Kauan - "Sorni Nai" (Post Metal / Post Doom / Atmospheric)

Debo decir que -con contadas excepciones- no acostumbro a oír ni comentar bandas rusas, ukranianas, bielorusas, kazajistanas y un largo etc., por varias razones: son una infinidad casi increíble y eso hace que la gran mayoría sean malas y luego no me gusta el tono de los idiomas... sin chauvinismos eso si, por favor. Por eso sentía cierta reticencia a comentar el último disco de los naturales de Kiev, Kauan, los cuales me han llamado la atención con su disco "Sorni Nai" de una sola canción de cincuenta y dos minutos de duración. Eran como demasiadas cosas juntas las que me sugerían no hacerlo.

 

 

Pero me he dejado llevar por el impulso y como hoy tengo la tensión diastólica baja, qué mejor que repasar el trabajo de estos Atmosféricos Post-Doom NeoFolks... quienes han realizado un disco que a algunos podría costarles calificar ni siquiera como verdadero Metal. Siendo "Sorni Nai" su séptimo disco debo reconocer un gran compromiso con su perspectiva artística e igualmente el mantenimiento y la homogeneidad, aunque es cierto que sonaban más Doom puro al inicio.

La canción realmente si está dividida en siete partes, pero la banda decidió grabarlo todo junto para crear mayor impacto. El piano/teclado es, para mi, la guía del trabajo, seguida por una guitarra melancólica por momentos y algo más rasgada en otros. El growl que de cuando en cuando rompe la tranquilidad del viaje tiene bastante que ofrecer y se permite causar un buen contrapeso. La batería, como las de las buenas bandas Doom sabe mantener el hipnotismo y algunas voces limpias, de perspectiva etérea quedan bastante bien, añadiendo enteros a la atmósfera general. Un violín aquí y allá le da ribetes melancólicos a la ya fuerte atmósfera del disco.

"Sorni Nai" tiene mucho de banda sonora de película en la que el héroe muere al final, mostrando un interesante sentimiento y buen songwriting, claro que el trabajo está pensado como demostración de placer por el sentimiento triste y melancólico y difícilmente podrá atraer a los amantes de las experiencias rápidas o crudas de los otros géneros del Metal más tradicional. En lo particular lo veo como dentro de lo mejor que el Post-Metal ha traído en 2015, aunque no alcance las cotas que gente como Sólstafir o Saor han podido mostrar en los últimos años por cierto exceso en el compromiso con lo etéreo (para no decir que el disco sirve para dormir... en el buen sentido).

Kauan no ha querido desperdiciar esta oportunidad y ha incorporado al trabajo un concepto lírico muy interesante, narrando algo llamado 'el incidente Dyatlov Pass', un evento en el que nueve excursionistas rusos murieron misteriosamente el 2 de febrero de 1959 en los montes Urales, en la montaña Mansi, siendo Sorni Nai el nombre de una diosa de esas montañas.... o al menos eso he logrado entender. Quizás plantearse el disco con una historia así como trasfondo puede darle más contexto.
 

El disco es interesante, dará buenos momentos y tiene algunas melodías realmente hermosas, elementos épicos y un contexto interesante. Está por ver si la perspectiva tiene aceptación general (ojo, 'general' en el Metal de este estilo son solo unos cientos en todos el mundo) por lo somnoliento que se puede ponerse, pero es un buen trabajo.

8/10. El disco se puede oír oficialmente de forma íntegra en You Tube, abajo lo verán.

 

Silent Line - "Shattered Shores" (Melodic Death)

Existe cierta tentación cuando se ha estado manteniendo un espacio como este, a comentar discos que con más seguridad atraerán visitas, fundamentalmente grandes nombres y un par de géneros que no importa que tan malo sea el trabajo, la jauría los perseguirá (¡couhg! Thrash ¡couhg!). No me las daré de asceta, pero quiero creer que El Lado Oscuro - Metal Crítica evita nadar con la corriente, a pesar de los naturales y humanos deslices. Por eso hablar de unos perfectos desconocidos (al menos para mí), auto producidos y venidos del Canadá profundo no es la prioridad de mucha gente. Ahora bien, Silent Line, son una sorpresa que merece comentario, con la esperanza de que no por falta de apoyo vayan a desaparecer en el inmenso mundo del Metal.
 

Este cuarteto de muchachos con pinta pueblerina, jeans y zapatos deportivos presentan su (¿primer?) disco llamado "Shattered Shores" en clave de Melodic Death con toques Symphonic y algunos elementos Epic. Pero en un giro inesperado no se limitan a hacer la predecible muestra de ocho canciones, más o menos estándar, sino que deciden que su muestra sea un disco conceptual, una historia que habla de una tormenta que se acerca para lavar las cenizas del pasado y renovar la tierra. Mucho sentimiento y excelente puesta en ejecución.

Silent Line muestra varias y buenas influencias, percibiéndose elementos tomados -que no copiados- de gente como Omnium Gatherum, Scar Symmetry, Equilibrium, Insomnium e In Flames, con mucha melodía, buena instrumentación, especialmente en sus teclados y batería, aunque algo reducida la importancia de la guitarra (pero se escucha bien), un growl intenso y hermosa voz limpia, junto con unos coros de excelente amalgamamiento, posiblemente el elemento más llamativo, novedoso y mejor logrado del trabajo.

El disco tiene temas que, a pesar de algún exceso en el uso del sintetizador, muestran zonas musicales inolvidables, habiendo canciones como Summer Song, Into The Chasm, Shattered Shores, Pt. I: Timeless Night y Shattered Shores, Pt. II: A New Beginning las cuales me parecieron completas, emocionantes, de riffs muy bien desarrollados, algunos cambios de ritmo y lírica inspirada. Quizás haya algunos otros temas más usuales, pero en la sumatoria del trabajo siento que los puntos altos superan con facilidad los bajos, lo cuales -quizás- con el apoyo de un sello superarían. Silent Line se merecen bastante más que 'una oportunidad'... tienen mucha madera, realmente creo que es válida su contribución al Metal, incluyendo esos coros que a veces me hicieron rememorar cosas que hizo una banda de Pop Rock llamada October Project, cuando Mary Fahl formaba parte.

El disco es algo meloso, es verdad y puede saturar tras unas oídas, pero es de los que vale la pena tomar, dejar y volver algún tiempo después; también es cierto que no es intricado ni complejo en su estructura, pero la instrumentación está muy bien. Tiene bastante personalidad gracias a su perspectiva conceptual, matices en su melodía, toques épicos y orquestales. "Shattered Shores" es un disco sorpresivo, de los que renueva la fe en lo que la nueva generación de músicos es capaz. Ojalá reciban el apoyo que se merecen.

8/10. Se me antoja una gran banda, de calidad y con un excelente futuro.
 

Draconian - "Sovran" (Doom / Gothic)

Luego de su disco de 2011, “A Rose For The Apocalypse”, los veteranos suecos de Draconian, de genial estilo Gothic/Doom mitad demonio, mitad ángel, liderados por el virtuoso Johan Ericson, mente maestra también detrás del mejor trabajo de Metal lento de 2014, Doom:Vs, presentan un disco que nutre la excelente carrera de la banda y puede estar dentro de lo mejor que han hecho y sin duda, a tomar en cuenta para el top 10 de 2015.

 

 

Draconian saca discos distanciados entre sí en el tiempo y esa es una de las causas para que no sean totalmente famosos y deberían serlo a nivel de Candlemass o My Diying Bride. Sólo tres trabajos en casi ocho años no ayudan a fijarlos en la memoria, sin embargo, cada vez que reaparecen se hacen notar. En esta oportunidad su disco "Sovran" es una absoluta delicia, pues como han acostumbrado, la mezcla de la voz dulce (pero no empalagosa) de su cantante femenina, la sudafricana recién llegada, Heike Langhans, a quien le ha tocado la difícil tarea de suplir a la voz original de Lisa Johansson, junto con el gran growl, totalmente Death, de Anders Jacobsson, logran un efecto magistral y desde mi perspectiva es uno de los mejores dúos desde "Design Your Universe" (2009) de Epica, a ese nivel.

Es que "Sovran" de Draconian parece tener todos los elementos: Las mencionadas voces, una fijación en el ritmo Doom ominoso y oscuro, un genial -absolutamente destructor- songwritting, excelente guitarra y bajo y mucho sentimiento de matices góticos que hablan de desesperación, corazones rotos, palidez y muerte... es decir, el sueño dorado del género... habrá quien nos catalogue de trastornados (con algo de razón :)

Puede que mi única crítica se encuentre en la excesiva duración de los temas y disco en general. Para mi gusto particular este nivel de intensidad emocional debe cuidar la saturación y todos los temas superan los seis minutos, promediando los siete y alcanzando los nueve en el más largo. Es un poco demasiado y crea algo de agotamiento, al menos a mí. Se que esto es necesariamente subjetivo, pero así son las opiniones. Como cité en algún sitio: 'Sólo podemos dar una opinión imparcial sobre las cosas que no nos interesan, por eso mismo las opiniones imparciales no tienen valor'

Los mejores temas del disco no existen porque son todos buenos, pero puesto a escoger diría que Dusk Mariner,  Dishearten, Stellar Tombs y The Marriage Of Attaris sobresalen, siendo Pale Tortured Blue la mejor, nominada a Canción del Año. Aunque el Doom tenga ciertamente contados su seguidores, es un estilo complejo por lo detallista, donde su tempo no permite esconder errores ni deficiencias, igual pasa con el Gothic, donde el empalagamiento y sobre producción es un constante peligro. Draconian ha sabido nuevamente unir magistralmente estos dos géneros en "Sovran".

9/10 Dentro de lo mejor del año. Nominado natural a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

 

Grave - "Out Of Respect For The Dead" (Death)

Sucumbiendo nuevamente a las peticiones, pero ciertamente mereciéndose el comentario, hemos de hablar de Grave, unos veteranos del Death (veinticinco o más años) que se han mostrado constantes en los doce discos que han publicado, quizás con la excepción de "Hating Life" (1996) cuando sufrieron una crisis existencial por la casi disolución de la banda... de resto, Grave es Death puro, vieja escuela, crudo y duro, cero mariconadas.
 

"Out Of Respect For The Dead" suena fuerte... cuando uno ha ido a un concierto en un lugar grande, El Poliedro de Caracas, el parque Simón Bolívar en Bogotá, el Circo Volador en el D.F. o Las Ventas en Madrid... o como usted quiera ponerle nombre al sitio... bueno, suena así. Es uno de esos discos que tiene que ser un espectáculo en vivo. No es estentóreo en lo técnico, pero está bien hecho; no es criminal en la agresión, pero impacta con su emoción y no descubre nada en su temática, pero está ahí para mostrarse como un pavo real. Es un disco salido de lo mejor del conocimiento de una banda experimentada y completa. Un trabajo que no llegará a ser paradigma del género, pero quien quiera saber cómo se hace Death Metal, debe oírlo.

¿Estoy diciendo que es mediocre? No. Estoy diciendo que es 'característico'. El Death del bueno se hace así y aunque este disco no aporte elementos novedosos, si se quiere alcanzar el destino correcto en cuanto al estilo, se debe seguir este camino. Al que le plazca un poco de Metal pesado, que cuente con energía, guitarras intensas y riffs hipnóticos, que se pasee por aquí. Y si bien el disco es bastante más lento en su ritmo de lo que regularmente se esperaría, evade ser aburrido, ayudándose con los geniales solos de guitarra que se muestran en temas como The Ominous 'They', Out Of Respect For The Dead y Grotesque Glory.

Este es sin duda, uno de los discos que menos sorpresa puede ofrecer 2015. Es la materialización de la banda siendo ella misma. Su temática, sus riffs, su voz y la agresión que han mostrado en los últimos -no menos- de seis discos, están intactos... demasiado, aunque al final del día se agradezca el nivel y la fuerza, pero se eche de menos algún atrevimiento, una pizca de nuevas ideas. A los seguidores específicos de Grave este disco tiene que satisfacerlos profundamente. A mi me gustó y si alguien me preguntara cómo suena el estilo, posiblemente lo consideraría para mostrar en el álbum de familia.

Cuarenta y ocho minutos de Metal bien hecho, pero sin sorpresas, componen "Out Of Respect For The Dead", que para mi satisfacción suena integral y ajustado con tuercas de precisión, no aporta mucho al género, como no sea el placer de escuchar Death puro, pero anónimo. También es cierto que hacer algo así requiere mucha experiencia, pero la misma parece estar tomando preponderancia antes que el arrojo y motivación artística. Grave  nuevamente muestra que tiene todos los elementos que los amantes del Death desean y disfrutarán.

7.5/10. Excelente portada.

Stratovarious - "Eternal" (Power)

La banda finlandesa Stratovarious oficial y finalmente consiguió salir de la crisis creativa luego de tomar un segundo aire y retornar con el mejor disco de su carrera en 2013 con "Nemesis", ahora continúan la tendencia de mostrar composiciones interesantes, algunas con momentos brillantes, a través de la mezcla de buen songwriting y los elementos que han hecho de esta banda una de las favoritas de los seguidores del Euro Power: rapidez en el ritmo, guitarra brillante y teclados melodiosos.

"Eternal" sigue la línea conductora que su reciente resurgimiento mostró y aunque no sea un disco tan espectacular como el anterior, es divertido, con coros expresivos, melodías pegadizas, músicos que muestran su calidad, muchos efectos electrónicos, todo basado en melodías simples pero brillantes. Sabiendo mezclar emoción con momentos más lentos y cierta dosis de épica, este disco ha encontrado eco en sus seguidores, desaprovechándose quizás la oportunidad una mejor producción, puesto que el disco suena algo 'apelotonado', no demasiado orgánico.

"Eternal" es una buena demostración, aunque menor a su predecesor, quien me parece que va a resultar difícil de alcanzar, mayormente por la ausencia de dos o tres de esas canciones destructoras, de esas cuya melodía se clava en fondo de la mente y te la encuentras silbando en la fila del banco (o donde sea que silbes). También ahora hay un par de canciones que vuelven demasiado a las raíces de la banda a discos con veinte años y suenan con algo de moho, como Feeding The Fire; ese reciclaje puede limitar la experiencia.

Esta puede ser una de esas críticas controversiales porque se que hay mucha gente a la que "Eternal" le ha gustado y quisieran ver otro 10 y aunque no dudo que tiene sus momentos excelentes, para mi el talón de Aquiles está en el impacto, en la ausencia de mostrar la capacidad que el Power tiene de arrastrar a sus seguidores y obligarlos a saltar y repetir los ganchos, coros y riffs hasta el agotamiento. Aquí no sentí tanto eso. El disco es bueno y representativo de lo que Timo Kotipelto y compañía son capaces y han mostrado en estos últimos treinta años, pero nuevamente peca de cierta estandarización. El atrevimiento de "Nemesis" no está presente y eso se percibe. En todo caso, recomiendo pasearse por este nuevo trabajo y disfrutar especialmente de los temas Few Are Those -la mejor del disco- Shine In The Dark y el magnus opus de cierre The Lost Saga.

7.5/10

Enshine - "Singularity" (Melodic Death / Doom)

Enshine tenía un sólo disco, "Origin" de 2013, el cual fue excelente, un sólido 9 para mí. Muchas personas vimos un enorme potencial en el proyecto originalmente solitario de Jari Lindholm y nos sentamos a esperar el crítico segundo disco de la banda. Y lo catalogo como 'crítico' porque infortunadamente es muy común que luego del esfuerzo inicial, en el que se tienen muchas cosas que decir y se han madurado por mucho tiempo, el siguiente trabajo sea blando, dirigido a mantener la base de fanáticos creada, evitando riesgos a través de la repetición de las fórmulas.

Sin duda hay algo especial en el Melodic Death de trasfondo Doom que este dúo sueco-frances realiza, formado por el mencionado multifacético Jari y Sebastian Pierre (de growl profundo aunque poco dinámico) apoyados por tres músicos más en el resto de los instrumentos. Un sexto sentido metalero hizo presentir a la comunidad la importancia que su nuevo esfuerzo, llamado "Singularity", podía significar. Y no decepcionó, logrando conjurar los demonios de 'el segundo'.

El álbum comienza fuerte, las melodías cambian continuamente y se casan a la perfección con la voz. Algunos sonidos del disco parecen mágicos, salidos de lo más profundo de un alma tocada por experiencias duras y difíciles. En su recorrido hay percusión potente y rítmica, mientras que al mismo tiempo se perciben zonas atmosféricas que transportan a senderos lejanos. El centro del trabajo está dirigido al desarrollo de melodías melancólicas que persiguen abrumar al oidor a través de un gran songwriting, llevado en hombros por una guitarra omnipresente y de protagonismo indudable. Sin querer hacer odiosa la comparación, el sonido de esta banda podría equipararse al de Insomnium, pero con más tendencia hacia el Doom.

A lo largo del trabajo temas como Resurgence, In Our Mind, Astrarium Pt. 2, Echoes y casi cualquier otra que se decida escuchar, muestran un gran nivel, sentimiento de tristeza y melancolía, melodías misteriosas envueltas en una instrumentación relajada y precisa, la que sólo quien domina y sabe lo que está haciendo se permite. Los solos de guitarra que durante el disco se desarrollan, cualquiera de ellos, pero especialmente el de la canción In Our Mind y el instrumental Apex, son una completa delicia. Salen del sentimiento que la fusión del Doom y el Death permiten, mostrándose magistrales.

Algún exceso en lo etéreo de los sonidos puede hacer caer en el letargo, especialmente hacia la zona media del disco, pero el buen tino en la mezcla de temas hace retomar con facilidad la atención y devolver el sentimiento y atmósfera que distinguen el trabajo.

Si tuviera que hablar de una sola de las virtudes de "Singularity" sin duda me decantaría por su fuerte sentido atmosférico, esa mezcla de sonidos que sugieren un invierno gris y crudo en que el oyente se puede sumergir, para sólo sentir el sonido que habla de experiencias incorporales y viajes a lugares desconocidos. Y la melodía... riffs intensos, elegantes y crudos cunden por todas las esquinas. Enshine, repito, le gana la partida a las tentaciones facilistas y muestra que tiene que ser contada como una de las bandas en expansión más importantes de los últimos años.

Este disco resaltará no sólo en 2015 sino más allá; muestra mucho y todavía se percibe que el proyecto va a rendir más y mejores frutos... oscuros y agrios, como deben ser los que vienen del buen Metal.

8.5/10. Nominado como Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Otro año, nuevas recomendaciones de ustedes

Bueno, pues las ganas de sugerir trabajos parecen altas este año. Como ya pronto comienza Noviembre, expláyense aquí con los discos y bandas que creen que merecen un lugar en 2015.

Abran fuego

Alfonso

\m/

Avatarium - "The Girl With The Raven Mask" (Doom / Rock)

Maestros del Doomerock (palabra que se me acaba de ocurrir para definir a Avatarium) están de vuelta, luego de la insoportable espera a la que me han sometido (junto con los 13.391 seguidores que Facebook dice que tienen para el 23-10-15... donde los haya) para volver a oír la hemorragia pasional que el espectáculo en tacones llamado Jennie-Ann Smith es capaz de sugerir en el oído de los animales nocturnos que amamos a las mujeres y al Metal, en ese orden.

En un giro inesperado, pero no único, luego de haber quedado algo sólo tibiamente agradado con el  single que ha rodado como tarjeta de presentación de "The Girl With The Raven Mask", de igual nombre, me he conseguido a partir de esa canción otras ocho que bien han valido la pena desde su primer disco, "Avatarium", destruyera todas las predicciones de 2013, convirtiéndose en una de las mayores atracciones en las listas de ese año, sin duda uno de los discos de Doom con elementos Hard Rock más descomunales en mucho, mucho tiempo.

El Metal renace cuando gente como Avatarium, liderados por el poco menos que genial bajista Leif Edling, reconocido por haberle dado vida a la gran banda del Doom, Candlemass, se presta para realizar trabajos como este... Lo que luego de algún tiempo, después de haber pensado que podía ser flor de un día, ha mostrado que estaba -felizmente- equivocado. No he de morir sin percibir una muestra en vivo de calidad como la de estos suecos.

Es cierto que algunas canciones pueden sonar similares entre sí y que ese puede ser el punto más flaco del disco, sin embargo, en su conjunto el disco se aparece como un buen concepto... hay una guía, un cauce, hay intensidad, violencia contenida en una voz angelical y sensible, ritmo, riffs de calidad y extremo cuidado en la elaboración del trabajo, tanto en lo instrumental como en la producción, lo que hace de "The Girl With The Raven Mask" un digno sucesor de "Avatarium", aunque aquel haya sido más impactante, un poco más destructor, agotador por definirlo de alguna manera. Luego de casi dos años de espera temas como Pearls And Coffins, Hypnotized, Ghostlight, Run Killer Run -de enorme guitarra- y The Master Thief, se sirven solos para transmitir el sentimiento profundo y triste que el Doom persigue, junto con elementos instrumentales interesantísimos, como el Hammond y la guitarra líder que plaga el ambiente y ayuda a construir mejor la historia, en una clave diferente a la típica del género, con un sonido que se acerca a lo oído en los 70's en lo que al mencionado tipo de teclado refiere. La guitarra a su vez se muestra viva, con un sentido menos sujeto al Doom y más proclive a la luz que proyecta el Hard Rock.

Y esa voz... esa rabia y llanto contenido. Imposible dejar de dedicar unas líneas a una de las voces que tiene que ser una de las mejores sorpresas del Metal en tiempos recientes y la amalgama que une a una banda que tiene serias intenciones de dejar impronta en el mundo de la música. Sin violencia evidente, sin aridez ni crudeza, Avatarium transmite un mensaje de insaciable avidez por lo extremo, por dejar sentado su punto, incluso utilizando la psicología en reversa: a más dulce la voz, más intenso el mensaje.
 

Mortalmente obligatorio, Avatarium es la banda de Doom/Rock, con la oferta de una nueva  perspectiva. Fuerza, luces, sombras, amor y odio, aquí todo cupo y se desparrama por los bordes, logrando conjurar los demonios del segundo disco que tantas veces ha encumbrado o destruido a una banda.

8.5/10 Nominado como contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Wolfheart - "Shadow World" (Melodic Death)

A los 46 años de edad ya soy inmune a la 'presión de grupo', pero no por ello he dejado de observar como varios consecuentes visitantes me han pedido comentar el nuevo trabajo de uno de los niños mimados del Metal, el polifacético Toumas Saukkonen y dado que efectivamente lo tenía dentro de los proyectos para subir, he decidido complacer peticiones ;-) y hablar de él antes de lo previsto.
 

En su eterna búsqueda del sonido perfecto presenta el segundo trabajo de su más reciente proyecto, Wolfheart, en el que ha abandonado la idea del multi instrumentismo por el que se había decantado en su experimento Before The Dawn, para bien -desde mi perspectiva-. Así muestra "Shadow World" un disco en clave Melodic Death de fuerte sentimiento muy a la Insomnium u Omnium Gatherum en el que hay canciones interesantes, bien ejecutadas, cadenciosas y atmosféricas.

Wolfheart es, desde mi visión, el más interesante de los grupos que este finlandés ha logrado acoplar y posiblemente el que mejor muestre la capacidad que se le endosa. Es claramente el de más substrato musical de sus últimas bandas, mostrando mucho gusto por la descarga instrumental, el deslizar omnipresente de la guitarra, el ritmo marcado y la voz cruda y dura, evitando totalmente el uso de voces limpias, lo que le da una interesante y atractiva calidad a "Shadow World".

Las canciones de abrir y cerrar el disco, Aeon Of Cold y Veri, son muy posiblemente las mejores del disco y resultan ampliamente recomendables, en ambas el uso de su melodía, con dejos Doom, me parecieron de gran factura y con riffs que llegan a ser por momentos emocionantes. Ciertamente el manejo de las herramientas musicales en general es pulido aunque el sonido resultado de la producción no es el mejor, poco rango dinámico quizás.

"Shadow World" tiene a su vez un detalle que no puede dejarse de pasar por alto; si bien en cierto que el trabajo está bien realizado de principio a fin, su capacidad para impactar es limitada. Es un disco que me parece haber oído otras veces. Adolece de 'acontecimiento', de esa capacidad que tienen los grandes discos de manejar al oyente a su antojo... ¿sabes? de esa emoción que un trabajo como "One For Sorrow" del mencionado Insomnium puede lograr, que puede describirse como 'hacer de uno un guiñapo'. Es un buen disco, con elementos tomados de lo mejor de la experiencia de su líder, en el que los elementos generales están ahí, pero le falto ese toque en el songwritting que lo llevara al 'otro nivel'.

Toumas Saukkonen se sigue mostrando como un exponente inconfundible del Melodeath y sigue prometiendo que en su constante búsqueda encontrará un día el disco perfecto de uno de los mejores estilos del Metal. No creo que le falte mucho para llegar a la meta.

7.5/10

Gorod - "A Maze Of Recycled Creeds" (Technical Death)

Gorod es una de las mejores bandas de Death-con-algo, sin duda. Estos franceses, disco tras disco, se han encargado de restregarle en la cara al mundo del Metal, en especial a aquellos que se presumen sobresalientes en la ejecución instrumental, como es que se sacan las papas del fuego. El estilo que desarrollan mezcla de forma invisible el Jazz y el Death, sobre una fuerte base de Technical, el cual es francamente impresionante.

 

 

"A Maze Of Recycled Creeds", quinto disco de la banda, vuelve sobre los pasos andados y se esmera en una ejecución preciosista, muy compleja, de ritmos asincrónicos, gran bajo, difícil segunda guitarra a la vez que franca en los solos y un growl cambiante, a veces profundo y otras rápido y cortante. Todas esas características tradicionales -podría decirse- de un Technical Death estandarizado se ven realzadas por la contribución más importante que hacen estos músicos a su trabajo, como es la influencia tomada del Jazz, a través de lo que se percibe como una interesante improvisación (en el buen sentido de la palabra, por decir 'fluidez') en los riffs, cambios de texturas y melodías.

Este trabajo de Gorod, como sus anteriores, está reservado para los más conspicuos consumidores del Metal extremo, requiriendo una fuerte dosis de perspectiva y hasta sapiencia para comprender el mensaje. Al igual que en el Jazz, las notas y armonías que pululan por "A Maze Of Recicled Creeds" son lo que el título sugiere: una mezla de visiones o creencias musicales que algunos podrían pensar irreconciliables y sin embargo la banda es capaz de reunir bajo un mismo techo... disco...eso.

Comentando más allá de la calidad técnica que este disco tiene, que la tiene en abundancia, creo justo advertir que en lo estético, el songwritting de "A Maze Of Recicled Creeds" es fuerte, difícil por momentos y cuesta (y seguirá costando por cierto tiempo) entender; es el propio trabajo que está claramente elaborado con el compromiso ético de artistas comprometidos con ellos mismos, lo que en un español más llano quiere decir que hay que tomárselo con calma porque puede ser pesado de digerir. En lo particular se que voy a ser uno de esos que oirá el disco de cuando en cuando, especialmente cuando necesite renovar mi fe en los límites a los que el Metal es capaz de llegar.
 

Con la cara de buena gentazos que tienen los componentes de la banda sorprende (y no, porque ya lo han demostrado antes) el nivel que mantienen y sin que sea un disco extraordinariamente cautivador, se hace interesante, agresor, rapsódico y potente. Repito, Gorod es una de las bandas que mejor lo viene haciendo durante los últimos diez años y claramente se les puede augurar un disco del año en un futuro no muy lejano.

8/10

 

Stryper - "Fallen" (Heavy / Glam / White Metal)

La controversia misma que genera la religión puede servir de base para interesantes conversaciones, cuando el interlocutor es inteligente y de mente abierta, o -por el contrario- para agrias discusiones que pueden terminar hasta en tragedia. La verdad es que lo sobrenatural no deja indiferente a nadie... ahora bien, haber hecho 'leitmotiv' de una banda de Metal el elogio al cristianismo, cuando lo usual es exactamente lo contrario es no ya controversial, como dije, sino 'milagroso'.

Pero Stryper no comenzó con esto la semana pasada, este año se cumplen tres décadas del disco que los lanzó al éxito, el excelente "Soldiers Under Command" (1985) y un poco menos de su trabajo fundamental "To Hell With The Devil" (1986), epítome del Heavy Metal con perspectiva espiritual. A partir de esos dos discos Stryper ha recorrido una larga trayectoria de Glam/Heavy y Hard Rock, con dos hiatos de algunos pocos años. Su fidelidad como banda también es encomiable, manteniéndose juntos los miembros fundamentales, lo que les ha permitido presentar un total de once larga duración, incluyendo el que aquí comentaremos, llamado "Fallen", el cual ha sorprendido a extraños y propios, hasta el punto de poder pasar a ser el mejor trabajo de su carrera, o uno de los mejores.

Melodía, lírica inspiradora (que ya sabemos por donde va), riffs realmente bien logrados, mucho simbolismo, estribillos y coros a los que provoca unirse, el talento de una gran guitarra y la emocionante y capaz voz de Michael Sweet, todo a ritmo de un Heavy con elementos Glam -de buen gusto, vaya por Dios, nada a lo Ratt- hacen de "Fallen" una sorpresa más que agradable, diría que emocionante. Trato de recordar y aunque no me sienta seguidor específico de la banda, me parece que no había sonado tan bien, tan cohesionados y con tal nivel de songwriting en mucho tiempo, quizás nunca.

El disco ataca fuerte los sentidos, con la convicción y la inspiración de quien ha realizado un gran trabajo, evitando el reciclaje de sonidos y mostrando novedad, con un fuerte mensaje religioso si, pero no sólo eso, sino también humanista, anti sistema, contra los grandes medios de comunicación y las empresas multinacionales. Desarrollando sus doce canciones y cincuenta y dos minutos con carácter y emoción. Logrando con bastante éxito que su sonido no caiga en las zonas desabridas o indulgentes a las que el Glam tiende con tanta facilidad, por el contrario y entendiendo que esto no es Metal extremo, con mucho carácter.

Love You Like I Do, Fallen, Yahweh, Heaven y Big Screen Lies son temas muy bien logrados, con algunos momentos menores en All Over Again, King Of Kings y Let There Be Light pero nada sobre lo que se pueda colocar el dedo acusador. Incluso inicios de temas como After Forever, a la Def Leppard, se hacen atractivos y obligan a levantar la cabeza para ver si seguimos en el mismo disco. Cierran bien con The Calling.

Si Stryper quería con "Fallen" mantener la titularidad del llamado White Metal, lo han logrado. "Fallen" es un disco bien ejecutado, de momentos irresistibles, muy bien presentado instrumentalmente, que evita la típica sobreproducción que la temática sugiere (coros angelicales y épica exagerada, por ejemplo) y en el que la música hace rememorar lo mejor de sus trabajos, pero con innovación.

8/10. Gran portada
 

Deafheaven - "New Bermuda" (Blackgaze)

La capacidad para la inmersión en el sector oscuro del sonido Metal es una de las experiencias más impactantes que oír este tipo de música puede crear. Está reservada para apenas unos cuantos y selectos grupos con capacidad de envolver, destruir y volver a armar el espíritu de los seguidores y hacerlo -a la vez- con el buen gusto y la capacidad que para ello demuestra Deafheaven, lo que es motivo de agradecimiento. Ya con su primer disco "Sunbather" (2013) habían mostrado una calidad inusual, la cual vienen a ratificar con "New Bermuda".

El Blackgaze, definido como un Black Atmosférico, con cierto nivel del dulzura en sus melodías que tiene en esta banda, especialmente en su primer disco antes mencionado, fue una impactante novedad y ha devenido en el disco paradigma de un estilo de muchos seguidores, yo en lo particular siento que esta forma de transmitir el mensaje Black es interesante, de geniales matices y mucha intensidad; su ejecución está reservada -sin duda- a excelentes músicos, como lo son estos norteamericanos.

"New Bermuda" es un disco de alto nivel energético, más simple si se quiere que "Sunbather", pero sus temas mantienen su estructura que tanto ha cautivado, ese comienzo más lento que luego se incrementa hacia zonas áridas y poderosas, creadas con capas de sonidos que mezclan melodía suave, casi etérea con la fuerza de una batería rapidísima y voz atronante, capaz de envolverlo todo. Sus cambios de fuerte influencia Avant-Garde y Jazz altamente impactantes son un lujo en el mundo del Metal más frontal y merecen ser disfrutados con tiempo.

El trabajo es más corto que su anterior y diría que casi tan genial, pues evita bastante -aunque no totalmente- jugar sobre seguro con la fórmula que les dio éxito y se presta para una buena cantidad de experimentación; colocando uno al lado del otro diría que quizás "Sunbather" fue más impactante, posiblemente porque era el primero, pero "New Bermuda" mantiene sin duda un gran nivel y merecerá encontrarse también en la lista de referencias del género.

Los dos primeros temas del disco, Brought To The Water  y Luna -nominada a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica-, son sencillamente geniales, un torbellino de emociones, luego Baby Blue me sonó interesante aunque menos sorprendente pues visita al Black puro más tradicionalmente que el resto de los temas, para cerrar con otro par de grandes ejecuciones que tienen que estar presentes a la hora de cualquier concierto de la banda como ejemplos prácticos de lo bien que saben mostrar esta fusión de sonidos intensos, áridos y melódico, ellas son Come Back y Gifts For The Earth, la primera magistral en su forma de ir incrementando la emoción y la segunda con novedad sonora, oscura, distinta, mezcla de sonidos contrapuestos, suaves y crudos, guitarra dulce y voz infernal, una pasada.

El segundo disco es crítico para una banda, generalmente viene luego de haber mostrado lo que durante mucho tiempo habían ido madurando y requiere que el grupo tenga realmente calidad y razones para mostrar. Deafheaven con "New Bermuda" se ha calzado los pantalones largos y se le puede augurar algunas de las más difíciles características en el arte: permanencia con calidad y sonido propio. Excelente por ellos.

8.5/10 Nominado como contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.
 

Bloodred Hourglass - "Where The Oceans Burn" (Melodic Death)

Me encantan las sorpresas, sobretodo en unos días en los que nada ha parecido cautivarme. Los finlandeses Bloodred Hourglass, una banda con diez años en escena pero un sólo disco, de cierto éxito al parecer -pero desconocido para mí- se me ha aparecido recientemente bastante más de lo usual en mi rotación y me ha ido impresionando cada vez un poco más. Con una base Melodic Death y ciertos dejos Metalcore, "Where The Oceans Burn" une también elementos Symphonic y Progressive y puede ser uno de los mejores descubrimientos del año.

Describir el disco no me ha resultado tarea fácil de hacer, su instrumentación es de primera, su songwritting muy bien logrado, su melodía tiende a zonas épicas del sonido, tiene fuerte sensación de agresión y es profundamente atmosférico. Este disco es uno de esos revitalizadores del Metal que de cuando en cuando hace falta, aunque a la vez tenga sus errores, como la voz.

El manejo vocal del trabajo es un poco equívoco, no hay total compromiso con el growl o con el scream y algunos brincos en el manejo de ella confunden un poco, a pesar de que el vocalista Jarkko Koukonen muestra capacidad y potencia, sin embargo el elemento Core no es tan de mi gusto. Ciertamente aquí estoy siendo exigente, pues no es que el disco sufra excesivamente con este elemento, hubiera preferido -si- el decantamiento por el scream, más que por el growl. De todas maneras el trabajo tiene mucha -mucha, repito- música con la que sorprender.

El uso de los elementos Sinfónicos es excelente, nunca excesivos y le dan a los temas un gran colorido, los cambios de ritmo en los que se fusionan los diferentes elementos tienen fuerte influencia Prog y están ejecutados como se espera de músicos de más que cierta experiencia; los coros y soporte vocal están también bien sólidos. Pero el elemento individualmente considerado que merece un comentario aparte es el uso de la guitarra, incluyendo geniales solos que Antti Nenonen hace lucir en casi todos los temas, con una característica muy Heavy en su ejecución e introduciendo un elemento novedoso en la estructura Melodeath, creando momentos sublimes y de alta calidad. Genial su contribución.

Teclados complejos, una batería super bien incorporada de sonido orgánico y una excelente conjunción de elementos me sugieren el trabajo de Bloodred Hourglass como uno de los mejores en un buen tiempo. No creo haber conseguido ningún tema realmente flojo, casi todos tienen fuerza, atmósfera y emoción, así que creo que "Where The Oceans Burn" es integralmente bueno, si quieren fijarse en algún tema específico, Oceans On Fire, The Greatest Time Of Change, Bastard´s Seed y Memento Mori son muy recomendables.

Quisiera escuchar más de de la banda, en su substrato Melodeath hay sorpresas y la calidad propia de alguien que tiene algo que decir; quizás con una visión vocal más frontal este disco podría haber sido, sino perfecto, casi.

8.5/10 Un gran trabajo, realmente fuerte.
 

Children Of Bodom - "I Worship Chaos" (Melodic Death)

El quintento devenido en cuarteto por la intempestiva salida del guitarrista Roope Ratvala de Children Of Bodom retorna a sus andanzas con un sonido que quiere volver ser como el de los origenes gloriosos de estos filandeses y lo hace con mediano éxito. Yo en lo particular puede que no sea el más objetivo de los críticos de la banda ya que mis expectativas respecto sus trabajos son muy altas, lo han sido en sus dos trabajos anteriores, "Relentless, Reckless Forever" (2011) y "Halo Of Blood" y si bien han logrado aprobar los examenes, siempre he querido más. De esta banda hace falta más.

 

Nuevamente "I Worship Chaos" es un disco interesante y bien ejecutado por parte de CoB, sin embargo a estas alturas creo que es hora de que presenten un trabajo como aquellos primeros con los que sacudieron el Melodeath alguna vez. Un "Follow The Raper" (2000) es lo que estoy esperando y no termina de llegar. Hay agresividad de sobra en la voz del miembro fundador y ahora devenido en guitarrista Alexi Laiho, velocidad en la batería y suficiente melodía en los teclados como para hacer del trabajo una muestra de laboratorio del género, sin embargo y aún cuando hay canciones de razonable calidad, como Prayer For The Afflicted, Hold Your Tongue y All For Nothing (con inusual voz), el disco en general adolece de impacto y ese sentimiento de arrebato que supieron mostrar en sus comienzos, a pesar de que busca el estilo del sonido de esa época.

Me pareció interesante el hecho de que los mejores temas del disco fueran aquellos catalogables como lentos, en los mismos hay cierta mejora en el sentimiento, aunque el desarrollo general del trabajo sea confuso, a veces sucediendo mucho al mismo tiempo y dejando poco espacio para la diferenciación, pudiendo esto derivar del hecho de haberlo grabado fuera de un estudio, sino -entiendo- en un depósito, presumiblemente en la búsqueda de un sonido más crudo. Creo que no fue debidamente alcanzado el objetivo y que el disco es sólo un poco mejor que mediocre en su producción sin sonar necesariamente más intenso, quizás el mensaje del material habría sido mejor entregado usando otras herramientas... humilde opinión.
 

El disco es aceptable, si... riffs, ritmos y teclados llevan a batir la cabeza (no digo la melena porque ya no tengo) y Laiho no ha perdido facultades en su scream, sonando crudo, pero el songwritting del trabajo no es atractivo, suena genérico, 'ya estuve ahí, ya oí eso' es el sentimiento general del trabajo, aunque, en su normalidad, no puede negarse que hay momentos que mejoran, como el tema Suicide Bomber, quizás el mejor del trabajo, mucho más intenso que el resto, rítmica, melódica, agresiva y bastante atmosférica.

Quiero un mejor disco de CoB, lo anhelo y espero encontrármelo en el futuro cercano. De momento, "I Worship Chaos" los sigue manteniendo en una senda que los ubica en el atronante montón de bandas Melodeath que pululan en el ambiente y sólo contribuyen a darle argumentos a quienes sugieren que el género está estancado.
 

6.5/10

W.A.S.P. - "Golgotha" (Heavy / AOR)

¿Un disquito bueno por estos días, menos agresivo pero interesante? El décimo quinto trabajo de los históricos W.A.S.P. Suficientemente Heavy, con sentimiento y más emoción de lo que me podría haber esperado, algo así como un trabajo madurado, por supuesto tras seis años de espera. Puede que el disco suene más o menos todo a lo mismo, pero el tema central es bueno, con esa voz tan particular de Blackie Lawless, muy a lo Meatloaf en lo histriónica, potente y emocionante sin embargo. Claramente "Golgotha" mantiene el nivel de los últimos trabajos de la banda y merece atención.

Demasiado tiempo entre uno y otro disco lastimosamente hiere la fidelidad, pero la banda se presenta sonando bien, centrada en el trabajo vocal de su líder, referente y único superviviente luego de más de treinta años de fundación. El disco puede ser un poco sobreproducido en su temática, pero tiene una guitarra genial -de esas buenas de verdad-, bastantes y buenos riffs así como mucho sentimiento. Me parece que este es uno de esos discos que va a valer la pena repetir.

Aunque Lawless será siempre el novio de la madrina y el centro del disco, el valor fundamental del trabajo es el excelente, honesto, duradero y emocional trabajo que el guitarrista Doug Blair realiza. De ejecución limpia y totalmente enfocada, su demostración es una de las mejores del año y me luce -quizás, vaya usted a saber- la mejor demostración de su carrera... aunque hacía tiempo que no lo oía, pero la verdad es que la ejecución es magistral, sin errores y con mucha transmisión de emoción.

Luego el disco tiene canciones buenas y muy buenas -de verdad-, un poco sobreactuadas si... pero ese es el estilo. La canción de abrir, Scream, es genial, de ahí en adelante el disco no falla casi nada; si de riffs se tratara creo que el tiempo maduró lo que W.A.S.P. tenía que decir aunque puede haberse excedido un poco en la puesta en escena. Algo de demasiada épica para un Heavy con elementos AOR, pero bien montado el trabajo... advierto que el disco se hará meloso a la tercera o cuarta vez. Shotgun es otro tema divertido... casi ninguna de las canciones pueda ser catalogada como menor, pero algunas sugieren sonidos Country que atraerán menos a los más metaleros. 

Otro elemento interesante es que el disco muestra algunas canciones oscuras, como Fallen Under, Golgotha o Slaves Of The New World, las cuales reducen el ritmo y se hacen intensas. Aunque W.A.S.P. no ha sido una de esas bandas a la que he seguido de cerca me parece que en estas canciones se esmera en la emoción, tomando elementos de Guns N' Roses, incluso en la duración de los temas. Especial en Eyes Of My Maker la que puede ser la mejor del disco, muy fuerte.

Finalmente el trabajo es divertido, no desdice de la historia de la banda, la voz y carisma de Blackie parece intacta, aunque puede estar reservada para cierta audiencia más proclive a la teatralidad. En general es mucho más de lo que me esperaba y reverdece sonidos históricos de la banda, especialmente aquellos de inicios de los noventa, como "The Crimsom Idol" (1992) aunque los tiempos hayan cambiados y los leotardos y pelos batidos ya no sean lo más 'in'.

7.5/10 para un disco inesperado, más incluso la guitarra.

Annihilator - "Suicide Society" (Thrash / Heavy)

Luego de treinta años se podría esperar cierto descenso en el concepto y las ideas y aunque te llames Annihilator, no hay seguro de vida contra eso. En todo caso siempre es un placer ver un nuevo trabajo de los canadienses que se han distinguido por combinar el Thrash y el Heavy, una fórmula que no puede sino atraer fanáticos, por la crudeza y simpleza del primero y los riffs melódicos y voces del segundo. Celebro pues "Suicide Society" el disco número quince de la banda, ya que dice que -al menos- está vivos.

No es este un trabajo excelso o impresionante, aunque tiene sus momentos divertidos y energéticos. En su visión de cómo pasarla bien, el referente y fundador de la banda, el guitarrista Jeff Waters y en este disco, luego de dos décadas, nuevamente voz líder, me ha lucido en mediana forma. Ciertamente el disco recicla sonidos de álbumes anteriores, pero algunos temas mantienen riffs interesantes. Desafortunadamente a los seguidores más conocedores de la banda el disco les generará cierta decepción porque más que mantener el estilo, Annihilator pareciera haber sacado del baúl de los recuerdos algunas de sus viejas fórmulas... aquellas que les dieron resultados, pero no demasiado bien puestas a punto.

Es claramente difícil que una sola persona pueda cargar con todo el peso de la innovación en una banda y eso puede que sea lo que ocurre en este caso. Este debe ser el grupo por donde más gente haya pasado, habiendo quien calcula que más de treinta integrantes diferentes lo han conformado, incluyendo nombres importantes como su anterior cantante David James Padden y Mike Mangini, actual baterista de Dream Theater, esos fueron buenos tiempos aunque nunca como los de sus primeros trabajos, especialmente "Alice In Hell" (1989) o más adelante, "Carnival Diablos" (2001), la constancia era su principal virtud.

Ahora "Suicide Society" tiene unos pocos momentos para ofrecer. La voz de Watters es quizás demasiado dulce para el género y su Thrash 'rebajado'. Aunque es fácil de oír, con canciones como Creepin' Again, My Revenge y Suicide Society, que suenan interesantes, languidece por sectores. Desafortunadamente el disco tiene incapacidad para fijarse a memoria en razón de sus sonidos ya escuchados y a la sensación de mezclote. Quizás si este fuera uno de los primeros discos de Annihilator podría haber sido mejor recibido, pero a estas alturas la gente ha crecido en la búsqueda de sonidos y la banda no tanto.

Ciertas canciones decaen, quieren ser algo que no son, posiblemente rudas sin llegar a estar bien desarrolladas en ese sentido, flojas sería el término y con un poco de mucho -sin una dirección clara-, como Every Minute, Narcotic Avenue y The One You Serve, y la peor, caricaturesca cuando menos, Break Enter, ésta siendo la que menos me gustó, especialmente su intento de imitar la voz alguien más, diría que de James Hetfield, lo cual es me sonó 'creepy'.

No creo que este sea el último disco de la banda ya que algo han mostrado, pero tienen necesidad de un nuevo empuje, más ideas y un mejor desarrollo.

6/10
 

Gloryhammer - "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards" (Epic Symphonic Power)

Llámenme impresentable... lo que quieran, pero "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards", a pesar de ser el batido de sonidos clichés más obvio desde que Rhapsohy OF Fire habló de sus esmeraldas verdes y que este año -sobre todo al comienzo- se mostró más proclive al Power y al Symphonic, es una genialidad, un ataque sensorial melódico centrado en riffs épicos, emocionantes y empalagosos que matizados por la genial ejecución de sintetizadores de Christopher Bowes (de Alestorm... si, los piratas) y la calidad vocal del mega friky Thomas Winkler, crean un disco que será recordado.

La banda Gloryhammer es algo así como un grupo que nadie/todos conocen y en un ratico tiene cincuenta mil 'likes' en FB y vaya que se lo merecen, pues su ejecución dista mucho de lo usual de un disco cuasi Flower Metal cuya intención es gustar... y si bien gustan -mucho-, son geniales. Batería, guitarras y orquestación, sea ella real o basada en teclados, es de primer orden. No me hagan repetir que la voz es emocionante y capaz, sin obligarse a ser chillona como tradicionalmente se espera.

A pesar de que es un disco que se me hizo corto en sus cuarenta y ocho minutos y tiene algunos segundos de voces histriónicas que no fueron de mi total agrado, es claramente un excelente trabajo, divertido por encima del promedio y cuidadosamente elaborado, todo lo que quiso y no pudo ser el último disco de Edguy. Me parece que encaja debidamente en sus tiempos, épica, melodía, historia, instrumentación y songwritting. Creo que sería miserable no reconocerle a la banda un exigente trabajo instrumental, por eso y porque el disco me ha divertido, reconozco genialidad aquí.

Comentando el último trabajo de Alestorm, de donde viene la base de Gloryhammer, decía que se excedían en su propio concepto del ridículo y ello lesionaba el resultado final, sin embargo "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards", a pesar de ser una evidente burla al Symphonic Euro Power, es a la vez una excelente demostración de como erizar los pelos del cuello con los sonidos épicos... ¿cómo conciliar ambos criterios? es prácticamente imposible si no se oyen ambos discos. Posiblemente en este, a pesar de lo histéricamente graciosa que es la lírica, hay mucho más respeto por la ejecución, la instrumentación y la melodía.

Rise Of The Chaos Wizard, Legend Of The Astral Hammer, Goblin King Of The Darkstorm Galaxy, Questlords of Inverness, Ride to the Galactic Fortress! y en general todas las demás son canciones que deseaban haber salido de lo mejor realizado por Alex Staropoli, antes de acabársele las ideas, of course y aunque están claramente contrapuestos a los nuevos conceptos que gente como la banda Winterage han traido al Euro Power, todavía funcionan, fundamentándose quizás en lo que durante los últimos veinte o más años se ha escuchado del género. "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards" podría perfectamente servir de ejemplo para los que se inicien en estos sonidos que emocionaron a miles en festivales al aíre libre en el norte de Europa durante finales de los noventa e inicios del milenio.

Pura épica, puro sonido fácil pero heroico, razonablemente repetible a pesar de lo meloso, es uno de esos discos que sobretodo para los menos inclinados al sonido crudo del Metal, estará en el tope en 2015. Adicionalmente el trabajo instrumental del segundo CD está genial. Yo lo veo agregado a mi rotación.

9/10. Buena portada. Nominado como disco del año de ELOMC

A Forest Of Stars - "Beware The Sword You Cannot See" (Melodic Black / Avant-Garde)

Psicodelia, Avant-Garde, Atmosférico, Black Melódico, Folk... "Beware The Sword You Cannot See" es uno de esos discos elaborados expresamente para que te cueste cierto tiempo entenderlo, sin embargo una vez que revela sus elementos y se le comienza a comprender se transforma es un trabajo cuyas características te engullen y aún reconociéndolo como uno de esos trabajos extremadamente elaborados y enigmático, está claro que también tiene mucha música por descubrirle, de calidad.

La banda A Forest Of Stars no es desconocida y ya me había creado una grata impresión con su anterior trabajo "Shadowplay For Yesterdays" (2012) y con este retorno se reafirman como uno de los grupos que mejor puede mostrar porque me atrajo tanto la frase que encabeza este blog, al definir el Metal como 'la última forma de música compleja pero popular existente'. Nuevamente, repito, el sentimiento imponente de su música domina el trabajo, con un disco detalladamente elaborado hasta su último segundo. Guitarras, screams y batería Black se fusionan con violines y flautas Folk, a la vez que su sintetizador crea gran atmósfera y los violentos cambios de ritmo y melodía le dan ese toque alocado del Avant-Garde que los ha llevado a ser bien conocidos.

Con este disco se repite la promesa del desafío musical y la recompensa para el que crea en esta manera de expresarse. El trabajo, si bien cunden en él los elementos Psicodélicos, tiene un encanto propio que no lo hace indescifrable. Tiene profundidad y densidad en sus sonidos, capas de Black formadas sobre coros dulces, excéntricos sonidos y narraciones. Pero no se asusten, puede ser el disco más accesible de la banda hasta la fecha, posiblemente porque hay un poco más de inclinación hacia la melodía.

El trabajo tiene dos claras partes, sus primeras cinco canciones son temas interesantes y algunos extraños, especialmente A Blaze Of Hammers, la de sentimiento más Black, en las que su líder, Mister Curse, hace gala de un nivel psicótico de su voz quien, individualmente considerado, puede ser el más interesante de los elementos del disco. Luego "Beware The Sword You Cannot See" cierra con otros seis temas partes todos de un gran desarrollo llamado Pawn On The Universal Chessboard, que muestra un poco todo por lo que se conoce a A Forest Of Stars, una especie de demostración del gran nivel alcanzado hasta este disco, ciertamente interesante... ojo, no fácil.

Quizás es un disco que se acerca peligrosamente a la sobreproducción y que está conformado de tantos elementos que puede empalagar. Pero si de algo sirve mi palabra, créanme que vale la pena repasarlo, a pesar de que requiera cierto tiempo para su maduración. La banda, en consonancia con la manera de elaborar sus discos, se presenta también con una imaginería victoriana bien poco usual, pero que considero complementa bastante su atmósfera algo 'creepy' .

Acérquense al lado complejo del Metal, no es una pérdida de tiempo y puede dejar grandes satisfacciones.

antes 7.5/10, ahora 8/10, ver nota abajo.

RECALIFICACIÓN: Luego de repasar el disco otra vez y oír la cantidad de comentarios que pública y privadamente me han han hecho llegar, creo que es justo hacer lo que he hecho alguna vez en el pasado -dos o tres veces- (Freedom Call se me viene a la memoria) y voy a ajustar la calificación a un sólido 8/10, ya que -aunque el final el disco se hace un poco friky para mi gusto- en su conjunto lo merece.
 

Riverside - "Love, Fear And The Time Machine" (Progressive / Art Metal)

En algún sitio web comenté hace unas semanas que este disco de Riverside no era tan bueno como su anterior "Shrine Of New Generation Slaves", pero durante el paso de los días, en los que lo he colocado bastantes veces "Love, Fear, And The Time Machine" me he preguntado si esa primera impresión habría sido la más adecuada. Creo que en el fondo si es cierto que "Shrine" es un disco demasiado envolvente, uno de los grandes discos del Art Metal de los últimos años, pero no por eso "LFATTM" deja de mostrar unas cualidades excepcionales.
 

En primer lugar este tipo de Progresivo se haya en el sector más suave y melódico del Metal, lo que para algunos Metaleros escupe-clavos puede ser zona radioactiva y sin embargo me ha sorprendido conseguirme a algunos de los más conspicuos representantes de las ondas oscuras haciendo loas al trabajo. El disco nuevamente se haya influenciado, como en en pasado, por los primeros trabajos de Pink Floyd, algo de la psicodelia de Marillion (primeros larga duración, el no desastre ocurrido luego de partida de Fish) y algo de la perspectiva con que Steve Wilson ha orientado sus recientes discos.

El fundamento, el centro y razón de ser de "Love, Fear, And The Time Machine" son sus riffs, nuevamente ampulosos, elegantes, imaginativos y acariciantes. Cada vez que escucho canciones como Lost (Why Should I Be Frightened By A Hat?), Under The Pillow, Time Travellers -la mejor del disco-, Discard Your Fear y Found (The Unexpected Flaw Of Searching), me siento transportado a un sector de la música en la que todo es perfecto, los tiempos no transcurren y se observa al mundo como se mueve en cámara lenta... gran efecto el que estos geniales polacos son capaces de mostrar.

Ligeros incrementos de fuerza a lo largo del disco, como en los temas Saturate Me y Towards The Blue Orizon, pintan con matices interesantes un trabajo delicioso. Me sorprende que haya gente opinando que se están repitiendo o que sus ideas se notan escasas. Por el contrario, creo que han mostrado un trabajo intelectualmente elevado, sin hacerlo fastidioso y en el final, divertido, interesante y muy recordable. Cada nueva oída sirve para refrendar la anterior: 'si, eso que me pareció bueno puedo confirmar otra vez que es excelente'.

Todos los seis discos de Riverside son un prodigio de sonidos y de arte; herederos de lo mejor del Rock y el Progresivo de los últimos treinta años y aunque en este disco haya alguna canción u otra en la que el ritmo se pueda hacer somnolente, como en Afloat, en su perspectiva general es excelente y no sólo eso, sino emotivo, acogedor, cinematográfico y muy interesante.

Este trabajo tiene que estar en la lista de oídas obligadas este año, así sea sólo entre discos de buen Death, para -como los granos de café- ayudar a percibir mejor el resto de la oferta metalera.

8.5/10
 

Soilwork - "The Ride Majestic" (Alternative / Melodic Death)

A pesar de que para muchos fue un gran disco, a mi el anterior trabajo de Soilwork "The Living Infinite" (2013), en mi insondable ignorancia, me pareció sólo aceptable. Sin embargo con estos suecos no pierdo nunca la fe, ellos son, junto con otros grandes nombres, como In Flames, At The Gates y Scar Symmetry, quienes más han dado al Death Melódico, especialmente con su disco bandera "Natural Born Chaos" (2002), sin embargo este giro hacia el Alternative que han venido dando me ha confundido.

La reivindicación que esperaba de la banda a través de su nuevo trabajo "The Ride Majestic" no ha sido tal, aún cuando tiene un alto nivel de producción y es uno de los discos que mejor suena en 2015, igualmente sus canciones nuevamente se hacen más complejas y la ejecución instrumental es de primer orden, sin embargo no me ha parecido un trabajo impactante pues sus riffs no son todo lo llamativos que quisiera y espero de ellos. Sin embargo les concedo que siendo un disco con este nivel de dificultad puede hacerse más atractivo con en tiempo, de momento me parece más estética que fondo.

Lo que me ocurre con "The Ride Majestic" es que no se me queda grabado, no me impacta. Siento que es un trabajo bien realizado, pero sin toda la trascendencia esperada... falto de ese elemento etéreo que va calando en el oído hasta que halla un lugar en la memoria. Además, como dije al comienzo, en el trabajo hay cierto abuso del scream Alternative enjugado con el coro limpio, que no llega a ser Modern o -válgame Dios- Metalcore, pero que se aleja del canon Melodeath un tanto más de lo que me habría gustado.

Pero más allá de esa crítica, hay elementos que no pueden sino maravillar. La ejecución instrumental del disco es genial, todo suena bien, en su lugar, sin apuros ni demoras. En este apartado Soilwork resalta bastante por encima del promedio y bien puede ser uno de los discos de mejor trabajo en ejecución del año. Canciones como Petrichor By Sulphur, The Ride Majestic, Whirl Of Pain y All Along Echoing Paths, quizás la mejor del disco junto con Shining Lights, son dechados de virtudes en lo que a capacidad de los miembros de la banda y suenan extremadamente pulidas. Una lección de ejecución en el Metal.

A riesgo de ser contradicho por verdaderos conocedores, me atrevo a sugerir que este podría haber sido un disco de cotas mucho más altas si el enfoque hubiera sido más Melodeath puro, más vieja escuela, ya que las canciones pierden -en mi gusto- algunos enteros por el enfoque vocal que Björn 'Speed' Strid le imprime en la mezcla clean/harsh y aun cuando a Fear Factory la fórmula le resulto bastante bien en su último trabajo, en este caso no ha sido así.

Alguna gente me había pedido esta crítica y cuando eso pasa es porque mayormente quieren leer cosas agradables de sus bandas favoritas, por lo que entiendo que no ver una calificación encumbrada en lo más alto puede generar cierto escozor, lo siento pero he tratado de ser honesto, sin embargo mejoran respecto a su anterior, gracias a la calidad individual de sus miembros. Igual sigo esperando que Soilwork retorne con un trabajo como aquellos de sus comienzos hace veinte años cuando se encontraban más inclinados al sonido Gotemburgo.

7/10

Slayer - "Repentless" (Thrash)

No voy a entrar a contar quien es Slayer. Quien está aquí lo sabe y no tiene sentido aburrirlo y quien no lo sabe o está aquí por error o... ya no está. Este trabajo es, aunque un disco más de Slayer, ¡es un disco más de Slayer!... un acontecimiento metalero. Pero -un gran pero- puede ser el trabajo más 'conceptual' de la banda, ya que está dedicado a la memoria de Jeff Hanneman, especialmente en la canción homónima, quien fue el guitarrista original de la banda al que lo mató una araña que lo picó en un pie... que le produjo efectos similares a una cirrosis hepática, por lo que hay cierta controversia de sí no habrá muerto en una borrachera permanente. Ojalá haya sido lo último ya que... 'morir por morir, morir en la taberna'.

La tentación es fuerte, hay tantas cosas que decir de este componente del Big Four... claramente la cosa no está igual en el mundo como aquel 11 de septiembre de 2001 (les suena la fecha) en el que por la más improbable de las casualidades publicaron el disco con el nombre más controversial de la historia, su "God Hate Us All" y ahora demuestran que no se arrepienten de haber dicho que Dios nos enviaba la muerte (God Sends Death... una de esas canciones que marca época). "Repentless" también es Thrash, tipo mitad/finales de los gloriosos 80's, salvador del mundo de la garras del Grunge y la depresión que Kurt Kobain nos quería contagiar y para quien abrace el concepto tal como Kerry King y Tom Araya lo conceptualizaron en esa época, este es un disco medianamente aceptable. Lo es, a pesar de que también es 'solo' un disco más de Slayer.

El Thrash es por definición básico, simple, agresor y sumamente energético. Este disco ciertamente es básico, simple, algo agresor, pero pierde el rumbo en el apartado de energía. En su tradicional uso de las canciones de tres minutos, la banda despliega doce de ellas entre las que destacan razonablemente Delusions Of Saviour, Repentless, Take Control, Pride In Prejudice y Cast the First Stone, mostrando temas menos logrados con Chasing Death, Implode y Piano Wire, esta última la más floja del disco. Creo que no quedan tan bien parados en el songwritting como en oportunidades anteriores y se oyen genéricos, no tan poderosos como en el pasado; no esperaba tampoco la reinvención de la rueda, pero los rumores de que han perdido terreno parecen ciertos. Repito sin embargo lo dicho en alguna otra parte en este blog: un concierto de Slayer debe ser todavía una experiencia que ningún metalero debe perderse, aún si sales del mosh pit con uno o dos moretones.

La adición a la banda del guitarrista ex-Exodus Gary Holt es un acierto y sino calza del todo los zapatos del malogrado Jeff, está -al menos- a la altura del actual Slayer, especialmente en el tema You Against You que me dejo gratamente impresionado; no tanto así la batería del -también- nuevo componente Paul Bostaph, quien es rápido y preciso, pero no tan intenso, en todo caso sería injusto pretender que tuviera el nivel del extraterrestre Dave Lombardo, a quien parece que no le pagaban lo que quería o merecía y se fue. La letras de los temas son casi todas controversiales cuando no extremas y vale la pena buscarlas para ayudar a que la experiencia sea algo más integral.

El sólo recordar que Slayer tiene en su bagaje "Reing In Blood", uno de los dos o tres mejores discos del Thrash, es más que motivo suficiente para repasar sus nuevos trabajos, incluyendo "Repentless" aunque haya quien alegue que sus mejores tiempos ya pasaron. Puede que si, pero con estos héroes del Metal todo se puede esperar.

5.5/10

Amorphis - "Under The Red Cloud" (Melodic Death / Symphonic / Progressive)

Luego de la mediana decepción que me produjo Nightrage, la sorpresa melódica proveniente de Thurisaz y el redondo trabajo de Kataklysm, este disco de los veteranos finlandeses de Amorphis viene a ser -hasta este momento- uno de los discos más interesantes del Melodic Death de 2015, aunque con claras influencias Progressive y Symphonic. Creo que "Under The Red Cloud" puede que sea un reverdecer para la banda, acercándose a su mejor disco en una historia que arranca en 1992, al menos cerca del nivel de su laureado "Tales From the Thousand Lakes" (1994) uno de los discos más importantes del género y de escucha obligada para quien le interese este tipo de Metal.
 

El trabajo tiende a lo realizado por Thurisaz en lo que al gran uso de la melodía respecta ('grande' lo llamo yo, otros lo pueden catalogar de excesivo). Es también un disco que, a pesar del estilo, es bastante menos agresor que lo generalmente esperable y sin embargo no se hace demasiado meloso ni mucho menos aburrido. Nuevamente en este trabajo no hay manera de negar quien es la banda detrás del sonido, pero en comparación con "Circle" (2013) el songwriting es muy superior, hay más complejidad, más emoción y sus elementos venidos de diferentes géneros, incluso Folk Oriental, se amalgaman mucho mejor.

El disco está bastante bien durante sus primeras cuatro canciones, especialmente Under The Red Cloud, a partir de ahí hay un giro influenciado por elementos Symphonic que hacen reaparecer el brillo ligeramente perdido de la banda: los temas Death Of Kings, Sacrifice (genial por cierto, nominada a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica) y Dark Path muestran lo mejor de lo que Amorphis es capaz, ejecutando algunos de los riffs más memorables de los que han sido capaces en largo tiempo. Algunos de los momentos de estas canciones son taladradores de la mente, abriendo un hueco del que deben pasar las horas y hasta los días para lograr sacarlos... muy bien logrado ciertamente.

Algún tema menor como Enemy At The Gates me pareció un interesante experimento, de ritmo diferente y cierta tendencia al Modern Death, 'not my cup of tea' en todo caso. Tree Of Ages es una buena canción, de corazón totalmente Folk y excelente guitarra, la mejor del disco en el uso de ese instrumento. El cierre con White Night, a la que incorporan una dulce voz femenina sobre el gran growl del que Tomi Joutsen es capaz, causa impacto, también un buen coro, aunque un poco compleja, quizás la más difícil de las canciones en "Under The Red Cloud".

Al final lo mejor del disco es que, a pesar de que siguen sonando a Amorphis, parecieran haber leído los comentarios que hablaban de su estancamiento en un sonido y que habían dejado de progresar, decidiéndose a arriesgar más. El resultado es bueno, mucho. Los bonus track son excelentes, nuevamente mostrando esa inclinación Sinfónica.

8/10

Mgla - "Exercises In Futility" (Black / Melodic Black / Atmospheric)

Lo de Mgla no es mentira, esta banda polaca es de lo mejor que se puede conseguir en el Black / Melodic Black / Atmospheric. La intensidad que ha caracterizado cada uno de sus discos, especialmente su excelso trabajo anterior, un 10/10 y co-Disco del Año 2012 en el Black  "With Hearts Toward None" (2012) se mantiene inalterable con su nuevo trabajo, "Exercises In Futility" a través de una de las mejores ejecuciones instrumentales y vocales del género existentes.

A mi el Black Atmosférico siempre me ha atraído, hay un gran sentido místico en su ejecución, es de esos géneros reservados para los verdaderos amantes del Metal, aquellos a los que no le interesan las luces o el impacto estético, sino el sonido, el sonido puro, envolvente, que aturde y arropa. Mgla es capaz -más que eso- de entregar todo el paquete y nuevamente en este trabajo logran dejar abierta la boca, sin caer en una repetición de si mismos, al menos no tan evidente como la gran mayoría de bandas Black de primera, e incluso segunda ola.

Realmente trato de pensar que distingue a la banda del resto y creo que la guitarra de 'M' es lo más impresionante, ella siempre está ahí, intensa, melódica apenas lo suficiente y continua, pero no obstrusiva ni obsesa con el protagonismo, permitiendo que se amalgame el sonido en un todo que incluye una batería de calidad y que también evita distraer la mirada, a menos que se desee percibirla y se le ponga especial atención. Mgla y "Exercises In Futility" logra nuevamente el cometido, enviar el mensaje árido y a la vez plenamente discernible.

Los primeros dos temas del trabajo, I y II (siguiendo su constante de numerar los temas) son especialmente buenos, extremadamente intensos y cautivadores, quince minutos del mejor Black que se puede oír, pero especialmente la segunda II es un remolino de sonidos espectaculares y por eso creo que debe ser considerada como contendiente a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica. III se hace un poco más pesada, quizás algo confusa. IV es el tema diferente, con un inicio inusual, posiblemente la más Blackgaze del disco, con cambios de ritmo y bastante más melodía que las demás, interesante sin duda. Para cerrar dos temas largos, unos ocho minutos cada uno, V de ritmo marcado y menos melódica que sus pares, sumamente impactante aunque algo repetitiva, esta canción lleva al oidor al terreno de la banda, no al revés -es decir, te gusta a rabiar o no la entiendes- y VI, cierra en el estilo de las dos primeras, mucha atmósfera, un criminal growl que no canta cosas 'bonitas' pero lo hace con mucha emoción oscura.

Mgla y "Exercises In Futility" no es un disco para todo el mundo, aunque no es complejo desde el punto de vista musical o instrumental, teniendo más bien una perspectiva hasta cierto punto simple -que no simplista-, diría que es minimalista. De hecho tengo la impresión de que en la banda subyace cierto desinterés de si su música le gusta a alguien más que a ellos mismos, ya que es tanta la pasión que le imprimen que cualquier atisbo de condescendencia musical podría limitar la entrega. Otra joya, por cierto permiten el oír del disco entero en You Tube, abajo lo pueden hacer.

8.5/10