Progenie Terrestre Pura - "U.M.A." (Black/Avant Garde/Ambient)

Este disco del dúo italiano Progenie Terrestre Pura, conformado por los músicos Eon y Nex, es una idea agradable y fresca para el mundo del Black/Space/Ambient. Es amplio, luminoso y al mismo tiempo sólido, fuerte y profundo, con algo que descubrirle cada vez que se escucha... lleno de sonidos. La etiqueta 'Psybient' que algunos le han puesto le queda bastante bien, dando la idea de una dinámica de cosas electrónicas y atmósfera general del espacio que hacen de este disco una escucha maravillosa.
 

No sé exactamente bajo qué tipo de estado de ánimo o el lugar en el que se debería estar para  escucharlo, pero a mi me transmite una sensación de atmósfera pesada, lúgubre pero no desesperada... por el contrario tiene cierto dejo de esperanza -quizás de consuelo- a los largo de todo el disco. También me gustó que, a pesar de la duración de las canciones, no hay momento aburridos, siempre me dejó anticipando el próximo movimiento, el próximo ataque y al terminar una canción, cómo comenzaría la siguiente.

Creo no equivocarme al predecir que este disco puede convertirse para 2013 en el "Portal Of I" de Ne Obliscari, de 2012. Son nuevos, frescos, provocadores y añaden bastante de innovación, algo que pocas veces se ve en el género, aún así es un disco que no deja de ser inconformista y lleno de la rabia del más puro Black.

El sonido extremo que muestra "U.M.A.", que quiere decir: "Uomini, Machine, Anime"... algo así como 'Los Hombres, Las Máquinas, El Alma', ha estado bastante atrapado en los últimos años, en mi opinión, en la ortodoxia propia del Black, con algunas pocas excepciones que hacen la diferencia cada temporada. Progenie Terrestre Pura debuta haciendo música con el debido progreso que se necesita para mostrar algo diferente y justificar su existencia, permitiéndome creer, nuevamente, en lo maravilloso que puede ser un buen disco de los cultores más extremos del Metal.

A través de un trabajo con influencias Death y Progressive, que junto con pinceladas de Sludge y Doom, "U.M.A." se sirve sobre un plato Black de pistas muy largas, pero con variación suficiente para evitar ser aburridas y partes instrumentales, Atmospheric y Space, largas y hermosas.

Excepcionalmente brillante por momentos en el desarrollo de su música, este disco es abundante y creo que un gran presagio de lo que vendrá con el grupo. Seguro más de uno que lo escuche lo considerará desconcertante y a la vez fascinante. De seguir así Progenie Terrestre Pura, quienes también tienen un EP previo de dos canciones llamado "Promo 2011" (2011), estarán en el camino correcto para convertirse en uno de los grupos Black líderes, que con la valiente inclusión de influencias electrónicas pesada, puede que abran el camino a un nuevo tipo de estilo en el Metal. No se trata en definitiva de sólo de Black... aquí hay algo más.

Cierro diciendo que este es más que un buen disco; la interrelación de los elementos oscuros, espaciales y ambientales de sus sintetizadores, guitarras y batería -espectacular, por demás- se hace muy bien, con personalidad y toque humano. "U.M.A." me deja una gran impresión y resuena duro en mi cabeza. Excelente portada también, con el detalle de no tener el nombre del grupo o del álbum... una demostración más de la gran confianza que tienen en sí mismos.
 

9/10. Décimo Tercer seleccionado para competir como Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Shade Empire - "Omega Arcane" (Symphonic Black)

En 2006 oí a un grupo finlandés desconocido para mí hasta el momento, de corte Darkwave, llamado Shade Empire, cuyo álbum, "Intoxicated O.S.", me pareció que prometía mucho. Desde entonces y sin embargo, les había perdido la pista, a pesar de que en 2008 presentaron un disco llamado "Zero Nexus", del cual no me enteré hasta ahora y que todavía tendré que escuchar. Aún así estoy seguro de que ese disco no cambiará mucho mi percepción sobre este nuevo trabajo, "Omega Arcane", el cual es de altos kilates. Shade Empire trae con "OA" una presentación épica y apocalíptica de setenta y cuatro minutos, con una combinación de orquestaciones hollywoodenses, al estilo de Dimmu Borgir, y una mezcla oscura, imbuida también en el espíritu de grupos como Septicflesh.
 

Con pistas de longitud media de casi siete minutos es claro desde el principio que en "Omega Arcane" se escucharán muchos y largos pasajes instrumentales. Si tomamos por ejemplo las canciones Ruins, de ocho minutos, Disembodiment, de trece, así como el grandioso final instrumental de doce minutos, Omega Arcane, veremos que la relación de instrumentación/voces se inclina fuertemente a favor de la primera característica, lo que le da una sensación muy interesante al discurrir del disco. En esto, sin embargo, no se causa daño ninguno, porque la música es tan fascinante en sí misma que las voces sólo pueden ser una ventaja para ella.

Orquestación apocalíptica, sección rítmica poderosa, blast beats frecuentes y aplastantes riffs pesados ​​hacen percibir en "Omega Arcane" algo mucho más interesante que un simple álbum de metal. Hazte un favor y escuchalo, sobre todo si te gusta el metal extremo, con grandilocuencia y en un ambiente oscuro. Se nota que el tiempo que Shade Empire estuvo madurando y preparando este trabajo los ha convertido en un grupo que dejó de ser clandestino para convertirse en un referente importante, a nivel de bandas como Chaosweaver, los nombrados Dimmu Borgir y Septicflesh y también Fleshgod Apocalypse, en el que la gran épica, atmósfera e instrumentación potente consigue que, a pesar de su longitud, el álbum nunca sea aburrido, ni se le perciba material de relleno. Quizás pudo faltarle sólo una pizca de teatralidad y de Avant-Garde para que el álbum fuera completamente perfecto.

En interesante como, una y otra vez, las mejores cosas son las que no se esperan o aquellas sobre las que no se han tenido tiempo de hacerse preconceptos, en especial cuando, al conocer el estilo de este disco pude haberlo desdeñado de entrada, teniendo sobre todo en cuenta que algunos de los más espectaculares trabajos del género son discos recientes:  "The Great Mass" de Septic Flesh y "Agony" de Fleshgod Apocalypse, quienes se han establecido como una de las luces principales del Black. Aún así, mi reacción inicial no fue de resistencia, ni pensando que otro imitador había llegado a mis manos. Al contrario inmediatamente logre percibir a este disco como un trabajo profundo y satisfactorio, en el que el vocalista Juha Harju hace un gran trabajo, recordándome a veces a la banda Hate (quienes por cierto tienen un nuevo trabajo llamado "Solarflesh"). Las guitarras de Shade Empire hacen una gran mezcla de riffs agitados, sólidos y trémolos, recogiendo también influencias de bandas como Necrophobic; luego la orquestación debe gustarle a quien ha oído a gente como Ex Deo. El disco definitivamente hace un gran trabajo al transmitir la atmósfera a veces épica, a veces dura.

Gran álbum donde la agresión, fuerza y musicalidad tienen un excelente definición. Es además interesante en su temática, más bien oscura, siempre sobre la humanidad y el mundo. En comparación con el material viejo que he logrado oír de Shade Empire, estoy seguro que han dado un gran paso, a una etapa más madura. Todo parece estar justo donde debe y en muy buen equilibrio.

9/10. También excelente portada. Décimo Segundo seleccionado para competir como Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica

Los diez más influyentes del Metal

Ok... todo el mundo y su abuelita ha dicho cuales son los diez discos que, según su punto de vista, han influenciado más el Metal y yo, por puro gusto, también lo voy a hacer, fundamentalmente para que quienes quieran, opinen.

Lean bien: esta lista no es la de los diez mejores discos del Metal de todos los tiempos, cosa la cual creo que no me atrevería a hacer, ya no sólo porque sería un sacrificio sacar a tantos y tantos discos que me han marcado durante más de veinte o más años de escuchar, sino porque cada año hay progresos tan importantes que me sentiría ante una tarea imposible... quizás algún día, sin especificar el orden, diga cuales son mis cien discos preferidos... y desde ya comienzo a sudar. Esta humilde selección sólo se trata de decir quien creo que ayudó a definir la mejor de las manifestaciones musicales modernas, el Metal.

Bien... voy, pero no lo vamos a hacer tan fácil, es decir, ¿sólo nombrar y no motivar mi decisión? no.... mira mamá, sin manos!!! Motivemos pues:

El 10°: Slayer - "Reing Of Blood" (1986): este disco, antediluviano, de cuando yo tenía 17 años, es el epítome, piedra angular, principio y fin del verdadero Thrash. Satánico, brutal, crudo y comprometido hasta antes de que el genero incluso se llamara así; está casi mal grabado, pero eriza los cabellos su sola invocación. Quien en 1986 fue capaz de oir de un sólo tirón este álbum tenía en sus venas el germen del Metal y si hoy toca u oye Thrash, lo venera. El 'Big Four' no sería, desde mi perspectiva, lo que es, ni grupos como Testament o Kreator nos deleitarían, si Tom Araya no se hubiera atrevido a gritar como un desaforado, sin pena y con rabia, para expresar lo más brutal que un músico puede llevar en las venas.

El 9°: Judas Priest - "British Steel" (1980): El Heavy Metal no podía llegar a ser lo que fue, sobre todo durante los años 80 y 90, sin este disco. Todos los grupos que lograron vender discos de verdad y tuvieron miriadas de fanáticos alrededor del mundo, de una u otra forma, fueron influenciados por el más dotado (y gay...ok) cantante del género, Rob Halford. Cuatro octavas de rango vocal y el liderazgo del recien descubierto -para el momento- New Way Of British Heavy Metal (NWOBHM), convirtieron este disco a la fuente de inspiración de seguidores como Scorpions, Saxon, Blind Guardian y Helloween, para sólo nombrar unos pocos.

El 8°: Cannibal Corpse - "Vile" (1996): Los verdaderos creadores, formadores, definidores y fornicadores del Death Brutal, de los gritos, de la rabia, la atonalidad y bestialidad que hoy por hoy domina en el más extremo... o uno de los más extremos, pero musicalmente válidos géneros del Metal (porque todos los días aparece alguien un poco más loco), es la casi ridícula exhibición de destreza que CC hizo en este disco. El cantante Corpsegrinder contaminó y nutrió con su genio a sus compañeros de banda, con los riffs mas complejos, rápidos y destructivos (pero bien hechos) que se hubieran oído hasta ese momento sobre la faz de la tierra.

El 7°: Avantasia - "The Metal Opera" (2001): El álbum más joven de la lista (y posiblemente más controversial en ella), un disco que -parece mentira- tiene más de doce años, proyecto paralelo del genio Tobias Sammet, líder del grupo alemán Edguy, el cual causó una de las revoluciones más importantes del género más melódico y épico del Metal, el Power. Este disco reinventó el estilo, el cual había decaído -hasta su salida- en enormes clichés y lugares comunes, convirtiéndose en una nueva forma de ver el lado amable del Metal. Con temas épicos, conceptuales, dulces, melódicos, rápidos, emocionantes, divertidos y hasta sensibles. El disco 'que no podía presentarse en vivo', por lo complejo de su elaboración y puesta en escena, fue la resurrección de la melodía.

El 6°: At The Gates - "Slaughter Of The Soul" (1995): Tienen no se ni ya cuantos años, casi dos décadas, sin sacar un disco nuevo y además han dicho que, en firme, no lo van a volver a hacer, a pesar de que tendrían material para hacerlo y aún así se siguen presentando en todas partes con éxito total. Los padres del llamado Gothenburg Style, mejor conocido como Death Melodico, alinearon con este disco uno de los fenómenos más importantes en el Metal, la mezcla de la brutalidad Death con elementos melódicos de alta calidad, causando una verdadera revolución entre los que querían seguir drenando su rabia con la música, junto con elementos melódicos y épicos que los elevaran luego de arrastralos por el fango.

El 5°: Metallica - "Master Of Puppets" (1986): Luego de "Reign Of Blood" de Slayer, el mismo año, este grupete de chiquillos se lanzó una de las mejores y mayores demostraciones de virtuosismo y velocidad en un sólo álbum. Abusivo en lo que respecta a emoción y calidad en todas sus canciones, este disco ayudó a definir toda la década de los ochenta y noventa para el Metal. No hubo disco medianamente conocido que no fuera medido con esta vara. Los censores comenzaron a pensar en la necesidad de la etiqueta de 'explicit lyrics' a partir de aquí, pues sus elementos rudos y evidentes no dejaban lugar a dudas. Sin equívocos, el disco de que -para el momento- completaba el círculo del Thrash y sentó una de las bases del Metal, en general.

El 4°: Death - "Scream Bloody Gore" (1987): Totalmente adelantado a su tiempo, el primer disco que claramente definió el Death Metal en su verdadera esencia, siendo el primero verdaderamente calificable como tal, convirtiéndose en el punto de inflexión del Metal extremo que devino los siguientes veinticinco años. Contribuyó el hecho de que era pulido, melódico, bien producido y muy técnico, cosa que hasta el momento estaba reservado para otro tipo de música, mientras que las manifestaciones extremas de la música y especialmente del Metal, estaban reservadas para los garajes y los 'demo tapes' mal grabados y menos oídos por la gente

El 3°: Dream Theater - "Images And Words" (1992): El disco que definió el Metal Progresivo y enseño como un guitarrista (Mike Petrucci) podía decir como 'no había solo suficientemente largo' con propiedad, viniendo a representar también la consagración de toda voz que en el género quiera figurar, al unirse a la banda Kevin James LaBrie, quien, junto con Mike Portnoy (el segundo mejor baterista de la historia, detrás del dios, Neil Peart, de Rush), enseñaron a multitud de seguidores e imitadores que los cambios de tiempo y 'progresiones' (de ahí el nombre del género) podían cautivar y había vida más allá de la dulzura melosa de Yes y Jethro Tull.

  

El 2°: Iron Maiden - "The Number Of The Beast" (1982): Años ha, cuando uno era mucho más muchacho, apareció un álbum que en el momento daba miedo ponerlo en el tocadiscos, hablaba de La Bestia y recitaba pasajes del Apocalipsis... y se decía que durante su grabación se habían quemado los equipos. Este disco es el principio y el fin de quien quiere convertirse en 'alguien' en el mundo del Metal y el mismo debe ser escuchado y analizado por cualquiera que quiera iniciarse en la artes oscuras de la música metalera Heavy. Canciones como Run To The Hills, Children OF The Damned y The Number of The Beast han definido generaciones.

El 1°: Black Sabbath - "Paranoid" (1971): Todo lo que se ha hecho en el Metal, todas las notas malévolas, todos los acordes satánicos, todos los ritmos descomunales, las voces crudas y todos los temas prohibidos, fueron, antes de todos los tiempos, ejecutados por Black Sabbath en "Paranoid". A pesar de que haya quien ponga aquí el disco homónimo del grupo, para mi este, por su calidad, avance y espectacularidad, fue el verdadero iniciador de todo lo que vino después. No creo que haya grupo de Metal que no haya sentido, en algún momento, que "Paranoid" no influyó en algo en su dirección. A mi entender, el disco primigenio, comprobado cada vez más, incluso luego de cuarenta y dos años.

Bueno, espero que esta selección guste o en todo caso, de que hablar. Sin duda subiré sus comentarios, como siempre, sin edición alguna.

Alfonso

The Ocean - "Pelagial" (Post/Sludge/Experimental/Progressive)

Los alemanes de The Ocean (tambien se la conoce por The Ocean Collective) son una banda intimidante, de esas que están, en primer lugar, conformadas por músicos de primera línea -virtuosos en algunos casos-, en segundo término, nada de lo que producen tiene desperdicio, todo en sus discos tiene un por qué, un significado más allá de lo evidente -todos sus álbumes son altamente conceptuales y profundos- y en tercer lugar, la conjunción de esos elementos los hace -generalmente- buenos en ocasiones, por encima del promedio... claro, a la vez no son una banda sencilla de digerir; sólo la definición de su estilo es un ejercicio de análisis: Post, Avant-Garde, Proggresive, Experimental, Sludge, Art y Doom, son sólo algunos de los géneros que pueden distiguirse a lo largo de los seis discos que han presentado desde el 2000, todos altamente cargados de críticas a la religión, elementos filosóficos y busqueda del significado del hombre en la historia.

En esta oportunidad con "Pelagial" continúan, como era de esperar, en la línea de su disco anterior "Anthropocentric" (2010), quizás un poco mejor que aquel, especialmente por algunos pasajes percusivos que son bastante buenos, sobre todo en la primera parte del álbum, aunque luego decaigan un poco en los abismos distraidos de "Precambrian" (2007), desafortunadamente todavía acompañados del menos convincente de sus elementos -desde mi punto de vista-, la voz de Loïc Rossetti.

Musicalmente "Pelagial" me parece un disco impactante, lleno de atmósfera, fuerza y cambios, evitando los momentos de facilismos o lugares comunes Prog o Black, muy por el contrario, realzando una mezcla de todos los elementos que saben dominar, de manera magistral, durante pasajes bastante largos. El álbum es muy orgánico, se puede sentir como va tomando profundidad en la medida que avanza, a través del endurecimiento de los géneros que desarrolla, lo cual era, sin duda, el objetivo fundamental de su concepto, motivo sólo por el cual ya debe ser elogiado como una de las mejores puestas en escena de una idea musical de 2013. El disco se nota suave y encendido al principio, pero en la medida que avanza cada vez más va poniéndosae inquietante y a medida que aumenta la profundidad, se convierte en algo pesado y oscuro, muy Sludge. Esta banda intenta llevarlo a uno en un viaje en el que hay que dejarse arrastrar y no luchar contra él, si se quiere tener acceso al efecto completo.

Aunque, como dije y desafortunadamente, las voces no tan buenas como el resto del conjunto, el trabajo instrumental es muy interesante; la forma en que se mueve y cambia, como también funciona el océano, especialmente en algunos riffs descomunales de canciones como Signals Of Anxiety, Boundless Vasts y Omen Of The Deep, ayudan a construir un concepto especial. Fiel a su forma de hacer las cosas The Ocean son capaces en este disco, otra vez, de construir sus canciones en un buen ambiente, agregando elementos sutiles, para luego machacar con detalles crudos y potentes.

El compositor Robin Staps describe este disco como 'un viaje hacia la esencia y el origen de nuestros deseos, sueños, y todos los atributos dentro de nuestro propio ser interior, que generan y dan forma a ellos.' Así, todas las canciones hacen referencia en sus títulos a las diferentes capas de las profundidades del océano en orden descendente y el sonido del álbum hace el juego, cada vez más pesado y más oscuro a medida que avanza el disco. Las letras siguen un camino similar, descendiendo en las profundidades de la sicología humana. Este es uno de esos discos que debe ser escuchado en su conjunto y del cual es difícil escoger una canción como principal, muy por el contrario, es de los que se siente como una pieza de música clásica, que es una sola y larga canción conformada de varios movimientos.

"Pelagial" es más sobre el flujo y reflujo del sonido que trata de hacer, que de unas cuantas canciones... y es impresionante.

8.5/10. Disco concepto por excelencia, sólo falta un cantante que les permita conjugar mejor el todo.

Nace Ladoscuro.org

Luego de un poco más de dos años he decidido darme el gusto de comprar un humilde dominio personal para este blog, por lo que a partir de ahora podrán acceder tanto desde mi usual enlace blogspot como desde

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Gracias por sus visitas

\m/

Amorphis - "Circle" (Melodic Death)

No me molesta que el undécimo trabajo de los finlandeses de Amorphis, "Circle", sea básicamente una continuación de "Skyforger", lo que -hasta donde yo sé- es una de las razones para que haya a quien le guste este álbum. Lo que no me resulta tan atractivo es que los integrantes de Amorphis parecieron no querer estirar demasiado el esfuerzo en esta entrega y jugar sobre seguro, tratando de copiar el éxito de su fórmula reciente... y aunque 'seguro' no significa que el disco sea flojo, no es lo mejor de su repertorio. Aún así, puede que en él se note una evolución sutil, pues sin embargo "Circle" tiene algunos elementos de sólida composición.

En general sabe quien me ha leído en este blog que el Melodeath es una de mis pasiones y Amorphis ha sido durante mucho tiempo una de esas bandas a seguir en la escena. Desde que escuché a mis preferidos de entre sus sus discos, "Eclipse" (2006) y "Silent Waters" (2007), he disfrutado de casi cualquier cosa que han puesto a sonar. Pero con "Circle" siento que hacen una repetición de lo más recientemente y nada es realmente nuevo.

Diferentes cantidades de Death aparecen aquí y allá en "Circle", pero el álbum en su conjunto resuena un tanto como el viejo "Tuonela" (1999), donde la primera mitad es un trabajo divertido y luego la otra mitad, olvidable. Creo que junto con el mencionado "Skyforger" -que no es un disco malo, ni mucho menos- y quizás también con "Eclipse", ya había quedado suficientemente claro el estilo de Amorphis y ahora lo que incomoda es que parece que el grupo no se atreve a hacer algo más emocionante... novedoso, dejan deseando algo del salto de estilo que hicieron desde "Tales From The Thousands Lakes" a "Elegy", que aunque no sean mis discos preferidos, son trabajos interesantes. En todo caso, parece que este disco es un buen ejemplo de lo que de Amorphis se puede esperar a partir de ahora.

En resumen, esencialmente "Circle" es lo que Amorphis ya ha hecho, con canciones arraigadas en su estilo propio de Melodeath, con algunos elementos que desvían la mirada hacia el territorio Folk y Black. Desafortunadamente "Circle" no es particularmente interesante, ya que toma las partes más obvias de estos géneros y los combina con momentos repasados, cuando no, un poco discordantes.

Las primeras pistas del álbum, Shades Of Grey y Mission dan al trabajo una dirección fuerte y establecen buenas expectativas para el resto del mismo, pero en algún lugar a lo largo de esas canciones el trabajo comienza a sonar repetitivo y el songwritting un poco añejo.

Sin embargo, hay que mencionar un joya oculta en este álbum: la canción Narrow Path, con la que la banda estalla en un número excelente, mezclando flautas de madera y un solo y riff de guitarra pesado y potente. Desafortunadamente el hecho de que las voces limpias dominen a través de la mayor parte del disco y los elementos melódicos parezcan a veces un poco repetitivos, le quita enteros al álbum. Por suerte la canción Nightbird's Song, trae elementos que corren el disco nuevamente hacia el Black con la reaparición de las voces duras, lo que es un soplo de aire fresco a un disco que a esa altura lo necesita.

Aparte de estos temas mencionados, el resto de las pistas aburren, incluso luego de repetir su oída. En su favor, hay que decir que la producción de este álbum es de primera clase, por desgracia, esos esfuerzos no son del todo recompensados por el producto final.

7/10

Dreamtale - "World Changed Forever" (Melodic Power)

Dreamtale es una de las buenas bandas de Power que comenzaron su andar en el nuevo milenio y quien los ha oído sabe de lo que hablo. Para convencerme -aún más- de ello, traen ahora su sexto disco, "World Changed Forever", un álbum de fuertes letras e historia conceptual, basada en la historia de un marinero, Anela, quien pondera el impacto que las personas han tenido sobre él y el mundo, el cual se desarrolla en una hora y contiene doce argumentos de peso, sin relleno innecesario, avalado por la excelente producción y mezcla creada por Timo Tolkki, ex-Stratovarious.

El disco de estos filandeses comienza con grandes canciones como Island of My Heart, Tides of War y una apasionada Join the Rain, que no tiene un solo momento de debilidad. Sólo después de de cruzar la mitad del trabajo vienen con una buena balada, World Changed Forever y Destiny's Chance, casi al final presentan Dreamtime, que se basa en la épica, la combinación de comienzo lento, junto con un entorno de alta velocidad en la parte final.

Dos cosas hacen que tenga una buena impresión de "World Changed Forever" son, en primer lugar,  el excelente trabajo de teclado que trae mucha melodía y hace de canciones como Island of My Hearth (sobre todo en el coro) y Join the Rain, éxitos instantáneos y en segundo lugar, el importante papel que juega, con una tono agudo distintivo (al estilo de Bernhard Weiss de Axxis), la voz de Erkki Sepanen, conocido también por algunos fans también por ser miembro del grupo ruso Doom, Kypck.

Con sobriedad, no creo necesariamente que este disco sea el mejor disco de Power Melódico en lo que va del año, como algunos sugieren, pero sus elementos y cohesión lo hacen un placer para disfrutar. La sola unidad de conceptos que en él se percibe es todo un ejemplo para cualquier banda que pretenda darle sentido a sus trabajos. Adicionalmente su dinámica, velocidad, sonido moderno y fuertes melodías, completan un disco Power 'como debe ser': sin rellenos ni tentaciones Hard Rock. Sugiero también escuchar con atención las notables intervenciones instrumentales.

Estimo que quien quiera darle una oportunidad a este disco de Dreamtale sentirá que los mismos han recibido influencias de grupos tales como Helloween, Power Quest, Axxis, Derdian y otros, pero han logrado, desde su primer álbum, "Beyond Reality" en 2002, establecer su propia identidad en una escena tan copada como esta. 

Lo único que puede faltarle al grupo es que finalmente editen un disco 'total', aquel que los termine de encumbrar. Me gustó mucho la portada, elaborada por la artista búlgara Dilyana Delcheva, quien ya ha ilustrado discos de gente como Dotma y Black Night Symfonia.

8/10. Sólido.

Visions Of Atlantis - "Etherea" (Female Fronted Symphonic Power)

Luego de las grandes expectativas que me generó este disco y después de su excelente trabajo anterior al escuchar este disco de los super melódicos austríacos Visions Of Atlantis, me encogí de hombros y me pregunté si me habría equivocado de grupo al ponerlos al sonar. Esa fue mi honesta reacción al escuchar "Etherea", su nuevo álbum.

Como fan de las últimas entregas del grupo, he quedado desagradablemente sorprendido por esta puesta en escena. El mismo suena como si a los miembros de VOA tuvieron que llevarlos al estudio todas las mañanas a las 5 a.m., halándoles las orejas y donde, entre el sueño y la molestia de hacer un trabajo obligado, se produjo un disco insoportablemente insípido, cuyo objeto es sólo cumplir un contrato.

Desde un punto de vista musical quizás haya quien diga que "Ethera" no es un mal disco. Su problema es que simplemente no transmite ninguna sensación. Los dos primeros temas, The Ark y Machinage son razonablemente audibles, para un álbum melódico y después de ellas, Avatara tiene un sonido sinfónico agradable. Y es más, no es que las otras ocho canciones estén peor que las tres nombradas, pero no ofrecen nada diferente. La sensación general fue, al final del disco, que el mismo se me había convertido en algo casi molesto y sin duda, tedioso.

Las mismas técnicas instrumentales se repiten a lo largo de todo el recorrido, casi hasta lo doloroso, encontrándose que en todas las canciones hay una melosa y pretenciosa ejecución. Canciones como Vicious Circle, Cave Behind The Waterfall y Bestiality vs. Integrity me lucieron realmente aburridas, a pesar de que la voz de Maxi Nilo no es nada mala, el disco es intolerablemente falto de ideas y emotividad.

Sin ánimo de ofender los fanáticos Visions Of Atlantis, diré que "Ethera" simplemente no vale la pena. Honestamente, pensé en la posibilidad de borrarlo de mi disco duro y no porque sea un fracaso total, sino porque no hay absolutamente nada en él, nada sucede y nada tiene que valga la pena para volver a él otra vez. VOA debe dedicar ahora su tiempo para una profunda autoevaluación y cambio, porque si pretenden presentar en una próxima oportunidad algo similar, quizás deberían cerrar el capítulo y usar sus grandes talentos individuales en otros proyectos. De lo contrario, esperen un otro aburrimiento de cuarenta y siete minutos.

Lo contradictorio de "Etherea" es que, oficialmente, no tiene ni una sola canción que pudiera calificarse como mala; sigue el estilo musical del grupo, en el que el buen teclado lidera el conjunto y sus elementos sinfónicos y electrónicos están bien ejecutados, pero lo aburrido de sus trilladas y cansonas ​​composiciones, que suenan en muchos casos hasta banales, no logran transmitir nada, sin que la buena voz de Nilo lleve por algún momento a permitir comprender este álbum, que -com dije- no tiene nada nuevo o interesante.

Habiendo tenido con este trabajo la oportunidad de consagrarse y unirse a la lista de los grupos Femaled Fronted de gran calibre, como Nightwish, Edenbridge, Epica o Xandria, desafortunadamente Visions Of Atlantis ha 'dejado caer la pelota'. Pienso que una explicación posible es el golpe emocional que la enfermedad y fallecimiento en Enero de 2012 de su anterior cantante, Nicole Bogner, pudo haberles causado. Si ello es así, esperemos la recuperación de la inspiración para el próximo trabajo.

4/10

Un, dos, tres...

Sólo unas pocas palabras para decir que en mi usual repaso a lo oído a esta altura del año... Omnium Gatherum, In Vain, Persefone, Serenity, Stratovarious, Gloryhammer y Majesty, están dentro de lo mejor... sugiero ir revisando estos trabajos.

Alfonso

Gloryhammer - "Tales From the Kingdom of Fife" (Dragon Power)

Las buenas noticias viajan rápido. Así que cuando Gloryhammer saltó a la escena del Metal este año, la buena noticia se extendió rápidamente, convirtiéndose casi en lo que llaman ahora, un 'efecto viral'. Para mí es un debut sorpresa y el más agradable en lo que va del año, ya que no sabía que Christopher Bowes, el genio detrás de los Pirata Metaleros de Alestorm, estaba preparando un proyecto paralelo.
 

De las cosas que se pueden decir con seguridad acerca de "Tales From the Kingdom of Fife" es que el mismo es como un sueño hecho realidad para cualquiera que le guste el Dragon Power. Su historia de fantasía heroica implica dragones, unicornios, guerreros, armas, armaduras, un protagonista valiente, un malvado brujo y casi todos -o todos- los clichés que son necesarios para que la máxima expresión de la potencia lírica melódica metalera mezclada con un 'MMORPG' de fantasía, doble bombo y guitarras melódicas se pongan en movimiento.

A diferencia de bandas como Majesty o Manowar, creo que Gloryhammer intencionalmente sobreexpone estos clichés con bastante humor. Christopher, fundador y tecladista del proyecto Alestorm, como dije, se muestra una vez más como un genio constructional del Metal, creando himnos instantáneos del Power como The Unicorn Invasion of Dundee, Angus McFife, Magic Dragon, Amulet of Justice, Quest for the Hammer of Glory y la épica canción, de casi once minutos The Epic Rage of Furios Thunder. Todos estos temas, creo que podrán convenir conmigo, son suficientes para dejar claro que Gloryhammer no se lo toma demasiado en serio... lo que a la vez, dentro de un género tan cliché y a veces infantil, es una bocanada de aire fresco.

...pero, al la vez y para que quede todo el mundo perfectamente consciente de dónde está el límite del humor, al Power ligero y agradable de esta producción y su sustancia, en ningún momento le pasa que se burle del arte o de la música. Al contrario, este disco está hecho, además de con una gran producción, con una de las mejores voces del Power/Rock, el poseedor de un rango de cuatro octavas, Thomas Winkler (Emerald, Barque Of Dante). Este fantástico cantante, quien es de lejos el elemento que más y mejor se muestra en el "TFTKOL", sólo puede ser criticado por usar armadura verde o recortarse el pelo como un monje (ver video adjunto), porque más allá no podría encontrarse mejor voz para este trabajo, que ya teníamos ganas de escuchar.

Gloryhammer nos trajo una lección de Power, moderno, sin compromisos en sus voces y mucho de elementos instrumentales grandes, manejo composicional de primer orden, sin casi momentos vacíos o elementos innecesarios. Siento que, a riesgo de ser blanco de alguna crítica, este álbum puede ser tan bueno como cualquiera de Hammerfall, Magic Kingdom, Dreamtale, Derdian y Dragonland.

Sencillo en el fondo, pero a la vez grandioso y alegre, aunque puede que no sea necesariamente perfecto, es sin duda uno de los pocos álbumes en los que yo no le pondría una sola canción menos de un 8. Los mejores temas son imparables y el resto son agradables escuchar. Si no llega a las cimas gloriosas de las mejores pistas de Rhapsody Of Fire (o sin Fire), no por eso no aspira a ellas en su majestuoso galopar.

En resumen, poderoso cantante, guitarrista que puede triturar con riff robustos, un tecladista de notas muy bien ubicadas, un baterista que parece más bien un metrónomo y en conjunto, el conocimiento de todas las galas y adornos del género; cada aspecto es de primera clase.

8/10

Finntroll - "Blodsvept" (Folk/Black)

Los fans de Finntroll están benditos, porque a este grupo le es muy difícil cometer un error. Y eso que a veces, como en este caso, es complejo tener expectativas específicas de ellos tras tres años de espera y la importante cantidad de cambios en su alineación, sin embargo internamente siempre se sabe que no van a defraudar, siempre divierten... bueno, quizás si nos remontamos a algún álbum en el que que se las arreglaron para no hacerlo tan bien, aunque no pueda decir exactamente en cual (¿quizás "Nattfödd"?), claramente en "Blodsvept" no es.

Es obvio para todos que Finntroll no es sólo otra banda de Folk. Ello nos lo recuerdan en "Blodsvept", poniendo el acento en lo finlandeses que son con su gran demostración de musicalidad, gracias a la presencia de una gran parte de su sonido viejo, Black y crudo, sin perder su calidad (atención: lugar para aprender, aspirantes a la vieja escuela). En el disco su típica locura sirve para que Finntroll mate los cuarenta y tres minutos de duración de muchas maneras.

"Blodsvept" tiene un sonido general relativamente crudo, grueso y pesado, pero sin comprometer su calidad, con potentes guitarras, dándole un papel importante del teclado, que a veces se permite florituras algo inusuales para el estilo. Al mismo tiempo enérgico, pero con toque de rabia, es como optimista y pesimista a la vez. El comienzo es relativamente simple, pero altamente energético con el la canción título del disco, Blodsvept, que abre las puertas correctamente a la alocada y hasta un poco estresante Ett Folk Förbannat, similar a la siguiente canción, När Jättar Marschera. Luego Mordminnen y Kung Rösets se ejecutan sobre un tono vicioso pero optimista, para llegar de pronto con Skövlarens DoD a una oscuridad inesperada. En general teclados Blackended y épicos, con una voz que a veces es un susurro al principio de la canción y luego se convierte en la típica marca de fábrica de Vreth, casi siempre con riffs de ritmo aplastante, para crear el equivalente musical de una fogata de invierno gigante; aún en los cambios de tempo de algunas canciones, el toque Black sigue siendo importante.

Una de las canciones más interesantes es Skogsdotter en la que hay en el inicio una especie de duelo de teclados y batería e instrumentos tradicionales, para luego entrar en un medio épico y con energía, transformando la canción a otro paisaje. En general el disco es lo que se espera de Finntroll, sin grandes sorpresas, pero tampoco sin decaer... son lo que son desde 1997 y lo siguen siendo. Sólo las dos últimas canciones, Fanskapsfylld y Midvinterdraken, no me terminaron de convencer, quizás podrían haberse desarrollado más.

La verdad es que no tengo ni idea de cómo los críticos y otros fanáticos percibirán a lo largo del tiempo a "Blodsvept", pero de acuerdo a mi opinión, está construido enteramente con su estilo tradicional, del cual siempre se puede confiar, que como dije, de Finntroll es generalmente difícil decepcionarse, incluso si se escucha el disco con el objetivo de buscar defectos. A pesar de ello, creo que algunas canciones podría haber sido elaboradas un poco más y como siempre, es imposible para mi saber de que tratan las letras, pues están en sueco, como siempre.

Para los amantes de grupos como Trollfest, Ensiferum, Korpiklaani y Turisas, este disco cumple con su cometido y muestra el lado más puro del Black/Folk, sin decepcionar y divirtiendo, hasta incluso con algunos experimentos sónicos del teclado a manos de Henri "Trollhorn" Sorvali.

Cuando se trata del Folk casi bailable y fuerte del norte de Europa, Finntroll es una de las bandas a superar, por lo menos este mes. Quizás y entrando en un análisis un poco más profundo, lo que hacen los discos de Finntroll y este también, entretenidos, son sus arreglos musicales y la instrumentalidad más parecida a la de los días del Black viejo. Creo, para finalizar, que este álbum es un poco más melódico que otros lanzamientos de la banda, manteniendo firmemente su raíz.

8/10 Pasa la prueba y encuentra Finntroll en tan buen forma como siempre.

Persefone - "Spiritual Migration" (Melodic Death / Progressive)

Andorra es un país pequeño, pero eso no impide que esté muy por delante de muchos en calidad de vida y aunque es cierto que debe mejorar su fútbol, como dijo el filósofo: '...por su Metal los conoceréis...' y si se piensa en eso, -lo cual es un hecho-, siendo la calidad cultural y del Metal en específico, un reflejo del desarrollo de un país, a juzgar por Persefone, Andorra podría dejar en ridículo a más de uno.
 

Las influencias de Persefone siempre han sonado muy a lo Soilwork, Eternal Tears of Sorrow, Dark Tranquility, In Flames y Demon Hunter, de hecho, para mí, al igual que como ha ocurrido en algunos otros discos recientes de grupos consagrados (Manowar, Sonata Arctica), creo que este es el disco que Soilwork quiso hacer en "The Living Infinite", pero no alcanzó a realizar. Esta banda parece haber alcanzado su plena madurez presentando un trabajo superior, a pesar de que la longitud del mismo es imponente, pues con apenas relleno en alguna canción, su calidad es notable, a veces excelsa. No dejen de disfrutar la velocidad, técnica, gran teclado y el equilibrio entre las partes extremas y las melodías atmosféricas, las cuales siento que me dan razón suficiente para catalogarlo así.

Este, el cuarto disco del grupo, "Spiritual Migration", es rápido, técnico y constantemente cambiante, con canciones como Inner Fullness, Upward Explosion, Spiritual Migration y Returning To The Source que creo terminarán de confirmar a cualquiera mis buenas impresiones. Estoy gratamente impresionado de la manera en que Persefone ha utilizado los elementos Prog, sin exagerar y caer en 'la llamativa maestría musical', típica del estilo. En su lugar, mantiene un dinamismo interior en cada una de las canciones, por lo que en cualquier momento está sucediendo algo nuevo, manteniendo el interés vivo, así, incluso las canciones de ocho o más minutos, pasan casi imperceptiblemente.

Mención especial quiero hacer a la atmósfera creada por los teclados de Miguel Espinosa Ortiz, quien logra que "Spiritual Migration" sea un poco más especial. Igualmente las guitarras en el álbum, obra de Jordi Gorgues Mateu y Carlos Lozano Quintanilla son coherentes y fuertes, a veces hasta el nivel del aplastamiento. En conjunto se perciben como un grupo cohesionado y por momentos conformado por virtuosos, especialmente en las piezas instrumentales que, aunque exageraron un poco con ellas, no se puede discutir el impacto y la habilidad con que están hechos en general los setenta y un minutos del álbum, de los cuales, veintitrés son temas instrumentales puros.

Bromas aparte, "SM" es excelente, no sólo porque no es usual que venga de un país como Andorra (aunque es indudable que por los nombres de los integrantes, son de origen español) sino porque es uno de los mejores discos de Melodeath/Prog de este año, a pesar de algunas técnicas repetitivas y no la mejor de las voces del género, pero nada para desmeritar un trabajo que, como un todo, debe estar en la lista de cualquiera que abrace el Metal como su música preferida.

Este disco, que comparado con sus trabajos anteriores, "Truth" (2004), "Core" (2006) y "Shin-Ken" (2010), habrá quien lo catalogue como un lado más suave de Persefone, es el mejor de sus álbumes hasta la fecha, esperando que se convierta en la orientación hacia el descubrimiento de su identidad definitiva... quizás por eso en la portada no aparezca la usual mariposa de las anteriores.
 

9/10. Gran aporte al Metal, definitivamente. Décimo contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica
 

Caladan Brood - "Echoes Of Battle" (Atmospheric Melodic Epic Black)

Este disco se me aparece por todos lados cada vez que pongo a sonar mi aparato musical... que para quien me ha preguntado en qué escucho Metal, es un celular Samsung S3 con el programa PlayerPro Full Edition y el DSP Plugin en unos audífonos Numark PHX, cuando no estoy frente a la PC, que cuando la estoy usando, apelo al viejo Winamp Pro, con los mismos audífonos. Y por supuesto que no puedo dejar de decirme que la influencia de Summoning, Bathory o Moonsorrow, es indudable, pero, a la vez, aquí hay algo más... yo al menos, me siento agradecido de que estos dos músicos que conforman Caladan Brood haya presentado su disco debut, "Echoes Of Battle" y me permitan disfrutar de un trabajo épico, melodioso y espectacular... con sus errores, si, pero muy disfrutable.

Me sorprende haber leído varias -bastantes- opiniones de este disco que lo catalogan hasta de malo y aburrido. Pero como no creé este blog para seguirle la corriente a nadie, voy a contradecir a los sesudos opinadores profesionales y voy a confesarles que este álbum me cautivó con uno de los mejores trabajos de teclados que he escuchado, en conjunto con su 'rasping scream'. Épico, fantástico, con fuertes influencias Medieval o Folk, en canciones larguísimas que llevan el disco a superar los setenta minutos, me impresionó. Si son una copia de algunos de los grupos nombrados como influencias, pues no tengo menos que decir que los imitaron con una delicadeza que raya en la adulación.

Pero... ¿y hasta que punto son una copia? ¿Acaso crear música melódica, gloriosa, con coros imponentes, elementos sinfónicos y fondo Black es algo que se compra en la farmacia? Yo creo que el trabajo de los miembros de Caladan Brood, Shield Anvil (Teclados, Voces, Guitarra, Bajo y Programación) y Mortal Sword (Voces, Teclado y Guitarra) -si, así se hacen llamar- tiene importantes elementos que contribuyen a hacer de "Echoes Of Battle" un gran trabajo.

Por encima de todo está su musicalidad y melodía, en siguiente lugar, las voces que recorren todo el disco, en tercer lugar, el songwritting, con ataques inclementes, cambios de ritmo, altisonancias épicas y grandes espacios Viking, por último sus contribuciones y elementos atmosféricos. Debe ser que no aprendí nada en treinta años de Rock y veinte de Metal, pero aún así me atrevo a diferir de quien dice que esto es aburrido; si la medida tradicional que uso (levantarme de la silla) sigue funcionando, esto es de primer orden.

¿Qué puede que alguna canción sea demasiado larga?, ¿Qué por momentos haya un uso letárgico de el ritmo?, ¿Que por una pizca de teclados se hayan excedido en el elemento melódico?... sip. Pero eso para mi no desmerita que estemos ante una de las obras maestras de esos personajes oscuros que en su garaje renuevan la fe del Mundo en el Metal, en que este estilo está buscando sobre quien caer para estallar en arte; sin necesidad de superproducciones, vídeos impactantes o artistas invitados: dos músicos, de Salt Lake City (podrán imaginarse lo favorable del ambiente) que demoran cinco años desde que se forman para escribir, producir, arreglar, grabar y editar un disco de Black Melódico Atmosférico de gran calibre, ¿el cual va a ser destruido porque tiene influencias visibles?... no. El Metal típicamente se nutre de sí mismo y se re-crea. Este disco es una prueba de ello. Sin contar que los miembros del grupo son bien talentosos... o póngase usted a hacer lo mismo, a ver como le sale.

Usando literatura fantástica como base, consiguen crear algo de la música más fantástica e introspectiva que he escuchado en buen tiempo. El ambiente creado con los teclados es impresionante por momentos y narra historias de espadas y batallas encima de una tundra congelada, con ejércitos mojados en sangre y marchando al infierno seguro. Las imágenes creadas por la música es a veces insuperable y refleja la lectura de novelas y cuentos de lucha, sufrimiento y victoria.

Para más precisión, Caladan Brood recrea con "Echoes Of Battle", en algo más de setenta minutos, una parte de las novelas de Steven Erikson, 'Malaz: El Libro de los Caídos' ('Malazan Book of the Fallen') una serie de fantasía de diez libros que se distingue por su complejidad y su extensión además de por presentar las vicisitudes a las que se enfrentan un amplísimo elenco de personajes, mientras que el argumento detalla una enrevesada serie de acontecimientos en el mundo fantástico donde se encuentra el Imperio de Malaz. Este es el sello de una pieza verdaderamente grande de la música que Caladan Brood muestra en un grado muy alto y preciso.

10/10. Hasta con sus errores es un disco perfecto... como aquellos que pasan a la historia. Noveno contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Avantasia - "The Mystery Of Time" (Power)

Tobias Sammet merece el crédito y la confianza, sea por Edguy o por Avantasia o por haber tomado el mando de ser el casi único y definitivo responsable de la renovación que el Power ha experimentado en los últimos años, entrando en un nuevo terreno, con un sonido que hace tiempo necesitaba un remezón. Y por ese sólo esfuerzo, creo que de Sammet se podrá decir siempre: ha tenido éxito.
 

"The Mystery Of Time" es el sexto álbum del proyecto 'imposible' y paralelo a Edguy, llamado Avantasia, que comenzó en 2001 con uno de los cinco mejores discos del Power de todos los tiempo, "The Metal Opera", el disco que no podía salir de los estudios por el enorme trabajo y colaboraciones que requería una presentación en vivo y que lo hizo. Este nuevo disco se mantiene siempre sorprendente, con cambios bruscos de dirección por momentos, pero siempre llevando a cabo bastante bien el trabajo. La banda que acompaña a Tobias en este disco está formada por Sascha Paeth en las guitarras y productor (After Forever, Angra, Thalion, Luca Turilli), Miro en los teclados (ak.a. Michael Rodenberg, Angra, Shaaman, Luca Turilli, Rhapsody of Fire, Kamelot, Heavens Gate) y Russell Gibrook en la batería (Uriah Heep), el bajo fue interpretado por Sammet. Algunos invitados a participar, como es usual, también fueron Kullick Bruce (Kiss, Lordi, Meat Loaf), Oliver Hartmann (At Vance, Freedom Call) y Arjen Lucassen (Ayreon).

El reparto de voces merece mención especial, ya que si ha habido algo diferenciador y clave en la historia de Avantasia fue siempre contar con excelentes vocalistas en sus filas. Algunos de los propietarios de estas voces han construido una relación duradera con Sammet y se convirtieron en miembros casi fijos estacionarios del proyecto, como es el caso de Michael Kiske (Helloween, Gamma Ray) y Bob Catley (Magnum, Ayreon), quienes participan una vez más. Sin embargo, existe una evidente disminución en el elenco de cantantes en este nuevo capítulo de Avantasia. Vocalistas como el excelente Russell Allen, Roy Khan, Rob Rock y Jorn Lande, además de iconos como Alice Cooper, presentes en otros álbumes, no están aquí. En su lugar viene una lista de músicos ya un poco más 'pasados de horno' en el ambiente, como Joe Lynn Turner (Deep Purple, Rainbow), Eric Martin (Mr. Big), Biff Byford (Saxon... aunque vienen a Venezuela por estos días y trataré de verlos) y otros.

Musicalmente, "The Mistery Of Time" varía su repertorio con cambios que van desde el Power, a veces incluso un poco duro, hasta el AOR y el Pop. En términos generales, las composiciones ruedan sobre la identidad construida en los álbumes anteriores. Destacan Black Orchid (con Biff Byford), que muestra que el Power puede fundir elementos de AOR (Adult Oriented Rock, para el que quiera saber), Where Clock Hands Freeze (con Michael Kiske), metal melódico estándar con el sello Avantasia, y Savior In The Clockwork, que en sus más de 10 minutos trae todo lo que cabe esperar de este concepto y cuenta con las voces de Sammet, Turner, Byford y Kiske. La balada What's Left Of Me, con Eric Martin, también merece una mención.

Desafortunadamente, algunos momentos son inferiores a lo hecho antes. La canción de abrir, Spectres, se basa en una melodía predecible. El tema Sleepwalking es demasiado balada Pop hasta para este grupo y difiere totalmente del resto de la lista de canciones y creo que podría hubicarse más en bandas como Bon Jovi. Invoke The Machine y The Great Mystery creo que sólo reciclan lo Avantasia ha hecho antes, con resultados un poco inferiores.

Es cierto que este es un disco más directo y coherente que sus últimos dos discos "The Wicked Symphony" y "Angel Of Babylon" (ambos de 2010, presentados conjuntamente y de regular aceptación) y se presenta un sonido menos pomposo y exagerado. El álbum demuestra, a pesar de la tradición de contar siempre con invitados especiales, que la gran estrella es y siempre será Tobias Sammet. Con una capacidad de escribir grandes canciones, con estribillos y coros grandes, muy grandes; Sammet, incluso con un equipo de cantantes relativamente inferiores a los álbumes anteriores, logró hacer un buen trabajo de nuevo.

"The Mystery Of Time" no es el mejor de los mejores momentos de Avantasia, pero garantiza diversión y un buen momento para los amantes de Power. Está más que aceptable.

8/10
 

Serenity - "War Of Ages" (Symphonic Power)

Pido disculpas de entrada porque voy a tocar la fibra íntima de muchos de los metaleros de por ahí, especialmente los más melódicos. Este es el disco que Sonata Arctica quiso hacer y no pudo con "Stones Grow Her Names"... todavía estoy esperando que Tony Kakko salga de una esquina y diga '...lo confieso, yo canté ese disco, secuestre a Georg'. Lo que tiene múltiples lecturas: Es malo porque SA ha debido (y no hizo) un trabajo a su altura, es malo porque habrá quien acuse a Serenity de falta de identidad y creo que también es malo porque no se van a poder sacar de encima la comparación durante un tiempo... pero ¡¡que bueno es este disco!!... y no es que estemos hablando del debut de Serenity, es su cuarto (o quinto, no estoy cien por ciento seguro) álbum.

Habiendo salido de lo obvio, podemos hablar de Serenity y su disco "War Of Ages": el mismo si puede que sea una forma de halago a lo realizado por Sonata durante diez o más años, pero, a la vez... hay mucho más que la enorme similitud en la voz líder de Georg Neuhauser con Tony, elementos que lo distinguen y significan un importante avance con respecto a sus anteriores discos. La musicalidad es de primer orden y eso, o se plagia, o se realiza tras un un gran trabajo; con Serenity, es lo segundo. Su grandiosa melodía, ritmo y arreglos son sorprendentes. El trabajo de guitarra de Thomas Buchberger me dejó muy a gusto, con todas sus características propias. La voz femenina brinda un apoyo importante a la hechura general y hace unos coros dulces y cadenciosos, luego hay un buen gusto en el songwritting que creo que es lo que más distingue la entrega y finalmente, con excepción de alguna balada, el disco es integralmente bueno, incluso excelente en algunos momentos.

Hace dos años califiqué "Death And Legacy" (2011) con una nota aceptable, algo en ese trabajo no me convencía... como que su portada, era demasiado, no se... rosado, ahora no puedo menos que imaginarme un futuro magnífico para Serenity si siguen estos pasos y cuajan esta forma de hacer música. Muy ciertamente siento que en "WoA" el dúo de Neuhauser y Delauney Clementine (ex-Whyzdom) se complementan de forma especial y sus elementos sinfónicos y el tema guerrero es épico en muchas ocasiones. También hay un montón de sentimiento Power y de influencia Progressive y -como no- algunos toques Modern.

Líricamente "War of Ages" tiene mucho de disco conceptual, ya que se adentra profundamente en batallas históricas y guerras. Trata con gente como Napoleón, Alejandro Magno y Enrique VIII, las letras son interesantes e inteligentes, y no llenas de los clichés típicos del Power. En este disco la banda decidió trabajar con Oliver Philipps, dueño de Space Labs Studios, en los arreglos y orquestación, lo cual se hace notar en su excelente producción y fabuloso sonido.

El centro del disco, como en general todos los álbumes de Serenity, se encuentra el fuerte de la banda, la multitud de capas armónicas y musicales. La estructura de sus canciones son como las muñecas rusas... se comienza con un toque de grandiosidad y luego se pasa por el solo, para llegar a la amplitud musical al final. Ejemplos de esto son canciones como la compleja Tanneberg y Legacy of Tudor, con una apertura 'a cappella' que irrumpe en el ataque Power típico de la banda. Mis canciones favoritas incluyen la impresionante The Art Of War, la hermosa Shining Oasis y The Matricide, la mejor del disco y otra canción escogida como contendora a Mejor Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica, quizás la que menos me atrajo, la balada For Freedom's Sake.

Por último no quiero dejar de hacer mención de la portada del disco. Les sugiero que busquen la foto integra de la que se extrajo, es un impresionante trabajo estético. También seleccionada como contendora a Portada del Año de este blog.

"WoE" significa varios pasos adelante en la trayectoria de Serenity y la presencia de Clementine como nuevo miembro permanente femenino de la banda, después de haberse apoyado en contribuciones de la talla de Amanda Somerville (Trillium, Kiske-Somerville, Avantasia) y Ailyn (Sirenia), entre otras, parece dar a entender una nivel de madurez completo. Este álbum es la prueba de ello.

9/10. Octavo contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

In Vain - "Ænigma" (Blackened Melodic Progressive Death)

En la primera, segunda, tercera y vigésima escucha de este disco se puede decir que fácilmente estamos ante la mejor versión que los poderosos, melódicos, rápidos y por lo general Blackened, Death y Prog, In Vain, hayan realizado, en toda su carrera; definitivamente mucho mejor que "The Latter Rain" (2007) y "Mantra" (2010).

"Ænigma" presenta una brillante mezcla de estilos metálicos diversos, a veces Death, otras muy Prog, a veces con riffs Stoner y a veces brutal. Todo esto se combina con una buena batería, con excelentes blastsbeats y melodías muy bien desarrolladas. Es creativo e innovador, con un brillante sentido de la mezcla y uso de las guitarras y bajo.

In Vain ha se ha elevado con "Ænigma" para pasar a ser uno de los mejores grupos en el estilo que desarrollan, aunque para apreciar realmente este disco se debe ser un fan de la música melódica. En el pasado, había mucho de relleno en sus discos, que no eran especiales porque las melodías no respondían de inmediato, no terminaban de convencer. Hoy eso es parte del pasado ya que la composición es increíble. En pocas palabras, es uno de los mejores álbumes de Metal melódico extremo del año, en el que la que la banda mezcla un montón de elementos progresivos en su música, con un sonido muy único.

En lo que a las voces respecta, el disco maneja una gran variedad de ellas, de buen gusto todas, las cuales pasan por el growl profundo, el squeal poderoso, la voz limpia muy bien lograda y el fondo de soprano al estilo Borknagar.

Las guitarras ofrecen elementos acústicos, distorsión potente, solos progresivos y un espíritu que en algunos casos recuerda a Opeth o a Amorfis. Me pareció que la banda quería demostrar lo mucho que ha progresado en términos de improvisación, que es capaz de mezclar voces duras y mensaje interesante, con un estilo sinfónico muy finlandés. Si tuviera que describirlo con una imagen  diría que es un lienzo que pinta un día gris, con viento fuerte, faro sobre un acantilado y romper de olas con fuerza.

Canciones como Hymne til Havet y Times of Yore son abrumadoras e impresionistas, la primera ya seleccionada como contendora a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica; "Ænigma" demuestra en temas como ese y otros como Culmination of The Enigma y Floating on The Murmuring Tide, que tiene toda la calidad, energía, ritmo y melodía que se puede desear en un concepto Black Melódico Progresivo y lo entrega en un paquete totalmente impresionante de principio a fin; cada pista es grande y trae algo fresco a la experiencia.

Hasta cierto punto siempre me ha resultado un poco sorprendente recordar que In Vain es noruego, pues de suyo, de aquellas tierras se acostumbra recibir cosas mucho más duras, sin embargo no dejan de hacer valer sus raíces étnicas, sobre todo en el uso del growl de su voz líder, Frigstad, que junto con Nedland en los coros y teclados, Reinhardts en la batería, Wikstøl en el bajo y el excelente trabajo de Haaland en las guitarras; demuestran uno de los mayores progresos vistos por mí en un grupo, en bastante tiempo.

Siendo este apenas el primer trimestre de de 2013 me pregunto si este será el Disco del Año, pero de lo que no dudo es que esto es lo mejor de In Vain y debe encontrarse en la lista de quien se precie de oír buen Metal.

10/10 Un espectáculo. Séptimo seleccionado como contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica. 

Amaranthe - "The Nexus" (Techno / Death / Nu / Pop)

Una de las bandas más extrañas en el mundo del Metal o del Pop, o de ambos sitios (o quizás de ninguno) es Amaranthe. Ya este blog tuvo la oportunidad de calibrar su debut hace casi dos años y en aquel momento me pareció razonablemente divertido, catalogándolos de 'mezcla improbable'. Ahora vuelven y me hacen preguntarme antes de entrar a escuchar el disco si serán capaces de volverse a convertir en algo así como un placer culpable... no tanto, casi nada... ¿que es esto?
 

"The Nexus" es uno de los discos más sobreproducidos que he escuchado en mucho tiempo; pareciera que el único objeto es vender unas cuantas copias con un exceso empalagoso y estupidamente escrito. Quien me ha leído con anterioridad sabe que me gustan los experimentos, no rehuyo los intentos novedosos y definitivamente no necesito un nombre consagrado para entregar una buena calificación... pero esto es absurdo. Consideraciones aparte de que este sea un disco que no tiene casi nada que ver con el Metal, creo que queda muy por debajo de su debut, el cual, a pesar de haber tenido comentarios divididos, les logró un espacio en el recuerdo de bastantes oidores.

"The Nexus" mezcla otra vez Techno, Death, Nu y Pop al mismo tiempo, lo que sería aceptable como estilo propio, pero ahora, en vez de usar el buen gusto y la osadía que los caracterizó en "Amaranthe" (2011), se olvidaron de todo y no sólo no pudieron superarse, sino que se lanzaron al precipio del absurdo. Entiendo que presentan un disco que, si se midiera sólo con la vara pop, podría alcanzar algún puesto en el Billboard, por unas dos o tres semanas, especialmente con la canción Razorblade, para luego ser olvidados por la 'maquinaria' que domina ese sector del mundo musical.

Lo que creo que al final me molesta un poco es que pretendan hacer comulgar a sus seguidores con esta 'rueda de molino'. Este disco no es Metal... lo que podría no importar, si fuera Pop bueno, sencillamente es un chicle ultradulce, enorme, que una vez comenzado a masticar no se puede separar de los dientes y te obliga a tragarte un sabor que, por exagerado, se hace desagradable.

Estoy escribiendo y a la vez oyendo el disco y me encuentro, casi sin darme cuenta, desternillado de la risa, porque todas o casi todas sus canciones, como Invincible, Hunger, Electrohearth, Stardust y The Nexus, son extremadamente pegadizas... pero de las que rompen el termómetro... de esas que se te pueden clavar una tarde entera en la cabeza, sin sentido... sin letra... sin dejarte nada, pero volviendote loco... XD... que desastre.

Los coros, que en su disco anterior habían ayudado mucho a elevar el nivel son, en esta oportunidad, terribles... sus seis miembros (tres de ellos cantantes, con un tipo de voz diferente cada uno) no se cohesionan, luego, el trabajo de guitarra y teclados de Olof Morck es sobreactuado (coño -con perdón-, si me parece anticlimax que también forme parte de Nightrage) y finalmente, aunque algunas canciones pueden tener algunas partes aceptable, todas se mezclan con elementos estupidamente 'chuky-chuky'... no se ni como definirlo. La voz femenina Elize Ryd (soporte de Kamelot), individualmente considerada, sigue siendo lo mejor del trabajo. Lo demás no me satisfizo.

Dada la calificación que estimo les corresponde, voy a repetir algo que he comentado en entradas anteriores. Respeto el trabajo de los músicos, es difícil sacar un disco, no me creo nada especial y definitivamente mi perspectiva se basa sólo en si me gusta o no, sin consideraciones técnicas mayores. Pero este disco no es bueno, no porque no sea Metal (que, como dije, no lo es) sino porque es exagerado, desordenado y empalagoso hasta el ridículo, incluso si sólo se le cataloga como Pop... lo siento por Amaranthe, esperaba algo mejor.

3/10

Eternal Tears of Sorrow - "Saivon Lapsi" (Symphonic / Melodic Death)

La reputación de Eternal Tears of Sorrow en la música extrema y melancólica, nicho típicamente nórdico, donde se encuentre, no data de ayer en realidad; su disco, "A Virging a Whore" (2001), es desde hace tiempo un verdadero referente en el género. Ahora, con este nuevo álbum titulado "Saivon Lapsi", los finlandeses continúan en el camino del buen gusto, pero debe decirse que su receta ha cambiado en esta última década.

A riesgo de ser contradicho por algunos, que fundamentalmente van acusar al grupo de haber perdido su rumbo en parajes dulces, el nuevo estilo más asequible del Sinfónico/Death Melódico de EToS hace que se vean como una versión oscurecida de sus compatriotas Nightwish. Una impresión que se percibe con cierta insistencia y en repetidas ocasiones, como en la introducción de la canción The Day o en el hermoso y épico tema Angelheart, Ravenheart (Act III: Saivon Lapsi), la que contiene orquestaciones de cine fantástico, al estilo de Hans Zimmer, así como su canto en finlandés y su 'gran finale'.

Aún así creo que, cuidando mantener viva y siempre presente la sensación Death, presentan canciones interesantes -a veces más que eso- como el tema Blood Stained Sea... sólo el nombre ya dice por donde vienen los disparos. Pero lo que no se puede negar es que la música de este disco es más fácil que la que se podría encontrar en un Death escandinavo puro y seguramente le parecerán al público general menos intenso y más accesibles la mayoría de los mid-tempo, una batería que no abusa de blastsbeats, la voz clara que ahora forma parte de las composiciones -con toque muy gótico- de Jarmo Kylmänen, la cual es, sin duda, un buen contrapunto a los growls de Altti Veteläinen, al igual que la abundancia atmosférica y melódica de los teclados... estos últimos quizás lo que menos me gustó del trabajo.

Con referencias menos extremas habrá quien asocie este disco a otros actos finlandeses, incluso en algún momento me hicieron sentir que oía algo así ('algo así'...antes de que salga alguno a matarme) como un Sonata Arctica sinfónico, del período "The Days of Grays". Siento que el disco puede no alcanzar plenamente su objetivo, es quizás algo cursi; por ejemplo, la balada Sound of Silence efectivamente me lució como una copia mediocre de alguno de los grupos mencionados, con violonchelos y voces femeninas (trabajo de Renvåg Miriam, la cantante de la banda noruega Ram-Zet) que incomodarán a los fanáticos tradicionales.

Yo he escuchado varias veces este disco... hasta en el fondo con cierto placer culpable, y no creo que pueda ser calificado como malo, ni mucho menos, sobre todo si es el primer contacto con el grupo, pero lo cierto es que para los que hemos escuchado trabajos anteriores de Eternal Tears of Sorrow, "Saivon Lapsi" es un disco un poco flojo... dentro de lo que han dejado oír previamente, repito.

Creo justo decir que Eternal Tears of Sorrow hace más o menos hacen lo que se espera que suceda en el actual mundo del Progresivo y el Death Melódico. La música está dominada por riffs de guitarras agresivos y buenos, junto con algunas bellas melodías. Vocalmente es estándar y no son muchas las cosas nuevas que muestran aquí; suena casi como lo hicieron habitualmente. Técnicamente esta bien tocado y la producción, sin ser espléndida, está bastante bien. El songwritting es quizás lo mejor y puede que colocado en manos y voces un poco más duras (o más a su vieja usanza) hubiera estado algo mejor.

Diría que este disco realmente tiene sus mejores momentos partir de la mitad, desde The Day en adelante, siendo Beneath The Frozen Leaves, Swan Saivo y Blood Stained Sea, las mejores. Un ambiente triste, tempos rápidos, interludios melódicos, una gran cantidad de pasajes sinfónicos y la voz de Altti Veteläinen, valen la pena, a pesar de no ser un disco a la altura de lo fueron antes.

8/10. Recomendable.