Messa - "The Spin" (Doom / Psych)

Estas bandas oscuras, pero consistentemente buenas, son un regalo para el Metal. Eso no lo saben los más chiquillos, a ellos le puede parecer silvestre que haya quien disco tras disco contribuya a hacer arte... nada más alejado de la normalidad. La calidad es una 'rara avis' pero -por suerte- en el Metal, por sus características propias (alejado del sonido mainstream, complejo, menos melódico, etc.) es más fácil encontrase de vez en cuando a esa especie, gente que como Messa dan asco por lo buenas que son... aunque no los conozca nadie, son putas buenas bandas.

"Close" (2022) disco Doom de ese año de este sitio no es un trabajo precisamente fácil, pero luego de darle el  suficiente tiempo, arrebata con su intensidad, reitero la importancia de revisarlo. Ahora con su cuarto larga duración, "The Spin", los italianos nos traen una nueva entrega de ese Doom-Psych con toque Góticos que tanto impacta, con la voz de su Sara Bianchin como fuerza de la naturaleza desatada, dispuesta a tomarlo todo y no dejar hueso sano.

Si bien esa voz nombrada hace un trabajo -nuevamente- genial, en este disco el acento que imprime la guitarra que ejecuta Alberto Piccolo es notable, ciertamente depurado en su calidad. En general el sonido de la banda ha crecido, incluso diría que con "The Spin" no quisieron hacer un disco tan exigente como el anterior, sino algo un poco más asequible y ello lo han logrado sin quitarle la intensidad emocional y musical que los ha destacado. No me sorprendería que con este trabajo la banda terminara de saltar al conocimiento popular (lo que en términos de Metal son cincuenta mil seguidores en vez de cinco mil, pero ustedes entienden)

Temas como The Dress -nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC- Thicker Blood y At Races, son ejemplos patentes de la calidad, intensidad, crudeza y sonoridad de Messa. Como dije antes, son temas más fáciles de digerir que lo que la banda nos tenía acostumbrados, le han quitado un poco de algo, ¿quizás Sludge? Esto puede ser negativo para los puristas come clavos que solo quieren cosas que atraganten, pero en mi visión el disco mantiene una calidad en el songwriting que pocas agrupaciones pueden lograr.

Termino el comentario y siento que no he logrado transmitir precisamente lo que he percibido sonoramente con "The Spin" y es que el disco es exactamente eso, una muestra de cosas que no son fáciles de definir. En el canon de los géneros a los que rinden pleitesía, Messa está logrando innovar y mostrar ventaja respecto a bandas que tratan y tratan, pero no alcanzan este nivel. Háganse un favor, si solo van a escuchar cuatro o cinco discos este año, incorporen a éste en esa lista, los va a recompensar.

8.5/10

Elvenking - "Reader Of The Runes - Luna" (Power / Folk)

"Reader of the Runes – Luna" de Elvenking, marca la tercera entrega de su trilogía "Reader of the Runes". Conocida por su singular mezcla de Power, influencias Folk y narrativa fantástica, la banda italiana continúa expandiendo su sonido mientras profundiza en un complejo mundo narrativo. Este álbum es la continuación de "Divination" (2019) y "Rapture" (2023) y eleva trata de elevar la apuesta tanto musical como temáticamente.

Desde el principio, queda claro que Luna es un capítulo tanto más oscuro y pesado como su predecesor. La banda se inclina un tanto más hacia el Extreme Power, lo que le da al álbum una sensación de urgencia e intensidad. El tema inicial, Season Of The Owl, marca el tono con una batería atronadora, riffs agudos y la voz de su cantante Damnagoras. El trabajo es de tintes épico como no podría ser diferente y la composición no pierde el enfoque. Hay una sensación de propósito y progresión a lo largo del disco, lo cual es impresionante considerando su duración de casi una hora, definitivamente un tanto largo.

Canciones como Luna, Stormcarrier y la de cierre, Reader Of The Runes - Book II demuestran la habilidad de Elvenking para equilibrar melodía y un tanto de agresividad. En general los temas son enérgicos, con melodías de inspiración Folk que se entrelazan a la perfección con un buen trabajo de guitarra. El violín, un elemento esencial del sonido de Elvenking, permanece presente, pero integrado de forma más sutil, a menudo sirviendo como un acento atmosférico o melódico en lugar de ser el punto focal.

Líricamente, el álbum continúa la saga del misterioso lector de las runas, aunque quienes se inician en la historia podrían sentirse un poco perdidos sin el contexto del primer y segundo disco. Aun así, incluso sin profundizar en la historia, las letras son evocadoras y poéticas, pintando vívidas imágenes de traición, profecía y guerra mágica.

No comentaba lo realizado por la banda desde "Era" (2012) y "The Pagan Manifesto" (2014), este último todavía lo mejor que han presentado. Aún así se siente la maduración de la banda a lo largo de los años. Si bien Elvenking siempre ha contado con una base de fans fiel, sus álbumes anteriores a veces recurrían demasiado a los recursos Folk o a una teatralidad desmesurada. Aquí, el equilibrio es interesante. Los elementos Folk son más refinados, y los momentos más pesados ​​no se forzados, sin embargo el songwriting no es todo lo genial que les he percibido en sus mejores discos.

El álbum podría no ser para todos. Su naturaleza conceptual y tono dramático pueden resultar excesivos para los oyentes ocasionales, y la dependencia de una historia continua podría alejar a quienes no estén ya inmersos en la saga. Pero para los fans del Power con influencias Folk, esta es una experiencia divertida, aunque no trascendente.

En conclusión, "Reader of the Runes – Luna" es un trabajo ambicioso de Elvenking, han tenido la virtud de terminar con buen gusto su trilogía, pero me han faltado algo de sonidos novedosos, un poco más de atrevimiento. En todo caso, bien vale la pena darle una repasada.

7/10

Epica - "Aspiral" (Symphonic)

Viejos conocidos de este humilde blog, a quienes por cierto tuve la oportunidad de ver por primera vez y en primera fila hace un par de años, Epica tiene ya bastante recorrido, "Requiem For The Indifferent" (2012), "The Quantum Enigma" (2014), "The Holographic Principle" (2016), "Omega" (2021) han sido todos discos, mínimo, excelentes, algunos un poco más. Esta banda, la más metalera de las bandas Sinfónicas del conocimiento popular (léase: Nightwish, Xandria, en un tiempo atrás Within Temptation, etc) vuelve con su temática existencialista, puede que un cierre, entre otros, de "Quantum", "Holographic" y "Design Your Universe" (2009) como concepto sobre el ser humano y su grandeza.

En su nuevo trabajo, "Aspiral", observo signos, el primero es que no he querido que llegue el momento de escribir sobre él porque quiere decir que debo pasar al próximo trabajo y ya no lo voy a escuchar tan regularmente, el segundo es el interés que me ha suscitado nuevamente su lírica, muy en la perspectiva de aquello de 'be the master over your own energy'. De acuerdo o no con el creacionismo o la evolución, no se puede negar que Mark Jansen, amo y señor de la banda, tiene un don para el arte y la música.

El disco está, como es de suponer, muy bien, incluso podría decir que la orientación metalera, como referí arriba, está más presente aún; lejos de facilismos sinfónicos, hay un nivel de agresión poco común para lo que se acostumbra a esperar de las bandas mal llamadas 'Female Fronted'... y tampoco se puede dejar de alabar por enésima vez la calidad vocal de Simone Simons, de la que puedo dar fe, -aquí el comentario misógino y cancelador- luego de verla a cuatro metros de distancia, que es todo lo hermosa que aparece en las fotos, bella con avaricia.

Los temas buenos están por doquier en "Aspiral", Arcana, Cross The Divide, Darkness Dies In Light - A New Age Dawns Part VII (la más Sinfónica), la balada Obsidian Heart -un puto temazo de riff memorable, nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC- The Grand Saga of Existence - A New Age Dawns Part IX y Aspiral, otra hermosa balada y punto de cierre del disco, el cual incorpora la narración -en la tónica existencialista- de Stanisław Szukalski, un artista polaco con tintes controversiales por su ¿teoría? llamada Zermatismo, que postula que toda la cultura humana se derivó de la Isla de Pascua posterior al diluvio y que la humanidad estaba atrapada en una lucha eterna con los Hijos del Yeti (Yetinsyny), la descendencia del Yeti y los humanos... una vaina rara, aunque lo que dice en el tema está interesante.

Nada de todo lo que he mencionado valdría realmente la pena si "Aspiral" no tuviera un buen songwriting y lo tiene, para mi es excepcional el nivel del trabajo y madurez que ha alcanzado Epica en sus veintipico años de carrera, sin caer en personalismos (cough, Holopainen) y haciendo buena música tanto para ellos como para su público. Me siento afortunado de haber escuchado este disco, creo que tiene madera para trascender en el tiempo, cosa que quizás es lo más difícil para cualquier expresión artística. Puede que sea el mejor disco de Epica.

9/10 Nominado como contendiente a Disco del Año.

Allegaeon - "The Ossuary Lens" (Technical Melodic Death / Melotech)

Bandón, bandón... Allegaeon nunca decepciona. Trabajos como "Proponent For Sentience" (2016) y sus geniales "Apoptosis" (2019)  y "Elements Of The Infinite" (2014) son ejemplos patentes, incluso cuando no fue todo lo esperado con "Damnum" (2022) les agradecí el esfuerzo. No es menos que una buen noticia que se encuentren de vuelta con "The Ossuary Lens", un disco que nuevamente comprueba que los de Colorado tienen todo lo que hace falta.

Es una lástima que este tipo de bandas pasen un poco desapercibidas, está claro que el Melodeath Técnico es un gusto adquirido, no es el Extreme Power del primer apellido, ni tampoco el puro onanismo instrumental que domina el segundo. Es -bueno- justamente eso, una forma de ver el Metal con agresión, pero algo de atemperamiento de la crudeza gracias a las armonías más fáciles y bastante de calidad en la ejecución.

Este, séptimo álbum de estudio de Allegaeon, marca el regreso del vocalista original Ezra Haynes, ausente desde "Elements of..." y reintroduce una intensidad familiar en su sonido. Los growls de Haynes, combinados con la destreza técnica de la banda, ofrecen una excelente mezcla que él mismo ha denominado Melotech... creo que debo incorporar el término al abultado repertorio de estilos, sub-estilos, sub-sub-estilos y sub-sub-sub-estilos (seguro me falta un nivel más abajo) que tiene el Metal.

Recomiendo enfáticamente buscar las letras del disco, el enfoque temático del álbum gira en torno a diversas perspectivas sobre la muerte, y cada canción explora una faceta diferente de esta experiencia universal. Musicalmente, el álbum muestra la complejidad característica de Allegaeon, con un intrincado trabajo de guitarra, ritmos dinámicos y elementos atmosféricos que aportan profundidad a su sonido. 

Caben destacar varios temas Imperial, Chaos Theory, The Swarm, Carried By Delusion -la mejor del disco y nominada a Canción del Año de ELOMC- y casi cualquier otra. Hay un tema que ha llamado la atención y es en el que contribuye Adrian Bellue, un guitarrita de técnica fingerstyle, llamado Dark Matter, el cual es realmente también interesante, pomposo, pero llamativo, típica canción que odias o amas... diría que Allegaeon buscó hacer aquí su Stairway To Heaven :)

"The Ossuary Lens" representa una incorporación cohesiva y madura a la discografía de Allegaeon, que equilibra la destreza técnica con la profundidad temática. La exploración de la mortalidad en el álbum, combinada con sus intrincadas composiciones, ofrece una experiencia reflexiva y sonoramente rica y sus elementos melódicos le imprimen suficiente épica como para no saturar con la agresión, un gran álbum -repito- muy equilibrado.

8.5/10

Tómarúm - "Beyond Obsidian Euphoria" (Technical Progressive Black / Death)

Si alguna vez te has preguntado qué se siente ser aplastado por una manada de virtuosos, no busques más: el último trabajo de Tómarúm, "Beyond Obsidian Euphoria", es lo que buscas. Este álbum no solo traspasa los límites del Black Técnico y Progresivo, ahora con elementos Death también, sino que los catapulta a otra dimensión, todo con la sonrisa confiada del que sabe lo que está haciendo.

Desde el principio, el tema de apertura, In Search of the Triumph Beyond... (Obsidian Overture) -nominado como contendiente a Canción del Año de ELOMC-, te sumerge en un torbellino de diez minutos de riffs vertiginosos, melodías etéreas y compases que parecen tener vida propia. Es como si la banda hubiera decidido que la mejor manera de empezar un álbum era retar a los oyentes a una lucha musical para luego ganar sin esfuerzo. La formación de la banda se ha ampliado desde su debut, el gran "Ash In Realms Of Stone Icons" (2022) y ahora cuenta con tres guitarristas. Se puede suponer que esta decisión se tomó para asegurar que ningún diapasón quedara sin destrozar. El resultado es un muro de sonido tan denso que incluso la luz tendría dificultades para escapar.

Temas como Shed This Erroneous Skin y Halcyon Memory: Dreamscapes Across the Blue -también excelente- combinan a la perfección la ferocidad con momentos de calma introspectiva. Es el equivalente musical a estar atrapado en un mosh un momento y beber té al siguiente. Y justo cuando crees que tienes el álbum resuelto, Blood Mirage ofrece un golpe conciso de agresividad Death, recordándote que la previsibilidad no está en el vocabulario de Tómarúm.

El penúltimo tema, The Final Pursuit of Light, es un coloso de catorce minutos que te lleva a un viaje por diversos paisajes musicales. Es como ver de golpe una temporada completa de una serie de ciencia ficción: desafiante, pero gratificante. El último tema, Becoming the Stone Icon (Obsidian Reprise), ofrece un momento de calma introspectiva, quizás como el descenso después de la montaña rusa.

La crítica ha elogiado el álbum por su dinamismo audaz y su brillantez técnica. La gente de No Clean Singing -no acostrumbro a citar, pero esto vale la pena, dijo: 'La audacia y el dinamismo que exclama "Beyond Obsidian Euphoria" son tan impresionantes técnicamente como fervientemente gratificantes', yo creo que dan en el clavo. Sin embargo, algunos oyentes podrían encontrar la complejidad del álbum un poco abrumadora. No es música de fondo, eso que quede claro. En resumen, "Beyond Obsidian Euphoria" es una clase magistral de caos controlado. Es un álbum que exige atención y recompensa la paciencia, creo que Tómarúm esta destinada a trascender.

9/10 Nominado como Disco del Año

Eonian - "Born From Ice" (Symphonic Melodic Death)

Intentando escapar un poco de las bandas más conocidas y en la eterna búsqueda de nuevas emociones, le he dado la oportunidad al disco debut de un unipersonal (aunque en las fotos aparece con más gente) llamado Eonian, que en clave Melodeath Sinfónico, presenta "Born From Ice"... nunca se sabe cuándo y dónde pueden suceder cosas maravillosas.

Este disco es un trabajo que trata tanto, pero tanto, en hacerlo bien que se excede por mucho. Incorporando coros, growls, voces limpias, voces femeninas, música clásica, marchas épicas, ritmos a veces inusuales, clavicordios, artistas invitados y capa sobre capa de sonidos, "Born From Ice" es mucho con demasiado; no me malinterpreten, el songwriting trata de mostrar algunas virtudes y hasta algo de innovación, pero esto al final ha sido como si  un disco de Nightwish, Children Of Bodom y Ray Conniff se hubieran mezclados juntos. La más pura ejemplificación del dicho aquel que 'de buenas intenciones está empedrado el camino al infierno'.

Jaime Antuñano, un valenciano (de España) que me parece que está radicado en Nueva York, ha logrado incluso para un disco debut contar con las participaciones especiales de Rosalía Sairem (La Rock-A), Timo Tolkki (Avalon, Stratovarius), Oliver Palotai (Kamelot) y Grant Truesdell (Unleash The Archers), con los que tiene buena sinergia, me parece que si, pero nuevamente en cada uno de los siete temas que presenta "Born From Ice" siento que se pierde el foco, ocurre mucho a la vez, entran teclados exagerados, los arreglos quieren ocuparlo todo, nada realmente se siente orgánico, es como si Eonian, a cuenta del debut hubiera querido mostrar todas sus armas a la vez, al final acaba siendo un disco sobrecogedor en el mal sentido de la palabra, no hay manera de entenderle la belleza metalera que se le intuye capaz a Antuñano.

Los temas que componen el disco son grandilocuentes, de eso no les quede duda, si son capaces de sobreponerse a los excesos sonoros y a que la producción está realmente apelotonada, sin rangos dinámicos, puede que le consigan gusto. La mezcla de sonidos usuales del Melodeath/Extreme Power con el Sinfónico y algunos momentos extrañamente soft (como en The Emperor's Hound, francamente rara) pueden parecer interesantes, pero pasan sin dejar en la memoria más que el exceso de elementos. En todo caso diría que los mejores sonidos están en los temas Máthair y Blood Of My Blood.

La mayor lástima que me produce "Born From Ice" es que se presiente que Eonian podría haber logrado algo especial, pero no supo medir sus fuerzas, tal como cuando se levanta una jarra que se piensa llena y resulta vacía, al final ya no se puede frenar. Espero que haya una segunda oportunidad en la que me logre alcanzar el esfuerzo y entonces si, pasen cosas maravillosas.

5.5/10

Deafheaven - "Lonely People With Power" (Blackgaze)

El sexto álbum de estudio de Deafheaven, "Lonely People With Power", marca una síntesis convincente de los paisajes sonoros en evolución de la banda. Tras "Infinite Granite" (2021), más pulido y orientado al Blackgaze, esta última entrega retoma las raíces más pesadas de la banda, fusionando a la perfección elementos de su diversa trayectoria musical, aunque no todo el disco es homogéneamente tan bueno como sus anteriores, habiendo una especie de dos discos en uno, una primera parte estándar y una segunda parte genial.

El álbum abre con Incidental I, un preludio atmosférico que prepara el terreno para Doberman, esta canción reintroduce a los oyentes en la fusión característica de Deafheaven de la intensidad del Black y el Post, con los gritos viscerales de George Clarke junto con el intrincado trabajo de guitarra de Kerry McCoy y Shiv Mehra. El sencillo Magnolia, destaca por su energía implacable que evocan el estilo agresivo inicial de la banda. The Garden Route ofrece un contraste con su sensibilidad Dream-Pop de medio tempo, mostrando la versatilidad de la banda. Por su parte, Heathen equilibra pasajes etéreos con intensos crescendos, destacando el dinámico registro vocal. Hasta aquí una primera parte que hace del trabajo una buena entrega.

Es a partir Amethyst, el mejor tema y más expansivo del álbum, que se inicia el verdadero impacto al que en el pasado me había acostumbrado esta gente, sino iniciadores del género, los cimentadores del estilo (denostado y odiado por más de un Black metalero, no se crean que la cosa no es controversial). Este tema pasa de segmentos de palabra hablada a una mezcla culminante de percusión y guitarras imponentes, ejemplificando la maestría de Deafheaven en la dinámica de construcción y liberación. ​

Los interludios Incidental II e Incidental III presentan colaboraciones notables, con Jae Matthews de Boy Harsher y Paul Banks de Interpol aportando sus distintivas voces. Estos temas añaden profundidad y textura, reflejando la disposición de la banda a explorar nuevos territorios sonoros. Revelator ofrece un aluvión implacable de riffs y una batería trepidante, mientras que Body Behavior profundiza en temas de masculinidad y expectativas sociales, subrayados por un ritmo impetuoso (recuerden buscar las letras). El penúltimo tema, Winona -otra gran canción-, encapsula la temática central del álbum, tejiendo narrativas de traumas personales y generacionales a través de una mezcla de pasajes melódicos y agresivos. Para cerrar, The Marvelous Orange Tree rinde homenaje a los orígenes Blackgaze de la banda, con la voz limpia de Clarke aportando belleza a la composición. ​

En esencia, "Lonely People With Power" es un testimonio de la evolución de Deafheaven, fusionando hábilmente sus raíces con matices experimentales. El álbum no solo reafirma su posición en el panorama del Metal contemporáneo, sino que también demuestra su compromiso de traspasar los límites musicales. Un poco menos genial que sus anteriores, pero porque probablemente están explorando nuevos horizontes musicales, igual un gran disco en 2025.

8/10

Arch Enemy - "Blood Dynasty" (Melodic Death / Extreme Power)

El último álbum de Arch Enemy, "Blood Dynasty" es como si la banda hubiera decidido organizar una fiesta por todo lo alto, pero se hubiera olvidado de invitar a la emoción. Este décimo tercer álbum de estudio se siente como un déjà vu meticulosamente elaborado, donde cada tema compite por superar a los demás en un concurso de previsibilidad.

Comenzando con Dream Stealer, la banda ofrece un tema tan convencional que podría servir como modelo para un taller de 'Cómo escribir Death Melódico', la canción se precipita por un camino trillado de riffs y percusiones, sin desvíos ni rutas pintorescas. Illuminate the Path se atreve a añadir voces limpias, quizás con la intención de agregar sabor a este guiso insulso, sin embargo, esta fusión se siente más como añadir helado a un asado: innecesaria y confusa. Es como si la banda intentara demostrar que puede hacer varias cosas a la vez, pero termina tropezando con sus propias ambiciones.

Luego está March of the Miscreants, una canción que marcha en el mismo sitio sin llegar nunca a un destino. La robusta introducción percusiva promete un viaje, pero la canción rápidamente se asienta en un ritmo monótono, dejando a los oyentes mirando sus relojes y preguntándose si se perdieron en el camino. Vivre Libre surge como una versión de la canción de la banda francesa Blaspheme, cantada íntegramente en francés, la voz limpia de Alissa White-Gluz se luce aquí, es bonita, pero no combina con el estilo, al menos hubo un intento decente con ella.

La canción homónima, Blood Dynasty, intenta imponer su dominio, pero termina sintiéndose como una recreación de glorias pasadas. Con líneas melódicas de guitarra y growls, pinta una imagen sin ideas frescas, reciclando viejas fórmulas con resultados decrecientes. Paper Tiger intenta inyectar energía con riffs galopantes y un trabajo armónico de guitarra, la canción exige mover la cabeza, pero su previsibilidad es descarada. El cierre con Liars & Thieves, me produjo un encogimiento de hombros, es un final frenético que da la sensación de que la banda busca con ahínco su creatividad perdida y no da en el blanco. Francamente ningún tema, quizás con la excepción del cover, me atrajo.

En resumen, "Blood Dynasty" es un álbum que se aferra desesperadamente a los éxitos pasados ​​de Arch Enemy, ofreciendo poco en cuanto a innovación o emoción. Es un recordatorio de que incluso las dinastías más poderosas pueden caer, no con un colapso dramático, sino con el lento y sordo golpe de la mediocridad. Es una lástima porque era uno de los discos más esperados del año y me constan que la banda tiene bastantes seguidores.

6/10

Imperial Triumphant - "Goldstar" (Blackened Avant-Garde / Jazz)

El último álbum de Imperial Triumphant, "Goldstar", banda a la que es primera vez que le dedico un comentario sin saber porque realmente, marca una notable evolución en la discografía del trío de Avant-Garde con ribetes Black. Conocida por su compleja fusión de sonidos extremos y Jazz, la banda neoyorquina ha creado un disco que equilibra su característico experimentalismo con una inmediatez y accesibilidad que ayudan a pasar el trago ciertamente amargo del género.

Desde el principio, "Goldstar" sumerge a los oyentes en sus intrincados paisajes sonoros. El tema de apertura, Eye of Mars, exhibe la voz gutural y los riffs abrasadores del líder Zachary Ezrin, complementados por las líneas de bajo poco convencionales del bajista Steve Blanco, culminando en un final apocalíptico. Esta intensidad continúa con Gomorrah Nouveaux, -la mejor del disco- que integra ritmos no se si africanos o brasileros -pero ciertamente ultra novedosos- con melodías disonantes, ejemplificando su capacidad para entrelazar diversas influencias en un todo cohesivo.

Otro tema interesante del álbum es Pleasuredome, que cuenta con los bateristas Tomas Haake de Meshuggah y Dave Lombardo de Slayer. Esta colaboración introduce percusión nuevamente de inspiración brasileña, lo que añade una complejidad rítmica única al tema. De igual manera, Lexington Delirium rinde homenaje -entiendo luego de haber buscado las letras- al Edificio Chrysler de Nueva York, fusionando paisajes sonoros urbanos con un intrincado trabajo de guitarra y precisa batería

A diferencia de sus extensas composiciones anteriores, Imperial Triumphant adopta un enfoque compositivo más concreto en "Goldstar", rematando en treinta y ocho agradecidos minutos un trabajo cuya complejidad habría hecho incómodo el extenderse más. Esta brevedad da potencia al impacto del álbum, haciéndolo más accesible sin sacrificar la esencia Avant-Garde de la banda.

En resumen, "Goldstar" es un testimonio del crecimiento artístico de Imperial Triumphant, ofreciendo una experiencia auditiva ágil pero todavía desafiante. Al refinar sus complejas composiciones para convertirlas en formatos más digeribles, la banda invita tanto a los seguidores de toda la vida como a los recién llegados a explorar su paisaje sonoro. Este álbum pone en el centro de la escena del Avant-Garde de 2025 a la banda, demostrando que la innovación y la accesibilidad pueden coexistir sin diluir la integridad artística.

8/10

Cradle Of Filth - "The Screaming Of The Valkyries" (Symphonic / Gothic / Black)

La acostumbrada introducción donde uno dice algo interesante es una especie de lugar común, se le da la vuelta a algo que no tiene relación y como por arte de magia se cae en el disco (ahí es donde el comentarista se gana su sueldo)... en el caso de Cradle Of Filth es como caerle a martillazos a una galleta, es demasiado fácil, la banda -Dani Filth, en puridad- es un gusto adquirido, te gusta, lo odias, lo escuchas, no lo soportas, casi cualquier cosa que digas podría ser cierto. El espectro de opciones con este veterano de treinta y cinco años de vida artística es enorme y nada como un nuevo disco suyo para inspirarse, hablemos de "The Screaming Of The Valkyries"

Debo comenzar diciendo que sus últimos discos no me impactaron, "Cryptoriana - The Seductivness Of Decay" (2017) abiertamente no me gustó y  "Hammer Of The Witches" (2015) pasó aprobado por no mucho, creo que ni escuché su anterior "Existence Is Futile" (2021) y no me he resentido por esa decisión, pero ahora con "The Screaming Of The Valkyries" he sentido renovadas ganas de pasearme por él, porque por el murmullo mediático pareciera que puede haber sorpresas. Y efectivamente las hay...

Desde el primer tema del trabajo, el disco marca la pauta con una celebración del hedonismo desenfrenado. Dani Filth, lo describe como un tributo a vivir sin las restricciones de las normas sociales, disfrutando de los placeres de la vida tal como lo dispuso la naturaleza. 

En lo que a algunos temas respecta, Demagoguery muestra la característica voz gutural de Dani en medio de una vorágine de caos, recordando a los oyentes por qué Cradle Of Filth ha sido venerado y vilipendiado a la vez durante décadas. El tema es un asalto implacable a los sentidos, que combina riffs de sierra con gritos operísticos, característicos de la banda. La canción más destacada del disco es Non Omnis Moriar (en latín, no todo de mí morirá), que entrelaza hilos folk en un tapiz Black. Este tema ejemplifica la capacidad de la banda para fusionar lo antiguo con lo nuevo, creando un sonido atemporal y contemporáneo, con un riff francamente genial y unos coros emocionantes, la voy a dejar nominada como contendiente a Canción del Año de ELOMC

White Hellebore destaca como una composición siniestra pero seductora, con letras que ahondan en la naturaleza agridulce de la existencia. El video musical que acompaña al álbum, por si no lo han visto, esta repleto de horror gótico, presenta a una joven estrella de cine que sobrevive a la tumba a través de oscuras fuerzas ocultas, añadiendo un festín visual a la experiencia auditiva. Abajo lo pueden ver.

"The Screaming of the Valkyries" es un testimonio de la resiliencia y adaptabilidad de Cradle of Filth, con un sonido que, manteniéndose fiel a su historia, muestra unas buenas canciones, cosa que siempre es de agradecer. A pesar de los cambios en la formación, incluyendo la incorporación del guitarrista Donny Burbage y la teclista/vocalista Zoe Marie Federoff, la banda ha creado un álbum que se siente fresco y familiar. Es una combinación de grandilocuencia extremista, atmósfera poco convencional y gritos operísticos que sigue definiendo su estilo único de Metal. Por una vez, para mi, Cradle Of Filth se ocupó más del fondo que de la forma, bien por ellos.

8/10