De mí y el Metal en mi vida - ¿El metalero que llegó tarde?

En otra rara entrega que continúa un poco con mi humilde historia y el sentido que puede tener este blog en mi mente, me encontré hace unos meses conversando con un amigo, unos doce años menor que yo, amante también del Metal, pero -creo- que hacia un sector menos árido del que yo muestro a veces, cuando me da por el Black o el Death. Luego de estar hablando de 'lo básico' (qué te gusta, cuál es el primer disco que te impactó, el primer concierto, etc), me dijo... creo que en el fondo me recriminó, que yo me había hecho metalero ya viejo. Me pareció interesante su 'acusación' y a la vez me sentí intimidado. ¿Sería verdad eso?

Esa conversación me llevó a una conclusión interesante, es cierto que no es sino apenas hace unos trece o quince años que oigo casi exclusivamente Metal (y música Clásica, aunque eso sería sujeto de toda otra historia)... pero la confirmación de esa realidad me hizo preguntarme si efectivamente yo si no sería un metalero 'impuro'... un advenedizo... me sentí sucio... ¿habría yo osado pecar contra el Metal por no haber sido un headbanger inmaculado desde mi concepción? Tuve prácticamente que hacer una regresión metafísica para averiguar que tan grave había sido mi falta.

Ciertamente el primer recuerdo que mi memoria puede alcanzar relacionado con el Metal, no es propiamente con él, sino con su imagen. La primera vez que recuerdo haber sentido una emoción causada por la transgresión de los límites paterno-filiales fue cuando me dio por dibujar y copiar hasta el cansancio la portada (sin el acetato adentro, porque se había perdido y a los efectos no importaba porque en mi casa no había tocadiscos) del LP de Kiss, "Rock 'n Roll Over". Estamos hablando de la segunda mitad de los setenta ('76?). No se como llegó la carátula de ese disco a mi casa, pero creo que alguien en el colegio me lo tuvo que dar.

Kiss fue, entre finales de los setenta y muy inicios de los 80's la única banda que yo le pedía a mi papá que me comprara cassettes una vez que llegó esa tecnología a la casa... pero no podía escucharlos en volumen alto en la sala, debía suplicar para trasladar el pequeño equipo a mi cuarto donde podía escucharlos un poco más alto. Por supuesto "Alive II" era mi cassette de preferencia, aunque de "Dynasty" de 1979 todavía canto todas las letras.... ojo, en el '79 yo tenía 10 años.

Ocurre que en esa época me mudé a una nueva casa y conocí a un gran amigo, algo mayor que yo, artista plástico y amante de la música, dueño de un equipo de sonido y una cantidad de discos que yo sólo podría soñar en tener, pero al que le gustaba el 'otro' género... el Pop. No me paró por eso de ir a su casa todos los días, durante meses, incluso años (seguro que me hice fastidioso), para oir de todo lo que traía casi a diario y si bien estuve descarriado, influido por los artificios de Donna Summer y Grace Jones, también descubrí bandas como Blondie, Ramones, Sex Pistols y a Meat Loaf... puede ser que este último sea una de la influencias más intensas para el salto siguiente, pues sin duda "Bat Out of Hell", "Dead Ringer" y "Midnight at the Lost and Found", en 1983, se transforman en parte de la banda sonora que me va a impulsar a identificar a la música verdaderamente buena como aquella que es, sobre todo, sentimiento.

A partir de 1983 las cosas -como todos saben de los 80's- se hacen confusas. Están bandas monumentales como Rush, Queen, Pink Floyd, los discos de Zepellin, Marillion, Saga, Triumph, Ozzy, Rainbow, Maiden, Scorpions, Quiet Riot, que eran geniales... pero no se podían bailar en las fiestas y cuando tienes catorce o quince años, amigo, si no te interesa bailar en las fiestas (no por la danza, sino por la cercanía corporal del sexo opuesto)... estabas mal. No quedaba más remedio y tampoco voy a negar que no me gustó Alphaville, Cyndi Lauper, Madonna, Toto y Chicago... aunque siempre había espacio para un poquito de Ted Nugent y Billy Idol.

Aquí hay que hacer un paréntesis, hoy damos por sentado el acceso inmediato a la información, en aquella época no era así. Las disqueras venezolanas, desde la mitad de los 80's y por un decreto que llamaron el '1x1' (una canción extranjera por una venezolana) comenzaron a promocionar cantantes 'venezolanos' (más de la mitad no lo eran, al menos no de nacimiento), lo que logró que una gran cantidad de buenos artistas se dieran a conocer, pero mayormente baladistas Pop, muy poco o casi nada Metal, si acaso algo de Rock. Por eso, con las gloriosas excepciones que pudieran mencionarse, yo -que no tenía permiso de salir hasta tarde y conocer la movida caraqueña-, tenía que morir con sonidos sajones, de discos que escogía o porque me los recomendaban, o porque su portada lucia atractiva o porque me dejaba llevar por la suerte.

Sí la señora de la tienda llamada La Séptima Nota, en Caracas, decía (ojo, esa señora era comegato [metalera, en jerga venezolana]): 'hay un disquito nuevo que se llama "master of popy" de Metayica (Metallica)... o algo bien diferente de una gente que se llama Crietor (Kreator)' tu lo comprabas y a veces la suerte te acompañaba, otras no y yo no tenía mucho dinero para comprar discos (no tenía nada, todo me daba mamá)... por eso entre algunos nos intercambiamos LPs, los grabamos en cinta y a veces, hasta los devolvíamos.

El Black y el Thrash ciertamente no eran nada fácil de conseguir, pero ya para el año '87, yo estudiaba en la universidad y trabajaba medio tiempo y tenía los dos elementos fundamentales para explorar: un poquito de dinero y más contactos... por ahí escuché las primeras cintas de Bathory, "Blood Fire Death", Mercyful Fate "The Beginning" o Sepultura "Bestial Devastation"... era interesante, otra cosa, definitivamente y volvía... y volvía. También debo mencionar al locutor Alfredo Escalante, quien contra corriente, en el canal menos visto de la limitada televisión de aquella época, se esmeró por traer lo que nadie conocía, videos de Rock y Metal en su ya inmortal programa, 'La Música que sacudió al Mundo', el cual era de obligatoria audiencia para quienes estábamos ávidos de recibir información.

Así fui mezclando lo que me gustaba, lo que me atraía (no necesariamente es lo mismo que lo primero), lo que estaba de moda, lo que había que oír... o te ibas a otro lado y lo que ponía la radio. Ciertamente no me gusta decir que hoy las cosas son más fáciles, porque casi siempre todo ha requerido esfuerzo, pero, ¡que carajo!... hoy es más fácil conseguir música.

¿Me clasifica el eclecticismo de los hechos narrados como un metalero novato? Supongo que dependerá de cada quien establecer eso, si acaso llegara a tener una mínima importancia. Yo me siento bien con como han salido las cosas... podría ser peor y todavía estar escuchando a KC & the Sunshine Band, Christopher Cross y a Captain & Tennille y quizás no sería tan malo, aunque me habría perdido de hacer este blog, que es una de las cosas que más satisfacción me produce.

\m/

Alfonso 

The Gentle Storm - "The Diary" (Melodic / Symphonic)

Ayeron, Ambeon, Bodine, Guilt Machine y Star One, como el resto de las bandas donde deja su impronta, son realmente una persona que se rodea magistralmente. Por supuesto que estoy hablando de Arjen Anthony Lucassen. Este holandés es uno de esos músicos que tiene el 'toque de midas', sea que haga un trabajo metalero-operático-conceptual o una pieza despojada de ambiciones épicas, un disco íntimo, melódico, dulce, de fundamentos Folk (nórdicos y orientales) y un interesante toque de experimentación hacia el Jazz. O, que como en este caso, pueda hacer ambos, en el grupo que ha dado por llamar ahora The Gentle Storm. "The Diary" es un disco gemelo contrapuesto, que gravita en torno al hermoso uso que de su voz es capaz su coterránea Anneke van Giersbergen, mejor conocida por ser la vocalista de los gótico/progresivos The Gathering.

Cuando se conocen los antecedentes del trabajo al que se está por oír se puede producir el temor natural de la posibilidad de que algo haya salido mal o de que se peque por exceso... o carencia. La genialidad deja poco lugar a la sorpresa -para quien la sabe reconocer- y "The Diary" es conceptualmente genial, simplemente porque se entrega como un trabajo para todos los gustos. Por una lado en su faceta más interesante, suave y acústica de su versión 'Gentle' y más fuerte, Sinfónico y Progresivo, en su versión 'Storm'... ¿se puede se más genial? 

Sinceramente aunque el disco sea de menos brillo que otras cosas oídas a este gran músico, porque se haga algo monótono o el tema sobre el que gira no sea tan extraordinariamente interesante como pudo ser "The Theory of Everything" (2013), la sola demostración de compromiso con el arte y entrega al público que Lucassen demuestra es admirable, posiblemente de lo mejor en el mundo del Metal. Este músico ama complacer a sus seguidores y lo muestra.

"The Diary" en sus dos versiones es hermoso, melodioso y en algunos momentos sobrecogedor. El mismo es una sencilla historia de amor ubicada en el siglo XVII que se desarrolla poco a poco. Sin embargo no todas las canciones son realmente impresionantes, encontrándose posiblemente las mejores al inicio, especialmente en los temas Endless Sea, Heart Of Amsterdam y The Greatest Love, decayendo en la medida que alcanza el medio del disco en adelante, con temas más genéricos, diría que menos inspirados que los primeros y que desafortunadamente hacen que el disco se vuelva largo.

Si me preguntaran a mi, cosa poco probable, diría que "The Diary" tiene dos o tres excelentes ideas que podían haber formado parte de una gran canción de varias partes, dentro de un trabajo más amplio, ya que -a veces pasa- se llega al hueso musical antes de lo pensado. En cualquier caso, no se piense que "The Diary", sea el sabor que se escoja, va a dejar indiferente a nadie, aunque en su versión 'Gentle' sea mi preferido, sobretodo por lo minimalista de la presentación, pero en esta oportunidad me encantó menos el todo. Mención aparte la proyección de Anneke, quien se luce con una voz intensa.

7.5/10

Sulphur Aeon - "Gateway To The Antisphere" (Death)

"Gateway To The Antisphere" es un disco frontal y despiadado. No cree en términos medios y su enfoque es destructor, árido y brutal. A los amantes del Death les recomiendo fuertes dosis de este disco y a los metaleros más suaves, permitirse descubrir a través de este trabajo de los alemanes de Sulphur Aeon cual es el sentido del universo 'Muerto'. Ya la banda había mostrado en su disco debut "Swallowed by the Ocean's Tide" (2013) que se perfilaba con gran potencial, ahora no queda duda. Esto es clase aparte.

El disco es un constante ataque sensorial pero lo que realmente se destaca es el ambiente que la banda ha logrado conjurar. A lo largo del álbum, la música está envuelta en una nube de misterio, sin embargo, la producción cruda y atmosférica dan como resultado un sonido grandioso, intenso y demoníaco. Los tres miembros de la banda, T. (cuerdas), M. (cueros) y D. (growls) destilan intensidad y mensaje. Su perspectiva melódica es salvaje, aunque nunca desordenada, el ritmo endemoniado y la lírica, aterradora... los cementerios deberían prohibir a la banda, no sea que se levanten los ocupantes.

Con "Swallowed by the Ocean's Tide" de Sulphur Aeon se me facilita la explicación a esa pregunta que tantos no iniciados hacen, ¿qué te atrae de esto? La respuesta, luego de tener la suerte de percibir este tipo de trabajos es mucho más sencilla: la emoción... ¡Ah!, ¿qué el sentimiento no es el que transmite un paseo en un parque de cerezos en flor, observar 'El Nacimiento de la Venus' de Botticelli u oír la 'Novena' de Beethoven...? claro que no. Pero bandas como estas logran el mismo objetivo, dejar huella, transmitir toda la sensación de la que su alma es capaz... claro... sensaciones oscura, opresivas, inclementes, duras.... hágalo usted a ver si le sale. Aquí hay genialidad. 

Once canciones, con la duración precisa para evitar el agotamiento ante un concepto tan intenso, hacen de este disco una excelente demostración de ejecución del Death, en el que a diferencia de muchos grupos similares, el sonido de la guitarra está claramente definido y cada riff se percibe diferente y acabado. Cualquiera de las canciones es una agresión auditiva, pero especialmente el tema He is The Gate debería pasar a formar parte del imaginario popular del Death, su fuerza, atmósfera y desarrollo no son normales y hablan claramente de un nivel superior en capacidad musical, nominada -por supuesto- a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica. Apenas me priva darles la máxima puntuación cierto sonido a vieja escuela de su técnica de grabación, pues de haber ampliado su rango dinámico de sólo 6 dB les habría dado una sensación más orgánica.

Disco difícil para los neófitos (y para cualquiera), interesante, emocionante, crudo, pesado, intenso y potente. Su ejecución es impecable, su songwriting destructor y por encima de todas las cosas, su mensaje es ineludible: fuerza, rabia, agresión y destrucción.... excelente para canalizar esos espíritus oscuros que todos tenemos por dentro. Sulphur Aeon debe ser considerada como una de las pocas bandas que realmente está dejando impronta en el Death, incluso con las influencias que muestran de bandas como Gorguts, Behemoth e Immolation.

9.5/10 Animalada de disco. Quinto nominado a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica. También la portada está nominada como contendiente en la elección de 2015.

Thurisaz - "The Pulse Of Mourning" (Melodic Death / Atmospheric / Doom)

El comentario más usual que recibo de los lectores está relacionado con la calificación que le coloco a los discos comentados, que si mucho, mucho... que si poco, poco. Con casi quinientas entradas he ido aprendiendo (pero todavía me queda) a no tomarme ni a pecho las críticas, ni tampoco a despreciarlas de entrada, en general me divierten más de lo que cree la gente, muchas me enseñan y finalmente, nunca dejo de leerlas. La perolata viene a cuento porque 'la justificación' es el elemento que más quiere ver la gente, cosa que respecto a la música, como con cualquier otra manifestación artística, está relacionada con la subjetividad, lo que es contradictorio en sí mismo. Más allá de ciertos elementos estéticos básicos necesarios para que todo estemos de acuerdo de que lo que se está escuchando es música, a veces es hasta difícil hallar ni siquiera un mínimo común denominador.

Con "The Pulse Of Mourning" de los belgas de Thurisaz me ha ocurrido que 'la justificación' puede ser fácil de observar para algunos, como para otros mi perspectiva no será compartida. Esto no habría que mencionarlo porque es lo mismo con todos los discos, pero quise traerlo a colación porque el disco lo merece. Se que a casi cualquier metalero le va a gustar, a unos un poco, a otros mucho y a unos cuantos, como a mi, pues... sigan leyendo.

Aún cuando el disco peca de cierto exceso de melodía, es interesante, emocionante, intenso, fuerte y atrayente. Lo cierto es que, a pesar de mi rutina semanal de oír unos seis u ocho discos nuevos, "The Pulse Of Mourning" me ha llamado de vuelta varias veces, para que lo vuelva a percibir, a disfrutar. Con este disco, de base Melodic Death (mi género de preferencia como saben algunos) y elementos Doom, Atmospheric y algunos destellos Prog, me siento frente a un gran trabajo. Uno de esos discos a los que le aplica un dicho que no se si sólo se dice en Venezuela pero es fácil de entender: 'no moja, pero empapa', algo así como que, sin ser necesariamente el paradigma del género, ni venir a reinventarlo, lo cultiva con preciosismo y calidad.

Este, el quinto disco de Thurisaz, que siempre ha quedado muy bien parado con sus anteriores trabajos, está claramente influenciado por nombres importantes. Entre líneas se puede oír a Omnium Gatherum, Nightrage, Insomnium y Be'lakor, pero no efectuando una copia vulgar de semejantes monstruos del Melodeath, sino incorporando su propia visión, con sentimiento y buen gusto. Este disco trae consigo algunos de los riffs más recordables e interesantes que he oído en el género en lo que va de año y siento que podría estar frente uno de los trabajos que va a ser considerado por otros, mucho más conocedores que yo (o sea, todos lo demás) para liderar las listas de final de 2015.

El elemento instrumental más notorio con el que contribuye la banda son los teclados que tan bien ejecuta Kobe Cannière, y aunque la voz principal de Peter Theuwen no es necesariamente la más potente que he escuchado, tiene calidad y mucho sentimiento. Los largos riffs y solos de guitarra de Mattias Theuwen son de primer orden y la batería es precisa y emocionante. Pero la sumatoria de todos estos elementos no sería nada de no contar con el principal elemento que distingue a la banda, como es su songwritting. Patterns Of Life, Ray Of Light, la genial One Final Step, nominada a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica, cuya guitarra me recuerda al mismísimo Mark Knopfler de Dire Straits e incluso los temas suaves en piano y violín, Tangram y Stargaze, son excelentes contribuciones al Metal.

Todo el disco llama la atención y si el uso de la voz limpia hubiera estado algo más limitada, como en en In All Remembrance, la cual a mi parecer le resta la agresión que el tema merece, este podría haber sido un disco perfecto. En cualquier caso, minucias aparte, "The Pulse Of Mourning" debe ser uno de esos trabajos que de una u otra manera, hará voltear la mirada a quien se estime amante del Metal en 2015.

9/10. Discazo, seriamente.

Majesty - "Generation Steel" (True)

Quiero ser cuidadoso con este comentario, ya que lo que menos deseo es que se piense que tengo algo en contra de Majesty o del True. No lo tengo. Por el contrario, cuando me parece que han realizado un buen trabajo no he dudado en reconocerlo, como ocurrió con su segundo disco "Thunder Rider" (2013), seleccionado para la contienda de Disco del Año de 2013, así como su primer trabajo "Own The Crown" (2011), buen disco.... pero algo se presentía mal, algo se había torcido por el camino con "Banners High".

Ahora con "Generation Steel" los protegidos de Manowar han logrado presentar uno de los peores discos en mucho tiempo, un trabajo que le va a hacer daño al True Metal y del que creo sólo se puede extraer la urgente necesidad de renovar el género, sea una nueva banda aparezca, o Manowar se vuelva a inspirar.

"Generation Steel" es de muy bajo nivel, no ya porque fuera cliché o empalagoso, que no importaría ya que el género es así... eso al menos sería algo. El trabajo es repetitivo, insulso, falto de gracia y de emoción. Incluso cuando logran dar con un riff sobre el que existe alguna posibilidad de desarrollar una canción, abusan del mismo hasta las nauseas, como con Hawks Will Fly, Knights Of The Empire, pero especialmente en Generation Steel.

Instrumentalmente el trabajo es apenas básico, la batería lenta y mínima, los instrumentos de cuerda no quieren destacar y la la voz de Tarek 'Metal Son' Maghary, lamento informar que ha fallecido cristianamente. Lo que hubo, se fue. No tiene ni fuerza, ni impacto, ni emoción. Es funcionalmente inoperante y para cantar Metal, especialmente este, no sirve. Hubo momentos en los que me pregunté si podría haber estado enfermo durante la grabación... de haberlo estado escuchando en vivo habría temido por un desmayo. ¿Cómo nadie ha hablado con ese señor para decirle que no lo estaba haciendo ni siquiera aceptablemente?

El abuso de los lugares comunes es descarado e insufrible y los recursos musicales, como elevar el tono del mismo y repetido riff para darle algo de emoción al tema, no surtió efecto y los coros, pues cada uno por su lado, especialmente el de los niños en Children Of The Dark... ah! los coritos... aqui me tengo que frenar para aconsejar: ¡señores, eso no se hace! Sólo diré que son insufribles y desafinados, mal ubicados y sin sentido. Un desatino monumental.

Además, bueno... digamos que todo sería pasable si al menos el songwritting tuviera algún mérito. Pero es que hay canciones, comenzando con la nombrada Children Of The Dark (que puede ser una de las peores canciones en mucho tiempo) que son francamente mediocres, cuando no descarnadamente malas. "Generation Steel" es una de las pruebas patentes de que de buenas intenciones está empedrado el camino al infierno. Es una mala copia de Manowar, pero sin gusto, sin emoción, sin cambios. Abusa de todos sus propios elementos, se hace larguísimo (a la quinta canción parece que hubiera pasado una hora), es flojo, escaso, a veces a nivel de lo irritante, le falta volumen, fuerza, velocidad y aunque fuera un poquito, aquello de la grandeza del True.

Es una lástima que lo que esta banda pudo haber realizado una vez se haya convertido en esto, un remedo de grupo, con un trabajo impresentable y totalmente fuera de foco.

2.5/10

The Agonist - "Eye Of Providence" (Melodic Death / Metalcore)

Cuando hay tanto revuelo en torno a los integrantes de una banda, que no a su música, mi sentido araña-metalero se enciende... hay que mantenerse atento. Con The Agonist, para el que había seguido la noticia, había habido cierto drama. Su cantante original e ícono, Alissa White-Gluz salió para Arch Enemy, pero se quedó como productora de la banda (¿!?) y entró la griega Vicky Psarakis, que tiene un growl que, ciertamente, en caso de encontrarlo de sorpresa en medio de la madrugada, podría ocasionar un accidente cardiovascular... pero como que todo se enfocaba demasiado en eso y todavía había que mostrar si había o no sustancia.

Para mi The Agonist ha sido una de esas bandas interesantes, que nunca se habría de convertir en una de mis favoritas, pero cada disco, especialmente desde "Lullabies for the Dormant Mind" (2009), debía ser escuchado. Ahora con "Eye Of Providence" repiten la fórmula que los hace preferidos de cierto sector del Metal, al que le gusta el Melodeath agresivo con toques Modern, que fundamentalmente se reducen a coros/voces melódicas, con cierto uso (a veces abuso) del manido 'breakdown' tan usual en el Metalcore.

El disco es razonablemente bueno, pero para el nicho específico de seguidores. No aporta nada nuevo, ni un mínimo, lo que habría sido excusado por la entrada de la nueva cantante. No. Lo que The Agonist hace lo hace porque le gusta y lo hacen bien, pero no se van a arriesgar ni en lo más mínimo a mostrar avances o crecimientos. Podría asegurar, ahora que la banda tiene cuatro discos, que cualquiera que uno escoja para descubrir que hace esta gente será igual que el anterior o el posterior... que no está mal, pero tampoco aporta ninguna novedad. Digamos que si llega a ser el caso de que se es amante de The Agonist, este disco brindará la satisfacción de saber que su trabajo sigue, tan intenso como siempre, girando eternamente sobre su mismo eje.

Con excepción de The Perfect Embodiment, que me pareció una canción bastante buena, todas los demás temas giran en torno a 'la formula' y complacerán a los amantes de la banda. En lo particular no creo que haya grandes riffs, ni muestras de un songwriting excepcional, pero no deja por ello de sonar bien. Su instrumentación es -siempre lo ha sido- agresiva, fuerte y totalmente volcada a golpear con fuerza al receptor. No soy particularmente amante del constante cambio de voz que muestra Psarakis, aunque le admiro la capacidad de hacerlo. No debe quedar duda que no sólo tiene buena voz, sino un par de pulmones que le ayudan a mostrarse bastante bien. El problema es quizás que la influencia del Core y cierto dejo Modern no es de mi particular gusto... absolutamente injusto que mi comentario se deje influir por mi propio gusto y no sea más objetivo en lo que a ejecución se trata, pero no es la idea de este blog ser un paradigma de justicia, más bien la idea es contar de lo que me gusta y lo que no tanto, desde una visión más visceral... para lo primero mejor buscar a los críticos de verdad.

¿Pero acaso estoy diciendo que "Eye Of Providence" es malo? No, ni mucho menos. Pero es ciertamente plástico, estático y formulista. Un concierto de The Agonist debe ser una pasada, porque su forma de hacer Metal incorpora mucha intensidad, pero no son memorables, ni trascendentes. Tampoco es que todo el mundo debería -ni siquiera puede- serlo. Pero me habría gustado que aprovecharán la oportunidad del cambio para ir un poco más allá. Pero son lo que son y este es su tope artístico, cada disco es producto de una sola e inamovible inspiración, a algunos les gusta mucho, a otros nos gusta... pero un poco menos.

6.5/10

Steve Wilson - "Hand. Cannot. Erase" (Progressive / Art / Rock)

No pensaba escribir más en Marzo porque estoy dedicado a oír mucha música, más que a pensar en ella. De cuando en cuando hay que imbuirse en lo que está pasando y simplemente dejarse llevar, de esa manera es más fácil poner en perspectiva las señales que se están recibiendo. Pero el nuevo trabajo de Steve Wilson, conocido mayormente por su colaboración con Porcupine Tree, pero también por sus discos sólo (por lo menos tres o cuatro) es algo que no se puede -yo no puedo- dejar pasar. "Hand. Cannot. Erase", un disco Progresivo, pero con elementos menos metálicos, más bien Rock, Avant-Garde y Jazz, es uno de los mejores trabajos, dentro de los conceptos expresados, desde hace mucho y si supera bien la prueba que impone el tiempo, puede ser uno de los discos, no del año, que lo será, de mucho tiempo más.

Por si no quieren seguir leyendo, diré de una vez: Este es un disco genial, uno de esos trabajos que -imagino- que los músicos quieren que un día les salga. Si se es de los que aprecia los sonidos melódicos, fuertemente influenciados por lo realizado por gente magistral de décadas pasadas, como Alan Parson Project, Rush, Genesis y Pink Floyd, en los que hay cambios, sorpresas, proficiencia instrumental, riffs complejos y oscuros pero capaces de clavarse en el recuerdo y mucho sentimiento, no vayan más allá. Este disco conceptual que tiene letras y melodías descaradamente cautivadoras, desarrolladas en un ambiente que pasa de ser sereno, pero oscuro y melancólico, a impresionante y duro en el sentimiento. El mismo está basado en el cuento (no se si tiene como referencia algún hecho real) de un chica que se muda a una de esas ciudades grandes y anónimas y fallece en su casa, sin que nadie se de cuenta hasta pasados tres años. 

El uso de la guitarra, la batería, el bajo, los teclados y las voces, tanto la femenina, ejecutada por la israelí Ninet Tayeb, como la principal y los coros es de excelentísimo nivel, hipnotizante por decir lo menos, todo unido a la contribución que la Orquesta Filarmónica de Londres brinda en los temas Ancestral y Happy Return, la Schola Cantorum del Cardinal Vaughan Memorial School para las canciones Routine, Happy Return y Ascendant Here On...

La parte gruesa del disco comienza a partir del sexto tema, Home Invasion, pero no porque hasta la quinta canción haya sido menos emocionante.. ha sido un viaje sensaciones sensibles y de aturdimiento de los sentidos, preparando para el caudal que se viene. Desde ese momento, pasando por Regret #9, Transience y la descomunal Ancestral, tiende el camino hacia uno de los mejores temas del año Happy Returns, nominada a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

"Hand. Cannot. Erase" es, por supuesto, un disco que tiende mucho más al Rock que al Metal, pero no deja de tener sus momentos oscuros que hacen imposible decir que no pertenece, aunque sea un poco, al lado más fuerte del espectro musical. También sería inaceptable quedarse en el análisis meramente estético del sonido, hay que ir más allá. El disco entero en su hora y seis minutos, es emotivo, intenso, interesante y obliga a mantener la atención sobre él; mantiene la expectación y se hace inmenso en el oído. Su calidad sonora ayuda enormemente con el concepto, gracias a un rango dinámico que supera los 11 dB, lo que es poco menos que una rareza en el mundo musical de hoy.

En 2013 escuché "The Raven That Refused to Sing (And Other Stories)", pero me pareció quizás 'demasiado culto' para mi gusto, sin que pudiera catalogarlo como un disco malo, ni mucho menos, pero ahora, "Hand. Cannot. Erase" supera esa 'tara' por llamarlo así y me parece que rompe el paradigma necesario para hacerse notar en totalidad.

Incluso con algunos sonidos Pop que pudieron haberme distraído en algo, un sentimiento oscuro que puede empalagar en algún instante y cierto deseo oculto de que su sonido hubiera tendido algo más hacia el Metal, considero este uno de los mejores trabajos, sea cual fuere el género, en lo que va de año y lo recomiendo ampliamente, pero especialmente para aquellos amantes de lo que se oyó desde los 70's hasta finales de los 80's en materia de Prog a través de las grandes bandas de Prog / Art / Jazz Rock, algunas las cuales sobreviven hasta hoy.

9/10. Cuarto nominado a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica. Es bueno verse obligado a volver del retiro momentáneo por este tipo de discos.

Alkaloid - "The Malkuth Grimoire" (Progressive Death)

Mi experiencia con eso llamado las 'super bandas', es decir reuniones de gente con experiencia exitosa en otros grupos, no siempre ha sido buena. Me parece que el choque de egos y deseo de figuración muchas veces deja en la cuneta lo que ha podido ser una gran demostración. Pero con Alkaloid, una banda multinacional, conformada por gente venida de God Dethroned, Dark Fortress, Aborted, Spawn of Possession, Obscura y Necrophagist, ha conjugado los elementos para crear un gran acto, puede que uno de los mejores en el Death Progresivo de los últimos tiempos.

Efectivamente "The Malkuth Grimoire" es su álbum debut, pero tratarlo con la deferencia que el primer intento de una banda novel merece, luego de ver los nombres que se hayan detrás del mismo, es una tentación en la que no voy a caer. Esta agrupación, con este disco, merece, porque así también entrega, un análisis a fondo, así sea sólo para hacer honor a sus setenta y tres minutos de inmersivo Metal.

Alkaloid es fundamentalmente fruto del trabajo del guitarrista Christian Muenzner y el baterista Hannes Grossman, quienes dejaron Obscura y atrajeron la atención del vocalista Morean de Dark Fortress, para, con otros buenos músicos mostrarle al mundo como se puede hacer Death Progresivo, sin las exhibiciones abusivas del Technical, donde sería tan fácil haber caído, gracias a las dotes personales de cada uno de ellos y es con esto que este disco muestra, en primer lugar, como es de diferente. Su perspectiva, a pesar de la textura Death de la voz principal, es fundamentalmente Prog.

Hagan abstracción de la voz por un momento, por ejemplo en temas como Cthulhu, traten de ponerla en segundo plano... hay bandas Prog, de las consagradas, que ya quisieran ese nivel. Y aunque esa perspectiva ya lo comenzaría a hacer suficientemente interesante, no para ahí. "The Malkuth Grimoire" es un enorme y excelente disco, el cual es capaz de transportar a las zonas más elevadas que el verdadero Progresivo tiene. Casi cualquier tema es de calidad, fuerza e imaginación.

Canciones como Alter Magnitudes, Funeral For A Continent -la mejor del disco- y el trabajo conceptual en cuatro partes, Dyson Sphere, muestran texturas, cambios, colores, e intensidad, todo sobre la melodía justa para evitar el empalagamiento, que moverán al interés hasta a los más exigentes seguidores del Progressive y puede que también llamar la atención a bastantes fanáticos del Death. Aunque debo repetir, este disco usa los growls propios del género para darle fuerza, agresión y un nivel de sorpresa al trabajo, pero no es su centro, así que los Death-metaleros más acérrimos deben acercarse con precaución. Aquí hay una mezcla interesante e impactante, pero alejada de los estándares tradicionales... lo que a la vez, para mi, le gana mucho al disco. Es poco usual lograr sorprender y Alkaloid lo ha hecho. 

En lo musical "The Malkuth Grimoire" es seriamente groovy, emotivo y cambiante. Durante su recorrido se experimenta la sensación opresiva del Death, para -de pronto- encontrarse en el camino sinuoso de la mejor ejecución Prog, la que sube y baja el ritmo, el riff y el ambiente, utiliza un sólo instrumento para desconcertar, como en C-Value Enigma y todo eso, repito, sin caer en la tentación de hacer de este disco una autosatisfacción instrumental con la que habría sido tan fácil escapar. Por el contrario, sin descuidar el talentoso y pulido uso de las guitarras, batería, bajo y teclados, el enfoque es otro: crear un disco interesante, completo y complejo, pero accesible, aunque ciertamente pudo haber sido unos quince minutos más corto... supongo que la tentación intrínseca del Prog lo evitó. Si el disco tiene algún elemento menor, es ese. Puede ser demasiado ambicioso en su duración.

Para mi Alkaloid puede, de mantenerse así -e incluso si este fuera su único disco-, lograr convertirse en referencia universal de cómo se hace el Progressive Death. "The Malkuth Grimoire" es un de esos discos que atesoraré para repasar cuando sienta que pierdo la fe en el Metal. 

9/10. Tercer nominado a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica. El álbum intenso que todavía estaba por llegar en 2015.

Enforcer - "From Beyond" (Heavy / NWOTHM)

La filosofía detrás del Heavy puro es sencilla: rapidez, emoción, guitarras, comer hierro y escupir clavos... actitud ante todo. Por eso -cayendo en un lugar común- el Metal no morirá, y no porque yo crea en la pureza del género, sino porque siempre se podrá contar con la principal fuerza motivadora de la juventud como son las hormonas (jaja!), siempre estarán ahí... ¿quien con diecisiete años y un mínimo de conocimiento (o hasta sin él) no ha querido formar o formó una banda a la Iron Maiden?...

Los suecos de Enforcer son una prueba patente de lo que digo. Estos músicos presentaron su primer disco ya bien entrado el siglo XXI, y no tuvieron reparo en decantarse por el más puro y ochentoso Heavy Metal y desde ahí han logrado irse labrando un nombre en el ambiente. De hecho hay quien los ubica en una de esas multicomplicadas definiciones de la que el Metal es tan obtusamente proclive: el New Wave of Traditional Heavy Metal (NWOTHM) o, como dicen en sectores menos cultos (ejem!.. ridículos...ejem): los que hacen lo mismo que los que hacían otros peludos, pero antes de MTV.

Bromas aparte, Enforcer y "From Beyond", su quinto disco (o sexto si se cuenta el álbum a medias que tienen con Cauldron) muestra tres cosas: constancia, compromiso con el estilo y resistencia. Lo primero porque a pesar de todo lo que es para una banda de Heavy sobrevivir hoy por hoy, que no sea de las que tienen treinta años o más de haberse labrado un nombre, se mantienen presentando discos regularmente. Compromiso porque su enfoque es uno sólo y han dejado claro que van a seguir sonando como Maiden, Priest y Anvil, porque es lo que les gusta y Resistencia, porque a pesar de no haber estallado todavía con el nivel de sus referentes musicales, creen en ellos mismos y se percibe que llegarán a ser excepcionales.

"From Beyond" está definitivamente por encima de lo que hay por esos mundos y diría que cuando superan el cliché al que se dejan arrastrar en algunos temas, pueden llegar a ser excelentes. Canciones como Below The Slumber, Hungry They Will Come y The Banshee me parecieron de excelente factura, especialmente por el nivel de ejecución instrumental, sobre todo de la gran guitarra que Joseph Tholl maneja y el ritmo descomunal que muestran. La voz de Olof Wikstrand es interesante, aguda y melódica, pero no necesariamente dentro de lo que más me atrae, aunque no puedo negarle buena capacidad. 

Le falta sin embargo al disco una o dos canciones de esas definitivas. Para ser un disco Heavy hay un enfoque mayor hacia la capacidad interpretativa compleja y menos al riff transportador, a ese que marca una canción y la diferencia para siempre en la memoria. Ciertamente puede que sea muy difícil conjugar ambos elementos y aunque no me atrevería a decir que no hay pasajes interesantes, pues a pesar de todo la banda se muestra muy bien, eché de menos más color, que menos técnica. No es un disco fácil de calar en la memoria, quizás algún tema se salva, como Farewell y el mejor del trabajo, Hell Will Follow, pero para mi tiene problemas de fijación.

"From Beyond" es uno de esos discos que estoy seguro todo el mundo oirá en 2015 y se merece la atención que está atrayendo. Posiblemente Enforcer siga progresando y en un futuro cercano estalle en un trabajo que una todos los elementos de los que actualmente se ven capaces, junto con algunos coros y riffs que se claven más en el inconsciente. Mientras tanto, sólo algunos de los temas son realmente memorables, aunque todos están bien trabajados y redondean un buen disco.

7.5/10

Nightwish - "Endless Forms Most Beautiful" (Symphonic / Female Fronted)

"Endless Forms Most Beautiful" es una vuelta a las raíces del sonido de Nightwish, un poco más estilizado, con la sorpresa, agradable para unos y un poco menos para otros, del uso de la voz líder sin elementos líricos, lo que habrá a quien le parezca que le quita al conjunto su sello distintivo. Yo, en lo particular lo veo como el definitivo adiós, después de varios años, al lastre que significaba en la memoria colectiva asociada al grupo las cantantes Tarja Turunen y en menor medida, Anette Olzon.

Lo cierto es que, si se logra aceptar que la perspectiva de la banda ya no incluye la llamativa forma de hacer Symphonic con una voz 'culta' y sus elementos musicales tienden ahora un poco más hacia los sonidos Melodic y Folk que aporta la incorporación del inglés Troy Donockley y de Soundtrack, en la continuación de la estela que dejó "Imaginaerum" (2012), tal vez este disco se convierta en uno de los éxitos del año. A mi no me ha dejado de sorprender, a pesar de la fuerte expectación que generó y considero que Nightwish (nótese que no digo 'el nuevo Nightwish') ha creado un disco admirable.

Cuando se escucha "EFMB" se percibe la herencia de la banda, sus sonidos son lo que siempre fue Nightwish, casi cada canción me trajo a la memoria temas que les he escuchado antes y sin embargo, este es novedoso y con un diferente acercamiento, es un golpe de melodías, sonidos coherentes y emocionantes, no digamos bien grabado, mezclado y producido... que ya sería lo de menos viniendo de las manos de Tuomas Holopainen. Este trabajo puede fácilmente resumir lo realizado por la banda en sus casi veinte años de presencia en el mundo del Sinfónico y que los ha colocado como una de las referencias obligadas a la hora de hablar de Metal melódico.

Adentrándome en el disco descubro que es un trabajo con elementos conceptuales, basado en el libro 'El Origen de las Especies" de Charles Darwin, de donde se extrae el título y que se desarrolla en once canciones y más de setenta y ocho minutos; duración extrema derivada de la principal canción del disco, The Greatest Show On Earth, que para el reloj en impresionantes veinticuatro minutos, movimiento arriesgado y que puede ser muy grueso de tragar para algunos. Sin embargo el tema es de una calidad impresionante, cambiante, sensible, histriónico y sobrecogedor... merece y queda nominada como Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

El trabajo, como he dicho, es más melódico y de forma casi contradictoria, más suave, pero no aburrido, al contrario, en su recorrido hay guitarras interesantes e intensas, un uso exquisito del teclado, mucha atmósfera y gran sensibilidad. Es un disco hecho a la medida de los amantes del Metal ubicados en el sector más pacífico del espectro, que no flojo ni falto de bastante emoción. Los sonidos que se desarrollan en torno al riff central se hacen hipnóticos y permiten transportarse a varias zonas sensoriales. De hecho se me antoja decir que este disco pareciera realizado con la ejecución en vivo en mente, con el objeto de hipnotizar al público y esto creo que será lo que lo haga más duradero... veremos.

La banda suena cohesionada, la incorporación de la hermosa Floor Jansen es el suceso más importante en la banda desde la salida de Tarja y un acierto desde mi perspectiva, especialmente por el riesgo que significa haber decidido no usar la técnica de canto lírico por la cual Nightwish fue tan reconocido, sino usar el gran rango de la holandesa, desde una perspectiva más natural, a pesar de que es una excelente soprano (e incluso dominadora del growl)... claro, habrá a quien le parezca sacrílego hacer pasar a Nightwish por semejante cambio. Eso realmente creo que será el punto de quiebre en el comentario de los muchos fanáticos de la banda.

Todo el disco es interesante, lleno de oferta musical y de gran gusto. Incluso los temas fundamentalmente instrumentales tienen sentido de interludio y sensorialmente ayudan a crear un todo excelente. Me voy a decantar por sugerirlo ampliamente, a riesgo de que haya puristas (mayormente Tarja fans) que lo vean como una traición a la memoria de discos como Oceanborn (1998), Wishmaster (2000), Century Child (2002) o Once (2004). Nightwish vuelve al Symphonic luego de explorar las bandas sonoras y lo hace como sólo los grandes saben, con intensidad y calidad.

9/10 Segundo nominado a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica

Misþyrming - "Söngvar elds og óreiðu" (Black / Atmospheric)

Una nueva banda, bien críptica por cierto, es la islandesa Misþyrming. De características sonoras basadas en el Black puro unido con elementos Atmosférico y mínimamente o nada melódica, me ha llamado la atención en estos últimos días, los cuales -debo confesar-, he notado que a pesar de que la cantidad de discos publicados continúa incesante, poco hay realmente atractivo. 

Es en este sector del Metal donde generalmente se consiguen las más interesantes sorpresas, el Black es uno de esos estilos que se presta para mucho, desde el más rabioso conservadurismo en su sonido, hasta mezclas improbables con el Trance y todo lo que puede haber en el medio. Es ciertamente para mi el estilo más interesante desde la perspectiva creativa. En cada esquina puede asaltar el mismo Black, vestido de incontables de atuendos... todos el mismo, ninguno igual. Desde el Black de vieja escuela, pasando por el Second Wave, al Atmosférico, el Melodico, el Porn y pare de contar, es difícil que haya un género más polifacético  (y si, además me gusta un monton)

Volviendo a Misþyrming, su disco debut "Söngvar elds og óreiðu" es no sólo impronunciable, sino sólido y brutal. Entiendo era un proyecto solitario del multiinstrumentista y voz D.G., al que se unió el baterista H.R.H. para producir un disco que tiene un fuerte sentido de agresión, atmósfera e instrumentación de impacto. Sobre tonos salidos del Black más puro, nutrido de sonidos que hablan de ominosidad sobrecogedora, posiblemente fruto de la particular experiencia que debe suponer vivir en un sitio tan apartado como Reykjavík, el trabajo muestra un excelente desarrollo.

Growls inentendibles y coros oscuros, una batería muy bien trabajada, una guitarra que guía el sendero con un tono que sirve para embotar el sentido, junto con un toque ni tan minimalista de tonos depresivos, en el que los riffs se van sucediendo a lo largo de los mismos temas, hacen de este un excelente rato y se me antoja una de las mejores escuchas en lo que va de año. Por supuesto que esta es tierra árida, no lo recomendaría para gustosos de géneros más fáciles, pero para quien quiera, sepa o pueda apreciar lo que hace Misþyrming, en los apenas cuarenta y tres minutos que dura el disco, hay mucha intensidad que descubrir.

El aspecto más interesante del trabajo es sin duda su emocionalidad, la cual pinta un ambiente desolado, agrio y envolvente, que conjugado por el ritmo contenido, atrapa y embota. Este tipo de entregas sensoriales son las más preciadas por mi, una de las cosas que me atrae a estos sectores extremos del Metal. Es claro que no es fácil adentrarse en el concepto de bandas como estas, pero una vez que se comprende la liturgia, la emoción se altera... casi religioso sin duda.

El disco tiene mucho más de obra conceptual que de oír temas sueltos, creo que debe verse como una sola ejecución. Aunque algunos pocos pasajes se puede decaer en intensidad sin necesariamente compensar con atmósfera, como en Frostauðn, creo que este disco está bien encima del promedio de lo oído este año en materia de tragos fuerte y me permito recomendar explorarlo, con la cautela propia que demostraciones como estas sugieren.

8.5/10. Primer nominado a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica

Galar - "De Gjenlevende" (Melodic Black / Atmospheric)

Este trío noruego, Galar, tienen tres discos incluyendo el que comentaré, "De Gjenlevende". No tengo referencias anteriores de ellos, cosa que me amarga porque su ejecución es de gran calidad y creo que aquello que no he oído es tiempo irrecuperable... es la bendición y maldición de ser un insatisfecho por el Metal.. si, esa sería una buena definición de mí mismo, alguien que quiere 'escucharlo todo', sentir toda la emoción que la más impactante de las derivaciones del arte ha creado. Es una quimera, pero persigo humildemente el objetivo día a día,  porque se que nunca lo alcanzaré.

Black Melódico y una fuerte dosis de Atmosférico se despliega en sólo cinco canciones, y casi cincuenta minutos de ejecución, donde la evolución de los temas es simplemente genial, apenas detalles aquí y allá en la terminación de una estrofa u otra evitan que me levante de la silla (ya varios de los que me siguen saben que esa es un 'medida' personal para mi evaluación), sin embargo el trabajo es sin duda excelente, de los que te arrastra en el ritmo y seduce con los claroscuros en los que el sonido se transforma y que a diferencia de otros actos de similar definición, contiene bastante más melodía de la esperable, sin caer en lugares comunes. Diría que casi cualquier que haya superado la etapa de 'el Metal no me gusta' puede llegar a percibir con emoción lo que esta banda ejecuta.

Ciertamente le falta el remate, ese concepto etéreo que hace que un álbum pase de excelente a excelso, pero no deja ello de mostrar un gran nivel en el teclado, la percusión y posiblemente la voz, ligeramente menos intenso en guitarra y bajo. En todo caso aquí hay de donde extraer para lograr ese estado acogedor que el buen Black, especialmente el que tiende al Atmosférico, puede ofrecer... donde se conjugan emoción y sonido.

Cuando hablo del 'remate' estoy definitivamente incorporando un elemento que los músicos generalmente odian cuando alguien que se las da de crítico comenta y es ese elemento imposible de construir, a menos que el músico y el receptor sean el mismo y que no depende de nada técnico, ni instrumental, ni mierda... es esa formación en la mente de los sonidos de manera perfecta, eso que ocurre pocas veces en la que escuchas esa canción o ese disco y en la medida que avanza tienes la certeza de lo que va a venir. Galar hace aquí el mejor esfuerzo para crear ese efecto, pero para mí queda unos centímetros cortos.... lo que estoy diciendo carece de toda objetividad y para cualquiera "De Gjenlevende" puede ser perfecto (con justa razón), para mi es excelente, pero... utilizando una argumentación circular, le faltó remate.

Obligándome a ser lo más objetivo posible, el disco es coherente, intenso, complejo y envolvente. Hay una evidente muestra de conocimiento instrumental y de cambios que logran uno de los efectos más interesantes del Metal, no hacer aburridas canciones que en tres oportunidades de cinco llegan a superar los nueve minutos. El sello que imprime la utilización de la melodía, especialmente la del piano, es interesantísimo y muy poco usado por bandas similares. La grabación es solamente regular, llegándose a escuchar claramente sonidos de fondo que me parece que no habrían querido que estuvieran ahí... aunque todo es posible.

Temas como el homónimo del título, el de cerrar Gjeternes Tunge Steg y el mejor del trabajo, Natt... Og Taust Et Forglemt Liv, valen la pena, calan duro y envuelven con un aura de interés y emoción. Puede que por momentos se derive demasiado en el desarrollo, pero son como dicen lo catadores de vino, redondos. La verdad es que sigo preguntándome, después de casi quinientas entradas en este humilde blog, cómo es que realmente se puede hablar de música con sólo palabras... Todo está en la percepción. En todo caso, esta es una oída obligatoria en 2015. Disco de verdad interesante.

8/10. Muy buena portada.

Moonspell - "Extinct" (Gothic / Modern)

Siempre resulta complicado el siguiente disco luego de haber tocado el cielo con las manos en el trabajo anterior. Para los portugueses de Moonspell, la banda más conocida de ese país, no iba a ser diferente. El doble disco anterior "Alpha Noir" y "Omega White" (2012) había sido un trabajo realmente excepcional, reconocido por la gran mayoría del público -incluyéndome- como el posible pináculo en la carrera de la banda. Ahora con "Extinct" toca comprobar no ya calidad, que la banda la tiene, sino continuidad.

Los sonidos de este disco son ciertamente diferentes a los del anterior y es lo primero que quiero destacar, "Extinct" es una reinvención de la banda, que para bien o mal ha decidido experimentar con un estilo bastante menos agresivo, más enfocado en la melodía con la voz limpia de Fernando Ribeiro. Aún manteniendo cierta perspectiva agresiva, el disco tiende más a los sonidos fáciles, por lo que creo que se producirá un efecto interesante: gustará más a los nuevos fanáticos y menos a los seguidores de vieja data... recordemos que Moonspell tiene casi veinticinco años en estas lides.

Aunque creo que conozco relativamente bien a Moonspell, estoy seguro que no le llego a los talones a los muchos que son verdaderamente seguidores y conocedores de ellos, siendo ésta ciertamente una de esas bandas que se pueden llamar 'de culto', por lo que a riesgo de equivocarme diré que, desde mi perspectiva, estos portugueses se han distinguido por saberse adaptar, por ir cambiando a lo largo de su carrera... lo que es un riesgo en el mundo musical, pero sobretodo en el del Metal, donde nos la damos de abiertos, cuando lo cierto es que puede que los metaleros seamos de los espectadores menos proclives a aceptar las sorpresas estilísticas con facilidad. Pero volviendo al punto, "Extinct" es un disco diferente al doble anterior y no digamos a lo que originalmente era Moonspell, quienes han pasado por el Black y el Dark para llegar al Gothic y a lo que presentan ahora... llámese como se llame, pero que pareciera estar abriéndose a nuevas influencias, como el Modern.

Ya..., se que los incondicionales que leyeron la clasificación con la que termino el párrafo anterior abrieron los ojos y clamaron por sangre; no es para menos (tampoco es que la banda se transmutó, ojo). Pero ciertamente este es un trabajo mucho más dulce que lo presentado hasta ahora... ¿pero dulce es mejor? Si y no, depende. En términos generales su doble disco anterior me gustó más, fue totalmente intenso y emotivo, no demasiado fácil, pero aquí no hay tanto de los tonos propios que han distinguido a la banda, ciertamente algunas canciones no me han satisfecho por haberse dejado seducir por una perspectiva más luminosa, no llegaría a decir Pop, pero en algunas, como en The Last Of Us, Funeral Bloom, casi corriendo ese riesgo. Otras, como Breath (Until We Are No More) y Extinct y Until We Are No Less, son de lo mejor del disco.

Puede que el uso de los teclados y una guitarra menos abrasiva sean los elementos que más los haga tender hacia ese sector fácil del Metal que han escogido ahora. Este un disco multifacético, a veces interesante, otras no tanto, pero en mi imaginación podía haber mostrado algo más de lo que un ejemplo como el anterior había traído. 

En resumen, aprueban el examen que supone en la memoria "Alpha Noir" y "Omega White" pero su corrimiento hacia un sector más melódico en detrimento del sonido Gótico les hará ganar seguidores nuevos, en tanto que a nosotros los más veteranos, no tanto. No llego a decir, como he leído y escuchado, que no son ni siquiera la misma banda, pero hay cierto atrevimiento arriesgado en el intento.

7/10

Enslaved - "In Times" (Blackened Progressive)

Mientras estuve unos días alejado tuve la oportunidad de escuchar algunos nuevos trabajos, ciertamente creo que comienzan a llegar discos de alta factura. Uno de ellos es "In Times" de Enslaved, quienes con los años han mostrado gran capacidad. Su último disco, "RIITIIR" (2012) me pareció un excelente trabajo, algo ecléctico, pero interesante. Ahora con este se comprueba la dirección que parecían haber tomado, sonando mucho más Prog y volviendo posiblemente a retomar con algo más de intensidad el trasfondo Black.

Menos proclive al uso de influencias Doom o Folk que su anterior, pero manteniendo elementos Ambient, "In Times" se me antoja como un excelente trabajo, ciertamente rítmico y complejo en su desarrollo instrumental, con una voz limpia de calidad y un growl duro, que verdaderamente pinta oscuro, Blackened como dirían los que saben.

Apenas seis canciones, largas todas, por encima de la marca de los ocho minutos, llegando casi hasta los once en una de ellas, me atrajo sobremanera la forma de desarrollarlo, con elementos que me recordaron lo realizado por Scar Symmetry el año pasado. En cualquier caso tampoco es que están reinventándose y todavía se pueden distinguir los elementos con los que se han diferenciado, siendo el tema One Thousand Years Of Rain el que más los debería identificar con su base de seguidores, ciertamente una buena canción.

Está claro que para ser una banda nacida con fuerte tendencia hacia el Black y siendo oriundos de Noruega puede que haya quienes se sientan confundidos por la dirección que desde 1994 han tomado luego de presentar aquel "Vikingligr Veldi", pero no creo exagerar diciendo que discos como este cimentan el nombre de la banda. Otros temas realmente intensos como Nauthir Bleeding muestran gran nivel de ejecución, libertades creativas interesantes, agresión, cambios de ritmo y grandísimo manejo en la ejecución; la guitarra de Arve Isdal no tiene nada que envidiarle a otros buenos referentes y es claramente el punto focal de "In Times", quizás junto con la voz de Grutle Kjellson.

El disco está en general bien, sin embargo algunas canciones como In Times me atrajeron menos, pecando quizás del elemento Progresivo por el ánimo de él mismo, haciéndola menos fluida e interesante... no es tampoco mala, pero otros momentos me atrajeron más.

El apartado Atmosférico del disco tiene una modificación interesante respecto a sus anteriores presentaciones, pues rebajan el uso de los teclados de forma substancial, lo que seguramente será del agrado de algunos, pero la crítica de otros. En general me pareció bien llevada esta herramienta, con la cantidad suficiente para crear ambiente, sin abusar.

No soy ajeno a la gran acogida que el disco ha tenido en al comunidad metalera, pero creo que no alcanza el mejor nivel que mostró la banda cuando presentó "Below The Lights" (2003), mayormente por cierta sensación letárgica que zonas de algunas canciones muestran, como Daylight. Aún así es un buen disco, que hace honor al nombre de estos experimentados y le permite incrementar su legado en números enteros.

7.5/10

El link de descarga fue removido a solicitud de la DMCA... ya me estoy comenzando a preocupar, por lo que a partir de ahora no los colocaré, no sea que la tomen con el blog. Pueden -eso si- buscar los enlaces en la sección Los mejores sitios para descargar Metal ubicados en la parte izquierda de esta página

Ausencia temporal

Por unos pocos días estaré de viaje, por eso no he escrito nada.

Pero no me olvido de mi querido blog, estaré de vuelta pronto.

Alfonso

\m/

Manilla Road - "The Blessed Curse / After The Muse" (Heavy / Proto Metal / Classic Rock)

Manilla Road puede ser fácilmente una de las bandas de Rock/Metal más viejas todavía en activo. Hay quien sitúa su creación por el año 1977 y sin discusión estaban establecidos en 1980 cuando presentan su primer disco "Invasion", el cual yo recuerdo haber tenido en acetato. MR es sin duda el hijo predilecto de de Mark 'The Shark' Shelton, quien es su cantante y guitarrista y quien imprime su característica voz al ensamble... no creo exagerado decir que por eso la banda es amada o odiada, sin casi términos medios y puede que con cierta razón.

La voz de Shelton es enigmática, ciertamente muy groovy. En lo particular no he sido nunca un amante específico de su trabajo, pero no por ello he dejado de disfrutar algunas cosas, especialmente aquellos primeros discos donde el proto Metal Progresivo que planteaban sonaba novedoso y la preponderancia de la guitarra, con ese sonido eterno que también distingue el trabajo de la banda, lograba hipnotizar... bueno no voy a entrar tampoco a comentar los casi veinte discos que tienen en su haber.

Mejor hablamos de "The Blessed Curse / After The Muse". El disco doble es bueno, interesante, nuevamente mezcla Rock y Metal y usa a todo su largo los elementos psicodélicos que la voz de su líder imprime, la batería es excepcionalmente precisa y diversa, siendo posiblemente el más complejo e interesante de los elementos instrumentales del trabajo, junto con la guitarra que -como era de esperarse- es la otra protagonista. Todo enmarcado en el estilo que los distingue, el cual diría que tiende a ser Heavy, con elementos Epic y NWOBHM, grabado con un cierto nivel de eco que pareciera por momentos que se grabó en una cueva, pero es sólo un efecto del que gusta usar (¿abusar?) la banda.

Los temas del disco se sienten bien desarrollados, pero pocos lograron realmente atraparme, aunque tiempo para ello ya podría haber tenido, ya que "The Blessed Curse / After The Muse" se extiende por casi hora y media, lo que me parece que excede lo que era necesario para la trasmisión del mensaje... pero claro, es un trabajo doble. Ciertamente hacia el final se me hizo cansón, especialmente a la altura del tema Reach y llegué a estar tentado a pararlo para retomarlo luego y aunque no lo hice.... quedé agotado lo reconozco, esa voz y perspectiva sonora de la guitarra requiere cierta aceptación que yo no tengo tanto.

El primer disco tiene la interesante particularidad de ser un trabajo conceptual que narra las virtudes y vicisitudes de un rey sumerio llamado Gilgamesh a través de diez canciones bastante homogéneas e interesantes, en tanto no te agoten en su estilo. El ritmo de los temas es el mejor conductor para dejarse llevar, realmente hipnótico en algunos momentos.

El segundo disco, o la segunda parte del trabajo, es más mayormente instrumental, bastante más suave que el primero, posiblemente mejor en lo que mi parecer se trata, con una guitarra acústica dominante en algunos sectores que pareció interesante, diría que con reminiscencias del sonido Rock de una época pasada, a la Emerson, Lake & Palmer, destacando indudablemente el tema Life Goes On Life Goes On Life Goes On, el mejor de toda la grabación, así como el remake de su viejísimo tema All Hallows Eve, el cual se extiende por quince minutos.

Está interesante el trabajo, dirigido sin duda a su base específica de seguidores, quienes seguramente se sentirán a sus anchas, aunque no deja de tener elementos que podrán interesar a oidores menos versados en las artes de esta legendaria banda. Se puede oir y disfrutar, aunque sugiero hacer pausa entre disco y disco para evitar el atragantamiento.

7/10

Ensiferum - "One Man Army" (Folk / Viking)

A mi me cuesta ser ecuánime con Ensiferum. La mezcla de Melodeath, épica, melodía, velocidad y sentido de grandeza de su Folk son aniquiladores. Ya en 2012 "Unsung Heroes" disco demonizado por algunos, para mi fue el Mejor Disco Folk de ese año y en general siempre me he sentido impactado por lo que hacen. Con la nueva entrega de "One Man Army", que viene a convertirse en su sexto larga duración, nuevamente me rindo a su manera de ver el Metal ubicado en el espectro más melódico y emocionate. Nuevamente han golpeado con fuerza.

En "One Man Army" no hay saltos al vacío, no hay intentos de redescubrir cómo se realiza un disco para que suene a vikingos, a luchas épicas en parajes nórdicos y a la fiesta de carne al fuego y cerveza luego de la victoria... Los coros emocionantes, el galope desbocado de la guitarra y la melodía con fuerte sentido épico tienen en Ensiferum un fiel protector. Luego de abrir el disco con un intro sinfónico en el que se percibe la emoción que se va a derramar a continuación, tres canciones seguidas, Axe Of Judgement, Heathen Horde y One Man Army entran a mostrar excelente factura, en la que el centro de atención va pasando de la guitarra, a la voz, a los coros, a los elementos que aporta el sintetizador y crean la atmósfera necesaria.

Luego baja el ritmo y una tonada que sirve de interludio y habla de memorias de la guerra y los caídos en ella sirve para que haga su aparición otro tema épico, Warrior Without A War. Un tema interesante, pero en el que algunos detalles de la voz líder y un coro demasiado cliché me atrajeron menos. El disco se desarrolla de forma interesante a partir de ahí con temas buenos o muy buenos, con alguna excepción donde se aletarga el impacto. Es -como se sabe mi posición- difícil lograr mantener la atención en trabajos de tantos temas, quince, especialmente cuando los discos son tan melódicos y épicos, pues se amelcochan pronto.

Cry For The Earth Bound es menos interesante, un poco dispersa y la voz femenina de Emmi Silvennoinen no me atrajo tanto, buen coro sin embargo. Se brinca a Two Of Spades, donde se retoma el ritmo, la emoción y una dosis de agresión suficiente y necesaria para despertar algo el sentimiento, tampoco es la mejor canción de la banda y pudo ser uno de los temas que sobró.

My Ancestors' Blood es un tema Viking en estado puro, crudo y evocativo, suficientemente melódico, pero interesantemente agresor y de un riff de guitarra que recomiendo oir en un buen equipo y a suficiente volumen para sentirse arropado por la emoción de la voces de de Petri Lindroos y Markus Toivoren que me recuerdan porque le tengo especial aprecio a Ensiferum.

De ahí se brinca al 'magnus opus' Descendants, Defiance, Domination, un temazo de más de once minutos que tiene de todo, un intro oscuro, lento pero no suave, el cual -como en una película- desarrolla de todas las maneras posibles un excelente riff que se va grabando en la mente y me llevó a encontrarme tarareandolo por las esquinas... con algunas sorpresas, como sus elementos Prog en la instrumentalización y hasta en los cambios de ritmo. No se hace largo, es envolvente y tiende a sentirse sublime.

Luego algunos experimentos divertidos, la excelente musicalidad del tema cantado en finés, Neito Pohjolan me pareció un hermoso regalo, que esquiva la típica balada de un disco melódico y a la vez cumple el cometido de darle a "One Man Army" su toque menos grueso, más para el oidor desprevenido. Candour And Lies me recordó mucho lo que ha realizado en materia de Folk la banda Alestorm e incluso Turisas, es un tema melodioso y divertido con aires de Western; este se repite al final del disco, cantado en inglés. Ojo porque en las versiones que he obtenido parece que hay una confusión en los nombres de las canciones pues la llaman War Metal, cuando su traducción sería algo así como La Dama de Pohjolan.

Para cerrar los temas oficiales la canción que realmente se llama War Metal (cover de Barathrum) es una vuelta a la realidad, intensa, agresiva, casi Black, la menos melódica del trabajo, con elementos fuertes e interesantes. Si se considerara que la canción Bonus Song forma parte oficial del disco (de lo que no estoy del todo seguro) puede que sea lo más inusual de todo el trabajo, pues su sonido True, a lo Manowar no me terminó de satisfacer del todo.

Creo que "One Man Army" repite virtudes de trabajos anteriores de Ensiferum, con mínimos 'peros' y eso le permite ganarse nuevamente un lugar en el gusto de los seguidores del Folk, un poco por debajo de su trabajo anterior pero tiene madera para entretener bastante.

8/10. Excelente portada.

Subterranean Masquerade - "The Great Bazaar" (Progressive / Jazz / Experimental)

Esta es una banda eventual. Músicos que ocupan su tiempo en otros grupos, apartados entre ellos miles de kilómetros, quienes descubrieron un día que tienen sintonía y buena vibra cuando se unen y algunos jamming les salen bien... pero sólo para ocasiones especiales. De hecho Subterranean Masquerade tenía diez años desde que presentó "Suspended Animation Dreams" su primer y único trabajo hasta este, que es es sin duda una muy buena idea, pero que por sus propias características le hacen difícil alcanzar las cotas más altas.

"The Great Bazaar" es un interesante trabajo Progressive, con ciertos toques experimentales y Jazz, especialmente en los sonidos etnicos-medio orientales, con una interesante perspectiva en la mezcla de las voces limpias, algunos growls y riffs que por momentos pueden llegar a ser muy buenos, ciertamente todo en el marco de un sentido melódico y suave del Metal. La instrumentalización, como es de esperarse de una banda de gente experimentada, no deja nada al azar y puede ser el aspecto más interesante del disco.

Este es un proyecto de Tomer Pink con gente que viene de November Doom, Orphaned Land, Solstice Coil, Tristania y otros músicos nuevos que traen sus influencias a este trabajo, para crear un disco inteligente e interesante, hermoseado en lo que la ejecución respecta y con un interesante sentimiento, siempre contenido, un poco demasiado dulce para mi gusto, pero de tonos brillantes y sinceros.

El trabajo vale mucho la pena, sin embargo es 'ondulante' -es el término que más adecuado luce-... si bien es cierto que todas las canciones ofrecen elementos interesantes, casi todas ellas también decaen por momentos, o se pierden en el tema o frenan un poco el concepto, como queriendo decir más de lo que realmente se puede. Nadie -mucho menos yo- podrá alegar que el songwriting no es complejo, incluso preciosista, pero le falta algo de punch... algo más que sostenga la emoción. Temas como Nigen y Father son el ejemplo más claro: sonidos hermosos, ataques melódicos emocionantes que se dejan perder en demasiado eclecticismo... ese es el detalle discutible del disco, a mi parecer. 

Son tan disímiles los miembros de la banda y tan poco lo que en el transcurso de diez años han producido que pareciera que desean verter todo su bagaje musical en los poco menos de treinta y nueve minutos que dura "The Great Bazaar", corriendo el riesgo de sonar como se vería una colcha de retazos... un poco de todo, que no es mucho de nada, pero arropa. Repito, este es un buen disco y las buenas ideas en él casi se pueden palpar con las manos, incluso los difíciles elementos Melodeath que la voz incorpora a un trabajo que cualquiera percibe como fundamentalmente Prog están bien puestos, pero la mezcla es intrincada sin duda, demasiado quizás.

Los sonidos del Medio Oriente dejados colar por aquí y por allá son interesantes, pero no siempre me terminaron de atrapar, especialmente en el tema Specter. Bajo y batería son de excelente ejecución, la guitarra magnífica y el sintetizador y sonidos orquestales bien logrados, aunque las voces son lo mejor del disco, sobre todo en los primeros tres temas, Early Morning Mantra, Reliving The Feeling y Tour Diary. Si se está en la búsqueda de algo menos agrio y ciertamente más relajante, este puede ser un buen comienzo para satisfacer el ánimo.

8/10. Buena banda, muchas ideas, buen disco, cierta falta de homogeneidad.

Napalm Death - "Apex Predator - Easy Meat" (Death / Grindcore)

Existentes desde el inicio de los tiempos, son casi tan viejos como Lemmy y sin duda, si no son los padres del Grindcore porque Carcass tenga ese honor, son los padrinos. Con un nivel cambiante -más que entre discos, entre épocas-, posiblemente derivado de una irregular alineación, que según lo que me parece supera facilmente las quince personas que pasaron por esas filas, incluso algunos buenos metaleros ya idos, sin embargo cada disco de Napalm Death es una obligación, no deja de ocurrir con "Apex Predator - Easy Meat"... nombre realmente bueno para un trabajo.

Superado hace mucho el punto en el que la banda dejó su legendario ritmo explosivo punk y en el que el Death/Grind ha sido abrazado con fuerza, este disco tiene elementos que lo hacen interesante por el absoluto nivel de agresión que el mismo destila. No se si a los fanboys de la banda los insultará mi visión: creo que ese es -sin ser el único motivo- el principal motivo de existir de "Apex Predator". Este trabajo se ha enfocado en demoler la tranquilidad de quien se atreva a colocarlo, su intención sensorial busca hacer percibir el golpe demoledor, la rabia desatada y la crudeza impúdica... no es que me esté quejando, no me malinterpreten.

Está claro que el deseo del riff permanente, la ejecución pulida y el sentimiento progresivo no son los motores del disco, sin que ello me haga sugerir que el mismo no tiene sentido o es inentendible, muy por el contrario: el objetivo fundamental del Metal crudo, cuya finalidad es pintar imágenes extremas y brutales está logrado con "Apex Predator - Easy Meat". Ciertamente el espacio reservado en el corazón de la gente para este tipo de música es limitado... y no, Napalm Death, haciendo esto mismo, puede meter setenta mil personas en un sólo evento y poner en trance a todos... y nadie se queja, aunque en el mosh haya algunos moretones.

Por una vez trece temas no son demasiados, ya que la banda, en su insondable experiencia, sabe que los temas largos no tienen cabida en una ejecución de esta intensidad. Por eso, fuera de Apex Predator - Easy Meat, tema escandalosamente bueno que llega casi a los cuatro minutos, el resto del trabajo se detiene en torno a la marca de los ciento ochenta segundos o menos, brindando píldoras de dolor y agresión, como en Smash A Singles Digit, Metaphorical Screw You (otro gran nombre), Stubbon Stains o Cesspits, la cual puede causar pesadillas a los oidores desprevenidos y así bastantes otros temas, hasta el final. Mención especial al tema más 'diferente' del disco, Hierarchies, interesante desarrollo y hasta melodía en el coro.

No siento mayor avance en el sonido, ni retroceso tampoco; es una sola ejecución, estentórea, cruda e intensa, con momentos que a veces pueden pecar de poco definidos, pero que en la suma total resultan un rato interesante. En lo particular me hace sentir bien que Napalm Death goce de buena salud, haya vuelto para asaltar los sentidos de sus seguidores en estos meses iniciales del año y mantenga en alto su legado. Podría ser mejor, podria ser muchas cosas, pero es lo que siempre (o casi siempre) han sido. Riffs cortantes y crudos, la voz de Mark 'Barney' Greenway que mueve a las pesadillas y en general un interés por la transmisión de emoción y fuerza que pocas bandas con tantos años a cuesta todavía son capaces de hacer. Cannibal Corpse sigue siendo mi favorito a la hora de agredirme con una pared de sonido, pero ND tiene y retiene clase.

7.5/10. En la caja hay dedos.

Cardiac Arrest - "And Death Shall Set You Free" (Death / Blackened Death)

Para aquellos amantes del sonido agresor y brutal del Death, este debe ser un disco de necesaria escucha. Los norteamericanos de Cardiac Arrest, con su quinto disco de estudio "And Death Shall Set you Free" presentan un trabajo que golpea duro, tiene estilo, un desarrollo instrumental bastante por encima de lo usual y por lo que se percibe, incluso comparado con algunas bandas conocidas, con mucha intensidad.

Este larga duración, que conjuga un Death tradicional pero que se matiza con un trasfondo Blackened, tiene una particularidad que lo ayuda a diferenciar de otros, fundamentado en el alto nivel de ejecución, el cual, sin perder el foco del sonido árido e intenso, deriva en largos pasajes de gran calidad musical, ayudando a construir temas sorpresivos y espectaculares. De mi parte creo que no había tenido el gusto de encontrar recientemente un disco que me permitiera este fuerte nivel de inmersión, incluso me encontré repitiendolo varias veces sin casi darme cuenta.

No es ni mucho menos un disco Progressive, pues la agresión y contundencia del sonido está ahí, enmarcado en riffs claramente diferenciados y un growl -ejecutado por Adam Scott- que retumba muy bajo y se percibe visceral, pero el uso de la guitarra y bajo, incluso de la batería, no es la típica exhibición de una banda de este estilo. Hay cuidado por los detalles y mucha intensidad, -como dije- largas zonas meramente instrumentales (algo altamente inusual) y un songwriting tiránico y oscuro.

Casi cualquier temas vale la pena, pero especialmente los largos, como Bridge Burner y Rise! Part Man / Part Beast son los más interesantes e intensos. En ellos hay de todo, ritmos lentos a lo Doom, ataques brutales de velocidad, blastbeats poderosos y riffs que van variando y creciendo, haciendo del producto final un verdadero ataque a los sentidos y mostrando en "And Death Shall Set You Free", desde mi criterio, uno de los mejores trabajos Death del naciente 2015.

Puede que haya ciertos amantes puristas del género que disfruten menos algunos elementos ligeramente melódicos que se pueden percibir aquí y allá durante el desarrollo del trabajo, especialmente en algún solo de guitarra o algunos riffs, sin embargo creo que distaría mucho de considerar este disco como asequible para aquellos metaleros menos proclives a la rudeza... incluso pueden oírse ligeros elementos Punk en el ritmo que temas como Death Toll Rises y There Is No Escape muestra, sin llegar a perderse nunca del camino que el estilo exige.

Me ha sorprendido un poco que a pesar de la calidad que creo que tiene Cardiac Arrest esté, al menos de momento, pasando tan por debajo del radar de los sitios que normalmente se ocupan de hacer comentarios, puede que sea debido a que sus cuatro discos anteriores no habían sido del todo bien recibidos, especialmente "Vortex Of Violence" (2012), que es -honestamente- el único trabajo que les había oído y no me había impresionado.

Mejora pues notablemente Cardiac Arrest en esta oportunidad con "And Death Shall Set You Free" luciéndome dentro de lo mejor que en Death / Blackened Death ha caído este año en mis manos. Recomendable para todos aquellos que se permiten tragar grueso en el Metal.

8/10