Sólstafir - "Hin Helga Kvöl" (Post / Folk / Shoegaze)

"Hin Helga Kvöl" de Sólstafir es uno de esos discos que se siente como un fantasma no invitado: no estás muy seguro de si está aquí para atormentarte, inspirarte o simplemente hacerte tomar otra cerveza. Esta banda islandesa de Post tiene un don para crear álbumes que se perciben como folclore antiguo desenterrado de una tumba cubierta de musgo y salpicado con suficiente distorsión atmosférica para hacerte sentir como si hubieras marcado accidentalmente una estación de radio de una dimensión diferente. Pero este no es el típico cuento de fogatas amigables. La mezcla de Doom cinematográfico y Black, con infusión de Folk de Sólstafir es densa, a veces lo suficientemente densa como para hacerte preguntarte si simplemente no eres lo suficientemente sombrío como para entenderlos.

El álbum comienza con el tipo de paisaje sonoro envolvente que te hace sentir como si te hubiera recogido el viento en una oscura costa islandesa. Pero, como ocurre con muchos de los trabajos de Sólstafir, este no es tanto un sonido que te relaje y te haga vibrar, sino más bien una prueba de resistencia. Con cuarenta y ocho minutos de duración, "Hin Helga Kvol" tiene temas que se desarrollan como novelas, que exigen que te sientes, te abroches el cinturón y dejes que la narración te inunde, desafortunadamente ninguno me terminó de impactar. Y aunque el álbum rezuma cierta mística poética, hay una sensación inquebrantable de que podría haber sido diez minutos más corto sin perder mucho. Cada tema parece aferrarse al peso existencial del mundo, lo que da lugar a un disco que a menudo es más pesado que verdaderamente profundo.

Pero hay algo innegablemente encantador en la forma en que Sólstafir equilibra la crudeza cruda con una melodía inquietante. Su vocalista Aðalbjörn Tryggvason (así se escribe, pero dígame alguien como se pronuncia) es en parte poeta torturado, en parte chamán, canalizando un espíritu que suena a partes iguales exhausto y enfurecido. Su voz tiene el peso del antiguo folclore islandés, no importa si entiendes o no el islandés: las canciones te atraviesan como una guadaña y te deja mirando perplejo de lo que acabas de oir.

La producción aquí es otra mezcla de todo. Por un lado, captura el sonido central de la banda: neblina Shoegaze y estruendo Post a partes iguales. Pero, a veces, es difícil no sentir que todo es demasiado ruidoso, demasiado implacable. Hay una cualidad monótona en algunas de las pistas que, en lugar de ser hipnótica, termina sintiéndose como si estuvieras atrapado en un sonido que no termina. Cuando estás inmerso en ella, la retroalimentación ambiental y la reverberación sónica crean este paisaje inmersivo y salvaje que es a partes iguales fascinante y agotador. Pero tras varias escuchas, es fácil empezar a sentir que el sonido de Sólstafir en este disco tiene tanto que ver con la atmósfera como con la ocasional canción de relleno disfrazada de un viaje épico.

Cuando llegué al final de "Hin Helga Kvol", me quedé a la vez desconcertado y algo aliviado. Este no es un álbum fácil de digerir. Ni siquiera es particularmente divertido. Hubiera querido que me gustara más; desde "Svartir Sandar" (2011) y "Ótta" (2014), incluso todavía con "Berdreyminn" (2017) no hacen esa cosas geniales que los dieron a conocer fuera de su terruño.., mira que es difícil destacar cantando en ese idioma. Es verdad que Sólstafir tiene una manera única de convertir el terror existencial en un viaje sonoro que es a la vez miserable y extrañamente mágico, como si estuvieran aquí para recordarte la belleza de las cosas rotas, pero esta vez no vengas esperando un éxito: es más como mirar fijamente un hermoso acantilado islandés mientras te congelas: extraño y brutal... no se si vale la pena cada escalofrío.

6.5/10

Flotsam And Jetsam - "I Am The Weapon" (Thrash / Heavy)

El último lanzamiento de Flotsam and Jetsam, "I Am The Weapon", golpea con el tipo de fuerza implacable que los fanáticos podrían esperar del veterano grupo de Thrash. La banda muestra que aún tiene el vigor para competir con sus versiones más jóvenes, entregando una colección de temas de alta energía y cargados de riffs que se sienten nostálgicos y modernizados.

Este álbum se inclina hacia una mezcla de Thrash clásico con un toque de Power, mostrando la voz de Erik A.K Knutson en su usual forma áspera pero potente, mientras que el acompañamiento instrumental de los guitarristas Michael Gilbert y Steve Conley es tan ajustado y enérgico como siempre.

La banda es tan antigua como el género mismo, remontándose sus orígenes a inicios de los ochenta; yo siempre los he sentido ubicados como en una segunda línea del Thrash, un poco desconocidos, un poco demasiado imbuidos en solo hacer su música y sin mayores intenciones de destacar en el mundillo comercial. Esto puede ser interpretado desde varias perspectivas, pero creo que la principal es que son fieles a sí mismos... me pregunto si habrán podido pagar las cuentas, pero fuera de eso, ya nadie les puede quitar su estatus de glorias del estilo.

Con temas como A New Kind Of Hero y Primal, el álbum comienza con una intensidad rápida y cargada de ganchos, gracias a la batería contundente de Ken Mary y un estilo de producción animado y poderoso. Este es un álbum con algunos puntos bajos; aunque Beneath the Shadows se aventura en un ritmo más suelto que puede sentirse un poco fuera de lugar, el álbum rápidamente vuelve a su forma con una alineación poderosa que equilibra la delicadeza técnica con la agresión. Algunas pistas, como The Head of The Snake, tienen un estilo de producción pulido pero contundente que mantiene el disco constantemente atractivo, aunque puede que un tanto demasiado 'límpio' para los puristas del Thrash.

La dirección de Flotsam and Jetsam ha virado hacia un híbrido de Heavy/Thrash, su "The End Of Chaos" (2019) lo anunciaba, puesto que con toques de Power muestran su voluntad de mezclar la furia de la vieja escuela con nuevos ganchos melódicos. Si bien "I Am the Weapon" no es demasiado especial, marca una adición de calidad a su catálogo de dieciséis discos ya. El resultado de este trabajo, con un sonido revitalizado, demuestra la capacidad de la banda para adaptarse y entregar energía implacable a cuarenta años de su debut.

7/10

High On Fire - "Cometh The Storm" (Sludge / Thrash)

"Cometh the Storm" de High On Fire llega con toda la intensidad cruda que los fans esperan, mezclando su clásico poder de Sludge con toques nuevos y experimentales. Este álbum, el primero en seis años, se mantiene fiel a su camino de riffs feroces y percusión potente, pero añade nuevos sabores, en particular las influencias de Oriente Medio en temas como Karanlık Yol, que incorpora el bağlama turco para una pausa inquietante y cinematográfica en medio de la embestida sónica.

Como conversaba con el amable equipo de Rocktambulos.com cuando esta semana grababamos el podcast de recomendaciones del mes, High On Fire siempre es una banda interesantes para redescubir, yo tengo la sensación de que siempre están evolucionando, que cada disco pretende algo nuevo, aún cuando su sonido es bastante reconocible. Mi único comentario de la banda data de doce años atrás, con "De Vermis Mysteriis" (2012), y revisarlo me confirma lo que pienso de ellos.

La incorporación del baterista Coady Willis infunde al sonido de High On Fire una energía indómita. Canciones como Lambsbread y Burning Down desatan riffs con mucho Thrash, mientras que la canción principal y homónima del disco se ralentiza para ofrecer ritmos aplastantes y cargados de fatalidad. La interacción entre Willis, el bajista Jeff Matz y el líder, pitcher abridor y novio de la madrina, el guitarrista Matt Pike es precisa, a menudo al borde del caos pero un tributo a la producción. Las texturas ásperas y el rango dinámico evitan que el álbum se sienta predecible, con cada canción equilibrada entre una agresión implacable y un ritmo estratégico.

Los puntos destacados incluyen el tema Trismegistus, que vira abiertamente hacia el Thrash y The Beating, apisonante. El álbum cierra con la oscura y atmosférica Darker Fleece, que deja a los oyentes con una nota aprensiva, sumergiéndolos en el tormentoso y bastante demoníaco -por cierto- mundo de High On Fire. A pesar su carácter crudo, "Cometh the Storm" no es solo fuerza bruta; sus toques progresivos y su energía implacable muestran una banda dispuesta a experimentar sin perder su identidad central.

Tanto para los fanáticos de toda la vida como para los recién llegados, este álbum ofrece emociones familiares y sorpresas refrescantes: un lanzamiento brutal pero ingenioso que consolida aún más el legado de High On Fire en el Metal moderno. Con casi treinta años en actividad, aunque sólo nueve largas duración, este power trio no decepciona.

7.5/10

Gaerea - "Coma" (Melodic Black / Post Black)

"Coma" de Gaerea es un álbum que se adentra en las profundidades crudas del Post Black mientras expande los límites del género. Lleva tanto la desolación característica del Black como una voluntad de innovación, llevando a los oyentes a un viaje que es al mismo tiempo caótico y comedido. En la superficie, "Coma" es oscuro e implacable, y sin embargo exuda intensidad controlada que se siente casi meditativa en algunos lugares, un acto de equilibrio que Gaerea logra bastante bien. Su anterior "Mirage" (2022) me parece que no logró el impacto que querían, en esta nueva oportunidad está mejor logrado.

Gaerea, un misterioso grupo de Portugal que pone el anonimato en primer plano, evitando las identidades individuales para mantener el foco firmemente en la música. Este anonimato, combinado con su estilo visceral y catártico, agrega un toque enigmático a su actuación. Con "Coma" llevan esa identidad aún más lejos, adoptando un enfoque expansivo y moderno que tiene una calidad que lo ha hecho destacar este año.

Musicalmente, "Coma" está estructurado con un sólido dominio del ritmo y la atmósfera, llevando a los oyentes a través de diferentes intensidades y paisajes sonoros. Temas como The Poet's Ballet, Suspend, World Ablaze y Unknown golpean con fuerza pero son sorprendentemente melódicos, lo que da a entender la aptitud de Gaerea para crear canciones que se sienten a la vez castigadoras y hermosas. Los riffs iniciales son como una serie de tormentas que ofrecen líneas de bajo vibrantes y tambores implacables, creando un sonido que envuelve al oyente. Luego, justo cuando crees que sabes qué esperar, Gaerea presenta algunos pasajes melancólicos y reflexivos en los que resaltan una superposición de sonido, eso me gustó, el toque de sorpresa.

Temáticamente, "Coma" explora temas de aislamiento, pavor existencial y la fractura del yo, profundizando en letras introspectivas que se alinean con el paisaje sombrío de la música. Esta crudeza emocional, junto con el ritmo sombrío, a veces recuerda a grupos como Mgła, pero Gaerea infunde su propio toque distintivo, manteniéndolo fresco y distinto. Las voces, brutales pero mesuradas, logran un equilibrio entre expresar angustia y dejar espacio para los matices, fusionándose con la atmósfera del álbum.

Sin embargo, el tono implacable puede resultar algo repetitivo, el disco aunque trata de hacerlo un poco, no es tampoco un dechado de innovación. Para los seguidores del estilo, "Coma" es una experiencia destacada, una combinación convincente de agresión y ambiente que refleja una visión madura y bien elaborada. Es una escucha intensa, pero que recompensa a quienes se dejan llevar por su tormenta. Con este trabajo, Gaerea se gana unos puntos en el ambiente y puede destacar en algunas listas del fin de año y claramente su mejor trabajo a la fecha.

8/10

Iotunn - "Kinship" (Progressive / Melodic Death)

Con "Kinship", el grupo danés de Melodeath Progresivo Iotunn catapulta a los oyentes a un mundo de intensidad épica y cósmica. Su segundo álbum combina elementos de los géneros nombrados y algo de Power en una mezcla compleja, melódica y a menudo, de otro mundo. En esta oportunidad, a diferencia de su debut, "Access All Worlds" (2021) tiene un disco bien grabado, creo que ahora si van a destacar, veremos.

La banda ha mantenido intacta su reputación de paisajes sonoros amplios y constructores de universos con "Kinship". Los temas van desde riffs inspirados en el Thrash hasta elaborados paisajes sonoros sinfónicos. Si bien la comunidad no es ajena a los álbumes ambiciosos, a Iotunn no le interesa simplemente llenar el espacio; parecen estar creando nuevos planetas con cada pista. "Kinship" logra parecer enorme e íntimo a la vez, como un cielo nocturno lleno de estrellas donde cada destello cuenta su propia historia.

Uno de los puntos fuertes del disco es el trabajo vocal de Jón Aldará, cuya voz es nada menos que potente. Realiza una transición magistral de limpiezas conmovedoras a gruñidos guturales, siempre perfectamente combinados con la intensidad instrumental en constante cambio. En temas como las enormes Kinship Elegiac y Earth To Sky -las mejores del disco y probables temas del año- la voz de Aldará se siente como si te guiara a través de montañas envueltas en niebla, solo para lanzarte al vacío sin fin con un grito que podría partir estrellas. El efecto es nada menos que emocionante.

Los guitarristas Jesper Gräs y Jens Nicolai Gräs aportan una precisión claramente escandinava a su forma de tocar, con riff tras riff saliendo como acero fundido. Los solos surcan oscuros, memorables y sin caer nunca en la previsibilidad. Mientras tanto, el baterista Bjørn Wind Andersen sustenta todo con ritmos que van desde el atronador contrabajo hasta intrincados rellenos inspirados en el Jazz, recordándonos que no solo mantiene el ritmo sino que le da forma.

Temáticamente, "Kinship" explora todo, desde la resiliencia humana hasta el existencialismo cósmico, combinando letras que se sienten profundas y personales. Salvando todas las distancias estilísticas y el idioma, me recordó mucho a Heroes del Silencio en su forma de cantar poesía. Iotunn tiene una habilidad especial para escribir letras que suenan como una epopeya filtrada a través de una novela de ciencia ficción, y es muy atractiva. Incluso si los cuentos intergalácticos no suelen ser lo tuyo, "Kinship" seguramente resonará con su cruda profundidad emocional.

Otras canciones que destacan mucho pueden son Mistland y Twilight, aunque cualquiera de las siete que compone el trabajo son una delicia auditiva; el disco, de enorme hora y ocho minutos se puede escuchar en bucle sin cansar, permitiendo descubrir cosas, muchas cosas, muchos detalles. En resumen, "Kinship" es un viaje extraordinario que combina una musicalidad alucinante con narrativas cargadas de emociones. Iotunn ha capturado la infinita belleza y el terror del universo y los ha destilado en un álbum compacto y apasionante. Es una escucha obligada para los fanáticos del Progresivo y para cualquiera con gusto por lo épico y lo desconocido. Para mi un disco perfecto, para atesorar.

10/10

Ensiferum - "Winter Storm" (Power / Folk)

Ensiferum se ha estado dando de bandazos en los últimos años, desde mi favorito "Unsung Heroes" (2012), comenzando a bajar con "One Man Army" (2015) -aunque manteniendo fuerza- hasta caer peligrosamente con "Two Paths" (2017) y recuperarse nuevamente con "Thalassic" (2020), los finlandeses han tenido momentos difíciles, pareciera que viene dado porque gente ha ido y venido, de hecho, componentes originales no queda ni uno, eso es bastante inusual.

Pero a estas bandas que resucitan le pasa como a los grandes clubes de futbol, o eso me parece a mi, tienen un ADN, un 'je ne sais quoi' que les permite retomar la senda y con "Winter Storm" logran atraer la atención a base de mezclar los ingredientes conocidos para presentar un disco plagado de coros, himnos y épica. Con este trabajo Ensiferum no viene a redescubrir el Folk o el Power, pero hacen lo que finalmente cautiva a los fanáticos, unas putas buenas canciones, sin necesidad de histrionismos o excesos... haz cuatro buenos temas, metes otros cuatro aceptables y experimenta con uno o dos, es una fórmula que hasta yo, que no tengo nada de músico, tengo clara.

"Winter Storm" es un disco para el seguidor de la banda, para que lo disfrute, para que lo acaricie y lo recuerde con cariño. Le falta la voz femenina que distinguió en el pasado a la banda y que -obviamente- no va a volver, aunque incluyan a la cantante Madeleine Liljestam (Nanowar Of Steel, Liv Sin, Confidential). En lo que a mi respecta este es un buen disco de Power Folk que distrae, gusta, está muy bien instrumentado, mejor grabado incluso y tiene sus momentos épicos y gloriosos que le permitirán mantener el legado.

Los temas que destacan son varios, Fatherland, From Order To Chaos y Victorious, pero especialmente Winter Storm Vigilantes, la cual es de esas a las que hay que ponerle una etiqueta de precaución porque crea adicción. El disco no es genial, lejos de eso tiene -como dije- su dosis generosa de formulismo lo que le quita puntos en el apartado de novedad, pero no deja de divertir. Visto lo que está sonando recientemente, quizás el último par de años, pienso que hay que bajar las expectativas de sorpresas y espectacularidad en favor de sectores más crudos, por aquí nos conformaremos con mera diversión.

"Winter Storm" viene a confirmar que Ensiferum sigue vivo y probablemente, incluso, le queden algunos años de buena fortuna, los cuales me gustaría seguir disfrutando en primera línea. Por otro lado, ya no espero de ellos malabarismos musicales, me conformo con que me brinden ganas de ponerme el kilt, la peluca rubia de trenzas y salir al campo de batalla medieval (con un suéter).

7.5/10. Portadaza

Brothers Of Metal - "Fimbulvinter" (Power / Viking)

La última propuesta de Brothers of Metal, llamada "Fimbulvinter" es una saga nórdica épica forjada en el su tradicional estilo, melódico y un tanto cheesy. Conocida por su mezcla de teatralidad de Power, tradición vikinga y una pizca de humor irónico, la banda sueca de ocho integrantes continúa su misión de convertir el mito histórico en himnos que te harán levantar el puño. Con "Fimbulvinter" adoptan su fórmula mientras exploran nuevas capas de grandeza, pero ¿llegarán al Valhalla o se quedarán estancados en Midgard?

Desde la canción de apertura, la banda marca el tono con una orquestación grandilocuente, riffs galopantes y letras que se leen como un curso intensivo sobre la historia vikinga. La producción es nítida y eleva las actuaciones ya teatrales a un nuevo nivel de grandeza. Los vocalistas Joakim Lindbäck Eriksson e Ylva Eriksson se turnan para liderar la carga, con la voz profunda y dominante de Joakim contrastada hermosamente por los tonos etéreos, casi operísticos de Ylva. Su interacción vocal es una fortaleza, que le da a cada tema una sensación de tensión narrativa como si los estuvieran en un duelo vocal.

Musicalmente, Brothers of Metal ofrece lo esperado: tambores atronadores, solos de guitarra imponentes y coros que hacen que suenen como si se interpretara en una sala de hidromiel llena de vikingos. Canciones como Rivers Of Gold, Chasing Lights y Berserkir, juegan con la mitología y la liturgia del Power, combinando una narración dramática con ritmos enérgicos. El humor característico de la banda brilla en temas como The Other Son Of Odin. Debo decir que la banda en vivo se muestra fuerte, aunque abusa un poco del sampler, en todo caso divierten mucho.

Sin embargo, a pesar de todas las tendencias épicas del álbum, a veces puede parecer formulístico. Si bien canciones como Nannas's Fate  y la homónima del disco introducen una variación bienvenida con tonos más oscuros y tempos más lentos, gran parte de "Fimbulvinter" sigue un patrón predecible. La necesidad constante de que cada estribillo parezca un himno hace que algunas pistas se confundan. Dicho esto, la consistencia del álbum también es su punto fuerte; los fans que busquen una experiencia de metal vikingo de alta energía no se sentirán decepcionados.

Al final, "Fimbulvinter" es un divertido y teatral paseo por la mitología nórdica, envuelto en capas de excesos de Power. Con él no es difícil dejarse llevar por la magnitud del todo. Si estás listo para blandir tu hacha de plástico y marchar a la batalla con una sonrisa en la cara, este álbum es para ti. Sigue siendo "Emblas Saga" (2020) lo mejor que les he escuchado, tiene ese par de temas que jamas se olvidan, con éste pasa menos.

7/10

Mother Of Graves - "The Periapt Of Absence" (Death / Doom)

"The Periapt of Absence", el segundo disco de la banda de Death Doom de Indiana, Mother of Graves, es un buen trabajo que combina melancolía, atmósfera y pesadez en una experiencia bien elaborada y emocionalmente evocadora. El trabajo demuestra dominio de la banda de los elementos clásicos del género, al tiempo que deja espacio para matices sutiles que lo hacen destacar entre las bandas más nuevas del género.

Desde el principio, está claro que Mother of Graves se inspira en bandas icónicas de estilo venidas de los 90's como My Dying Bride, Paradise Lost y Katatonia, con un enfoque centrado en melodías inquietantes, riffs aplastantes y voces guturales. La calidad de producción es nítida, pero conserva una crudeza que realza la atmósfera en lugar de restarle valor. Las guitarras principales son un punto destacado, tejiendo melodías melancólicas a través de cada pista que elevan el material más allá de la mera pesadez.

El disco abre con Gallows, que marca el tono con sus líneas de guitarra lúgubres y una sección rítmica densa y agitada. La voz de Brandon Howe es profunda, alternando entre gruñidos y una entrega más quejumbrosa que se adapta a la naturaleza depresiva de las letras. Este equilibrio de elementos agresivos y sombríos se mantiene a lo largo de las diez pistas y cuarenta y cinco minutos del trabajo.

Una de las pistas destacadas es Shatter The Visage, donde el grupo explora un lado más melódico y atmosférico de su sonido. El uso de pasajes de guitarra, combinados con un canto fúnebre de medio tiempo, crea un paisaje desolado pero hermoso que se siente a la vez introspectivo y catártico. El tema Upon Burdened Hands, es otro punto culminante, con su ritmo pesado y carácter metódico que crea una sensación de fatalidad inminente antes de estallar en un crescendo final y aplastante.

En cuanto a las letras, "The Periapt of Absence" se adentra en temas de pérdida, dolor y desesperación existencial, motivos comunes en el género, pero la banda los presenta con sinceridad y profundidad emocional. Hay una clara sensación de catarsis personal en la música, lo que la hace resonar a un nivel más profundo. Si bien el disco no plantea nada especialmente novedoso, es un trabajo sólido y bien ejecutado que muestra una banda con una visión clara y un fuerte potencial de crecimiento. Para los fanáticos del Doom que aprecian tanto la pesadez como la profundidad emocional del género, esta es una escucha recomendable. Mother of Graves es una banda a la que hay que seguir de cerca mientras continúan refinando su sonido.

7.5/10

Oranssi Pazuzu - "Muuntautuja" (Black / Psychedelic / Avant-Garde)

La banda finlandesa de Black Psicodélico Oranssi Pazuzu es conocida por su enfoque poco convencional y transgresor de géneros y "Muuntautuja" no es una excepción. Entiendo que este trabajo es una especie de segunda parte de su genial "Värähtelijä" (2016) y continúa el estilo que mezcla sonidos embriagadores y ambiente siniestro, agresión y locura psicodélica. En poco más de cuarenta y tres minutos, logran crear un paisaje sonoro dinámico y cautivador que probablemente dejará a los oyentes fascinados y ligeramente desconcertados.

El título del disco, se traduce como 'cambia formas' y el tema de la transformación se refleja en su estructura. Desde el principio sumerge en una atmósfera inquietante y palpitante, con sintetizadores hipnóticos que crean una sensación de aprensión. Los ritmos repetitivos -pero fascinantes- del baterista Korjak se suman al efecto de trance, mientras que las guitarras alternan entre riffs monótonos y ráfagas agudas y discordantes altamente distorsionadas. La banda no tiene reparos en superponer su sonido, ya que entrelazan varios elementos sonoros en un asalto auditivo desorientador pero cautivador.

Vocalmente, la entrega Jun-His atraviesa la densa mezcla como un sermón demoníaco de otra dimensión. Las voces se utilizan más como un instrumento atmosférico que como un punto focal, fusionándose con el caos instrumental en lugar de dominarlo. Esta elección se suma a la sensación general de inmersión, dejando que el oyente experimente el disco como un viaje sonoro continuo y cambiante en lugar de una composición de Metal típica con secciones distintas.

La brillantez de "Muuntautuja" radica en su capacidad para equilibrar la estructura y el caos. A pesar de su fuerte naturaleza experimental, el disco nunca parece sin rumbo. La banda mantiene una corriente subyacente de ritmo y propósito, lo que permite que fluya orgánicamente de una fase a la siguiente. Crea muy bien tensión, con momentos de caos disonante que dan paso a breves respiros de calma antes de lanzarse nuevamente a un abismo de ruido y distorsión.

Los fanáticos recordamos también "Mestarin Kynsi" (2020) y siento que Oranssi Pazuzu continúa explorando los márgenes del Metal, aunque aquellos que no están familiarizados con su estilo pueden encontrarlos inicialmente desafiantes. Sin embargo, "Muuntautuja" recompensa las escuchas repetidas, ya que sus intrincadas capas y paisajes sonoros en evolución revelan nuevas profundidades cada vez. Este es Black que se ha liberado de sus limitaciones tradicionales y se ha adentrado en un territorio Psicodélico inexplorado, con resultados inquietantes.

Darle una calificación a este estilo de música es difícil, en una sala con cien metaleros el puntaje bandeará en todo el espectro posible, yo me siento fascinado con lo que hacen, hipnotizado y aunque pienso que sus dos anteriores son algo superiores, "Muuntautuja" mantiene todas las características de la que estos genios son capaces. Otro disco que está reservado para una minoría de gusto exquisito.

8.5/10

Hail Spirit Noir - "Fossils Garden" (Black / Electronic / Synthwave / Psychedelic)

"Fossil Gardens" de Hail Spirit Noir es un viaje extraño y aventurero a través de un paisaje sonoro que se siente extrañamente nostálgico y desafiantemente futurista. La banda griega se ha ganado un nombre al mezclar el Black con una variedad de géneros, desde el Rock Progresivo hasta la Electrónica y este lanzamiento consolida su lugar como una de las fuerzas experimentales en el mundo del Metal. Pero "Fossil Gardens" no es un álbum fácil de definir y esa es tanto su fortaleza como su potencial trampa.

El álbum comienza con Starfront Promenade, una canción que inmediatamente marca el tono con sintetizadores oscuros y siniestros y sonidos atmosféricos inquietantes. Es como si el oyente estuviera siendo transportado a un planeta distante, uno que es en parte distópico, en parte paisaje onírico de ciencia ficción retro. A partir de ahí, la banda se adentra en territorios impredecibles. En un momento, estás atrapado en el barrido cósmico de sintetizadores; al siguiente, eres golpeado por explosiones de fuerte agresión. Canciones como The Temple Of Curved Space y Curse You, Entropia combinan estos elementos con buen gusto, creando una experiencia inquietante, casi cinematográfica y ciertamente el mayor fuerte del trabajo está en los riffs, alguno de los cuales es francamente bueno, como el del tema The Road To Awe, una de las mejores canciones del año.

Los estilos vocales cambian tan a menudo como la música misma. Hay momentos de encantamientos susurrados, distorsiones vocales robóticas e incluso coros fantasmales que le dan al álbum una sensación inquietante y de otro mundo. Sin embargo, a diferencia de algunos discos anteriores de Hail Spirit Noir, como en "Oi Magoi" (2014) -que sigue siendo su mejor trabajo- y "Mayhem In Blue" (2016) en "Fossil Gardens" se resta unta tanto la importancia al Black a favor de un enfoque más Electrónico y Psicodélico, acercándolo a los reinos del Synthwave o el Rock Progresivo.

Sin embargo, "Fossil Gardens" no está exento de desafíos. Los cambios de tono y género pueden ser desorientadores y el álbum a veces parece que está tirando en demasiadas direcciones a la vez. Algunos oyentes pueden encontrar la falta de cohesión difícil de digerir, mientras que otros apreciarán el salto intrépido de género. Es un álbum que recompensa la paciencia, con sus densas capas que se revelan lentamente tras varias escuchas.

En definitiva, "Fossil Gardens" es un experimento audaz que desafía los géneros y que continúa la tendencia de evolución musical de Hail Spirit Noir. Si bien puede que no sea para todos, es un álbum que abraza el riesgo, invitando a los oyentes a un mundo inquietante. Es Metal para curiosos, para aquellos a quienes no les importa perderse un poco en el camino.

8/10