cuerdas.

Nuevamente la virtud del trabajo es su propia carencia, y es que "Setting Fire To The Sky" a veces se aferra demasiado a sus influencias, con ecos tan fuertes de las bandas mencionadas como inspiración que la propia identidad de Urne se difumina. Sin embargo, la calidad de la composición, los ganchos memorables y la cautivadora mezcla de Sludge, florituras de Melodeath y energía del Core lo convierten en un disco de interesante.

7.5/10

Møl - "Dreamcrush" (Blackgaze / Dream Pop)

"Dreamcrush" de Møl es un excelente disco que consolida la reputación de la banda danesa como una de las bandas más cautivadoras del Blackgaze contemporáneo. Su elemento más interesante es la fusión de texturas del género y Dream Pop con la agresividad del Post Black, creando un sonido que se siente a la vez luminoso y contundente. Muros de guitarras con reverberación se arremolinan en pasajes impulsados ​​por el blastbeat, mientras que los ganchos melódicos emergen de la tormenta, otorgando al álbum un equilibrio inusual entre melodía e intensidad cruda.

"Dreamcrush" refina la fórmula anterior disco de Møl, "Diorama" (2021) -del cual me quedé con la ganas de comentar-, ampliando su paleta con matices de Rock Alternativo y Post sin perder la esencia emocional que hizo a ese disco tan interesante. Este trabajo se inclina hacia una belleza propia del Dream Pop -guitarras vaporosas, solos brillantes y atmósferas espaciosas, para los españoles la banda Elefantes es una referencia-, a la vez que abraza estallidos furiosos y oscuros y una dinámica aplastante.

Entre los momentos más fuertes se encuentran los temas de abrir y cerrar, Dream y Crush, a las que se me antoja dejar nominadas como contendientes a Canción del Año de ELOMC y que demuestran la habilidad de la banda para componer canciones memorables al instante, pero estructuralmente aventureras. Hay quien dice que lo más destacado de "Dreamcrush" es una evolución maximalista y emotiva del sonido de Møl, calificándolo como uno de sus lanzamientos más potentes hasta la fecha. Yo creo que aciertan.

Debo destacar la refinada producción, la solidez del quinteto y la forma en que cada miembro consigue momentos para brillar, ya sea con potentes solos de guitarra, una intrincada batería o dinámicos cambios vocales. El ritmo y la secuencia de canciones del álbum también son destacables, una ejecución que equilibra brutalidad y belleza a lo largo de toda su duración. En resumen, "Dreamcrush" es un disco excelente y emocionalmente rico cuya mayor fortaleza reside en su combinación perfecta de melodía y agresividad y que -para remate- me ha costado mucho dejar de escuchar, lo que es siempre una buena medida del gusto que me han causado.

8.5/10

Alter Bridge - "Alter Bridge" (Alternative / Hard Rock)

El disco homónimo de Alter Bridge da la impresión de ser un álbum compuesto por una banda que sabe exactamente cómo quiere sonar, pero que aún lucha por expresar esa identidad. A lo largo de sus aproximadamente sesenta minutos, "Alter Bridge" ofrece una mezcla de melodías potentes, interpretaciones apasionadas y momentos de musicalidad intrincada que insinúan ambiciones Progresivas. La mezcla de Alternativo, Hard Rock y toques de Heavy le dan al disco una textura versátil: es vigoroso y melancólico, pero también inesperadamente emotivo. A pesar de ello, no siempre mantiene el mismo nivel de inspiración a lo largo del álbum, lo que lo convierte en un recorrido interesante pero irregular.

La primera mitad no siempre impacta con el mismo nivel que la banda parece buscar en la segunda mitad. El sonido es innegablemente potente: riffs de guitarra densos, baterías resonantes y la expresiva voz de Myles Kennedy que lo ancla todo. Las melodías están ahí, pero algunos temas se sienten empantanados por la repetición, lo que opaca la intensidad emocional. Aun así, se percibe el afán de la banda por fusionar coros imponentes con ritmos potentes y vibrantes, una combinación que funciona bien incluso cuando no llega a su máximo potencial.

Luego llega la segunda mitad, y todo empieza a encajar. A partir de Tested And Able, el disco cobra vida. Las canciones se sienten más dinámicas, los arreglos más atrevidos y la química de la banda más convincente. El cierre con Slave To Master actúa como un punto de inflexión, inyectando energía, claridad emocional y un toque de introspección que muchos cortes anteriores solo insinuaban, la mejor del disco. 

Lo que mantiene a "Alter Bridge" cautivador, incluso cuando tropieza, es su pasión. Hay un tono agridulce que recorre gran parte de la composición: una sensación de lucha, resiliencia y anhelo que otorga peso emocional incluso a los temas menos memorables. La voz de Kennedy se eleva con convicción, mientras que el trabajo de guitarra de Mark Tremonti se mantiene impecable, repleto de solos expresivos y riffs de buen gusto. No deja de ser cierto que la duración del álbum, de sesenta minutos, resulta desafiante; algunas canciones podrían haberse recortado o ajustado para darle más enfoque a la experiencia.

En definitiva, "Alter Bridge" es un álbum heterogéneo: ambicioso, emotivo y, en ocasiones, brillante, pero también inconsistente y demasiado largo. Es un álbum que captura a una banda en transición, habiendo dejado atrás su etapa Post-Grunge. A pesar de sus irregularidades, el disco deja una impresión persistente: la de una banda talentosa que no tiene miedo de alcanzar lo más alto, incluso si ocasionalmente pierde el equilibrio en el camino.

7.5/10

Kreator - "Krushers Of The World" (Thrash)

Con "Krushers of the World", Kreator continúa su largo reinado como una de las fuerzas más resistentes del Thrash, pero los resultados esta vez son divisivos. El disco es innegablemente interesante: enérgico, con una producción impecable y lleno de momentos que sugieren que la banda aún disfruta experimentando tras décadas en el género. Sin embargo, a pesar de esa chispa, este álbum se apoya demasiado en sonidos fáciles y melódicos que no encajan bien con la ferocidad cruda que aún evoca su nombre. El resultado se siente como una versión más accesible, casi 'suavizada', de Kreator, una que podría intrigar a los nuevos oyentes, pero que podría dejar a los fans de toda la vida preguntándose dónde se fue el peligro.

En esencia, "Krushers of the World" sigue siendo inconfundiblemente Thrash. Los riffs galopan, la batería pega fuerte y la rasposa voz característica de Mille Petrozza sigue ofreciendo mucha fuerza. Sin embargo, la composición rara vez se desvía de las estructuras habituales. Hay pocos momentos de sorpresa, y la mayoría de los temas se desarrollan según los patrones esperados: estrofas concisas, estribillos potentes y abundantes solos que llegan justo a tiempo. La peculiaridad es que muchos de esos solos y florituras melódicas toman prestado mucho del Power -pecado-, lo que otorga a partes del álbum un brillo extrañamente triunfal, incluso heroico. Esta mezcla estilística añade color, pero a menudo opaca el filo que siempre ha definido el mejor trabajo de Kreator.

Una de las cualidades más notables del disco es su producción. "Krushers of the World" suena limpio, quizás demasiado limpio. La mezcla se inclina hacia lo pulido y lo himnario en lugar de lo áspero o lo callejero, perdiendo parte de la cruda inmediatez que caracterizó sus álbumes clásicos. Para un género construido sobre el caos y la agresión, esa fluidez puede hacer que incluso los temas más rápidos se sientan extrañamente seguros.

La melodía juega un papel más importante aquí que en cualquier trabajo reciente de Kreator. Grandes estribillos para cantar a coro dominan muchas canciones, invitando a una participación del público más típica de festivales de Metal mainstream que de clubes underground. Es innegable que estos estribillos son pegadizos -se quedan con uno tras una sola escucha-, pero esa accesibilidad tiene un precio. En la segunda mitad del álbum, la abundancia de ganchos brillantes y progresiones de acordes heroicas añade una notable capa de cursilería. La intensidad que antes parecía peligrosa y vital ahora se siente atenuada, como si la banda hubiera cambiado la rabia por la grandeza.

En definitiva, "Krushers of the World" es un disco técnicamente sólido, pero emocionalmente conflictivo. Es más compacto, llamativo y melódico de lo que los fans de siempre podrían esperar: una muestra de maestría musical que sacrifica la intensidad y la agresividad que antaño distinguieron a Kreator. Es Thrash despojado de sus coñazos estatutarios. Los fans acérrimos lo encontrarán demasiado brillante para conectar con él, pero para quienes prefieren el Metal con coros potentes y matices más limpios, este podría ser el álbum más accesible de Kreator en años.

7/10

Megadeth - "Megadeth" (Thrash)

Para una banda que definió (o ayudó a definir) el sonido y el espíritu del Thrash durante más de cuatro décadas, Megadeth — y su disco homónimo y supuestamente último— se siente como una vuelta de honor y una carta de despedida, todo en uno. Cada riff y letra tiene un peso innegable, no por lo que son, sino por lo que representan: el cierre de un capítulo en la historia del Metal. La música tiene un trasfondo melancólico, una tristeza silenciosa bajo sus bordes afilados, como si Dave Mustaine y compañía se despidieran conscientemente de su legado.

Desde el primer tema, el disco rebosa energía. Es rápido, contundente y melódico, con muchas de las notas esperadas de Megadeth: riffs galopantes, solos intrincados y esa precisión rítmica mordaz que convirtió a la banda en uno de los Cuatro Grandes del Thrash. Sin embargo, a pesar de esa intensidad, nunca alcanza la ferocidad de trabajos anteriores como "Rust in Peace" (1990) o "Peace Sells… but Who’s Buying?" (1986). Hay una notable moderación aquí: un equilibrio entre agresividad y reflexión, como si la banda no tuviera nada más que demostrar, pero aun así se sintiera obligada a recordarnos lo que podían hacer a toda máquina.

La voz de Mustaine, sin embargo, acapara quizás demasiado protagonismo esta vez. Su interpretación vocal es fundamental, eclipsando a veces la firmeza de su musicalidad. La mueca de desprecio que antes sonaba venenosa y urgente ahora se percibe como torpe en la mezcla, diluyendo las sutiles complejidades de las guitarras gemelas y la sección rítmica. Es una decisión que puede dividir a los fans de toda la vida -algunos podrían percibir confianza, otros ego-, pero es inconfundiblemente Mustaine.

Sonoramente, "Megadeth" es un álbum bien producido con muchos momentos que recuerdan al pasado histórico de la banda. Muchos temas parecen reflejos o ecos de clásicos anteriores. Hay riffs que podrían haber salido directamente de "Countdown to Extinction" (1992), armonías que recuerdan a "Youthanasia" (1994) y cortes rítmicos que recuerdan a "Cryptic Writings" (1997). Es como si la banda hubiera rebuscado en su propia historia y hubiera creado un collage de lo que los hizo grandes. Aunque pueda sonar fortuito, para sus fieles seguidores funciona como una despedida nostálgica.

Entre las canciones destacadas, Tipping Point se erige como la estrella: trepidante, bien construida y melódica en el mejor de los sentidos. Let There Be Shred también cumple, haciendo honor a su título con un trabajo de guitarra deslumbrante y un estilo técnico que encantará a cualquier fan del estilo preciso de Megadeth. Pero más allá de esos puntos culminantes, gran parte del álbum se asienta en un ritmo cómodo, consistente pero rara vez sorprendente. No hay clásicos instantáneos aquí, ni momentos como Holy Wars o Symphony of Destruction que redefinan nada.

En definitiva, "Megadeth" es un álbum que será recordado menos por sus canciones y más por lo que representa: la declaración final de una de las bandas más influyentes del Metal. Es enérgico, técnicamente sólido y, en muchos sentidos, una despedida adecuada; no por ser perfecto, sino porque se siente humano, ligeramente cansado y consciente de su propio lugar en la historia. El final de una era rara vez suena tan consciente o tan agridulce.

7/10