Pyrrhon - "Exhaust" (Death / Noise / Avant-Garde)

Si buscas un álbum que aplaste tus sentidos hasta someterlos y luego pisotee los restos, "Exhaust" de Pyrrhon se ofrecerá con entusiasmo para el trabajo. Y lo hará con precisión quirúrgica, como un dentista usando un martillo neumático. Este cuarteto de Death con base en Brooklyn ha estado superando los límites durante años, no entiendo como es que es la primera vez que escribo de ellos. En todo caso, de lo que les he escuchado "Exhaust" es quizás el más caótico hasta ahora, un horno de ruido que funde los géneros que incorporan: Noise, Avant-Garde, Dissonant, Mathcore... ¿me faltará alguno?

Lo primero que se nota con el disco es que no es una escucha educada. No te facilita la entrada; te catapulta a un torbellino disonante. Este es el equivalente musical de ser arrojado a un vórtice de aguas negras. Y, sin embargo, en medio de la cacofonía, hay una belleza retorcida por descubrir. Las guitarras son difíciles pero quirúrgicas, el bajista Erik Malave y el baterista Steve Schwegler forman una sección rítmica que se siente menos como una base y más como un huracán, una fuerza de la naturaleza que no puedes predecir, sin duda lo mejor del trabajo.

La interpretación del vocalista Doug Moore es una clase de extremidad. Suena como si estuviera tratando de exorcizar demonios que ni siquiera el infierno podría contener. Sin embargo, no se trata solo de gritar por el gusto de gritar; su voz es un instrumento en sí mismo, entrando y saliendo de la locura con una versatilidad inquietante. En cuanto a las letras, Pyrrhon aborda temas de decadencia social, terror existencial y grotescas situaciones de la vida moderna, busquen las líricas porque por mucho inglés que sepan, no es su intención que se entiendan directamente.

Temas como The Greatest City On Earth  y Last Gap son menos canciones y más pruebas de resistencia, First As Tragedy, Then As Farce me pareció un asalto sensorial, la mejor del disco, también destacan Hell Medicine, Out Of Gas y Strange Pains. En general nada desdice y hasta se les agradece que en la duración se hayan contenido, parando el reloj en más que suficientes treinta y ocho minutos. Repito, no se como es que no había escrito antes de Pyrrhon, mala mía.

En resumen, "Exhaust" no es solo un álbum; para quien no esté entrenado en las artes superiores del Metal, el trago puede resultar venenoso, pero para quienes disfrutan de lo extremo, es una experiencia, una que puede dejarte atontado pero extrañamente satisfecho. Esto es una exploración desenfrenada, brutal y a veces, genial de sonido que -repito- no es para los débiles de corazón. Y honestamente, ¿no es eso exactamente lo que debería ser la música extrema?

9/10. Puto discazo, estará dentro de lo mejor del año.

Cemetery Skyline - "Nordic Gothic" (Gothic / Modern)

"Nordic Gothic" de Cemetery Skyline promete una cosa y entrega otra, por un lado esta puede ser la mejor forma de definir lo que es una super banda, tome nota: vocales, Stanne de Dark Tranquility; guitarra, Vanhala de Insomnium; teclados, Kallio de Amorphis; bajo, Brandt de Dimmu Borgir y batería, Rant de Sentenced... al que no le transpiren las glándulas sudoríparas metaleras, es que está muerto. Pero pasa una y otra vez cuando las expectativas son tan altas que en vez de tensión atmosférica, se ofrece un cóctel sombrío de tropos reciclados y una producción plana. Es como si la banda hubiera arrojado todos los clichés góticos contra la pared, con la esperanza de que algo se pegara, excepto que nada lo hace.

Primero, la atmósfera. Uno podría esperar que el término "Nordic Gothic" evocara imágenes de fiordos melancólicos, vientos helados y noches largas y opresivas. Sin embargo, el álbum solo logra una imitación superficial de ese ambiente, con algo que me parece que es más Modern que otra cosa. Es como si buscaran en Google 'oscuro' y 'frío' y pusieran una mesa al lado de una tienda de Halloween. Lo que debería ser inquietante y profundamente melancólico se siente más como una pista de fondo que no produce mayor emoción. Si estás buscando un viaje evocador a través de la penumbra nórdica, por aquí no es.

Luego, está la composición. Cemetery Skyline parece tomó un puñado de líneas de cada canción gótica escrita y las mezcló sin ningún propósito real. Cada canción se funde en una niebla homogénea de sufrimiento vago, que no ofrece conexión emocional. Las letras apuntan a la introspección, pero caen en algún punto entre lo pretencioso y lo incoherente.

Musicalmente, el álbum está atrapado en su propia monotonía. Pista tras pista se ve empantanada por guitarras lentas que parecen moverse a un ritmo extraño, ni rápido ni lento, pero sin ningún peso o gravedad. Y no me hagas hablar de las voces. El cantante intenta ofrecer ese sonido gótico etéreo pero atormentado, pero termina sonando como si estuviera leyendo noticias. No hay realmente emoción, dejando al oyente con una experiencia solo meh...

En cuanto a la producción, el álbum se siente débil, como si se hubiera grabado con un presupuesto escaso. La mezcla es turbia, los instrumentos aparecen y desaparecen de foco y hay una falta general de claridad. Cualquier belleza que pudiera haber estado latente bajo la superficie se ve sofocada por una ingeniería descuidada. En resumen, "Nordic Gothic" es un ejercicio decepcionante de estilo sobre sustancia. Cemetery Skyline tenía TODOS los ingredientes para crear algo evocador e impresionante, pero en cambio ofreció un paisaje sombrío a medio hacer.

5.5/10

Chapel Of Disease - "Echoes Of Light" (Black / Heavy / Black 'n Roll)

En su álbum de regreso tras seis años fuera del radar, Chapel of Disease, continúa con "Echoes of Light"  la senda de lo mostrado y se atreve a fusionar lo inquietante con lo etéreo y la melodía, una contradicción sonora que quizás no debería funcionar pero, de alguna manera, lo hace. Lanzado para un grupo de seguidores específicos -este disco es muy 'nicho'-, la grabación exuda una devoción sin complejos por el Heavy tradicional y el Black, con algún toque Prog y Doom, a la vez que salpica con una interesante cantidad de melodía y atmósferas ambientales. Pero no dejes que el nombre angelical del disco te engañe; se siente más como un paseo por una catedral embrujada que por un bosque iluminado por el sol.

En esencia, este álbum ofrece seis temas de metal atmosférico y melancólico que a menudo suenan como si hubieran sido escritos en la cripta de una iglesia abandonada hace mucho tiempo. El tema de apertura, homónimo al disco, marca el tono con riffs cambiantes y algo monótonos que se mueven como la niebla en una mañana fría. Para la voz imagina el más puro semi growl del Black primera ola, mitad gruñendo, mitad suplicando, aunque no faltan voces limpias también. La banda elige  no sobrecargar al oyente con blast beats incesantes, en lugar de eso permite que el sonido se filtre a través de pasajes minimalistas y cargados de fatalidad. Las guitarras gimen, la batería hace eco en patrones y sin embargo, en algún lugar en la penumbra, la luz del Heavy parpadea.

La segunda canción, A Death Though No Loss, se destaca como la mejor del trabajo. Si bien mantiene el tono característico del álbum, es donde más se percibe la mezcla de las guitarras vivas del Heavy y la atmosfera Black. En general el disco discurre con esta amalgama que se puede encontrar en bandas como Bewithcher o Cloak, algo que los muy especialistas llaman Black 'n Roll... las etiquetas que los metaleros usamos son para hacérnoslo mirar.

En términos de composición, Chapels of Disease es bastante simple. "Echoes of Light" no está abriendo nuevos caminos pero su sonido está bien elaborado, ejecutado con precisión y atmosféricamente rico. Ocasionalmente, sin embargo, el ritmo puede sentirse glacial. Algunas canciones podrían haberse beneficiado de un toque más de urgencia; cuando todo es sombrío, es difícil que los momentos individuales destaquen.

Si hay una crítica que se pueda hacer, es que el álbum a veces se ahoga en su propia tristeza, virando peligrosamente cerca de la parodia, el tema Shallow Nights es prueba patente. Uno solo puede soportar cierta cantidad tristeza antes de preguntarse si "Echoes of Light" realmente tiene un interruptor de apagado. Y por otro lado lo mejor son los solos de guitarra que ejecuta Laurent Teubl, quien puede que sea el único miembro de la banda (un unipersonal, pero antes no era así, en resumen, no me queda demasiado claro).

Aun así, Chapel of Disease ofrece un buen punto de entrada para que nuevos fanáticos conozcan el Black sin necesariamente tener que quemarse en fosos de sonido árido. El trabajo en "Echoes Of Light" es inquietante, atmosférico y con la cantidad justa de melodía y atmósfera: una buena escucha para cualquiera a quien le guste el Metal sombrío pero no sin belleza.

7/10

Ad Infinitum - "Abyss" (Melodic Metalcore)

A mi las cosas que quieren aparentar ser algo que, cuando se raspa apenas la pinturita, se ve que no son, pues no las soporto. Debe ser la edad y que con el tiempo se prefiere tener/oír/ver/saber/sentir pocas cosas, pero que tengan calidad... poco pero bueno. Por eso este tipo de bandas, a la Amaranthe o Babymetal, siempre las cojo con pinzas porque me imagino lo que viene. Es es en el fondo el pecado del Metalcore, que se les ven las costuras 'poser', no todos -es verdad-. Vengan de a uno.

En el caso de Ad Infinitum escojo hablar de ellos porque están en el radar de los trabajos mentados y bueno, a veces hay sorpresas. Lo que realmente me llama la atención es que su vocalista Melissa Bonny está en boga porque hace bastante tiempo le presta un apoyo notable a las presentaciones en vivo de Kamelot y eso le otorga galones, aunque no se si se hace un favor con este disco, llamado "Abyss" pues la verdad es que no tiene demasiado que ofrecer, un poco más de lo mismo. Es exactamente el mismo disco que decenas de bandas del estilo han grabado antes, con exactamente las mismas melodías, los mismos breakdowns, los mismos teclados. La innovación en el Metalcore Melódico ha fallecido, oremos por él.

¿Es malo el disco? Joder, ya ni se. Creo que si a alguien le gusta este estilo puede que lo acepte, pero el que me diga que pasará a engrandecer el panteón de género va a tener que argumentarlo muy bien. "Abyss" es una oda a los lugares comunes y la falta de originalidad, no está mal instrumentado y la voz de misia Bonny destaca, como no podía ser diferente porque tiene un gañote, pero en el apartado de hacer canciones se queda rezagado, el disco comienza y termina y repito, creo haberlo oído antes, tocado por otras bandas. Digamos que si la copia es un halago, Ad Infinitum son muy corteses con alguien.

Decir que se perderá el tiempo quizás no sea justo, la producción y arreglos son buenos, la duración es aceptable en sus treinta y siete minutos, algún momento del disco atrae algo la atención y hay canciones que son pasables. El punto es que nada es memorable, la autenticidad del sonido es inexistente y la originalidad tiende a cero. Este tipo de bandas, al menos este disco, no pasa de ser primera o segunda presentación del segundo día del un festival de cuatro jornadas, se acercarán doscientas personas y habrá unas veinte que se sabrán unos coros, de resto, si te vi no me acuerdo.

Reitero lo que siempre digo con respecto a críticas que como esta no son favorables: mi eterno respeto a los músicos a los que tanto les cuesta crear, grabar, distribuir, ganar algo de dinero, ser entendidos, hacer todos los esfuerzos que se que hacen, lo se, me consta, pero las cosas como son, "Abyss" de Ad Infinitum es mediocre, no tiene nada que lo haga destacar fuera de la individualidad de la cantante, es plástico y como todo lo inanimado, no tiene alma, no esperen conseguir mucho aquí, a menos -repito- que sean muy-muy fanáticos del Melodic Metalcore.

5/10

Vhäldemar - "Sanctuary Of Death" (Power / Heavy / Speed)

Por razones poco discutidas y probablemente interesadas, el Metal que sale de sitios menos usuales, -digo- fuera de la zona anglosajona, nórdica y por excepción, de la Bota, parece que lo tiene más difícil de llegar a conocimiento general, no digamos a las carteleras y sitios de comentarios usuales. Es totalmente injusto, pero es así y no me gusta que sea de esa manera, por eso es un poco obligación y mucho placer hablar de gente como Vhäldemar, una banda vasca, española por su puesto, que hace un Power/Heavy/Speed muy al uso de Gamma Ray, Hellowen y similares, con un toque Manowar en lo que a épica refiere.

Con "Sanctuary Of Death" son siete sus larga duración y al menos éste -porque recién es que los vengo descubriendo- es el tipo de álbum que te agarra por el cuello y se niega a soltarte hasta que estás cantando sus himnos a todo pulmón. Esta banda no se contiene: golpea con la sutileza de un martillo de guerra y la velocidad de un tren desbocado.

Desde el inicio del disco la banda no pierde tiempo en marcar el tono: implacable, agresiva, pero innegablemente melódica. Si eres fanático de los solos de guitarra y las voces imponentes, aquí es donde te sentirás como en casa. La voz de Carlos Escudero es un grito primario que resuena con influencias de la vieja escuela, pero hay una ferocidad refrescante que se siente todo menos anticuada. Es como si el Metal clásico hubiera recibido una inyección de adrenalina y una mala actitud.

Temas hay por doquier, quizás no todos geniales, es cierto pero el disco tiene la virtud de mantener buen nivel, agregando eso que yo adoro, una canción que te lo recuerde por los siglos de los siglos, amen... me refiero a Deathwalker, un espectáculo en dos patas que tiene que ser escuchado, muy Accept o Axxis, muy alemana; agrégele a eso temas como Forevermore, Devil's Child, Dreambreaker, o Old King's Vision (Pt.VII) que aportan la energía que mantiene vivo el disco, todo aderezado con riffs sencillos pero afilados y una sección rítmica excelente. La alquimia está lograda.

Este no es un álbum que reinvente la rueda, a "Sanctuary of Death" le pudo haber sobrado una canción o dos, lo que realmente quiere hacer Vhäldemar con la rueda es atarle unos clavos, prenderle fuego y lanzarla a la batalla colina abajo. Para los fanáticos de los solos de guitarra épicos, los gritos de lucha y el Metal que te hace sentir como si estuvieras cargando hacia la guerra (así de ridículo y épico, jajaja), Vhäldemar cumple de sobra. De santuario nada, tierra arrasada.

8/10

Warpriest - "Gloombreaker" (Doom)

"Gloombreaker" de Warpriest es uno de esos álbumes de los que hay que hablar, sea ya porque ha golpeado el mundillo de revisiones con las peores calificaciones posibles o porque es necesaria la labor social que aleje a los desprevenidos del riesgo que este tipo de trabajos entraña. Hago aclaración: aunque este es uno de los peores discos en años, no quiero que mi comentario se interprete como una falta de respeto a los músicos que lo crearon, respeto su esfuerzo y creo que todo el mundo tiene derecho a intentarlo y equivocarse.

El trabajo dice prometer intensidad Doom pero ofrece mediocridad envuelta en una capa de teatralidad cargada de fatalidad. Desde el principio la banda (el dúo, de hecho, los esposos Wilson de Atlanta, GA) parece decidida a enterrar cualquier energía potencial bajo una montaña de riffs lentos y atmósferas sobrecargadas, creando una experiencia auditiva que se siente más como una tarea impuesta que como un rato divertido. Si estás buscando un disco que redefina lo que significa ser 'sombrío', este podría serlo, pero solo porque podría ponerte a dormir.

El álbum comienza con lo que presumiblemente se supone que es una apertura melancólica, pero en cambio, Dogs Of Doom es un canto fúnebre sin rumbo que avanza lentamente con toda la emoción de ver cómo se seca la pintura de la pared. Warpriest intenta evocar la vibra siniestra del Doom clásico, pero solo logran sonar como si estuvieran imitando los elementos del género sin entender qué los hace funcionar. Los riffs, que suelen ser el corazón de cualquier buen disco son -cuando medio aciertan- olvidables y reciclados, hasta el punto de la parodia, cuando no aciertan -que es la más de las veces-, dan vergüenza ajena. Cuando llegas a la tercera canción te preguntas si estás escuchando el mismo riff una y otra vez a ritmos ligeramente diferentes y cuántas horas han pasado.

El gruñido monótono del vocalista es otra decepción, pero lo peor es que cuando intenta hacer algo de esfuerzo, desafina y lo hace tanto que tiene que venir a auxiliar el sonido de la guitarra en forma de outro. Si bien está claro que Warpriest busca una presencia siniestra, su interpretación se siente caricaturesca, sin vida y forzada, como alguien que hace su mejor imitación de un villano de película de terror tipo B.

La producción tampoco le hace ningún favor a "Gloombreaker". La mezcla es turbia y desequilibrada, lo que dificulta distinguir entre los instrumentos en los momentos claves. Esto puede ser intencional para darle al disco esa sensación underground, pero termina sintiéndose barato y apresurado. Los intentos de Warpriest de incorporar elementos atmosféricos resultan torpes, con efectos mal colocados que no mejoran el estado de ánimo y que restan valor a cualquier pizca de interés que la banda podría generar.

"Gloombreaker" es un ejercicio poco inspirado de clichés del Doom que ponen a prueba la paciencia y los nervios. Sugiero tocar el trabajo solo con un palo, especialmente si se es novato en estas artes, no vaya a ser que la decepción les haga creer que todo el Doom es así.

2/10

Blood Incantation - "Absolute Elsewhere" (Technical Death / Ambient)

"Absolute Elsewhere" de Blood Incantation, heredero espiritual de su EP de 2022 "Timewave Zero", es un giro audaz del tipo de Death por el que es conocida la banda con sede en Denver. El álbum es menos un disco de Metal y más una banda sonora para una exploración cósmica, intercambiando guturales feroces y guitarras abrasadoras por sintetizadores celestiales y paisajes sonoros espaciosos. Es como si Blood Incantation se hubiera tomado en serio su fascinación por el universo y hubiera creado una pieza musical que muy bien podría acompañar los viajes interestelares, o quizás los momentos tranquilos entre galaxias.

"Absolute Elsewhere" ofrece dos temas largos y serpenteantes de tres partes cada uno, The Stargate y The Message, y que tienen más que ver con evocar estados de ánimo que con mostrar talento musical. Esto es claramente deliberado y aunque algunos fanáticos de los trabajos anteriores de la banda, especialmente "Hidden History of the Human Race" (2019) podríamos habernos quedado anhelando algunos blast beats y agresión, la ausencia de elementos tradicionales del Death no es algo negativo. En cambio, el álbum baña a los oyentes en una atmósfera, invitando a navegar a través de paisajes sonoros nebulosos con una sensación de asombro distante.

La canción de apertura, Tablet I de The Stargate, se siente como un deslizamiento a través de un sistema estelar distante, con sintetizadores analógicos cálidos que reverberan como si rebotaran en el vacío. El disco en general tiene una vibra retrofuturista tangible, que recuerda a las bandas sonoras de ciencia ficción de los años '70s (piense en "Blade Runner" y "2001"). El sonido es a la vez vintage y atemporal, un retroceso a una era de fantasías de exploración espacial pero inquietantemente revelador.

Hay temas más meditativos, con un enfoque minimalista que podrían describirse como la banda sonora de observar un agujero negro a corta distancia. Es el equivalente musical de mirar fijamente al abismo y sentir que el abismo, en lugar de mirar de vuelta, te arrulla en una extraña paz. Por supuesto, "Absolute Elsewhere" no es para todos. Los fans de Blood Incantation que busquen riffs complejos, pesadez o gruñidos pueden sentirse perdidos en este mar de Ambient. Sin embargo, aquellos con paciencia, y quizás un cariño especial por algo novedoso, encontrarán en esta experiencia una recompensa.

Al final, este álbum trata más sobre traspasar límites. Ya sea que te guste el Ambient con temática espacial o simplemente sientas curiosidad por lo que sucede cuando una banda de Metal da un giro brusco, "Absolute Elsewhere" es un viaje que vale la pena emprender. Este es el disco conceptual del este año sin duda, reitero que no tiene nada sencillo y que toma tiempo agarrarle la vuelta, pero al comprenderlo se abre y te atrapa. No le falta mucho a Blood Incantation para la perfección, sino es que ya está ahí.

8.5/10

Nails - "Every Bridge Burning" (Powerviolence / Grindcore)

"Every Bridge Burning" de Nails es nuevamente, una feroz pieza de Powerviolence y Grindcore que ofrece una agresión implacable en apenas minutos. Fieles a su esencia, el trío con base en California vuelve a crear una experiencia sonora que combina una velocidad brutal con riffs densos y sofocantes. Conocidos por su enfoque intenso y crudo, Nails no se contiene en este disco, ofreciendo a los oyentes una experiencia brutal y catártica de principio a fin.

La banda no es muy prolífica, su anterior trabajo "You Will Never Be One Of Us" (2016) ya vio luz hace ocho años, sin embargo quedó grabado a fuego en mi memoria, primero porque con él los descubrí y segundo porque desde entonces me han parecido una de las bandas más auténticas del sector extremo del Metal. Si además sacamos cuentas que cada disco tiene apenas unos dieciocho minutos de música, pues con sus cuatro entregas apenas hay una hora en total de sonido de Nails, pero, por demás interesante, ello no desdice, al contrario, refuerza que cantidad no es igual a calidad.

El álbum se sumerge desde el vamos en un asalto caótico de tambores atronadores, guitarras distorsionadas y la voz de Todd Jones. La producción es intencionalmente -desde mi punto de vista- cruda, con los instrumentos y las voces mezclándose en un muro de sonido castigador. Muchos momentos del álbum capturan la sensación de ira implacable y nihilismo por el que Nails se ha hecho conocido. La mezcla de la velocidad del Grindcore y la pesadez de los elementos Powerviolence lo convierte en una escucha agotadora pero gratificante.

La canción principal del trabajo, Every Bridge Burning, se destaca como el centro temático y sonoro del álbum. Con poco más de tres minutos de duración, encapsula la rabia y la visión sombría del mundo que Nails canaliza a lo largo del disco. El título sugiere una ruptura de los lazos con el pasado, una declaración de guerra contra el mundo, que se refleja en el enfoque intransigente de la música.

Aunque "Every Bridge Burning" no se aleja mucho de la fórmula que Nails ha perfeccionado a lo largo de los años, su brevedad garantiza que el impacto sea puro. Esto no va de variedad o sutileza; es un ejercicio para ofrecer una experiencia visceral y primaria. Para los fanáticos de la banda, ofrece exactamente lo que queremos: furia pura y sin diluir. Aunque no es para los débiles de corazón, "Every Bridge Burning" es un testimonio de la capacidad de Nails para superar constantemente los límites de la música extrema. En el video inserto, todo el disco.

8/10 

Wormwood - "The Star" (Melodic Black / Folk)

"The Star" de Wormwood es una interesante mezcla de Melodic Black (quizás hasta Ultra Melodic) y Folk Atmosférico, impregnada de misticismo y la oscuridad del norte de Europa. Esta banda sueca es conocida por ofrecer un sonido agresivo pero melódico y este disco continúa el legado del camino abierto con "Ghostlands - Wounds From A Bleeding Earth" (2017), Disco del Año del género de este sitio. Sin embargo "The Star" no necesariamente abre nuevos caminos para ellos, solo aprieta los tornillos de lo que ya hacen bien.

El álbum tiene torbellinos apocalípticos de riffs de trémolo y blast beats que establecen un tono sombrío. Un ritmo implacable se siente como un descenso al caos, pero no sin su propia belleza retorcida y cambios a pasajes lentos y meditativos que ayudan a apreciar la entrega. La yuxtaposición de growls y coros limpios, junto con líneas de guitarra melódicas, sigue siendo uno de sus puntos fuertes. Cometen el pecado de los coros de niños, pero digamos que no les queda tan mal, sin embargo no termino de entender la razón de hacer esto. Los riffs de "The Star" son fáciles de entender y a menudo dan paso a interludios melódicos que evocan una sensación de paisajes antiguos, indómitos y vastos.

Los temas A Distant Glow -lo mejor del disco y uno de los mejores del año-, Liminal y Ro, son lo más destacado del trabajo, introducen influencias Folk a través de pasajes de guitarra acústica y atmósferas sombrías, brindando un respiro del material más pesado. Estos momentos se sienten casi cinematográficos, como la banda sonora de alguna saga vikinga. Wormwood no rehúye de la grandiosidad, y si bien más que ocasionalmente pisa la línea de la autocomplacencia, el ritmo general del álbum evita que se vuelva demasiado inflado.

Vocalmente, la entrega se adapta al estado de ánimo, pero no se destaca mucho del mar de actos de Black que ofrecen un sonido similar. Las letras se inclinan hacia temas de muerte, destrucción y sabiduría esotérica, lo cual es normal en este género, pero parecen más poéticas que sermoneadoras, un cambio bienvenido que a menudo también plaga álbumes similares.

Donde "The Star" realmente brilla es en su producción. El sonido es nítido, con cada instrumento perfectamente equilibrado. La mezcla fría, casi clínica, funciona a favor del álbum, permitiendo al oyente perderse en las complejidades de los arreglos sin sentirse abrumado por el sonido del conjunto. Al final, "The Star" es una incorporación sólida, aunque no innovadora, a la discografía de Wormwood. Honesto buen disco que si no se le escucha demasiado seguido mejora su percepción porque es demasiado melódico y empalaga, pero destaca en 2024.

7.5/10

Wolfheart - "Draconian Darkness" (Melodic Death)

"Draconian Darkness" de Wolfheart ofrece una potente mezcla de Death Metal melódico con toques sinfónicos, manteniéndose fiel al estilo característico de 'metal invernal' de la banda. El álbum se reitera en los temas característicos de la agrupación finlandesa al tiempo que refina su sonido con elementos cinematográficos y atmosféricos. Wolfheart ha realizado un buen disco, pero demasiado sobre seguro.

El álbum abre con Ancient Cold, una feroz canción marcada por su orquestación masiva e intensa energía Melodeath. Le siguen temas como Trial By Fire y Grave, en que destacan sus transiciones dinámicas de riffs brutales a momentos más suaves y atmosféricos. En general el disco muestra todos los trucos y denominadores comunes que los han llevado a ser apreciados como representantes genuinos del género.

No se podrá decir que no le he prestado atención al trabajo de Tuomas Saukkonen, siendo con éste seis los discos comentados aquí, los cinco primeros bandeando entre lo genial y lo bueno; todavía me parece que "Constellation Of The Black Light" (2018) es su buque insignia, pero con "Draconian Darkness" baja un peldaño, a niveles de "Shadow World" (2016), su gran productividad quizás merma un tanto la calidad, pero nada que lamentar como grave.

La calidad de producción es uno de los puntos fuertes de "Draconian Darkness", donde cada instrumento suena nítido y claro, mejorando la experiencia auditiva general. Reitero que a pesar de sus puntos fuertes, algunas críticas sugieren y yo lo comparto, que algunas pistas, como Evenfall, se sienten repetitivas, apegándose demasiado a la fórmula de laboratorio sin suficiente experimentación.

En definitiva, "Draconian Darkness" es una adición más que decente en la discografía de Saukkonen, que equilibra la intensidad cruda con melodías inquietantes y ofrece una experiencia convincente para los fanáticos del Melodeath. Si bien va a lo seguro a veces, es un álbum que consolida -si se puede- la posición de Wolfheart en el género.

7.5/10