Worm - "Necropalace" (Symphonic Blackened Doom)

"Necropalace" de Worm es un viaje oscuro, frío y misterioso al Blackened Doom Sinfónico, donde la atmósfera y la destreza técnica se fusionan en una pesadilla gótica y vampírica. En general, es un disco decente, pero sus fallos de producción y la dura competencia dentro del estilo le impiden alcanzar la verdadera grandeza.

El álbum se inclina con fuerza hacia una atmósfera sombría y neblinosa, con teclados densos, órganos y guitarras superpuestas que crean un paisaje sonoro imponente. Su autodenominado Black Doom Nigromántico gira decisivamente hacia el Black Sinfónico, pero sin abandonar sus raíces Doom y Death, lo que confiere a las canciones una sensación glacial y opresiva bajo la influencia orquestal. El resultado es una música que se siente a la vez fría y extrañamente majestuosa, como deambular por interminables pasillos helados iluminados únicamente por antorchas parpadeantes.

A pesar de su extrema intensidad, "Necropalace" es bastante melódico, con temas recurrentes y motivos principales que hacen que cada tema parezca un viaje en sí mismo. Temas como el que da título al disco y Halls Of Weeping presentan arreglos exóticos, a veces impredecibles, que desestabilizan ligeramente al oyente, reforzando el carácter misterioso del disco. La fluidez entre los temas está cuidadosamente construida, pero su duración de más de una hora se siente exagerada.

Bajo la atmósfera se esconde un núcleo sorprendentemente técnico, especialmente en la composición de riffs y la batería. La banda alterna entre pasajes sinfónicos de ritmo medio, al estilo de los 90, y secciones más lentas de Doom con cambios de tempo al estilo de disSEMBOWELMENT, que exigen una atención minuciosa del oyente. Esta complejidad estructural le da al álbum profundidad y valor de repetición, incluso cuando algunas secciones individuales resultan intencionadamente sofocantes.

Uno de los puntos fuertes son los solos de guitarra, de espíritu descaradamente Heavy e incluso Neoclásico. El guitarrista principal, Wroth Septentrion, aporta un toque extravagante y altamente melódico que atraviesa la penumbra como un foco, y la aparición de Marty Friedman (ex-Megadeth) como artista invitado en el último tema subraya ese linaje del Metal clásico. Estos solos añaden una sensación de dramatismo y optimismo que contrasta a la perfección con el ambiente, por lo demás desolador.

Donde “Necropalace” falla es en su producción. Aunque las capas sinfónicas suenan imponentes, la obra maestra se siente demasiado comprimida, con un rango dinámico limitado que mantiene la música constantemente 'fuerte' pero rara vez realmente impactante. El muro de sonido puede resultar fatigante incluso a corto plazo, especialmente en secciones que deberían respirar más para que la orquestación y los elementos Doom resuenen plenamente. El bajo funciona particularmente mal, a menudo enterrado o indistinto bajo las guitarras y el teclado, lo que resta peso y claridad a algunos pasajes graves.

Dentro del panorama más amplio del Black Sinfónico, "Necropalace" es interesante, pero no mucho más. Los fans de bandas como Fleshgod Apocalypse o Dimmu Borgir, con su integración orquestal más nítida y una producción más expansiva, podrían encontrar este trabajo Worm menos refinado. En definitiva, este es un disco decente: oscuro, atmosférico, bastante melódico, técnicamente ambicioso y adornado con fantásticos solos de guitarra inspirados en el Heavy, pero limitado por su sonido encogido.

7/10

Converge - "Love Is Not Enough" (Metalcore)

En “Love Is Not Enough”, los ultra veteranos de Converge hacen lo que mejor saben hacer: detonar un torbellino de emoción y ruido que te hace querer atravesar una pared y luego abrazar a la persona que tienes a tu lado para decirle lo buena que es. A lo largo de su breve y denso metraje, el disco canaliza la rabia, el dolor y un realismo desolador en una experiencia sorprendentemente catártica que se siente como si te desgarraran y te volvieran a unir en un mismo instante.

Desde el tema que da título al álbum, la banda se lanza directo a la yugular, con riffs frenéticos y una batería desenfrenada que evoca inmediatamente su material más cruel. La letra de la canción, que habla de aprender a 'soportar el sabor de nuestra propia sangre' y aceptar que 'el amor no es suficiente', marca el tono de un álbum obsesionado con la empatía bajo asedio y la supervivencia emocional en un mundo depredador. Este es Converge en plena lucha: enérgico, caótico, agresivamente oscuro, crudo y ruidoso, cada golpe contundente y cada grito cargado de amargura. La gran fortaleza del disco reside en su precisión técnica y densidad rítmica, sin resultar estéril en ningún momento. 

Emocionalmente -fin último de este tipo de trabajos-, el álbum vive en ese extraño espacio donde la violencia y la vulnerabilidad se vuelven indistinguibles. Temas como To Feel Something convierten la ansiedad en un arma, con guitarras que suenan como nervios de punta y versos aulladores de Bannon que resultan instantáneamente identificables. En otros momentos, momentos de melodía con tintes Punk, como en Make Me Forget You, abren brevemente las ventanas antes de que la banda las cierre de golpe en una lluvia de retroalimentación y percusión. 

Dicho esto, "Love Is Not Enough" no es una reinvención radical del lenguaje de Converge. "Jane Doe" (2001) sigue siendo su declaración definitiva, el álbum que no solo cristalizó su sonido, sino que ayudó a dar forma al Metalcore en su conjunto, y sigue siendo su mejor y más singular trabajo. En comparación, este nuevo disco no lleva su estética a un territorio radicalmente nuevo; en cambio, refina y condensa elementos familiares en una explosión corta y violenta. Hay guiños a épocas anteriores en algunos ritmos y texturas, pero nada que redibuje el mapa de la banda.

Sin embargo, esa falta de innovación no se percibe como complacencia, sino como un enfoque intencional. Tras décadas transformando el Metalcore en nuevas formas, Converge se contenta con ser la versión más pura de sí mismos: furiosos, técnicos, rítmicamente densos y emocionalmente lacerantes. "Love Is Not Enough" es una declaración de intenciones que demuestra que esta banda aún puede hacerte querer golpear primero y luego, inmediatamente, envolver a todos en un abrazo magullado y exhausto.

8/10

Karnivool - "In Verses" (Progressive)

El cuarto y demoradísimo álbum de Karnivool, "In Verses", es como un eclipse prolongado y lento: un disco oscuro y emocionalmente intenso que ilumina gradualmente al oyente a medida que lo escucha. Trece años después de "Asymmetry" (2013), la banda regresa con un sonido inconfundiblemente suyo -rítmicamente intrincado, melódicamente rico y profundamente introspectivo-, pero refinado y algo más paciente, atmosférico y maduro.

Desde el principio, "In Verses" se inclina hacia un tono melancólico, casi opresivo, que sustenta sus ganchos melódicos. Ghost y Drone reintroducen la mezcla característica de Karnivool de Rock y Metal  Progresivo: riffs sinuosos, ritmos desfasados ​​y dinámicos que pasan del susurro al rugido sin resultar forzados. El disco es innegablemente oscuro, tanto en sus armonías melancólicas como en la carga emocional que impregna sus letras, pero esa oscuridad nunca es unidimensional; se siente reflexivo más que nihilista, como si luchara con viejas cicatrices en lugar de revolcarse en ellas.

Los elementos progresivos se entrelazan en cada rincón del álbum, no como ejercicios técnicos ostentosos, sino como el ADN de la composición. Compases y polirritmos inusuales están por todas partes, especialmente en temas como Aozora, Remote Self Control y Animation, donde la batería de Steve Judd evoluciona sin perder su ritmo hipnótico. Estos rompecabezas rítmicos se equilibran con fuertes líneas melódicas; la voz de Ian Kenny se eleva por encima de la complejidad, haciendo que canciones que podrían parecer extrañas resulten, en cambio, accesibles.

El núcleo melódico y apasionado del álbum se evidencia más en sus piezas más largas y de ritmo lento. Conversations, un tema de ocho minutos y probablemente el mejor del disco, comienza en un silencio frágil antes de expandirse hacia un clímax catártico. Salva intercambia atmósfera y textura, utilizando el espacio, guitarras superpuestas y, finalmente, cuerdas y gaitas para crear recompensas emocionales que parecen ganadas en lugar de forzadas. De principio a fin, la interpretación de Kenny es a la vez técnicamente segura y abiertamente emotiva, dotando al disco de su esencia humana en medio de toda la ambición estructural.

Lo que hace a "In Verses" particularmente convincente es su contundencia sin depender únicamente de la agresividad. En definitiva, este trabajo es un viaje que recompensa la escucha atenta y repetida y aunque es demasiado largo en su hora y tres minutos, se siente oscuro pero no sombrío, técnico pero no clínico, atmosférico pero anclado en melodías potentes e interpretaciones apasionadas. Creo que Karnivool ha vuelto con un gran disco. Probablemente el tiempo asiente su gran calidad.

8/10

El Lado Oscuro - Metal Critica - 15 años

Hoy ELOMC cumple hoy quince años y aún me cuesta creerlo... cuando me fijo que tengo una hija menor que este sitio, me parece increíble. Lo que comenzó como un pequeño rincón para compartir comentarios y reflexiones personales sobre mi  placer al escuchar Metal, ha terminado convirtiéndose en un espacio en el que que muchas personas me han acompañado.

En este viaje ha habido de todo: noches escribiendo hasta tarde, cambios de diseño, silencios largos, regresos inesperados, y lo más importante, una comunidad de lectores fieles que siempre ha estado ahí, explorando conmigo el fascinante mundo de la mejor de la manifestaciones musicales que existe, al menos el más popular, como dice el antetítulo.

A cada persona que ha leído, comentado, compartido o simplemente pasado por aquí: gracias. Gracias por alimentar este proyecto con su curiosidad, su apoyo y su paciencia durante tres lustros.

Quince años después, El Lado Oscuro - Metal Critica sigue vivo porque juntos mantenemos la llama encendida y mientras haya buenos discos de los que hablar, seguiremos adentrándonos juntos en este placer.

Vamos a tratar de llegar a los veinte años, con ustedes por aquí será más fácil.

Alfonso

Urne - "Setting Fire To The Sky" (Melodic Death / Sludge / Metalcore)

"Setting Fire To The Sky" de Urne se siente como Melodeath y Metalcore mezclados con elementos Sludge a partes iguales de liberación emocional... un paraíso para los frikis. Es un disco que toma la grandeza y el ritmo de Gojira o Mastodon y los filtra a través de una sensación distintivamente británica de crudeza y melancolía.

El tema de apertura, Be Not Dismayed, -la mejor del trabajo- establece inmediatamente el esquema: guitarras limpias y desoladas y un ambiente solemne dan paso a riffs descomunales y cargados de Sludge y una batería potente, estableciendo el tira y afloja del álbum entre la vulnerabilidad y la pura gravedad. Urne se inclina con fuerza hacia unos graves fangosos (de ahí el término Sludge, o así siempre he creído), pero las canciones están entrelazadas con elementos de Death Melódico y una tensión y liberación al estilo Core, por lo que cuando los estribillos alcanzan su máximo esplendor, se sienten catárticos en lugar de simplemente castigadores. 

Vocalmente, la banda oscila entre rugidos ásperos y pasajes más melodiosos, otorgando a varios ganchos una resonancia emocional casi Post, sin perder su arraigo en la extrema intensidad. La mitad del álbum es donde realmente se cristalizan las comparaciones entre Gojira y Mastodon. The Spirit, Alive surge con riffs vibrantes, impulsados ​​por un groove tectónico que recuerda a los momentos más pesados ​​de Gojira, pero Urne se inclina más por breakdowns con influencia metalcore y líneas potentes y cantables. 

El tema Harken The Waves, (con Troy Sanders de... bueno, Mastodon), es una pieza central, una épica de Sludge de nueve minutos que deja respirar cada parte del arsenal de Urne y la canción de cierre, Breathe, se despoja de la agresividad a favor de una balada sombría, casi -como dije- Post, enriquecida por texturas de cuerdas.

Nuevamente la virtud del trabajo es su propia carencia, y es que "Setting Fire To The Sky" a veces se aferra demasiado a sus influencias, con ecos tan fuertes de las bandas mencionadas como inspiración que la propia identidad de Urne se difumina. Sin embargo, la calidad de la composición, los ganchos memorables y la cautivadora mezcla de Sludge, florituras de Melodeath y energía del Core lo convierten en un disco de interesante.

7.5/10

Møl - "Dreamcrush" (Blackgaze / Dream Pop)

"Dreamcrush" de Møl es un excelente disco que consolida la reputación de la banda danesa como una de las bandas más cautivadoras del Blackgaze contemporáneo. Su elemento más interesante es la fusión de texturas del género y Dream Pop con la agresividad del Post Black, creando un sonido que se siente a la vez luminoso y contundente. Muros de guitarras con reverberación se arremolinan en pasajes impulsados ​​por el blastbeat, mientras que los ganchos melódicos emergen de la tormenta, otorgando al álbum un equilibrio inusual entre melodía e intensidad cruda.

"Dreamcrush" refina la fórmula anterior disco de Møl, "Diorama" (2021) -del cual me quedé con la ganas de comentar-, ampliando su paleta con matices de Rock Alternativo y Post sin perder la esencia emocional que hizo a ese disco tan interesante. Este trabajo se inclina hacia una belleza propia del Dream Pop -guitarras vaporosas, solos brillantes y atmósferas espaciosas, para los españoles la banda Elefantes es una referencia-, a la vez que abraza estallidos furiosos y oscuros y una dinámica aplastante.

Entre los momentos más fuertes se encuentran los temas de abrir y cerrar, Dream y Crush, a las que se me antoja dejar nominadas como contendientes a Canción del Año de ELOMC y que demuestran la habilidad de la banda para componer canciones memorables al instante, pero estructuralmente aventureras. Hay quien dice que lo más destacado de "Dreamcrush" es una evolución maximalista y emotiva del sonido de Møl, calificándolo como uno de sus lanzamientos más potentes hasta la fecha. Yo creo que aciertan.

Debo destacar la refinada producción, la solidez del quinteto y la forma en que cada miembro consigue momentos para brillar, ya sea con potentes solos de guitarra, una intrincada batería o dinámicos cambios vocales. El ritmo y la secuencia de canciones del álbum también son destacables, una ejecución que equilibra brutalidad y belleza a lo largo de toda su duración. En resumen, "Dreamcrush" es un disco excelente y emocionalmente rico cuya mayor fortaleza reside en su combinación perfecta de melodía y agresividad y que -para remate- me ha costado mucho dejar de escuchar, lo que es siempre una buena medida del gusto que me han causado.

8.5/10

Alter Bridge - "Alter Bridge" (Alternative / Hard Rock)

El disco homónimo de Alter Bridge da la impresión de ser un álbum compuesto por una banda que sabe exactamente cómo quiere sonar, pero que aún lucha por expresar esa identidad. A lo largo de sus aproximadamente sesenta minutos, "Alter Bridge" ofrece una mezcla de melodías potentes, interpretaciones apasionadas y momentos de musicalidad intrincada que insinúan ambiciones Progresivas. La mezcla de Alternativo, Hard Rock y toques de Heavy le dan al disco una textura versátil: es vigoroso y melancólico, pero también inesperadamente emotivo. A pesar de ello, no siempre mantiene el mismo nivel de inspiración a lo largo del álbum, lo que lo convierte en un recorrido interesante pero irregular.

La primera mitad no siempre impacta con el mismo nivel que la banda parece buscar en la segunda mitad. El sonido es innegablemente potente: riffs de guitarra densos, baterías resonantes y la expresiva voz de Myles Kennedy que lo ancla todo. Las melodías están ahí, pero algunos temas se sienten empantanados por la repetición, lo que opaca la intensidad emocional. Aun así, se percibe el afán de la banda por fusionar coros imponentes con ritmos potentes y vibrantes, una combinación que funciona bien incluso cuando no llega a su máximo potencial.

Luego llega la segunda mitad, y todo empieza a encajar. A partir de Tested And Able, el disco cobra vida. Las canciones se sienten más dinámicas, los arreglos más atrevidos y la química de la banda más convincente. El cierre con Slave To Master actúa como un punto de inflexión, inyectando energía, claridad emocional y un toque de introspección que muchos cortes anteriores solo insinuaban, la mejor del disco. 

Lo que mantiene a "Alter Bridge" cautivador, incluso cuando tropieza, es su pasión. Hay un tono agridulce que recorre gran parte de la composición: una sensación de lucha, resiliencia y anhelo que otorga peso emocional incluso a los temas menos memorables. La voz de Kennedy se eleva con convicción, mientras que el trabajo de guitarra de Mark Tremonti se mantiene impecable, repleto de solos expresivos y riffs de buen gusto. No deja de ser cierto que la duración del álbum, de sesenta minutos, resulta desafiante; algunas canciones podrían haberse recortado o ajustado para darle más enfoque a la experiencia.

En definitiva, "Alter Bridge" es un álbum heterogéneo: ambicioso, emotivo y, en ocasiones, brillante, pero también inconsistente y demasiado largo. Es un álbum que captura a una banda en transición, habiendo dejado atrás su etapa Post-Grunge. A pesar de sus irregularidades, el disco deja una impresión persistente: la de una banda talentosa que no tiene miedo de alcanzar lo más alto, incluso si ocasionalmente pierde el equilibrio en el camino.

7.5/10

Kreator - "Krushers Of The World" (Thrash)

Con "Krushers of the World", Kreator continúa su largo reinado como una de las fuerzas más resistentes del Thrash, pero los resultados esta vez son divisivos. El disco es innegablemente interesante: enérgico, con una producción impecable y lleno de momentos que sugieren que la banda aún disfruta experimentando tras décadas en el género. Sin embargo, a pesar de esa chispa, este álbum se apoya demasiado en sonidos fáciles y melódicos que no encajan bien con la ferocidad cruda que aún evoca su nombre. El resultado se siente como una versión más accesible, casi 'suavizada', de Kreator, una que podría intrigar a los nuevos oyentes, pero que podría dejar a los fans de toda la vida preguntándose dónde se fue el peligro.

En esencia, "Krushers of the World" sigue siendo inconfundiblemente Thrash. Los riffs galopan, la batería pega fuerte y la rasposa voz característica de Mille Petrozza sigue ofreciendo mucha fuerza. Sin embargo, la composición rara vez se desvía de las estructuras habituales. Hay pocos momentos de sorpresa, y la mayoría de los temas se desarrollan según los patrones esperados: estrofas concisas, estribillos potentes y abundantes solos que llegan justo a tiempo. La peculiaridad es que muchos de esos solos y florituras melódicas toman prestado mucho del Power -pecado-, lo que otorga a partes del álbum un brillo extrañamente triunfal, incluso heroico. Esta mezcla estilística añade color, pero a menudo opaca el filo que siempre ha definido el mejor trabajo de Kreator.

Una de las cualidades más notables del disco es su producción. "Krushers of the World" suena limpio, quizás demasiado limpio. La mezcla se inclina hacia lo pulido y lo himnario en lugar de lo áspero o lo callejero, perdiendo parte de la cruda inmediatez que caracterizó sus álbumes clásicos. Para un género construido sobre el caos y la agresión, esa fluidez puede hacer que incluso los temas más rápidos se sientan extrañamente seguros.

La melodía juega un papel más importante aquí que en cualquier trabajo reciente de Kreator. Grandes estribillos para cantar a coro dominan muchas canciones, invitando a una participación del público más típica de festivales de Metal mainstream que de clubes underground. Es innegable que estos estribillos son pegadizos -se quedan con uno tras una sola escucha-, pero esa accesibilidad tiene un precio. En la segunda mitad del álbum, la abundancia de ganchos brillantes y progresiones de acordes heroicas añade una notable capa de cursilería. La intensidad que antes parecía peligrosa y vital ahora se siente atenuada, como si la banda hubiera cambiado la rabia por la grandeza.

En definitiva, "Krushers of the World" es un disco técnicamente sólido, pero emocionalmente conflictivo. Es más compacto, llamativo y melódico de lo que los fans de siempre podrían esperar: una muestra de maestría musical que sacrifica la intensidad y la agresividad que antaño distinguieron a Kreator. Es Thrash despojado de sus coñazos estatutarios. Los fans acérrimos lo encontrarán demasiado brillante para conectar con él, pero para quienes prefieren el Metal con coros potentes y matices más limpios, este podría ser el álbum más accesible de Kreator en años.

7/10

Megadeth - "Megadeth" (Thrash)

Para una banda que definió (o ayudó a definir) el sonido y el espíritu del Thrash durante más de cuatro décadas, Megadeth — y su disco homónimo y supuestamente último— se siente como una vuelta de honor y una carta de despedida, todo en uno. Cada riff y letra tiene un peso innegable, no por lo que son, sino por lo que representan: el cierre de un capítulo en la historia del Metal. La música tiene un trasfondo melancólico, una tristeza silenciosa bajo sus bordes afilados, como si Dave Mustaine y compañía se despidieran conscientemente de su legado.

Desde el primer tema, el disco rebosa energía. Es rápido, contundente y melódico, con muchas de las notas esperadas de Megadeth: riffs galopantes, solos intrincados y esa precisión rítmica mordaz que convirtió a la banda en uno de los Cuatro Grandes del Thrash. Sin embargo, a pesar de esa intensidad, nunca alcanza la ferocidad de trabajos anteriores como "Rust in Peace" (1990) o "Peace Sells… but Who’s Buying?" (1986). Hay una notable moderación aquí: un equilibrio entre agresividad y reflexión, como si la banda no tuviera nada más que demostrar, pero aun así se sintiera obligada a recordarnos lo que podían hacer a toda máquina.

La voz de Mustaine, sin embargo, acapara quizás demasiado protagonismo esta vez. Su interpretación vocal es fundamental, eclipsando a veces la firmeza de su musicalidad. La mueca de desprecio que antes sonaba venenosa y urgente ahora se percibe como torpe en la mezcla, diluyendo las sutiles complejidades de las guitarras gemelas y la sección rítmica. Es una decisión que puede dividir a los fans de toda la vida -algunos podrían percibir confianza, otros ego-, pero es inconfundiblemente Mustaine.

Sonoramente, "Megadeth" es un álbum bien producido con muchos momentos que recuerdan al pasado histórico de la banda. Muchos temas parecen reflejos o ecos de clásicos anteriores. Hay riffs que podrían haber salido directamente de "Countdown to Extinction" (1992), armonías que recuerdan a "Youthanasia" (1994) y cortes rítmicos que recuerdan a "Cryptic Writings" (1997). Es como si la banda hubiera rebuscado en su propia historia y hubiera creado un collage de lo que los hizo grandes. Aunque pueda sonar fortuito, para sus fieles seguidores funciona como una despedida nostálgica.

Entre las canciones destacadas, Tipping Point se erige como la estrella: trepidante, bien construida y melódica en el mejor de los sentidos. Let There Be Shred también cumple, haciendo honor a su título con un trabajo de guitarra deslumbrante y un estilo técnico que encantará a cualquier fan del estilo preciso de Megadeth. Pero más allá de esos puntos culminantes, gran parte del álbum se asienta en un ritmo cómodo, consistente pero rara vez sorprendente. No hay clásicos instantáneos aquí, ni momentos como Holy Wars o Symphony of Destruction que redefinan nada.

En definitiva, "Megadeth" es un álbum que será recordado menos por sus canciones y más por lo que representa: la declaración final de una de las bandas más influyentes del Metal. Es enérgico, técnicamente sólido y, en muchos sentidos, una despedida adecuada; no por ser perfecto, sino porque se siente humano, ligeramente cansado y consciente de su propio lugar en la historia. El final de una era rara vez suena tan consciente o tan agridulce.

7/10

Marianas Rest - "The Bereaved" (Melodic Death / Doom)

El último lanzamiento de Marianas Rest, "The Bereaved", es un viaje nocturno y melancólico a través del familiar terreno emocional que la banda finlandesa ha cultivado en sus álbumes anteriores. La banda se mantiene firmemente arraigada en la tradición del Death Melódico por el que su país se ha hecho conocido -atmósferas gélidas, melodías tristes y bases rítmicas contundentes- pero aquí, en lugar de reinventar su fórmula, la refinan. El resultado es un álbum que se siente cohesivo y emotivo, aunque no lleve su sonido a nuevos territorios.

Desde el primer tema, "The Bereaved" exuda una sensación de melancolía. La producción posee una cualidad nocturna y brumosa: cada nota parece resonar contra las frías paredes de un vasto espacio vacío. Las guitarras tejen armonías lúgubres que brillan sobre la densa sección rítmica, mientras que las voces rugientes emergen como lamentos distantes en lugar de ataques directos. Es música pesada, no solo sonoramente, sino también emocionalmente; La banda canaliza el dolor y la introspección más que la agresión, lo que siempre los ha distinguido de muchos de sus colegas.

Uno de los puntos fuertes del álbum reside en el trabajo de la guitarra líder. A lo largo de "The Bereaved", los solos melódicos surcan la mezcla con precisión y sentimiento, elevando a menudo las canciones desde sus profundidades melancólicas a momentos de belleza catártica. No presumen de tecnicismo por sí mismos, sino que contribuyen a la atmósfera y la emoción de cada canción. Esta atención a la atmósfera y la textura, en lugar de a la brutalidad pura, se ha convertido en un sello distintivo del sonido de Marianas Rest, y sigue brillando aquí.

Comparar "The Bereaved" con los trabajos anteriores de la banda -"Auer" (2023) y "Fata Morgana" (2021)- revela continuidad. Mientras que el segundo se inclinó con fuerza hacia la melancolía melódica y el primero exploró un paisaje sonoro ligeramente más expansivo, "The Bereaved" se siente más introspectivo, con un tono más nocturno. La composición es más precisa y deliberada, aunque la banda se mantiene en gran medida dentro de su zona de confort.

Aunque el disco no innova dentro del género sí contiene momentos de genuina resonancia emocional. Canciones como Divided, Diamonds In The Rough y Pity The Living, destacan por sus fuertes líneas melódicas y su ritmo emotivo. En estos temas, la banda encuentra un equilibrio perfecto entre pesadez y vulnerabilidad, brindando a los oyentes la catarsis que define lo mejor del Metal finlandés. La interacción de la melodía melancólica y el ritmo sombrío en estas canciones crean los pasajes más memorables del disco.

En general, "The Bereaved" es una sólida incorporación al catálogo de Marianas Rest un álbum que se siente como una contemplación nocturna en forma musical. Puede que no sea innovador ni sorprendente, pero refuerza la identidad de la banda.

7.5/10