Lancer - "Lancer" (Power/Heavy)

La nostalgia y el culto del pasado son parte de la cultura del Heavy Metal. Sobre todo cuando la fuente de inspiración es la década de los 80's, la cual nunca se echa de menos en sitios web, publicaciones e incluso festivales dedicados exclusivamente al sonido que se produce en ese período. Todo esto ha llevado a un estilo de culto dentro del mismo Metal, que se manifiesta a través de la creciente ola de bandas de Retro Thrash que han surgido en los últimos años y que, en mi opinión particular, con algunas particulares y honrosas excepciones, en general han derivado en un sonido genérico y en algunos casos, totalmente innecesario.

En esta nueva oportunidad los suecos de Lancer también contribuyen con su mirada hacia el futuro usando la nuca, para proveernos de una nueva cosecha de Power/Heavy ultrameloso. Formados en 2009 en la ciudad de Arvika, la banda está compuesta por Isak Stenvall (voz), Peter Ellstrom (guitarra), Fredrik Kelemen (guitarra), Emil Öberg (bajo) y Sebastián Pedernera (batería) y acaba de lanzar su primer álbum, bautizado sólo con el nombre de debut del grupo y el cual se convertirá en elemento de interés para una parte importante de metaleros nostálgicos y/o nóveles.

La razón de esto es sin duda la mezcla de influencias que conforman la música del quinteto: voz muy bien construida -lo mejorcito sin duda-, guitarras rápidas, melodías y arreglos que hacen referencia directa al Iron Maiden de los años '83 y '84 y a la marcada fase Helloween de los '87-'88, y lo más particular y remarcable: un vocalista que tiene un tono de voz que se encuentra en el punto medio entre Michael Kiske y Tobias Sammet y a veces, trae a la mente el joven Bruce Dickinson.

Yo sabía que tanto almibar tenía que venir de un sitio conocido y como no!, buscando información he encontrado que el disco está producido por el duo más melódico, cheesy y epítome del Power existente... ¿Hace falta que los nombre?... bueno, sólo para que los recién llegados no digan que abuso: los hermanos Tommy y Ronny Reinxeed Milianowicz, graban su impronta en este disco, produciendo otra vez un disco con el trabajo curricular de la talla de Hammerfall, pero la falta de espíritu que sólo ellos saben hacer... lo siento, se que mi posición frente a los Reinxeed nunca ha sido muy buena, pero es que creo que su influencia no permite avanzar al género.

Aún a pesar de lo dicho, el debut de Lancer, si bien es cierto muestra la energía típica de la década de 1980, puede decirse que tiene una diferencia fundamental con la gran mayoría de los grupos que reciclan el sonido y la estética de la época: en lugar de nostalgia pura y simple, ofrecen cierto nivel de composición y trabajo sólido y cuidadoso, aunque siempre anclado en el pasado, con una razonable cantidad de talento que ofrece algo más de frescura que lo estándar. Definitivamente si eres fanático de Iron Maiden, Helloween, Gamma Ray, Hammerfall y Edguy el disco te va a gustar. Los nueve temas del disco están llenos de coros pegadizos y melodías efectivas, así como mucha emoción para practicar un buen solo de air guitar y andar tarareando por ahí todo el día.

Entre la canciones que componen el disco, destacan Purple Sky, The Exiled, Young & Alive, Dreamchasers y Mr. Starlight. Hay algunos problemas evidentes cuando la banda trata de hacer algo más dramático, como en Seventh Angel y Between The Devil And The Deep, canciones con pretensiones excesivas y hasta cierto punto innecesarias, la banda es lo que es y no le hacen falta escarceos complejos.

La verdad es que cuando el culto al pasado viene con buenas dosis de talento, en lugar de nostalgia, pura y simple, las cosas acostumbran a salir bien. En este caso "Lancer", aunque presenta un trabajo razonable, espero que el buen potencial que sugieren tener se materialice de mejor manera en su próxima producción, que estando de la mano de los Reinxeed, no debe tardar mucho en llegar.

Ninguna de las canciones es particularmente inventiva, pero el disco maneja bastante diversión con buenos riff de apertura que conducen a canciones rápidas y muy melódicas, con coros generalmente buenos. "Lancer" está razonablemente bien, pero le falta 'punch'. Le va a gustar al sector al que va especialmente dirigido, pero no tiene mucho que ofrecer a los oidores más de avanzada.

7/10

Soilwork - "The Living Infinite" (Melodic Death / Thrash)

"The Living Infinite" es un álbum doble de Thrash/Melodeath de una de las figuras del género, Soilwork. Sin duda, hace hincapié en las tendencias melódicas del estilo a lo largo de su recorrido, demasiado-demasiado largo, por cierto. Tiene un montón de voces limpias y riffs, un poco sobre actuadas por momentos, así como interludios etéreos cuyo casi único objetivo parece ser que los solos brillen. En general, el disco no está mal, pero resulta largo, no demasiado intenso y a veces, poco 'lleno'.
 

Algunas de las pistas cuentan con texturas de sintetizador interesantes y elementos acústicos bien hechos. La musicalidad general en este álbum es de buen gusto, con ningún elemento dominando especialmente sobre los otros, lo que puede ser atribuido a la producción agradable. La composición de canciones está a la altura de ciertas proezas anteriores de la banda y si bien es cierto no supera sus mejores trabajos, es interesante y hasta cierto punto, divertido. Canciones como Tongue, Vesta, This Momentary Bliss o Leech tienen un poder muy singular e interesante, con coros que agradan al oyente, para luego dirigirse hacia tendencias más metálicas.

Ninguno de los dos discos de este álbum predomina sobre el otro, o quizás más bien, la cohesión entre ellos es de buen calibre; una buena demostración en general, con piezas muy variadas, especialmente en el segundo disco, pero para mí está lejos de "A Predator's Portrait" y "Natural Born Chaos". Carece de ese empuje adicional que hace de un álbum algo memorable. Soilwork, en mi opinión, parece haber vuelto a las pisadas de "Stabbing the Drama".

Siendo un poco más realista, Soilwork no se porque tengo la sensación de que terminó en un callejón sin salida, que le ha hecho perder credibilidad. El último disco que grabaron recibió críticas mixtas, además de que parece sufrir de la saturación de Death Melódico que parece estar afectando el Metal y la capacidad creativa de muchas bandas. Este doble disco, "The Living Infinite" que se atreve a durar hora y media, habla de su amor propio y creencia en sí mismos, pero es a la vez una decisión inusual de estos suecos para intentar recuperar el trono... es una apuesta riesgosa, no demasiado lograda.

Es cierto que melodía y modernidad conviven con facilidad en este trabajo, sin olvidar nunca la potencia que muestra, con matices Prog inesperados, a la vez que tiene un trabajo interesante  de orquesta que le sirve de introducción al disco, luego agraciado con una serie de piezas colocadas de manera interesante, en una experiencia razonablemente satisfactoria.

En general, pueden sentirse con "The Living Infinite" ciertos lugares comunes que, a veces, tienen atisbos positivos dentro de las melodías y voces. El disco en general puede ser algo repetitivo y definitivamente suena bastante similar a lo que siempre ya ha sonado en la banda. Cuando se trata de este tipo de música, que sólo trae a la memoria a In Flames, se nota que se han podido haberse estancado luego de haber encontrado la receta que funcionó una vez, o dos veces, necesitando urgentemente nuevas ideas.

El álbum en sí no es malo, simplemente un poco aburrido. Valió la pena escucharlo un par de veces, aunque demostró que no es demasiado lo que ha estado sucediendo en el terreno de Soilwork. Si eres un fanático del grupo puede que te parezca interesante, para el resto... está sólo más o menos bien.

6.5/10

Rotting Christ - "Kata Ton Daimona Eaytoy" (Black/Goth Melodic)

¿Puede este grupo griego ser mejor? Bueno, literalmente, son cada vez mejor, con cada álbum. Este nuevo álbum es una continuación de su trabajo, con melodías increíbles que penetran los sentidos demostrando porque son, probablemente, los mejores músico Black Goth Melódicos en la actualidad.

Este es el undécimo álbum de los griegos Rotting Christ, llamado "Κατά τον Δαίμονον Εαυτού" ("Kata Ton Daimona Eaytoy" en alfabeto occidental) algo así como 'Cuando se es Demonio', fue lanzado el pasado 1 de marzo por el sello francés Season of Mist (como siempre ocurre con los grupos griegos). El título es un refraseo de la famosa frase 'haz lo que quieras', del controvertido ocultista inglés Aleister Crowley, inmortalizado en los libros del escritor brasileño, Paulo Coelho.

El trabajo es el sucesor de los discos "Theogonia" (2007) y el excelente "Aealo" (2010), álbumes que marcaron el nacimiento de un nuevo sonido para Rotting Christ, con ricas melodías y elementos étnicos que hablan de la cultura milenaria de su país de origen. "Κατά τον Δαίμονον Εαυτού" es una continuación, el nuevo capítulo de esa reinvención.

Producido por el vocalista, guitarrista y líder Sakis Tolis junto a Jens Bogren (Kreator, Paradise Lost), el álbum contiene diez canciones originales, más un cover de Welcome to Hell, clásico de Venom. En una comparación directa con "Aealo", "Κατά τον Δαίμονον Εαυτού" suena más oscuro y menos 'alegre', además de considerablemente más pesado. Como había ocurrido en el álbum anterior, la inclusión de elementos étnicos se convirtió en la canción de la más extraña de Rotting Christ, con una atmósfera sobrenatural omnipresente. Sumado a ello el uso constante de los coros en casi todas las composiciones y la sensación que me produjo de que, al escuchar el disco, se podía materializar ante mis ojos una ceremonia de magia negro o algo así.

El efecto dramático de esta unión de elementos es abrumadora, siendo la construcción de la producción una experiencia que pocos discos puede ofrecer. Hay velocidad y peso en él, pero no hay agresión, casi no hay sonido de violencia, más bien sus elementos convergen en el punto de las composiciones extremadamente visuales y cinematográficas, de las que sacan a la luz lo que está oculto a nuestro alrededor.

Grandes melodías discurren en una base llena de blastbeats y ritmos variados, siendo el resultado uno de los sonidos más originales en el Metal surgidos en los últimos años. Uno de los aspectos más destacados es el trabajo de guitarra de Sakis y Emmanuel George, produciendo tramos complicados e inspirados. Completan el cuarteto el bajista Vaggelis y Themis en la batería. Los elementos instrumentales de alta riqueza no sólo se presentan en el disco, sino en todos los trabajos recientes del grupo, lo que permite recordar que hace no tanto tiempo se ridiculizaba a la banda por no dominar debidamente sus instrumentos. Hoy en día, lo que se oye es un refinamiento y buen gusto raro en el universo del estilo.

Pistas excelente que reafirman a Rotting Christ como una banda rara que, a pesar de estar en la escena desde 1987, vive ahora su mejor momento creativo y artístico. Canciones como In Yumen-Xibalba, P'unchaw Kachun-Kachun Tuta Kachum, Grandis  Spiritus Diavolos y la del título del disco, son sensacionales demostración de cómo el grupo está volando alto. Repiten la gran demostración realizada con "Aealo", utilizando una voz femenina en Cine Iubeste Si Lasa para mejorar aún más el drama de los acontecimientos, poniendo calidad en un trabajo de calidad. La canción Rusalka es otro punto a destacar, voces guturales y misteriosas que alternan con susurros.

Dueños de una originalidad innegable, el sonido actual de Rotting Christ, sólo parece estar atrapado dentro de sus propias fronteras, por lo que a veces, en temas como Iwa Voodoo y Gilgames se perciben cierta repetición de ideas, sin tanta brillantez como en el resto de de las piezas; la sensación se reitera, pero en dosis más pequeñas, en la pareja de canciones que cierran el disco, Ahura Mazda-Azra Mainiuu y 666.

"Κατά τον Δαίμονον Εαυτού" es uno de los mejores discos de la carrera de Rotting Christ y reafirma el gran momento que ha venido viviendo en los últimos años. Dueño de una impresionante musicalidad, a pesar de sonar repetitivo por momentos, da fe de la condición de la banda como una de las más importantes en la actualidad.

Sólido esfuerzo y producción de este grupo, el cual debe estar dentro de las listas para 2013 de todo metalero que se aprecie de seguir al Black.

8.5/10

Omnium Gatherum - "Beyond" (Melodic Death)

Repetir un disco como "New World Shadows", donde Omnium Gatherum no hizo música, sino magia, no iba a resultar fácil. "NWS" es uno de los ejemplos más clásicos del Death Melódico, posiblemente uno de los mejores diez, e incluso, mejores cinco, discos del género; poseedor de un nivel de inspiración casi místico.
 

"Beyond" a su vez, es un excelente disco, sublime y exquisito, como es el trabajo general de esta banda finlandesa, pero que no llega a calzar los puntos de su predecesor. Tampoco era que yo lo esperara; discos como el anterior se dan muy de cuando en vez, en oportunidades en la que los astros se alinean de forma perfecta, en este caso sólo hubo una conjunción de estrellas. No se me malinterprete. "Beyond", de no haber sido antecedido por una obra maestra, sería fácilmente el mejor disco de OG, pero esa no es la historia y lo justo es hacer un análisis que tome en cuenta la medida que ellos mismos se fijaron.

Este álbum de Omnium Gatherum es una nueva aventura. Sus piezas tienen una especie de nueva dirección. Es una obra de gran belleza y con apenas alguna excepción, donde falta el remate sonoro que tanto caracterizó a "NWS", este álbum tiene un buen número de canciones que lo convierten en otra victoria para el Death Melódico, etiqueta que es la que mejor se adapta a la música de Omnium Gatherum, pero, a decir verdad, con un sonido a veces tan melódico y pulido, esa definición puede ser engañosa.

Nuevamente Omnium Gatherum trae, estilísticamente, ciertas semejanza con actos como In Flames y Dark Tranquility, pero la banda también incluye algunas ideas Progresivas e influencias de géneros como el Metal tradicional y Power Melódico. Ciertamente no muchos de los riffs suenan particularmente orientados al Death, pero lo mejor sin duda continúa siendo la voz de Jukka Pelkonen, la cual ofrece un estilo profundo. Habrá quien señale que la música de OG en "Beyond" puede caber cómodamente en un álbum más melódico, pero poco convencional. Volviendo a la voz, su uso es lo suficientemente diverso como para ser nuevamente la base de la banda; para mi, ese growl está dentro de lo mejor del Metal.

En este disco, la banda trata con una serie de estados de ánimo y formas de expresión, aunque mantiene el tono melancólico y reflexivo que los ha caracterizado a lo largo de toda su carrera, explorando el uso de partes instrumentales atmosféricas. Diría que con "Beyond", Omnium Gatherum demuestra que no se contenta con acogerse exclusivamente al estilo que le tenemos conocido, pues se pueden escuchar introducciones de gran alcance, como en la canción Luoto, para luego pegar fuerte con la dureza del Death en The Sonic Sign o hacer gala de progresiones en el tema White Palace. Aún así, a pesar de la introducción de estos cambios estilísticos, el disco se las arregla para mantener una atmósfera característica, a la vez que con ciertos toques épicos, a lo largo de todo su recorrido y esa cohesión es una gran parte de lo que hace de este, un álbum especial. Cada pista es una experiencia inolvidable y única en sí misma, y la forma en que confluyen hacen de él, una experiencia trascendente.

"Beyond" es un discazo, que muestra una nueva cara de estos finlandeses, pero que a la vez mantiene la  coherencia que los ha seguido durante años. Al igual que en "NWS", Don Swano está detrás de la producción y en mí opinión demuestra otra vez porque es uno de los mejores productores de Metal. Una gran cantidad de bandas finlandesas son capaces de crear buena música, pero Omnium Gatherum prueba porque que está, hace rato, en lo alto, junto con bandas como Insomnium, Children Of Bodoom, Nightrage o Be' Lakor.

"Beyond" es un disco épico, aunque por debajo de "New World Shadows", que uno debe asegurarse repasar y escuchar varias veces para descubrir y apreciar la propuesta, hasta cierto punto novedosa, que la banda ofrece.

9/10 Gran trabajo. Sexta selección como contendiente para Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.
 

Voivod - "Target Earth" (Thrash/Progressive/Punk)

Voivod es una banda canadiense oriunda de Québec, Canadá. Su estilo musical ha cambiado varias veces desde sus origenes a principios de los 80's. Comenzó como una banda de Speed pero luego añadió Prog y velocidad sufiente como para catalogarsele también como Thrash. Lo cierto es que ha creado crear un estilo muy propio. Creo justo decir que, de todas las bandas de Thrash que surgieron a partir de los años ochenta, pocas fueron tan audaces y atrevidas como esta.

Este es un álbum muy interesante que sigue la inusual y poco santa unión del Prog/Thrash que los caracteriza, unida una fuerte influencia Punk y que, en su conjunto, muestra una atmósfera bien surrealista, a veces casi Space o Cosmic. Recordemos que sus primeros discos eran un poco básicos y hasta cacofónicos, pero la combinación de tambores, un bajo duro, guitarra destructora y gritos de su cantante fueron uno de los experimentos más interesantes de Thrash crudo que se haya intentado, seguramente si se hubieran quedado en sus primeros materiales hoy se catalogaría a Voivod como unos Sex Pistols extremos... aún así todavía hoy, treinta años después, se pueden escuchar fuerte elementos Punk en canciones como por ejemplo, Mechanical Mind o Kaleidos. La cantidad de sonidos e influencias rítmicas y sónicas que Voivod tiene y nuevamente presentan en "Target Earth", bien podrían permitirles vivir en su propio plano dimensional.

Este disco es duro, difícil y poco recomendable para los buscadores de sensaciones melódicas y épicas, pero a la vez, desprejuiciados del estilo y entendiendo las aguas en las que se va a nadar, en el mismo se consiguen letras fantásticas, gran producción, una fluidez fuera de serie, riffs espectaculares, una batería incesante -sello de la casa, en las manos de su único superviviente original y constante, Michel "Away" Langevin- (por favor, no me caigan encima ahora... yo se que Denis "Snake" Bélanger (voz) y Jean-Yves "Blacky" Thériault (bajista) estuvieron originalmente, pero ambos tuvieron largos hiatos), voces potentes y en general una de las mezclas de estilos más eclécticas y espectaculares que se puedan esperar.

Quiero volver al ambiente del disco, el cual creo que es su punto más fuerte. El ambiente es, desde mi punto de vista, esa sensación general que produce el trabajo, ese aura que te rodea al sentarte con calma a escucharlo; a veces puede ser opresiva, otras, fría o emocionante, así el Metal es capaz de transmitir multitud de sensaciones a través de su conjunto, de la experiencia total. Bien, teoremas aparte, este disco tiene mucho de algo que no percibía desde hace tiempo, quizás con grupos como Dol Ammad o Blut Aus Nord y es esa sensación Cyberpunk, algo así como una rabia, eléctrica, oscura, industrial y subrealista. Les pido, si están en la onda de tragos intensos, se sienten a percibirlo.

Como aspectos menos positivos está lo larga que resultan algunas canciones. Un estilo tan intenso me hizo que al final de varias piezas, de siete o más minutos, me sintiera agotado. Se lo puedo achacar a su influencia Prog, pero la verdad es que conociendo el mundo Thrash/Punk (cuyo estándar son los tres minutos), me parece que se exceden en la longitud de algunas.

"Target Earth" no renuncia a la composición compleja y los cambios de tiempo claustrofóbicos, se puede observar la deriva psicodélica y cierta obsesión con la disonancia, creo que es por lo tanto un trabajo muy bien hecho, digno del discurso Progresivo experimental, con fuertes rasgos de los años 80 y principios de los 90, con composiciones frescas que nunca pierden filo y que, como pocos, muestra algo que aprender.

Con una voz inconfundible, guitarras fuertes, riffs poderosos y retumbantes y un ataque de batería lleno de florituras progresistas e influencias Thrash, la música del disco es exigente, llamativa y con cierto nivel de extrañeza general. Puede que no sea lo mejor de la carrera de Voivod, pero está muy a la altura de su nombre, conservando la esencia de lo que la banda siempre ha demostrado: imaginación, novedad y buen gusto... quizás a excepción de la portada.

8.5/10

Nightfall - "Cassiopeia" (Black/Death Melodic)

Nightfall, es una banda de Death/Black Melodico de larga presencia en la escena y nueve discos en su haber (no los recuerdo todos, especialmente los primeros), el cual se formó en Grecia en 1991 por el bajista y vocalista Efthimis Karadimas y se le considera el iniciador de una de las simbiosis más extrañas del mundo del metal, el de los grupos griegos firmados por los sellos franceses. Hoy por hoy, casi cualquier disco del género venido de tierras helénicas, es lanzado por Holy Records o Season of Mist... les ha dado resultado, digo yo.

"Cassiopeia" es una sorpresa agradable, pero menor. No esperaba mayor contribución en este trabajo, aunque puede que esté a la altura de su anterior disco, "Astron Black And The Thirty Tyrants" (2010). Pero todavía no es tan bueno como el mejor trabajo que les he oído hasta el momento, "I Am Jesus" (2003), sin embargo tienen algunos riffs bastantes interesantes, como en la mejor canción del disco, Stellar Parallax y un desarrollo melódico general de buen ambiente en varias canciones. Mi queja fundamental está en la voz líder, del mencionado Karadimas, la cual termina siendo un poco aburrida, como sin vida y sin duda, cierta falta de novedad.

El disco es un trabajo conceptual realizado en base a las observaciones sobre el arrogante y cínico comportamiento de la raza humana y el uso de metáforas de la mitología griega para criticarla. "Cassiopeia" continúa la tradición del grupo de agregar, bastante bien, elementos sinfónicos a su trabajo. Es muy atmosférico y bastante pesado, los elementos Blackened que exhibe son de buen gusto y canciones como Oberon & Titania dejan que la melodía dirija el recorrido entero; luego pistas como Akenaton, The 9th. Pharaoh Of The 18th. Dynasty exhiben un lado épico y rápido que rompe con los segmentos más melancólicos u oscuros.

Este disco puede ser catalogado como es una pieza que suena bien y ha jugado razonablemente su mano musical, el asunto está en que su songwritting no termina de convencerme, no tiene ese carisma que el Black/Melodeath requiere y por el cual tantas críticas se han levantado en el Metal contra el género específico. No se puede dudar que la banda inyecta un montón de melodía en sus canciones para complementar la corteza dura del Death, de forma similar a como lo hacen Amon Amarth o sus coterraneos, Rotting Christ. Las armonías melódicas de las guitarras de Evan Hensley y Constantine conducen bien el sonido de la banda, notándose entre ellos gran entendimiento, también hay un montón de cambios y variación de tiempos que diferencian cada canción. El bajo y ciertos riffs, le dan un buen acento a la producción en general, aunque la misma no es la más pulida que he escuchado; finalmente creo que, aunque este tipo de música se ha hecho muchas veces antes, Nightfall supera razonablemente la prueba con "Cassiopea".

Nightfall muestra una elegante mezcla de Black, con una fusión de Goth, Death, Melodic e incluso Doom, lleno de pesadez, buenos riffs y growls, pero que, de seguir así, sin mayor emotividad ni novedad, terminará por agotar a sus seguidores, para desaparecer sin mayor pena ni gloria, por lo que -humildemente- estimo que la banda deberá hacer una revisión a futuro de su propuesta, si no quieren permanecer permanentemente relegados a la segunda o tercera fila de la escena metalera en el futuro.

Seguramente los seguidores incondicionales calificarán algo mejor este disco, el cual no es nada malo, ni mucho menos, pero que en mi parecer, adolece de frescura y cierto atrevimiento.

7.5/10 

Stratovarious - "Nemesis" (Power/Progressive)

Nada podría haberme preparado para esto. Tenía la concepción de que iba a ser el álbum que repetía los últimos álbumes... y en el fondo, si se piensa bien, es. Y es algo más, mucho más. Es fácilmente el mejor álbum de Stratovarious desde "Visions", o incluso su mejor disco desde... siempre. Un disco repleto de canciones absurdamente buenas, como Abandon, Halcyon Days, Fantasy y todas las que con hermosa sensación dejan la impresionante voz de Timo Kotipelto grabada en el cerebelo. Todo el álbum está elaborado en un sólo nivel: alto.

No me malinterpreten, aquí no se reinventó la rueda. Pero en este punto los riesgos tomados para sus canciones de estilo inicialmente Power no son buenos... son muy buenos. Estoy impresionado y no puedo dejar de escuchar un trabajo dedicado, complejo, rítmico, dulce y poderoso, pero sobre todo, emocionante. Juro que desde que terminé de escribir la última letra de la última entrada de 2012 iba a tratar de limitarme en lo que a puntuación se trataba... pero este disco me agarro con la guardia baja... esta producción es todo lo que un amante del Metal quiere.

Timo, quien de suyo es uno de los personajes que más me ha gustado desde hace -por lo menos- quince años en el mundo del Power, ha cantado con "Nemesis" lo que Toni Kristian "Tony" Kakko, de Sonata Arctica, quiso cantar en "Stones Grow Hew Name" de 2012 y que se convirtió, desafortunadamente, en mi mayor decepción de ese año.

Por encima de todo creo justo comentar que en los últimos dos álbumes de Stratovarious hubo un buen equilibrio y se mantuvieron los elementos típicos asociados al Power, por lo que los fans nos sentimos felices, pero con "Némesis", aparece, junto con el derroche de voz de Timo Tokki, el guitarrista Matias Kupiainen quien, además de adaptarse muy bien a la banda, ha tomado control de lo que había antes, empujando al grupo en una nueva dirección, con innegables elementos de Nu. En "Nemesis" hay un montón de melodías y excelente teclado, pero creo que este es el álbum donde finalmente los finlandeses muestran lo que pueden aportar, sin necesidad de probar nada. La banda, en términos generales me impresionó con un estilo técnicamente competente y riffs de los que siempre se desean.

Me siento satisfecho al decir que estoy encantado con este disco de Stratovarious y eso que cuando escuché el EP antes disco me sentí preocupado... no entendí la canción Unbreakable individualmente considerada, pero los repasos me hicieron el disco atrayente y más interesante, además de que el nuevo teclado suena sólido, quizás el mejor trabajo del grupo... para mis oídos, al menos. También el nuevo baterista, Rolf Pilve, encaja y es capaz de seguir los pasos de Jörg Michael cuando tiene que hacerlo, pero también es un baterista que me lució más versátil... o será la emoción general que me produce el disco?!

Stratovarious no sólo continúa con su evolución hacia una banda completa, para mi llega a donde se puede llegar y con este álbum se presenta con su 'Opus Magnus', con una versión más moderna y renovada que no se niega a crecer con el tiempo, haciendo una excelente demostración de teclados, riffs más pesados de lo usual y sin duda emocionantes, coros que se elevan y solos de guitarra épicos. En muchos sentidos sentí el disco es más oscuro que lo usual, como una versión más pesada y moderna del Power; algo diferente, pero con el toque típico de ellos.

Seguramente para estas alturas muchos han escuchado el disco y deben haberse sorprendido al escuchar los riffs explosivos como nunca -pero que siempre se han deseado- en un álbum de Stratovarius y sin llegar a ser un álbum Melodeath, impresionan y funcionan muy bien, manteniendo todos los elementos típicos de Power... pero con un 'más allá'. Kotipelto utiliza un registro más bajo de lo usual que se vuelve épico, fuerte y hasta duro por momentos, hasta algo excéntrico, como se muestra con Halcyon Days, una canción complicada y progresiva, con un coro excepcional y una sección media de teclados intensos que, con una especie de música electrónica, no dura lo suficiente como para convertirse en distracción, es simplemente un buen cambio de ritmo y a la vez una pieza que hay que repetir.

Stratovarious no ha perdido su toque en lo que ha melodía se trata y la banda presenta con "Nemesis" un sonido completo, pero no instantáneo. Se requieren repasos, lo que para el Power no es usual, lo que, a la vez, habla de como la banda ha evolucionado, pudiéndose decir que suena más oscura, incluso por momentos y depende de la canción, más lenta y más pesada, como mostrando un lado más Progresivo, sin dejar de tener el estallido ocasional de la velocidad. Muchos coros son creativos y complicados, con cambios de tiempo y sin embargo pegadizos. Tengo cierto resquemor a abusar en los elogios a este disco... pues no voy a colocar un 11 sobre 10 hasta que el disco me destroce (lo que no ha ocurrido en tres años, por lo menos... con Trisophere) pero aquí estoy sintiendo una de las mejores experiencias en el Power, quizás, desde Sabaton, que sin ser tan Modern, si fue impresionante. Por ejemplo, en Castles In The Air comienza una canción muy melódica, pero en el medio se transforma en lo que tal vez sea lo más progresivo que la banda haya hecho, de acuerdo a lo que mi memoria recuerda, con un 'puente' absolutamente largo y complejo, organizado y que habla de experiencia, sin sentirse fuera de lugar para lo que es la banda.

No diré que desde que escuché por primera vez el disco había encontrado una obra maestra, porque el mismo no es fácil, pero con el tiempo "Nemesis", con todos sus elementos familiares del Power, junto con las tendencias Modern, así como los elementos Sinfónicos y Progresivos me mostraron los elementos de una banda que, todo lo que fueron en los 90's y 00's, se habían conjugado y siendo algo tan familiar como siempre, fueron capaces de tomar riesgos mientras mantenían su espíritu intacto. El destino ha querido hacer que este se convierta en una de mis discos favoritos... Ojalá que oigan y aprecien la canción Halcyon Days como yo, pues siento que puede ser una de las mejores pistas del año, incluso aseverando esto en el mes de Febrero, aunque el flujo canciones de "Nemesis" en general puede cumplir como la obra maestra de estos casi treinta añeros.

10/10 con deseos de subir la escala. Quinto disco seleccionado como contendiente para Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica. 

Riverside - "Shrine Of New Generation Slaves" (Progressive/Groove/Psychedelic Rock/Metal)

Este disco es la 'puesta de largo' de la banda polaca de Rock/Metal Progresivo, Riverside. "Shrine Of New Generation Slaves", su quinto álbum, es realmente todo acerca de las canciones que lo llenan, pero también trata de un tema interesante: ¿Cómo nos convertimos en esclavos en el mundo moderno y técnico? Esclavos de materialismo y de la fama... allá quien lo sea y dónde se encuentre.
 

Musicalmente este disco es un gran tributo a los años setenta, siendo su influencia más evidente el grupo Deep Purple (especialmente el típico sonido evolutivo del órgano Ham de Jon Lord); tiene también fuertes referencias a grupos como Black Sabbath en sus riffs de guitarra, así como también de Pink Floyd. Incluso en su épica canción, Escalator Shrine, cuenta de un pequeño fragmento de Papa's Will de Ted Nugent. Tambien la canción Feel Like Falling contiene el típico sonido de U2 de la época "Zooropa". "S.O.N.G.S" (si... canciones) es un gran comienzo en lo que al Prog refiere para 2013, un álbum con una gran cantidad de variaciones y gran atmósfera, con canciones consistentes, elaboradas por excelentes músicos que ya merecen estar en el tope -o cerca-.

Enriquecido y pulido tras diez años y cuatro discos de experiencia, el ambientes suntuoso, trippy y de excelentes riffs que, junto con la gran voz de Mariusz, llena de emoción y líneas melódicas de primer orden el ambiente, hacen de este álbum un trabajo que se desarrolla lentamente y eventualmente sumerge al oyente en el mismo.

Siento este disco como algo importante para el Rock/Metal Progresivo de este año. Riverside trae un montón de elementos que se han realizado antes, quizás hasta el cansancio y sin embargo, le da un giro lo suficientemente fresco para evitar que decaiga. En "S.O.N.G.S." también se siente el cambio constante entre la potencia rítmica y el conducir suave y espacioso, lo que le impide que se sienta aburrido.

Quizás el elemento que más me atrajo es el ritmo. Sin ser un disco propio de Metal, sino uno ubicado equidistantemente entre ese género y el Rock, no dejé de sentir el groove en todo el recorrido. Igualmente, la crítica que seguramente mucho oidor tendrá para con el mismo es, como generalmente ocurre, la mayor virtud otros le encontrarán y está referido a su nivel melódico, más sin embargo es un disco que no esconde cierta rabia contenida, cierto dejo de ira, disimulado con el discurrir armónico y las letras. Desde mi punto de vista este nivel de cuidado en el detalle convierte a este álbum en una pieza importante del ambiente Prog general y lo debe ayudar a ser considerado en la rotación regular de cualquier amante del género.

Es cierto también que ya Riverside no tiene voces distorsionadas y continúa la tendencia iniciada en el disco anterior, "Anno Domini High Definition", de separarse de su trilogía "Reality Dream", lo que significa un afianzamiento en el cambio hacia un estilo menos pesado, pudiéndole haber quedado bien algún growl -dado, sobre todo, que de ahí vienen-, pero se compensa con riffs afilados, aunque no en la frontera con el metal; atmósferas oscuras y dramáticas, que fluyen bien desde mi perspectiva, parecen ser sus nuevos destinos. Una prueba de buen gusto para los metaleros y un aporte más que interesante para la música.

El Metal/Rock Psicodélico/Progresivo, influido por los mismísimos 70's está de regreso y "S.O.N.G.S." de Riverside lo lleva en las venas, enriquecido y pulido para deleite de todos, pero especialmente de los miembros menos oscuros de los ejércitos del metal.

9/10. Discazo. Cuarto seleccionado como contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Xanthochroid - "Blessed He With Boils" (Epic Symphonic Black)

El Black Sinfónico es un subgénero del Black noruego de finales de los ochenta y principios de los noventa al cual se añaden coros y elementos orquestales, así como elementos atmosféricos. Cabe destacar que a diferencia del Black puro, este estilo tiene una mayor complejidad musical, pero en el caso de "Blessed He With Boils" de Xanthochroid, los moldes se han roto.

No es nada frecuente que una banda suene estructuralmente única, en particular en el ámbito del Symphonic Black. Esto es especialmente cierto cuando lo usual es que la mayoría de los elementos dispares del género se inspiren en otras conocidas entidades, en general, en la misma esfera estética. Para mi ha sido un placer descubrir el disco debut de Xanthochroid, un grupo americano, unión legítima de lo épico, melódico, sinfónico y progresivo bajo el manto Black.
 

 

El disco es un importante esfuerzo en términos de composición y de aporte musical en general. Es, además, un álbum conceptual basado en un mundo de fantasía de creación propia, con letras bien escritas desde el punto de vista de varios personajes, que se ocupan de temas como el poder y la traición. Es la música aquí, sin embargo, lo que realmente le da majestad a su universo, ya que este es un álbum variado, excitante y literalmente, lleno de ideas.

Fleshgod Apocalypse es posiblemente la influencia más importante que logré percibir en este trabajo, tanto en la naturaleza progresiva, como en gran parte de los riffs y la voz de Sam Meador, quien tiene un tono vibrante, que suena real y violento. Sin embargo, apenas pinceladas se puede decir que toman de FA, pues la totalidad del trabajo y banda deben ser elogiados; tanto tambores, como cuerdas y teclados, junto con sus arreglos corales y atmósfera honestamente oscura, se oyen con un sentido de singularidad inédito.

El nivel de diferenciación de la composición no se limita a voz; la música misma muestra una atención similar al detalle, toda ella es dinámica, con una oscuridad casi clásica, y en varias oportunidades majestad invernal. Hay secciones atmosféricas densas y crescendos espectaculares. Estéticamente, habría quien pueda decir que se asemejan a algunos trabajos de Dimmu Borgir o Emperor, pero sea cual sea el tono o cambio de ritmo de banda a lo largo de casi una hora de música, siempre es convincente, con un impecable sentido del flujo. Percibo como uno de los elementos más únicos en Xanthochroid un fuerte nivel de fantasía épica pero manteniéndose fiel a los sentimientos clásicos fundamentales de su género, transmitiendo esplendor y agitación. No estoy seguro de tener un grupo a la mano que pueda ilustrar lo que aquí está pasando, eso es, en sí mismo, un logro.

Incluso la estructura del disco, el cual se siente como un poco lento en el arranque, es también una característica diferenciadora. A través de elementos minimalistas, como segmentos meditativos en los coros, guitarras acústicas y atmósferas salidas del teclado, todo el material se siente emocionante y natural cuando se mezcla con riffs enérgicos, pero siempre con un dejo de oscuridad y distancia. Estos músicos han sabido entrelazar sus herramientas con maestría.

Hasta en las partes lentas y melancólicas nunca tuve la sensación de aburrimiento. Me atrevo a decir que "Blessed He With Boils" puede configurarse como un referente en lo que al género se refiere y ser citado por los conocedores (allá donde se encuentren) como el punto de partida de un nuevo estilo de hacer Black Sinfónico, por lo que me tomo la libertad de crearles un nuevo sub-género, el Epic Symphonic Black. Xanthochroid, en su debut, han demostrado tener la madera y hechura para ejecutar una de las músicas más difíciles dentro del Metal de manera atractiva y emocionante. Es un disco a la altura de cualquiera de los grandes.

Elegante, novedoso, exploratorio, variado y adictivo, por no mencionar increíblemente musical, se siente trascendente y absolutamente fundamental para conocer lo mejor que esta música puede ofrecer. Aquellos con gusto para los sonidos épicos, texturas progresistas, con un telón del más puro Black, deben oír este disco. La única advertencia puede ir dirigida a los metaleros gustosos de cosas más fáciles, y aún así, si te gusta el Power con voces fuertes o la fantasía en los conceptos, podría ser que el disco se tornara manejable, dado que el nivel musical y de composición es de primer orden.

No creo equivocarme al decir que estamos presenciando el nacimiento de una de las mejores bandas del Metal.

10/10 Primero álbum perfecto del año y tercer seleccionado como contendor para Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica. Primero del Año
 

Hanging Garden - "At Every Door" (Melodic Death/Doom)

El que me venga con que el Melodeath está pasado de moda, que abandone la página, porque, aunque lo repitan y lo repitan, cuando la banda es buena y el disco es como "At Every Door", el comentario es un cliché y no tiene verdadero asidero. Los filandeses de Hanging Gardens vuelven despues de cuatro años con una gran demostración de recuperación luego de su regular "TEOTWAWKI" (acronismo por 'The end of the world as we know it' para el que no lo sabía) y tras seis años de su disco debut y principal referencia, el excelente "Inherit The Eden".

El disco, en general, me atrajo desde el primer momento, con una musicalidad de primer orden, una producción bastante buena, coros dulces y un growl cortesía de Toni Toivonen que no tiene nada que envidiarle a los mejores exponentes de ese difícil estilo de cantar, pero por sobre todas las cosas, con una gran atmósfera Doom que transmite sensaciones en cascada.

Aunque es norma general que la gente difiera entre sí con respecto a la música, acostumbra a haber cierta tendencia, por lo que me tiene algo capcioso la amplia gama de opiniones que he leído en la red respecto a este disco, lo que casi sólo puedo achacar al género; a veces, si no es Thrash, Black o Power puro, he ido descubriendo que los metaleros son uno de los públicos más difícil de satisfacer. Comentarios que van desde 'mediocre' y 'ofensivo', pasando por 'aceptable", hasta 'lo mejor del género en años', he conseguido de todo. Yo siento que el disco tiene algunos elementos melódicos que los puristas deben estar considerando como 'fresa' o quizás su atmósfera sea algo demasiado depresiva... y a la vez me pregunto: ¿Y no es así el Doom? y ¿el Melodeath no tiene fuertes influencias de guitarra atmosférica y sintetizadores melódicos?, pues entonces, no se como se complace a todo el mundo... no se puede, es la conclusión.

Desde mi punto de vista, entonces, este es un álbum elegante que se soslaya en su variaciones y cambios, aunque alguna canción, como At Every Door se pone un poco abstracta (la que menos me gustó). Luego hay temas intensos y dulces, como la de abrir, Ten Thousands Cranes o Ash And Dust y otras tristes y complejas en su tempo como The Cure. Encuentro también que en "At Every Door" la instrumentación cuidó alejarse de complejidades y guardando su velocidad, crearon un buen trabajo, del tipo que permite hacerte viajar a lugares lejanos cuando lo escuchas en la circunstancia correcta.

A quien decida darle una oportunidad a este disco creo que encontrará que posee una atmósfera interesante, con influencias Cult of Luna. Esta opresión empuja llenando el espacio con riffs que ceden en su intensidad para dejar unos momentos sutiles para que la melancólica melodía brille. "Hanging Garden" puede haber sacado el disco que yo esperaba de Katatonia.

Sin duda me gusto en términos generales y siento que apelará también al gusto de los amantes del Gotic y seguramente al del Doom/Death con fuertes influencias melódicas. Excelente portada, además.

8/10

Folkodia - "Battle And Myths" (Viking/Folk)

Nuevo álbum de Folkodia, que es prácticamente una franquicia internacional, pues incluyen diez músicos de nueve diferentes países, hace un buen trabajo como respuesta al principal representante del proyecto más conocido con similares características, su 'competidor' los suecos de Folkearth.

Su concepto como banda es bastante atractivo, en la vena Folk Vikinga, pero que hasta ahora no había sido capaz de llevar adelante una realización completamente convincente. Este quinto álbum, "Battles And Myths" cambia mucho esa situación y reestablecen bastante el equilibrio de las 'superbandas' Folk. El menú guerrero y épico del disco, liderado por la guitarra eléctrica, con algunas  influencias Turisas y Korpiklaanni (One Stood At The Gate, Encountering The Underworld), salpicado de instrumentos tradicionales como la mandolina, la flauta, el acordeón y el violonchelo, pero no en exceso, lo hacen una experiencia agradable y adecuada para esos momentos en los que el Black o el Death pueden no ser lo deseado, sin dejar de ofrecer cierta fuerza y poder, pero más que todo sentimiento.

Las voces se las reparten tres cantantes: dos hombres, el monegasco Michael Fiori y el lituano Metfolvik y una mujer, la rusa Yanina Zelenskaya (Fferyllt), cuyos rendimientos tratan de ser bastante equilibrado a lo largo del disco. Hay algo de voces Black en el recorrido, pero especialmente notable en la canción Dragonslayer, también hay otras vocalizaciones limpias con fuerte influencia de Vintersorg en canciones como Sword Of Kings o Werewolves In The Woods. Por otra parte, la flauta da un sabor medieval al todo, como en la balada acústica El Cid The Champion y el coro de Sword Of The Vandea.

En lo que a atmósfera se refiere, siento que es lo más destacable del disco, pues me produce una sensación intensa de estar rodeado del sentimiento nórdico, sus montañas y vientos fríos y el cierto dejo de tristeza permanente que parecen caracterizar a los pobladores de esas zonas (cuando no están borrachos perdidos... por supuesto). El punto más bajo quizás sea el 'songwritting', aunque todas o casi todas las canciones son buenas, ese mismo exceso de melancolía que crea su alabada atmósfera, no termina dejar de estallar cierta pasión que el estilo requiere. No sentí que alguna canción destacara muy por encima de otra, siendo en general todas bastante buenas, pero ninguna especialmente atrayente.

Este es sin duda un álbum bien hecho, producido de manera precisa y clara e instrumentalmente impecable, notándose que los músicos que componen la banda son todos experimentados conocedores de su arte. Batería, guitarras, bajo, voces y coros melancólicos, junto con los instrumentos tradicionales se conjugan en un todo que, imaginándome en el estudio de grabación, debe haber sido un placer estar entre tantos participantes de buen nivel, especialmente para un trabajo Viking. Imagino que las bebidas espirituosas 'para combatir' el frio' deben haber sido abundantes :-)

Lástima que este trabajo se esfuerce tanto en el aspecto purista del sonido Viking/Folk solitario y triste y no hayan incluido algunos pasajes más emocionantes, que no quiere decir que no los haya aquí y allá... pero pocos. Aún así es un trabajo disfrutable, aunque como dije con elementos muy suaves y pastoriles. Lo que no puede dudarse es que es el más maduro de sus discos anteriores y puede -esta es una opinión estrictamente personal... aunque todas lo son- que que lo único que le falte es que un líder de dentro de sus muchos integrantes se imponga para darles la dirección definitiva que los convierta en referente del estilo.

"Battles And Myths" un disco que por su nombre esperaba más intenso, pero definitivamente será cuestión de gustos y habrá quien lo adore justamente por lo que otros lo tengan en menos estima, pero así es la grandeza del metal.

7.5/10

Helloween - "Straight Out Of Hell" (Power)

A los veintinueve años de presencia en el medio artístico, Helloween presenta su décimo cuarto álbum de estudio, "Straight Out of Hell", producido otra vez por Charlie Bauerfeind, responsable de todos los discos de la banda desde "The Dark Ride" (2000). Helloween, como información para quien haya estado viviendo en el desierto y se inicie en las artes oscuras, puede fácilmente ser considerado como el responsable de la creación de uno de los géneros más populares del Metal: el Power.

"Straight Out of Hell" es un álbum muy sólido. En él se combinan las características principales de su música, melodía y líneas vocales, una huella actual, riffs agresivos, cortos y directos que son una delicia para los oídos, con guitarras, coros inspirados y un rendimiento óptimo de todo el grupo.

A pesar de todos sus años haciendo esto, el disco tiene elementos atrayentes y que todavía sorprenden. Varias de sus canciones están llenas de cambios de ritmo y climas, mientras que las letras cuentan historias, unas interesantes y otras divertidas. Los primeros tres temas del disco, Nabataea, Live Now! y Far From the Stars mantiene el buen nivel, pero desde mi perspectiva no son lo mejor del trabajo. A partir de ellas viene el plato fuerte de canciones con generosas dosis de melodía pero que nunca renuncian a la fuerza, escalas coloridas y música bien hecha, incluso a veces más compleja de lo esperable para este estilo, en algunos pasajes de peso. Helloween se muestra en muy buena forma.

Recomiendo oír con detenimiento a Andi Deris, quien nuevamente como cantante principal muestra grandes características y buen gusto. Igualmente, Sascha Gerstner, guitarrista, trabaja como contrapunto eficaz del experimentado Michael Weikath. El dúo Markus Grosskopf (bajo) y Löble Daniel (batería) completan magistralmente el quinteto.

Lamento hasta cierto punto que el disco sea tan largo y tenga tantos temas, algunos de los cuales, son prescindibles. Mas de setenta minutos de duración y quince temas son demasiados, sin contar que el disco que tengo no es la versión japonesa, que tiene una canción más. En este este estilo es fácil empalagarse con rapidez. La canción realmente más baja, la balada Hold Me in Your Arms, creo que debió quedar afuera. Habiendo cuidado algunos de estos detalles este disco podría haberse convertido en uno de los tres o cuatro mejores trabajos de la banda.

Aún así este disco remonta la cuesta con canciones realmente dignas de alabanza, especialmente de la mitad hacia adelante; canciones espectaculares como Wanna Be God (dedicada a Freddy Mercury sobre una fórmula expresamente similar a la canción We Will Rock You de Queen), así como la casi Progresiva Straight Our Of Hell, con uno de los coros más potentes y emocionantes que oigo desde hace hace tiempo, definitivamente la mejor del álbum. Luego la canción Asshole, una de las canciones más rudas dentro de este género, con un riff que recuerda  a grupos como Iron Maiden. El álbum cierra con Church Breaks Down (luego tiene dos o tres bonus tracks, depende de la versión), una composición épica que muestra toda la potencia de fuego que todavía tiene Helloween, además de la dura crítica a los desmanes de la institución durante siglos.

Obviamente, Helloween es un grupo que no necesita introducción. Considero que son la primera verdadera banda de Power metal; su disco "Walls Of Jericho" y sus "Keepers" 1 y 2 son los orígenes del género y su influencia en otras bandas no trata ni siquiera de ser disimulada. A pesar de sus cambios de formación  -incluyendo tres cantantes diferentes- el bajista y voz Markus Grosskopf ha confirmado ser una buena columna vertebral que le ha permitido a la banda permanecer -con alguna excepción, quizás "The Dark Ride", pero por lo diferente y su último "7 Sinners", el cual fue mediocre y desordenado- como uno de los mejores en su género. Todos estos albumes tienen su propia sensación distinta, pero casi siempre inspirada y consistente.

"Straight Out of Hell" no dice nada que no se sepa. Helloween siempre será una de las mejores bandas Power y es un paso adelante respecto a su disco anterior.

8/10

"Black Metal" Film corto competidor del Festival de Sundance

Sugiero ver este film, el cual compite en el Sundance Festival.

Los detalles del mismo en

www.blackmetalthefilm.com

Appalachian Winter - "Ghosts of the Mountains" (Black Symphonic/Pagan/Atmospheric)

El proyecto solitario del norteamericano D. George Klyne, Appalachian Winter, es interesante por el simple hecho de lo complejo (aunque no tan inusual) que resulta que una sola persona sea capaz de lanzar un disco entero, además autoproducido, por extraño que el disco en sí pueda resultar por momentos.

 

Si estuviera obligado a resumir en dos palabras qué pienso de "Ghost of the Mountains", diría que, en términos generales, me gustó, pero por encima de una valoración simple, vale la penar entrar a analizar este disco más allá de la mera percepción inicial. Por ejemplo, la definición del estilo que de él se puede hacer es altamente compleja: es un disco de Black o Blackened al menos, pero por momentos sus elementos electrónicos, largas secciones instrumentales, fondos operísticos y componentes melódicos, unidos a la fuerte influencia Pagan/Folk y Atmosférica, descubren un concepto intrigante, no fácilmente digerible. Estoy seguro que va a haber gente que va a odiar visceralmente el contenido del mismo, catalogándolo de amasijo y falto de dirección, además de que -Dios nos libre- los elementos pop regados en el desarrollo del mismo tienen extraña cabida.

A falta de una mejor definición y con el fin de tratar de transmitir mejor mi percepción de este trabajo, utilizaría un símil pictórico y catalogaría a este trabajo como Impresionista. Algo así como un Monet, cuyo objetivo es plasmar la luz (en este caso, la música) y el instante, sin reparar demasiado en la identidad de aquello que lo que se enseña... dejando mucho a la imaginación del público. Así me siento con este disco.

Sus elementos vocales Black son excelentes, pero unidos casi permanentemente a una subyacente voz operática, logra un efecto altamente diferente, sin contar que, desdiciendo del canon musical principal, incorpora gritos y conceptos Power/Epic, de gran potencia, como el Pennsylvanian Fire; por otro lado, su musicalidad es, durante algunos momentos, Folk casi pastoril y en otros dura y oscura, para en el siguiente instante tener fuerte referencia Atmosférica, lo que hace que algunos minutos discurran casi sin percibirse y en otros momentos obligue a preguntarse por la cordura de Klyne, quien mezcla -sin pedir permiso ni perdón- largas secciones de teclados, historias habladas, guitarras pesadas, flautas, campanitas y doble bombos ultrarápidos o... ninguna percusión.

Esta es otra de las muchas bandas que no había tenido la oportunidad de disfrutar con anterioridad, aunque para mi sorpresa "Ghost of the Mountains" viene siendo el quinto disco que AW publica, lo que, ahora que lo se, me obliga a repasar su trabajo. De lo que no creo equivocarme es decir que este tiene que ser uno de los discos más comentados del año, tanto para bien como para mal. Estoy convencido que lo veré amado por unos y destruido por otros. No es un disco fácil, pero creo que es un gran disco, que merece tiempo, y repetidas oídas para capturar su rareza y tamaño.

La afirmación Klyne respecto a que 'la totalidad de este álbum está dedicado a todos los que viven en las montañas, en todas las épocas y de todas las tierras', no deja ninguna duda sobre la naturaleza pagana de la letra. Hay nueve canciones en este álbum, el cual dura más de una hora. Sus algunos pasajes acústicos son generalmente hermosos y sus toques Folk trabajan a favor de todo el concepto, aunque siento que algunas partes sinfónicas instrumentales están demasiado llenas de sintetizadores, y que la producción decae a veces en calidad, en lo que a grabación respecta, así como la portada del disco, a la cual parece que no hubo mucho tiempo para dedicarle.

Klyne a menudo hace olvidar que se trata de un solo hombre. La profundidad de sonido que logra es a veces impresionante y para bien o para mal, hace conexión entre su trabajo y el oyente, el cual siento que trasciende la propia música.

9/10 Segundo seleccionado como contendiente para Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Seven Nails - "Factory Of Dreams" (Symphonic/Gothic)

Este es un disco que tiene apenas instantes buenos, el resto es bastante malo. La verdad es que desde hace algún tiempo prefiero dedicar el poco espacio que tengo para escribir a discos que me dejen algo positivo, que me dejen algún aprendizaje -por así decirlo- en el mundo del Metal. Pero este disco tiene un hechura general tan mala que no puedo menos que alertar a mis lectores al respecto, no sea que, como a mí, al final  les parezca haber perdido setenta minutos de su vida.

De entrada nada más definir el estilo del disco es toda una proeza. En principio se podría decir que es Sinfónico, pero asegurarlo puede desdecir a uno de los géneros que acostumbra a ser hermosos en el Metal; luego, podría ser Power... pero nunca termina de emocionar, por último quizás se podría alegar que es Progresivo, pero la palidez de la instrumentación... con apenas unos instantes buenos (a esos momentos me refiero en el primer párrafo) no calzan los puntos mínimos necesarios para ponerle la etiqueta.

Este grupo alemán, compuesto por siete músicos, dos chicas entre ellos, le falta realmente mucho para calzar los puntos de aquellos a los que parecen querer imitar, como Souls Of Diotima o Visions Of Atlantis. En primer lugar su vocalización mixta es lastimosa, desafortunadamente mala. Luego esta la musicalización, la que no muestra nada -con alguna excepción esporádica de su guitarrista y algunas florituras del tecladista Tim Lobitz-. La base de sus canciones son voces claras -pero de muy limitado rango y calidad- que ejecutan Daniela Marx, Volkmann Julián y Huettl Marion, que también toca el violín, las cuales, no me gustaron; con todo el respeto que se puede merecer este novel grupo, la mezcla es desafortunada y nada inspiradora.

Luego esta la música, eso que se supone que, conceptos aparte, debe aparecer. Su desarrollo es pobre, e incluso en algunos casos, como en Next Page o Behind Your Mirror, desastrosas, sin contar con el crimen musical que cometen con Let Me Breath. No inspiran nada, no emocionan. Tanto así que hacia el final del disco lo único que deseaba era haber oído la ultima canción.

A pesar de los intentos gótico/líricos del grupo, los mismos son limitados, y cuando se espera que después de alguna introducción al menos ataquen con cierto poder o musicalidad, como en Frozen Blue, el concepto se queda en apenas buenos deseos... cuando no en fastidiosos coros o fondos de violín y guitarra sin mucho sentido, los que unidos a algunos efectos electrónicos y partes Melodeath totalmente desubicadas, hacen del rato un sacrificio.

Creo entender que este grupo luce algún valor subyacente y que, luego de pulidas sus crudezas, habría algo que disfrutar de su propuesta, pero de momento es mejor dejarlos pasar y desearles una importante mejoría, incluyendo la producción del disco y lo despiadadamente largo, si quieren tener alguna opción de éxito. De las pocas audibles Prisioner Of My Own, buen sólo de guitarra, cierta sensibilidad gótica y sin la mezcla de voz masculina, algo mejor.

4/10

Cult Of Luna - "Vertikal" (Post Black/Sludge/Psychedelic)

Siendo honesto debo decir que no estaba muy familiarizado con Cult Of Luna, siendo este mi primer contacto oficial y luego de darle un par de repasos me pareció que su trabajo era demasiado ruido, medio insoportable -hasta para mi-, por lo que decidí darle una semana de descanso y volver a oír "Vertikal" pasado ese tiempo, tratando de desprejuiciarme.

Lo cierto es que después de ese descanso me estoy encontrando a mí mismo entendiendo mejor y más cautivado por la banda, pues he descubierto una forma de manejar la música electrónica que complementa bastante bien el Black que les sirve de base, y en lugar de escuchar esta vez un lío cacofónico inorgánico, me sentí más a gusto con el Sludge, abrasivo e inquietante, y hasta adictivo en algunas oportunidades que canciones como The One, I The Weapon y Mute Departure, entre otras, ofrecen cuando se abre el entendimiento a este tipo de estilo.

El añadido de surrealismo, psicodelia y Avant-Garde son elementos claves que tiene que permitirse el oidor para encontrar el gusto que yo terminé hallando, luego de mi reposo.  Cult Of Luna proviene de la escena musical sueca, de donde han salido bandas influyentes como Meshuggah y luego de buscar el transfondo de la producción de "Vertikal" encontré que en este disco abordan el tema de la repetición típica de las máquinas y las industrias. Y luego de entender esa perspectiva creo que pude percibir más lógicos e interesante sus sonidos electrónicos, y el motivo por el cual la banda dice que se inspiro en la película Metrópolis, de Fritz Lang en 1927, y la motivación para el alto nivel atmosférico.

Particularmente descubrí (o logré comprender mejor) la motivación y gracia de los dieciocho minutos de la pieza épica con la que cierran el disco, Passing Through, una melodía hermosa y reflexiva, que va desde los paisajes serenos hasta el extremo del Black/Sludge de una manera única. No por todo lo que he señalado puedo dejar de decir que bastantes veces su Post me ha parecido un poco difícil de digerir, pues -y aquí no es una excepción- la forma en que se intercambian los estilos, especialmente entre los aspectos instrumentales y el Sludge, a menudo se esfuerzan por transmitir un estado de ánimo demasiado enredado. Sin embargo, "Vertikal" se me ha tornado por momentos algo casi hipnótico y creo que han logrado retratar bastante bien este paisaje sonoro distópico que deseaban transmitir en cada canción, en verdad algo muy especial.

Siendo alguien que me precio de oír cosas duras (aunque puedo brincar al Happy o al True con igual facilidad) creo que este disco no será para todos, incluso ni siquiera para algunos de los más extremos degustadores del Black Sludge/Atmosférico, ya que los elementos Post, Avant y Psicodelicos puede que sean como mucho por momentos. Sin embargo no puedo dejar de recomendar, así sea sólo como experimento casual, se permitan disfrutar de las extremas líneas del bajo que colman el disco y algunos solos de guitarra, como en Vicarious Redemption. Luego hay canciones como The Sweep que no me impresionaron o hasta me parecieron simples experimentos.

Estimo este disco como fruto de un trabajo duro y difícil, extremadamente largo (quizás demasiado en sus sesenta y ocho minutos) y desafiante. Posiblemente y ese es su mejor punto, es emocionalmente agotador, aunque a menudo puede ser incómodo y con toda seguridad siempre impredecible. Démosle la bienvenida a Cult Of Luna luego de su ausencia de cinco años y pidámos que el próximo disco venga con instrucciones ;-)

7/10

Mors Principium Est - "...And Death Said Live" (Melodic Death)

Aquí estamos con una crítica atrasada, los finlandeses de Mors Principium Est y su cuarto álbum de estudio... Estos músicos se han tomado un descanso de cinco años desde su último álbum, "Liberation = Termination", lo que me está dando la sensación que el negocio de la música y específicamente, el Metal, está cada vez más difícil... como siempre digo: los paradigmas han cambiado, especialmente por (culpa) el internet.

Aún así, el descanso parece que ha dado sus frutos, ya que el último el disco anterior a este fue, por ser amable, mediocre, afortunadamente, el nuevo producto los encuentra en el camino correcto. En primer lugar el grupo definitivamente continúa con su escuela sueca (Gothenburg) lo que significa que no hay demasiada orquesta electrónica que esperar, pero los elementos presentes encajan bastante bien y se utilizan con moderación. No hay muestras de elementos raros, ni mucho Nu o Modern. Creo no equivocarme al definir este trabajo como vieja escuela Melodetah.

La banda decide arrancar el disco con un asalto melódico de tendencia rápida. A partir de ahí es, canción tras canción, una sólida trayectoria de lo más puro del estilo (aunque alguna vez leí a la gente de At The Gates decir que "el estilo Gothenburg realmente no existía (?¡). Hasta cierto punto al álbum le falta dinámica en los cambios, aunque la música es genial, pero podrían haber usado algunas variaciones en el tempo aquí y allá. Lo principal es que es se les nota que saben como escribir buenas melodías.

La canción Departure, con un gran sólo, así como Birth of the Starchild y Bringer of The Light son epopeyas musicales y forman parte, sin duda, de un gran trabajo de los nuevos guitarristas del grupo, que encajan perfectamente con la banda y demuestran tener sólidos conocimientos en el manejo de los solos (así como callos en los dedos). Otra cuestión que me atrajo fue el enfoque vocal: Las voces están definitivamente en la parte delantera de la mezcla, lo que hace que el vocalista, Ville Viljanen, aunque suene un poco duro, le de un ambiente algo Core al disco, sin embargo, no se oye mal como interprete; me parece que el enfoque vocal no es muy diferente al de la mayoría de las bandas de Death Melódico. Pueden, a mi parecer, escucharse similitudes a grupos como Omnium Gatherum e In Flames. La voz de MDE en su mayoría había sido sido siempre más bien 'scream' pero siento que para "...And Death Said Live" la misma ha crecido, convirtiéndose en algo mas Modern, definitivamente arraigado en la vieja escuela del sonido sueco, con un poco más de sensibilidad finlandesa en los teclados; sin duda más atmosférico.

Los fans de la banda van a sentirse a gusto con este trabajo, pero si este es su primer encuentro con Mors Principium Est, estoy convencido que la demostración de metal sólido y puro del Death Melódico que presentan va a hacer que más de uno se sienta cautivado. No hay ninguna razón para criticar especialmente su sonido, pues tanto en su parte instrumental como en el ritmo rápido y su sonido agresivo, obtienen un trabajo brillante, como el que presentaron en sus clásicos, "Inhumanity" y "The Unborn". Otra característica del disco es que los teclados son muy altos en la mezcla, lo que sin duda es una buena idea porque, sin ser pegajosos, dejan -de algún modo- de ser genéricos y se destacan entre la multitud con estos detalles.

Mi mayor problema con el disco, tratando de ser especialmente crítico, tiene que ver con las voces agudas del vocalista Ville Viljanen, quien, si bien tiene ese tipo de voz adecuada, a veces no parece importarle mucho el cambio de tono, lo que no sentí siempre natural. Aún así la crítica debe entenderse como menor; el tipo sabe cantar.

8/10 Muy buen disco

Majesty - "Thunder Rider" (True)

Ser el primer disco del año en la línea de fuego para las críticas no es fácil. Seguramente si yo fuera músico no presentaría nuevos trabajos sino hasta marzo, ya que siento que los fanáticos son como más exigentes al inicio... además, hay poco o nada contra lo que comparar en ese período... no es el caso de Majesty. Y hay que tener verdaderos cojones para, además de presentar un disco a comienzos de enero, hacerlo del estilo más 'cheesy' del metal, el True.

 

 No quiero saltar en conclusiones en estas primeras líneas. Me voy a dar el gusto de comparar "Thunder Rider" con su anterior trabajo, también humildemente revisado por este Blog, cuando apenas tenía unos meses en las lides, en septiembre de 2011. "Own The Crown" fue un disco, a mi parecer, merecedor de un 8/10, pero no participó en la selección de Disco del Año por ser, fundamentalmente, una recopilación de trabajos previos de Majesty, algunos 'B Sides' y sólo tres canciones nuevas, que, en todo caso, me hicieron presagiar la posibilidad de que, si les iba bien y eran bien recibidos por la comunidad, podrían presentar un trabajo totalmente inédito, sobre todo dado que, ya para ese momento, tenían cinco años sin sacar un trabajo completo.

Pues debe ser que mi percepción se cumplió, aunque honestamente es casi imposible averiguar cuantos discos ha podido vender un grupo como este o cuanto dinero ha hecho en presentaciones o merchandising (aunque supongo que de seis a siete mil discos debe ser todo un sueño), pues Majesty, para satisfacción del sector que yo llamo 'la última linea de defensa del Metal contra el Regueton' y para los amantes del buen metal, han presentado, en el momento más inusual y con casi siete años de retraso, un monumental y excelente disco de True. Con todos los elementos necesarios para ser considerado como tal: energía, ritmo, riffs para recordar, coros a la medida de los hermanos del cuero negro, sólos que permiten unirse sin necesidad de llevar la guitarra colgada y mucha, pero mucha melodía.

Ya tenía yo cierta picazón cuando vi aparecer en una fecha tan poco común este disco. Realmente había pocas posibilidades, o era capaz de aportar calidad y buen gusto o la carrera de estos alemanes acabaría en desastre. Por suerte para todos nosotros y de ellos mismos, fue lo primero, a pesar de que no se pueda decir que todo el disco mantiene constante el nivel de calidad de canciones como Thunder Rider, Warlords Of The Sea y Anthem Of Glory, decayendo en Raise The Beast y Asteria, pero dando -en general- un gran ejemplo de como se retorna, haciendo las cosas bien, con un excelente trabajo de batería y muy buena guitarra, pero especialmente esgrimiendo su principal valor y la marca de fábrica, la voz de Tarek “MS” Maghary, quien no sólo canta bien, que ya es de agradecer, sino que tiene la menos común habilidad de saber transmitir sensaciones, emoción y sentimiento.

Ahora el párrafo al que -guste o no- se tiene que llegar, la odiosa comparación con los mentores, padres y piedra angular del género, Manowar. No sólo es evidente que con "Thunder Rider" el alumno superó al maestro, sino que, posiblemente y sin quererlo, crearon el disco que todos esperaban cuando los americanos anunciaron el decepcionante "The Lord Of Steel" y que puede que haya significado el epílogo en su carrera. Este es el trabajo que los seguidores de los creadores de los brazos cruzados en el aire querían, esperaban y nunca llegó, pero que ahora, de la mano de Majesty, todos disfrutamos. A partir de ahora el True tiene nuevo líder y dueño de las letras más ridículas y divertidas del Metal.

A pesar de que la espera para presentar este disco es demasiado larga para mi gusto, entiendo que han realizado el mejor trabajo en el True de al menos los últimos dos años y dará muy buenos momentos a los seguidores a lo largo de este.

9/10 Primera crítica y primera selección para Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica