Havukruunu - "Tavastland" (Melodic Black / Folk)

En los anales helados del Black finlandés, donde el sol no se atreve a quedarse y las melodías se forjan en el crisol de fuegos antiguos, el último opus de Havukruunu, "Tavastland", surge como un formidable testimonio de la vitalidad del género. Este cuarto álbum consolida la estatura de la banda como abanderados del Black pagano, entrelazando hábilmente la ferocidad cruda con un estilo distintivo, melódico y vigorizante, que refrenda lo que se presentía con su anterior trabajo "Uinuos Syömein Sota" (2020), un dechado de virtudes.

Desde su inicio, "Tavastland" envuelve al oyente en un paisaje sonoro que es a la vez expansivo e íntimo, que recuerda una travesía por vastos terrenos nórdicos mientras se está en sintonía con los susurros de los espíritus ancestrales. El tema de apertura marca el tono con un riff cataclísmico (un motivo que se repite a lo largo del álbum) y que da paso a melodías grandiosas y una percusión atronadora. Esta composición ejemplifica la destreza de Havukruunu para crear epopeyas que son tan emotivas como imponentes desde el punto de vista sonoro.

Una característica destacada de "Tavastland" es su magistral equilibrio entre la agresión y la melodía. En el disco se personifica este equilibrio, con blast beats implacables que apuntalan melodías de guitarra altísimas, cuya calidad es más que notable en este trabajo, quedándose con el protagonismo del disco. Esta síntesis de ferocidad y armonía no solo rinde homenaje a las raíces Black de la banda, sino que también muestra su evolución hacia un sonido más matizado.

La calidad de producción de "Tavastland" merece un elogio especial. El álbum cuenta con un sonido rico y envolvente, con instrumentación en capas y armonías vocales grandiosas que elevan la experiencia auditiva. La batería resuenan con una intensidad primaria, proporcionando una base sólida para el intrincado trabajo de guitarra y las voces evocadoras. Esta meticulosa atención a los detalles en la producción realza la atmósfera épica del álbum, envolviendo al oyente en un tapiz sonoro que es a la vez majestuoso y visceral.

Las influencias de Havukruunu son perceptibles pero ingeniosamente integradas, lo que permite que "Tavastland" se destaque como una entidad única dentro del panteón del Black. Si bien los paralelismos con Moonsorrow son evidentes, particularmente en la atmósfera del álbum y las sensibilidades melódicas, Havukruunu evita la mera imitación. En cambio, infunden estas inspiraciones con su propia visión creativa, lo que da como resultado un sonido que es a la vez familiar y refrescantemente original.

En el ámbito de los sitios de costumbre , "Tavastland" ha sido elogiado por su composición cohesiva y su madurez artística con justa razón. En resumen, "Tavastland" es un logro monumental que no solo refuerza la posición de Havukruunu dentro de la jerarquía del estilo, sino que también amplía sus límites, incorporando melodía poderosa e inspiradora y una calidad de grabación poco común. Todos -todos- los temas del trabajo tienen algo que ofrecer, riffs recordables y desarrollo a profundidad, especialmente destacados son Kouleman Oma, Unissakävijä, Havukruunu Ja Talvenvarjo y Tavastland, nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

Disco indispensable para 2025 y uno de los mejores de fechas recientes del género, de necesidad absoluta.

9/10. Nominado como Disco del Año.

Avantasia - "Here Be Dragons" (Power / Hard Rock)

Embarcarse en la última obra de Avantasia, "Here Be Dragons", es como zarpar en un viaje fantástico donde el Metal se encuentra con el mito. Tobias Sammet, el carismático capitán de este barco sinfónico, vuelve a reunir a una tripulación de vocalistas legendarios para navegar por los tumultuosos mares del Power. Pero, ¿esta expedición infestada de dragones se elevará a nuevas alturas o se tambaleará en aguas familiares?

El viaje comienza con Creepshow, -la mejor del disco- una canción que atrae a los oyentes con sus pegadizos estribillos y su estilo teatral. La brevedad de la canción y su sensibilidad cuasi-Pop la convierten en un punto de entrada accesible, aunque algunos pueden añorar las composiciones más intrincadas de antaño. La canción homónima, Here Be Dragons, se despliega como una epopeya de ocho minutos con la inconfundible voz de Geoff Tate. Esta canción es un viaje laberíntico a través de melodías cambiantes y arreglos bien ejecutados que muestra la inclinación de Avantasia por contar historias. La contribución de Tate agrega una capa de misticismo, recordándonos por qué sigue siendo una figura venerada en el mundo del Metal.

The Moorlands at Twilight ve a Michael Kiske prestando su voz imponente a una canción que galopa con la urgencia de un caballero que llega tarde a un torneo de justas. Es Power en su forma más emocionante, con Kiske y Sammet intercambiando líneas como espadachines en duelo, aunque el líder de Avantasia no muestra su potencia de antaño, ni llega a los gritos que lo han destacado, sigue haciendo buen papel.

Tommy Karevik se convierte en el centro de atención en The Witch, una canción que teje un tapiz oscuro con tintes electro. La entrega emotiva de Karevik aporta profundidad a la narrativa, lo que hace de esta canción quizás el segundo momento más destacado en el álbum. Ronnie Atkins inyecta una dosis de energía cruda en Phantasmagoria, una canción que avanza a toda velocidad con un impulso implacable pero su songwriting no me terminó de convencer.

Bring On the Night reúne a Sammet con Bob Catley, lo que da como resultado una canción que exuda un aura de Rock clásico y que me atrajo bastante. La voz experimentada de Catley se combina a la perfección con el coro himno de la canción, evocando una sensación de nostalgia sin dejar de sentirse fresca. La aparición de Adrienne Cowan en Avalon introduce un toque vívido de color, su excelente voz combina bien con la de Sammet. 

Kenny Leckremo aporta sus tonos distintivos a la canción más épica del álbum, Against the Wind, con una interpretación dinámica y memorable. El álbum culmina con quizás lo más esperado, a Roy Khan con Everybody's Here Until the End, esta canción de cierre es un momento de emoción pausada, con la voz emotiva de Khan bajando el telón con gracia en este viaje musical.

Sin embargo, no todo es un camino de rosas en este viaje. La voz de Sammet a veces suena forzada, particularmente en notas más altas, lo que puede distraer a los oyentes más exigentes y el songwriting aunque bueno, no alcanza las cotas altas de discos recientes, tipo "A Paranormal Evening With The Moonflower Society" (2022) o "Moonglow" (2019)... lejos quedaron las genialidades de sus "Metal Operas". Además, la mezcla ecléctica de estilos del álbum, si bien muestra la versatilidad de Avantasia, puede dejar a algunos con ganas de una experiencia sonora más cohesiva.

En conclusión, "Here Be Dragons" es un testimonio de la capacidad duradera de Avantasia para crear narrativas musicales y reunir a algunos de los mejores cantantes del género, pero no termina de convencerme tanto como algunos de sus mejores trabajos. Buen disco, pero con limitaciones.

7/10

Retromorphosis - "Psalmus Mortis" (Technical Death)

En el escenario del Death Técnico, donde la complejidad a menudo eclipsa al alma, el álbum debut de Retromorphosis, "Psalmus Mortis", avanza a paso firme sobre el escenario como un maestro de orquesta con una motosierra: preciso, brutal e inesperadamente ingenioso. Este conjunto, que incluye cuatro quintas partes de la legendaria banda Spawn of Possession, resucita la esencia de su antigua gloria al tiempo que inyecta una vitalidad fresca, aunque macabra, al género.

Desde los inquietantes acordes iniciales del intro Obscure Exordium, es evidente que Retromorphosis no llegó simplemente para repetir viejos riffs. Este preludio instrumental establece un tono inquietante, mezclando tonos de órgano fantasmales con cuerdas que generan tensión, como si invocaran horrores sobrenaturales desde el abismo. Luego viene Vanished, una con una andanada de riffs cargados de groove y precisión quirúrgica. Los solos de Christian Muenzner chillan como espíritus torturados, mientras que el bajo de Erlend Caspersen se desliza por debajo, agregando un tono siniestro. La voz de Dennis Röndum es cavernosa y dominante, pero sorprendentemente inteligible, evocando una atmósfera cargada de terror que encaja perfectamente con los temas del álbum de decadencia y transformación. 

Aunt Christie's Will se destaca como una obra maestra narrativa, tejiendo una historia siniestra sobre riffs agitados y excéntricos. La influencia de las bandas sonoras de terror clásicas es inconfundible, con espeluznantes florituras de sintetizador que realzan la narrativa inquietante de la canción. Es como escuchar una adaptación de una historia de Edgar Allan Poe: oscura, retorcida y absolutamente absorbente.

Sin embargo, no todo es perfecto en esta casa de los horrores. Algunos críticos han señalado que, si bien el álbum apunta a una producción cruda y de la vieja escuela, ciertos elementos como los coros góticos en temas como Obscure Exordium y Retromorphosis se sienten un poco anticuados. Es una objeción razonable, similar a encontrar una telaraña fuera de lugar.

La canción principal, Retromorphosis, sirve como una pieza central temática y sonora, que encapsula la capacidad de la banda para fusionar la destreza técnica con la profundidad atmosférica. La canción gira y se retuerce a través de firmas de tiempo complejas y cambios de tempo, todo ello manteniendo una experiencia cohesiva e inmersiva. Nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

En conclusión, "Psalmus Mortis" de Retromorphosis es un formidable debut -de gente que no está debutando- en el canon Tech Death, que combina una musicalidad virtuosa con un sentido palpable de atmósfera y profundidad narrativa. Es un álbum que no solo desafía la apreciación técnica del oyente, sino también su capacidad para contar historias oscuras y retorcidas... increíble como hay belleza en la oscuridad.

8/10

Dynazty - "Game Of Faces" (Power / Electronic)

Si se pudiera morir de alegría, este disco te mataría en quince minutos, la gente de Dynazty, quien tiene en su haber algunos de los mejores discos que he escuchado en el Power, como fue "Renatus" (2014), vuelve a las andadas tras tres años de espera con "Game Of Faces", un disco que confirma su variación de estilo hacia zonas más Electronica e incluso de toques Industrial, aunque manteniendo la base Power que los ha distinguido... pero ¿Puede tanta felicidad completar un disco redondo?... iremos viendo.

A ver, "Game of Faces" ¿Por dónde empiezo? Si alguna vez te has preguntado cómo se siente estar atrapado en un ascensor con un sintetizador y un vocalista que acaba de descubrir el autotune, este álbum es tu respuesta. Es como si la banda se propusiera crear el equivalente musical de una crisis de la mediana edad, con pantalones de cuero y pirotecnia innecesaria. Por una vez me he sentido abrumado por la cantidad de clichés que Dynazty ha reunido en un solo disco, es demasiado, de tanto tratar creo que se pasaron dos pueblos.

Desde la primera canción, Call of the Night, te recibe una pared de teclados mientras las guitarras intentan hacer su aparición, pero se ahogan rápidamente. La canción homónima, Game of Faces, continúa este asalto auditivo con un ritmo que solo podría describirse como palpitante, sus letras profundizan en temas de autodescubrimiento y renacimiento, lo cual es irónico considerando que la música parece haber sido resucitada del cementerio de los clichés olvidados del Glam. En Devilry of Ecstasy es donde la banda intenta ser atrevida, la canción cuenta con melodías enormes pero nuevamente me produjeron risa en vez de gusto, es sencillamente excesivo, caricaturesco. Aunque la mayoría de los coros del disco son pegadizos, lo admito, el concepto 'over the top' que la banda maneja me pareció sobrecogedor.

El disco no es malo, pero es demasiado fresita, mucho con demasiado, un banana-split musical (busquen los más jóvenes que plato es ese), hecho para novatos del Metal y sus novias no metaleras, y desafortunadamente la voz de Nils Molin requiere ayuda de la tecnología. La masterización hace que las guitarras estén tapadas por el omnipresente teclado, el cual es excesivo desde todo punto de vista y aunque en algunos temas los coros se hacen gustosos, el songwriting es genérico.

En resumen, "Game of Faces" es un álbum que intenta serlo todo y termina siendo poco, está destinado para gente que odia el mínimo nivel de agresión y prefiere el exceso melódico sin pudor. Lastimosamente este disco es mezcolanza de temas sobreproducidos que carecen de verdadera alma, originalidad y cualquier atisbo de cohesión... joder, si un tema como Dream Of Spring no te produce cierto cringe, este es tu disco. Para cualquier otro que necesite algo más de intensidad y arte, hazte un favor y busca en otra parte. 

5.5/10

Phrenelith - "Ashen Womb" (Death / Doom)

¡Ah, el Death! Un género en el que los riffs son subterráneos, las voces suenan como una deidad del terror haciendo gárgaras con alquitrán y la atmósfera es tan opresiva que hace que el derrumbe de una cueva parezca una brisa. Aquí entra "Ashen Womb", el tercer trabajo de los daneses Phrenelith, un álbum que no solo adopta estas cualidades, sino que desciende a un abismo, cava más profundo y supura.

Desde el intro y la canción de apertura, Phrenelith marca el tono con guitarras turbias y empapadas de reverberación y gruñidos cavernosos que suenan menos como una voz humana y más como algo gimiendo. Recuerdo haber oído su debut "Desolate Endscape" (2017) pero no tuve tiempo de escribir sobre él, ahora no se me escapa la oportunidad de referirles el sonido de cripta de la banda en el que las cosas miserables que hay en su interior se abren camino hacia la superficie.

Los riffs del disco se filtran, moviéndose con una sensación de pavor y pesadez interesante. Hay momentos de desesperación, como en el tema A Husk Wrung Dry, donde el ritmo se ralentiza como una bestia que se niega a morir. Phrenelith  es una banda que domina el arte del ritmo, equilibrando asaltos de trémolo con pasajes espeluznantes del mundo Doom y en este trabajo se percibe esa cualidad claramente.

La producción es cavernosa pero nunca turbia: hay una niebla espesa y siniestra alrededor de todo, pero la mezcla aún permite que los riffs atraviesen la pared de sonido. El ataque de cuerdas es particularmente notable, tejiendo entre acordes gruesos y melodías inquietantes y disonantes, gran calidad instrumental de este cuarteto en el que no hace falta excederse en la exhibición técnica para hacer un buen disco.

Vocalmente, Simon Daniel y David Torturdød hacen de Phreneith un abismo de guturales. Los growls suenan como una bestia que brama desde las profundidades y cuando las voces más profundas, casi como un canto, se superponen, es genuinamente inquietante. Hay una cualidad ritualista en la forma en que las voces interactúan con la música: no es solo brutalidad, es invocación.

En poco más de treinta y nueve minutos "Ashen Womb" no se extiende demasiado, te arrastra a su abismo y te deja pudrirte lo suficiente como para no agotar. No hay relleno, solo Death puro e implacable, ejecutado con una sensación de horror Doom. Siento que este disco muestra el sonido del género bien hecho: primario, sofocante y lleno de terror sobrenatural, este es un trabajo que se debe escuchar. Otros temas destacados son Nebulae, Chrysopoeia y Ashen Womb.

8/10

Majestica - "Power Train" (Symphonic Power)

Todos a bordo de "Power Train", donde Majestica diseña un viaje de Power Sinfónico tan emocionante como una montaña rusa y tan grandioso como la guarida de un dragón, con exactamente las mismas herramientas que el resto de bandas similares, pero digamos que con algo más de buen gusto que lo usual. Este álbum marca un regreso para los suecos, quienes tenían cinco años de parón, mezclando sus característicos riffs de alta velocidad con esplendor orquestal. 

Desde el momento en que la canción que da título al álbum sale de la estación, los oyentes se ven inmersos en un torbellino de voces altísimas y solos de guitarra ultrarrápidos. Tommy Johansson (a.k.a. ReinXeed), el líder de la banda y ex guitarrista de Sabaton, muestra su talento multifacético, entregando una voz que podría hacer sonrojar a una valquiria y manejando su guitarra con la delicadeza de un guerrero experimentado. La canción marca el tono, prometiendo un álbum lleno de composiciones rápidas, extremas, melódicas y... rápidas.

No Pain, No Gain sigue, levantando un poco el acelerador, con intros y coros cargados de sintetizadores que se clavan en tu cerebro como una flecha bien apuntada, siendo ésta la mejor del disco desde mi perspectiva. No dudarán que el ritmo de la canción es contagioso, obligando incluso al oyente más estoico a seguirla, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC.

A medida que avanza el viaje, el disco suena un poco más estándar, con los elementos básico de los shows en vivo que creo tienen en ciernes. Sus introducciones vocales grupales y sus llamados a las armas evocan imágenes de batallas épicas en costas lejanas. La energía es palpable y uno casi puede escuchar a la multitud cantando al unísono.

Un momento destacado del álbum es My Epic Dragon, una canción que ha estado filtrándose en el repertorio de la banda durante años. Esta canción está bastante bien y combina potencia sinfónica  con arreglos orquestales y la ridícula lírica del Euro Power -no se puede hacer nada contra eso-. Es un tapiz sonoro que transporta a los oyentes a un reino donde los dragones vuelan y los héroes triunfan... alto, altísimo, muy-muy-muy alto... bueno, eso.

La calidad de producción de "Power Train" es pulida, los instrumentos suena bien, desde los tambores de Joel Kollberg hasta las líneas de bajo de Chris Davidsson. La incorporación de Petter Hjerpe en las guitarras complementa la destreza de Johansson, creando armonías que son complejas y armoniosas. Las capas orquestales agregan profundidad sin abrumar, logrando un raro equilibrio que realza la sensación épica del álbum.

En "Power Train", Majestica ha creado un álbum que sigue rindiendo homenaje al género y aunque no lo lo eleva a nuevas alturas, combina la competencia técnica con la emoción sincera y un par de muy buenas canciones. Ya seas un fan de toda la vida o un novato en las propuestas de la banda, este álbum promete un viaje emocionante pero quizás olvidable tan pronto aparezca la próxima banda que hace esto.

7.5/10

Saor - "Amidst The Ruins" (Atmospheric Black / Folk)

Lo más reciente de Saor, "Amidst The Ruins", se erige como un testimonio monumental de la inquebrantable dedicación de Andy Marshall a sus raíces caledonias. El sexto álbum de estudio de este unipersonal invita a los oyentes a un viaje épico a través de las tierras altas cubiertas de niebla de Escocia, mezclando elementos feroces del Black con melodías Folk de una belleza inquietante.

El álbum comienza con la canción principal, Amidst The Ruins, una odisea de casi trece minutos que encapsula la esencia del sonido característico de Saor. Tambores trepidantes que dan paso a riffs con  un trémolo electrizante. A medida que avanza la canción, los instrumentos tradicionales como las flautas y las gaitas irlandesas se entrelazan con el tapiz sonoro, creando un paisaje que es a la vez feroz y melódico. Los minutos finales se intensifican con una enorme armonización de guitarras y cuerdas, que culmina en una demostración auditiva de orgullo y heroísmo escoceses.

Echoes Of The Ancient Land sigue, adoptando inmediatamente un enfoque de composición más punzante. La canción mezcla riffs predeciblemente rápidos y pasajes impredeciblemente técnicos, creando un aura de deambular por paisajes antiguos. La instrumentación Blackened Folk evoca paisajes sonoros que inspiran sentimientos de caminar por terrenos antiguos. El tema Glen Of Sorrow se destaca como un momento destacado conmovedor, que recupera la devastación, la pérdida y la traición sufridas en la Masacre de Glencoe, una de esas oportunidades en el siglo diecisiete en la que los humanos dejamos de serlo. La atmósfera envolvente de la canción transporta a los oyentes al corazón de las Highlands de Escocia, con sus majestuosos paisajes sonoros y melodías melancólicas. 

El disco toma un giro contemplativo con The Sylvan Embrace, una sentida y melancólica pieza Neofolk que incluye voces susurrantes, violonchelo y suaves guitarras acústicas. Esta pista sirve como un respiro bienvenido, ofreciendo un delicado contraste con sus empalagosas progresiones de acordes y dulces melodías. Rebirth cierra el álbum con una nota triunfal, forjando una armonización de guitarras y cuerdas con capas de voces cantadas limpiamente, siendo éste el tema que más me gusto. El cambio de tono vertiginoso en la sección intermedia es un momento conmovedor que hace terminar el álbum de manera espectacular.

Con "Amidst The Ruins", Saor ha creado un álbum que es a la vez un tributo a la rica historia de Escocia y un testimonio del poder perdurable del género. Es un viaje que vale la pena emprender, incluso si eso significa perderse un poco en el camino y algunos momentos baja la intensidad un poco demás desarrollados, pero en general el disco me ha parecido una de las cosas más destacadas del reciente año.

8/10. Buena portada.

Dream Theater - "Parasomnia" (Progressive)

El último trabajo de Dream Theater, "Parasomnia" marca un capítulo monumental en la legendaria carrera de la banda. No solo es su decimosexto álbum de estudio, sino que también anuncia el esperado regreso del baterista fundador Mike Portnoy después de una pausa de quince años. La reunión de la formación clásica, Portnoy, el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el tecladista Jordan Rudess y el vocalista James LaBrie, tiene a los fanáticos y a los críticos entusiasmados.

Temáticamente, "Parasomnia" se adentra en el enigmático reino de los trastornos del sueño, explorando temas como los terrores nocturnos, la parálisis del sueño y los sueños lúcidos. La estructura del álbum recuerda trabajos anteriores y cada tema ofrece una narrativa relacionada con el tema general, muy similar al enfoque adoptado en "Six Degrees of Inner Turbulence" (2002).

El tema de apertura, In the Arms of Morpheus, prepara el escenario con una introducción ambiental que gradualmente se convierte en un tapiz complejo de sonido. La interacción entre los intrincados riffs de guitarra de Petrucci y los teclados atmosféricos de Rudess crea un ambiente onírico, que atrae al oyente al mundo conceptual del álbum. Night Terror sigue, sumergiéndose en la desgarradora experiencia de pesadillas vívidas. La voz de LaBrie transmite una sensación palpable de terror, cantando líneas como 'La carne se arrastra; necesito abrirme paso con garras fuera de este infierno', capturando la esencia del miedo nocturno. Los cambios dinámicos de la canción y las firmas de tempo impredecibles reflejan la naturaleza inquietante de los propios terrores nocturnos.

Un momento destacado del álbum es Midnight Messiah -probablemente la mejor del trabajo-, que sorprende a los oyentes con un estribillo feroz y de alto octanaje que evoca la energía del metal de los '80s. Este giro inesperado muestra la capacidad de la banda para mezclar la nostalgia con su estilo progresivo característico, lo que da como resultado una canción que es a la vez estimulante e innovadora. La balada Bend the Clock ofrece un momento de introspección en medio de la intensidad del álbum. Descrita por algunos como 'una de las cosas más hermosas que la banda ha escrito en décadas', la canción mantiene una atmósfera tensa y oscura, sin abrazar nunca por completo la serenidad, pero cautivando con sus lánguidos giros y vueltas.

El disco culmina con la épica de veinte minutos, The Shadow Man Incident. Esta extensa composición entrelaza elementos de Speed, interludios ambientales y melodías altísimas, encapsulando la inclinación de la banda por contar historias ambiciosas a través de la música. El regreso de Portnoy es innegablemente un punto focal de "Parasomnia". Su batería aporta una energía y complejidad renovadas a las composiciones, recordando a los oyentes la química que definió los trabajos anteriores de Dream Theater. 

En conclusión, para una banda que atrae tanto hate como love por parte de todo el mundillo del Metal e incluso fuera de él, las altas expectativas que se tenían de este come back y la dificultad propia del Progresivo puro (me tomó varios intentos terminarlo, tiene demasiado para un solo bocado), "Parasomnia" es un testimonio de la perdurable destreza de Dream Theater en el género. Yo lo ubico, si de preferencias se trata, por detrás de "Metropolis Pt.2..." (1999), "Image And Words" (1992), "Awake" (1994), "Six Degrees..." (2002) y "A Dramatic Turn Of Events" (2011), al menos a la altura de "DT" (2013) y por encima del resto de su discografía, especialmente del que-no debe-ser-nombrado (2016), "Distance Over Time" (2019) y "A View..." (2021), es decir los más reciente. 

Como no sería menos de esperar, el álbum combina a la perfección el virtuosismo técnico con una narrativa emotiva y un buen songwriting, a veces incluso muy bueno, todo mientras reúne una formación que muchos fanáticos consideran la formación por excelencia. Ya seas un devoto desde hace mucho tiempo o un recién llegado a su sonido, "Parasomnia" ofrece una experiencia rica e inmersiva que se percibe como un punto destacado en la impresionante discografía de Dream Theater.

8/10

Dragonknight - "Legions" (Symphonic Power)

Cambiando el tercio totalmente respecto al comentario anterior, hablaremos de la otra punta del Metal, el Power melódico, en este caso del álbum debut de Dragonknight, "Legions", el cual es una odisea que transporta a los oyentes a reinos de fantasía y valor. Originaria de Finlandia, esta enigmática banda está compuesta por miembros enmascarados conocidos solo por sus apodos: Lord Gryphon, Lord Kharatos, Lord Solarius, Lord Orthrakis y Lord Salo Khan.

El viaje comienza con Ascendance - Through Sea and Fire, un preludio instrumental que establece un tono majestuoso, mezclando melodías etéreas con una sensación de aventura inminente. Esto da paso a The Legions of Immortal Dragonlords, una canción que avanza a paso rápido con ritmos poderosos, riffs melódicos y voces imponentes, encapsulando el sonido característico de la banda.

A lo largo de "Legions", Dragonknight muestra un tapiz de influencias y cada tema hace eco de los estilos de los incondicionales del género. En el disco se canalizan la grandeza de Gloryhammer o se evoca el estilo energético de Edenbridge. A pesar de estos guiños, el álbum mantiene cierta cohesión a través de sus elementos sinfónicos generales, lo que garantiza una experiencia de escucha unificada.

Temas como Pirates, Bloody Pirates! -la mejor del disco- infunden una energía audaz y agregan variedad al repertorio temático del álbum. Mientras tanto, Defender of Dragons y Astarte Rise presentan melodías inspiradas en el Folk, incorporando instrumentos de viento clásicos y arreglos acústicos que ofrecen un contraste refrescante con los momentos más grandilocuentes del álbum. Si bien el disco es un testimonio de la habilidad técnica y producción pulida, pisa terreno familiar sin aventurarse en territorios inexplorados. Las melodías, aunque agradables, a veces carecen de la audacia que define a los himnos destacados del Power. Sin embargo, el evidente entusiasmo de la banda infunde al álbum una energía contagiosa que resuena en los oyentes.

En esencia, "Legions" es una celebración de los temas grandiosos y la musicalidad del sector amable del Metal. Dragonknight no está reinventando nada, pero maneja su estilo con buen gusto y por sobre todo tienen un buen songwriting (lo de siempre: ¡escribe unas putas buenas canciones!). La banda entrega un álbum que es a la vez un homenaje a los gigantes del género y una introducción prometedora a su propio mito. Para los fanáticos de los cuentos épicos, las melodías imponentes y el encanto atemporal de los dragones y los caballeros, "Legions" ofrece un viaje que vale la pena emprender, ojalá se encuentren más con su propio yo.

7.5/10

Revenge - "Violation.Strife.Abominate" (War Metal)

El War Metal es una especie de Raw Black mezclado con Powerviolence, esto es seriamente extremo, incluso hay gente que lo ubica en la zona del NSBM, es decir, agárrese que vienen curvas. En estas aguas se baña el séptimo álbum de estudio de Revenge, "Violation.Strife.Abominate", que continúa el implacable asalto de la banda a los límites de la música. El dúo canadiense, formado por J. Read y su compañero Vermin, se ha ganado una reputación por su sonido caótico y abrasivo, y esta última propuesta no es una excepción.

El álbum consta de doce temas, cada uno de ellos un testimonio del compromiso de la banda con su estilo único de sonido extremo. Desde 'la canción' de apertura hasta la de cierre, el oyente se ve sometido a un bombardeo implacable de guitarras frenéticas, bajos decapitadores y gritos primarios. El álbum ha generado una variedad de reacciones de los oyentes en las redes, pues realmente es difícil entender semejante pared sonora. Reitero mi visión con el sector extremo: es un tema de disposición, a veces te parecerá un espectáculo andante, otras no podrás superar el minuto de atención.

En términos de producción, el álbum mantiene la estética cruda y sin pulir que se ha convertido en un sello distintivo del sonido de Revenge. Las guitarras son abrasivas, la batería implacable y las voces se entregan con una ferocidad que raya en lo inhumano. Este es un álbum  que ofrece mucho en cuanto a agresión y poco en cuanto a respiro. Lo que no se puede negar es que el disco es un testimonio del compromiso de la banda con con su arte, con la visión más nihilista posible: no creen en nadie, les complace que a ellos les guste, si lo escuchan dos personas o doscientas mil, les da igual.

En conclusión, "Violation.Strife.Abominate" es Metal extremo en crudo, en el estilo de lo que hizo hace más de dos décadas gente como Blasphemy, yo los escucho en determinadas ocasiones y se convierte en una especie de telón de fondo, no se puede pretender que haya demasiada novedad entre tema y tema y el concepto es agredir, exorcizar demonios... o algo así. Si paseas por el sector que esta gente habita, el disco ofrece una experiencia sonora que es tan castigadora como intransigente, pero emocionante, lástima que cada disco de este género sea literalmente el mismo disco, nicho con apenas algún matiz aquí y otro allá. Especialmente en vivo es donde este tipo de Metal destaca, eso es cierto.

7.5/10