Folkodia - "The Fall Of The Magog" (Folk / Heavy / Power)

Folkodia es ahora otra banda... aunque no necesariamente para mal. Reminiscencias y cuatro o cinco canciones sobrevivieron a la hecatombe que tuvo que haber vivido entre 2011 y hoy esta banda internacional (por la cantidad de gente que la conforma y disimilitud de nacionalidades de sus miembros), pues el Folk y el Viking puro que mostraban fue sustituido por bastante Heavy y Power, hasta elementos Thrash, relativamente buenos por cierto. Ahora, ¿Están viviendo del nombre-franquicia y prefirieron no iniciar una nueva banda? No se, pero el triste fallecimiento de su fundador y líder, Ruslanas Danisevskis, por culpa de un cáncer de piel, ha cobrado su precio.

Me gustó "The Fall Of The Magog", aunque hasta cierto punto pudo haber sido poco sincero. En un contexto general el disco es bueno, pero ni son lo mismo que eran, ni creo que quieran serlo, ni que lo vayan a ser en un futuro. El concepto único de la banda ha dejado de existir, para pasar a convertirse en algo diferente, interesante y divertido, especialmente en sus canciones Folk y algo menos en las que siguen otros estilos, sin llegar a ser malas.

Entiendo, más que como audiófilo, como trabajador profesional, su nudo gordiano: Se fue la persona que era el eje fundamental sobre el que giraba la banda y quedaron ocho o nueve buenos músicos 'colgados de la brocha' al momento que les retiraron la escalera, ¿Quiere eso decir que todo debe lanzarse por la borda, aunque el cambio vaya a notarse en el producto final?, ¿Debe comenzarse de nuevo, establecer un nombre desde cero?... para cualquiera que haya pasado el inicio de una carrera profesional -cualquiera que esta haya sido- la respuesta definitiva será no, hay que jugar y apostar con las cartas que se tienen en la mano y Folkodia ha apostado todo, con relativo éxito y dejando la puerta abierta a un próximo trabajo que -creo- determinará si valió la pena el esfuerzo, o todo acabó. No por nada supongo que hicieron este este disco corto a propósito, apenas sobre los cuarenta minutos, como para probar la reacción de los seguidores.... ello determinará el futuro, con seguridad.

Considero este disco como mucho más agresivo que su predecesor, "Battle And Myths" con bastante más fuerza gracias al giro de estilos. Las canciones están llenas de riffs rápidos y blastbeats, pero con menos elementos Black de lo que nos tenían acostumbrados. Por supuesto también los elementos Folk juegan un papel importante, pero al estar dosificados hacen que la banda pierda buena parte de su identidad. Muchos riffs, con un ambiente Heavy tradicional, hacen del disco un momento divertido, siendo los coros lo mejor que exhiben. El trabajo de guitarra es notable y los instrumentos típicos juegan nuevamente un papel distintivo. Creo que, en el análisis final, la banda busca seguridad y sienta las bases para un futuro interesante, en caso que el mismo llegue a convertirse en realidad.

Las voces femeninas son contradictorias, los coros en las que participan son de lo mejor del disco, pero cuando se salen de esa zona y pasan a ser conductoras no me suenan tan bien. La producción es razonablemente limpia, con algunos detalles de volumen en la grabación de la batería (no se porque tantas bandas no le prestan la debida atención a este aspecto... o por que yo tengo el oído tan sensible... siempre será culpa mía). Canciones como Muli Mariani, puro Folk, son de primer orden, pero las que no siguen la línea tradicional de la banda, no me gustaron tanto, aunque son aceptables. Posiblemente, el refuerzo en ellos mismos que el tiempo generará, secundado por un buen recibimiento del disco, impactará en la próxima entrega.

La canción más extraña del disco, Spartans, vale la pena sentarse escucharla con detenimiento porque es toda una montaña rusa de emociones y posiblemente la que mejor ilustre el sentimiento contradictorio general del disco, el cual, repito, está bien logrado, pero ha perdido cierta orientación. En todo caso, "The Fall Of The Magog" es un gran esfuerzo y un bonito legado del trabajo de Danisevskis.

7.5/10. Queda como preámbulo de su posible brillante futuro (espero). Bonita portada.

Dream Theater - "Dream Theater" (Progressive)

¿Por qué, luego de casi treinta años en escena, once discos de estudio publicados y ser considerados como el epítome del Progressive, viene ahora Dream Theater a presentar un nuevo álbum, con el nombre "Dream Theater"? Más allá de las explicaciones que ellos hallan dado o puedan dar y luego de escuchar varias veces el disco, yo tengo mi propia teoría: Esta es una vuelta a las raíces.

"Dream Theater" es Metal Progresivo en estado puro, vieja escuela, extremadamente técnico y enfocado en ser estentóreo en lo que a virtuosismo, cambios de ritmo y majestuosidad se refiere. Aquí no hay 'sorpresas', ni experimentos...no, solo Prog en estado de gracia, duro, extremo, pero por sobre todo, espectacular y complejo, melódico e intrincado. Nada de Djent, de Avant-Garde, ni de computadoras. Dream Theater comprueba otra vez, sin el menor temor al encasillamiento, el principio de su líder y guitarrista, John Petrucci: 'no hay sólo suficientemente largo'... ni canción demasiado cambiante.

"Dream Theater" es un gran disco, grande de verdad. No tanto como "A Dramatic Turn Of Events", pero representa -en toda su extensión- y hasta con sus elementos setentosos, lo mejor que en el género se puede escuchar. Una de las pruebas de esto es que el disco es más fácil que bastante de los trabajos anteriores de la banda, de hecho, con repasarlo dos o tres veces se toma una posición definitiva frente a él, pues digiere bien, aunque aún así se le consiguen sorpresas con nuevas oídas, como por ejemplo el espectáculo de texturas de Enigma Machine o la dulzura de Along For The Ride y The Bigger Picture, esta última la mejor del disco y nueva nominada a Mejor Canción del Año de este humilde blog, o el redescubrimiento de la voz de La Brie, uno de los fuertes del trabajo, que junto con la eterna guitarra de Petrucci, hacen, nuevamente, el duo perfecto.

Superado el 'affair Portnoy' en la batería y demostrado que Mangini calza las botas (¿las 'bo-que-tas'?), este disco, sin tanto drama como el anterior de Dream Theater, ha sido para mi, junto con el trabajo de las bandas Haken y Riverside un regalo para 2013. Tiene de todo, un nivel de agresividad inesperado, especialmente en la apertura de algunas canciones; letras y mensajes hermosos; excelentes, bien ubicados y medidos teclados; los solos de guitarra que han convertido a Petrucci en el monstruo que universalmente se reconoce, así como melodías y ritmos complejos, pero sin hacerse fastidiosos o irreconocibles, sin llegar al Math. Pero muy por encima de todo, lo mejor del disco es que en su conjunto es asequible y duradero en la memoria. No hace falta 'dedicarle tiempo' para entenderlo, ni mucho menos disfrutarlo.

Hay otras cosas que suman al conjunto y en las que DT demuestra, a pesar de todo lo que son, su nivel de compromiso con la música y que todavía pueden aceptar consejos; a mi parecer, influencias de las bandas Rush y Pink Floyd, especialmente de los sonidos que los canadiense hicieron durante los años setenta, se muestran en más de una canción, pero especialmente en Surrender To Reason y el magnus opus del disco, la fantasía-rock-metalera-banda-sonora de veintidós minutos, Illumination Theory, dándole al disco matices retro que bien valieron la espera y no desdicen en absoluto del gran trabajo, por el contrario, redondean una buena presentación.

Permítaseme un párrafo más para volver a mencionar el trabajo vocal de James La Brie, a quien se le da nuevamente en este disco la posibilidad de explotar todo su rango. Su potencia y capacidad, además de buena voz no ha sufrido ni un ápice desde su debut con el grupo en el año 1991, muy por el contrario, en cada nuevo trabajo se confirma como el complemento perfecto a la genialidad de Petrucci.

Evitando el típico pecado de los muy consagrados y de los novatos, como es la sobreproducción, "Dream Theater" se convierte en una adición valiosa a la historia que está dejando esta banda en el Metal y reafirma que su calidad nunca ha sido producto de la casualidad. Un viaje de buen gusto.

9.5/10 Trigésimo seleccionado como contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica, complicando -además- la selección de Mejor Metal Progresivo.

We Came As Romans - "Tracing Back Roots" (Melodic Metalcore/ Post Hardcore)

Quien sigue mis comentarios en El Lado Oscuro - Metal Crítica sabe que no soy particularmente adepto al Core, en sus diferentes vertientes, aunque tampoco me niego a escuchar algunos trabajos que, o valen la pena o atraen suficientemente la atención como para merecerles algún tiempo. En caso de los norteamericanos We Came As Romans, banda con uno de los mejores nombres en bastante tiempo, me atrevo a decir que mi percepción general varía y su trabajo "Tracing Back Roots" calza puntos como para dedicarle algo más que un simple repaso.

El Metalcore, sobretodo el Melodic, tiene algunos elementos que me resultan incómodos de seguir, especialmente en aquellos grupos que creen que mezclando squeals y screams con sonidos salidos del Mickey Mouse Club de Disney se alcanza el nirvana del estilo, cuando lo cierto es que para que el buen gusto se luzca hace falta bastante más que eso. En el caso de "Tracing Back Roots", We Came As Romans logra que sus elementos Punk y Core se fusione bien, de manera tal que el disco me mantuvo interesado en toda su duración, más momentos divertidos que criticables, por el contrario, logran enfocar mucha rabia con elementos melódicos de alto calibre, sin sonar demasiado a cliché o lugar común.

Para mi esta demostración está por encima del promedio, incluso en sus elementos Post Hardcore, como el volumen expresamente aumentado que crea el efecto de distorsión, los tempos rápidos y el fuerte sonido del bajo (la verdad es que la cantidad de sub géneros del Core llegan a lo absurdo). El disco es, en general furioso, pero con bordes suavizados y melódicos al mismo tiempo. El cantante y líder de esta banda, sin tantos años en escena, hace sin embargo una buena demostración. David Stephens, tiene una voz atrayente, que le da potencia a la música que, como un todo, hace la banda. Quizás el disco es predecible, pero sin embargo, es de lo mejor que el año ha traído en este estilo y definitivamente es agradable de escuchar; en el fondo siento que es una especie de placer culpable... me he encontrado oyéndolo varias veces, casi sin darme cuenta.

WCAR, es un grupo reciente, cuyos primeros discos, "To Plant A Seed" (2009) y "Understanding What We've Grown To Be" (2011) tuvieron un muy relativo éxito, quizás algo más el último. Pero con este trabajo parecen haber descubierto una mejor fórmula, quizás porque con este disco no se siente un refrito de ideas previas. Con esta banda, lo que es seguro es que se consiguen letras y mensaje positivos, impulsados por buenas voces y coros, notándose avance en en su manejo instrumental y la escritura. El ambiente novel de este género, que parece estar influenciado por tres o cuatro bandas, como The Devil Wears Prada y Bullet For My Valentine,  ahora puede que sea justo incorporar a WCAR. Esta senda parece que hará que la banda termine por mostrar su potencial, pues es indudable que han progresado.

Los primeros cinco temas del disco son los mejores, pudiendo que el resto sean relleno. El tema homónimo del disco, Fade Away y I Survive, los mejores. El elemento más destacado de la banda son las voces y los coros y lo que menos me gustó algunos sonidos, especialmente los electrónicos, tipo efectos, que son simplemente malos. Por lo demás, no me apena decir que me hicieron pasar un buen rato y que con gusto oiré su próximo trabajo.

Me parece entender, por lo que he leído y oído, que este trabajo puede ser el punto de inflexión de la banda para terminar de alcanzar el reconocimiento o hundirse en el olvidó. Les deseo suerte porque este, me gustó.

8/10.

Carcass - "Surgical Steel" (Melodic Death)

Para sólo nutrir el conocimiento de los más jóvenes (cosa a la que los más viejos nos vemos obligados/relegados), recordaré que los británicos de Carcass son 'la' banda de Grindcore, la cual se formó en 1985 y se disolvió en en 1995; posteriormente se reunieron nuevamente en 2007, sin uno de sus miembros originales, el baterista Ken Owen, modificando su estilo hacia el Death y el Melodeath y aunque son considerados como pioneros del Grind, también se les reconoce haber influenciado el Hardgore, y el Goregrind por sus letras mórbidas y portadas extremas.

Lo cierto es que a pesar de estar en el ambiente de nuevo desde '07 no habían presentado nuevo material desde... siempre, su último disco vio luz en 1996, "Swansong" se llamó ese disco y el mismo se considera uno de los más influyentes para la definición del Death Melódico, junto con la creación de la gente de la onda Gotemburgo de la época, o sea, son historia pura. Pero lo cierto es que hay toda una generación que no ha oído nada nuevo de Carcass, lo que no los favorece a la hora de ser 're-presentados', por lo que la salida de "Surgical Steel" es una verdadera apuesta. Desde mi punto de vista ha salido bien, no tanto quizás como algunos han querido ver, pero alcanzan un 'sobresaliente' en el análisis final.

Este es, desde casi cualquier punto de vista, el regreso más esperado del año y las reservas que rodearon el retorno de la banda se disuelven con lo oído aquí. Sin mitigar su historia y el tiempo que inexorablemente ha pasado, los casi veinte años de ausencia de nuevo material no parecen haber desgastado al dúo Walker - Steer, ya que "Surgical Steel" se escucha como una ampliación del discurso original de la banda, de una forma más moderna y variada. Es innegable que, como buen whisky, la inmensa creatividad de los miembros originales de la banda consiguen hacerme disfrutar de esta obra en casi cada momento, en cada cambio de tiempo, en sus excelentes solos de guitarra, que contrastan riffs sinuosos y complejos.

Elementos como las progresiones en sus canciones, con guitarras en melodías ascendentes, armonizadas para hacer olvidar los años de espera y a la vez recordar que estamos de nuevo frente a la historia, son una clara evidencia de la brillante actuación de la banda. El sonido y el estilo personal y reconocible de Carcass está en todas partes del disco, así como un sentido innato y un gran gusto por la composición, siempre equilibrada y poco predecible, punto de referencia no sólo para guitarristas nóveles, sino para todos los músicos que quieran destacarse. 

Los riffs, combinados con sus melodías, crean una amalgama con la voz rasposa de Walker que castigan y por momentos abruman los sentidos. El tono de voz y el carácter son los puntos más altos del disco, con algunas referencias indudables a los primeros álbumes de la banda. Creo también haber oído cierta pesadez adicional a la que originalmente mostraban. Hay tonos inquietantes y secciones melódicas unidas a tiempos -no tan destructores- pero que gustan. Un poco de demasiada pulcritud y precisión en la mezcla pueden que me parezcan el concepto menos gustoso... quizás algo de sobreproducción, pero claro, estamos en 2013 y posiblemente quisieron que hacer justicia a sus años en el ambiente. Creo que no hay nada dejado al azar en "Surgical Steel", en especial estando detrás el sello Nuclear Blast, que dudo se habría arriesgado a piruetas excéntricas... lo que no quiere decir que que el disco sea para complacer a un mercado, pero me habría sorprendido más si hubiera habido un retorno hacia el Grindcore.

En todo caso, sugiero a los oidores, nuevos o viejos, se dejen llevar por el disco y se permitan viajar con una de las bandas que ha contribuido a crear un género, a pesar de que puede que se hayan atrevido a menos de lo que eran capaces. Creo que "Surgical Steel" es de los discos que mejorará más aún con el tiempo y que finalmente mostrará cómo se hace buen Metal.

8/10. Posible Mejor Portada del Año, nominado sin duda en ese apartado.

Haken - "The Mountain" (Progressive)

"The Mountain" es un disco complejo, de los que ciertamente requiere tiempo y mentalidad abierta a los experimentos. Sin referencias discernibles a las deidades tutelares del género, como Dream Theater, pero también repleto de sonidos que evocan el Prog primitivo, a lo Yes, representa una realidad sólida y sustancial para el estilo. Yo considero este trabajo el "Pandora's Piñata" de Diablo Swing Orchestra de 2012, por lo ecléctico, cambiante, impredecible y contradictorio. El álbum se esmera durante todo su recorrido en confirmar el importante nivel de creatividad y calidad de los trabajos precedentes de la banda y reafirma el compromiso de Haken de lograr un perfecto equilibrio entre los instrumentos y voces, melodías intrincadas y evoluciones de sonido; con una personalidad que mezcla la modernidad y los clásicos de culto de los años setenta, este disco no deja a nadie impávido.

Los ingleses de Haken se encuentran sobre los escenarios del Metal/Rock Progresivo y los dominios de sus alrededores, desde el año 2007, presentando apenas su primer trabajo musical, "Acuario", en 2010, convirtiéndose este en el primero de los tres discos que han publicado hasta ahora, con "Visions" en 2011 y "The Mountain" en 2013. En su -relativamente- corta carrera han tenido fuerte exposición a la gente gracias a su trabajo, el cual ha sido siempre muy bien recibido, lo que les ha ganado un respeto y credibilidad importante, tanto por su nivel de calidad, como experticia en el manejo del género, dejando -al menos para mi- de ser considerados promesas, para convertirse en realidad palpable.

Este disco lleva al oidor a través de atmósferas líricas y evocadoras, diseñadas sobre voces y teclados, para hacer caer repentinamente en un vórtice Progresivo puro, con matices inquietantes, a veces extraños y otras armónicos, sin duda con rastros Avant-Garde, Jazz y Fusion. Canciones llenas de riffs intensos, largos y a veces, psicodélicos, que recuerdan bandas como Emerson, Lake & Palmer, se permiten digresiones de piano, bajo y batería, así como solos de guitarra complicados, altamente influenciados por elementos Acid Jazz.

Partes que discurren A capella y luego brincan en las profundidades de un Prog tormentoso, debido a sus cambios de atmósfera y el ritmo, dan a las pieza un toque de novedad que, repito, va a llevar algunos repasos para disfrutar a plenitud. La complejidad que se consigue entre pasajes instrumentales melódicos y asaltos sónicos rompen varios de los estándares actuales, enrarecen el trabajo, lo subliman y sumergen al oyente en lugares nuevos. No dejen de disfrutar el suave sonido de la guitarra acústica mezclada con la atmósfera tensa, la cual se eleva en melodías no siempre fáciles, pero de mucha destreza.

Aún a pesar de lo que he señalado, "The Mountain" tiene también su espacio para que el oyente menos intenso lo disfrute, ya que hay algunas canciones, como Because It's Here y As Death Embraces que muestran el lado amable de su Prog. Por ello, vuelvo a sugerir, si se decide entrarle a los setenta minutos de duración de este disco, hágase con mentalidad abierta: se descubrirán coros dulces, puentes complejos y multisónicos, efectos de voz y teclado, largos pasajes de diseño virtuoso y en general, todos los elementos -y más- que necesita un buen disco de Progresivo, con buen gusto, excelente producción y mejor songwritting.

"The Mountain" ha resultado ser uno de los álbumes más interesantes que he escuchado en 2013. Está bien pensado y el orden de sus pistas realmente es excelente, hay canciones más duras y en los momentos adecuados se torna lento y melódico. La voz de Ross Jennings es de primer orden y en general todos sus seis componente demuestran pura habilidad y buen gusto. Este disco estará entre los diez primeros del año, pero requiere paciencia y gusto por lo exótico.

9.5/10. Cercano a la perfección. Vigésimo noveno contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Facebook

Bueno... me he rendido a la sugerencia, ya que era más fácil de lo que había pensado colocar un link a Facebook, por lo que he creado una página para este blog, la cual probaré un tiempo. Si desean pueden acceder a la misma a través de este link https://www.facebook.com/LadoOscuroM o del widget que se encuentra al final de la columna del lado derecho.

Saludos,

Alfonso

Gorguts - "Colored Sands" (Technical Death)

Hay bandas que, por una razón u otra, nunca han sido capaces de recoger los frutos de lo que han sembrado. Estas bandas, a pesar de haber presentado algunos discos de gran valor artístico o histórico, o ambos, nunca han logrado o deseado establecerse definitivamente en la escena del Metal, manteniéndose más bien como bandas de culto, conocidas por pocos y apreciadas como referencia.

Esta lista incluye a Gorguts, formación canadiense, que vio la luz a finales de los ochentas, producto de la mente de Luc Lemay, uno de los músicos más eclécticos de las últimas dos décadas y a pesar de que han hecho pequeñas joyas como "Obscura", "From Wisdom To Hate" y "The Erosion Of Sanity", nunca han logrado mantenerse activos lo suficiente como para alcanzar al público en general; pudiera ser que hasta por decisión propia traten de apartarse de la generalidad y que esa sea su particular forma de entender el Death. Con un trabajo que se encuentra cerca y lejos -a la vez- de ese estilo, la banda parece que siempre ha preferido darle un toque personal a su música. Como resultado ha presentado trabajos únicos, pero increíblemente distanciados en el tiempo, en el que la técnica desbordante de cada miembro se convierte en sólo un instrumento a través del cual transmitir emociones y estados de ánimo.

Musicalmente la propuesta de su nuevo disco "Colored Sands" es todo un desafío, la combinación de su base en el Death y el Sludge con estructuras en el borde del divagaciones Free-Jazz y el Avant-Garde, acompañandas de la voz de Lemay y el deseo de ofrecer -otra vez- algo diferente, podría llevar a pensar que esa fórmula puede llegar a ser aburrida, o incluso peor, molesta. Creo que no se podría estar más equivocado. "Colored Sands", ve la luz luego de doce años de no presentar un disco nuevo y es un álbum que sorprende desde las primeras notas. 

La primera característica que salta oído son las habilidades instrumentales extremas de la banda, a las que hacía referencia, las cuales, sin caer en el exhibicionismo estéril, típico de ciertos productos del género, muestran una técnica desbordante, inequívoco producto de años de dedicación. La segunda característica evidente es la complejidad de las estructuras de las canciones, que no siguen la forma de la canción clásica; los cambios rítmicos continuos dan a cada canción un dinamismo Progresivo y una intensidad envidiable, que contribuyen al éxito del disco final.

Otros detalles caracterizan el producto de una manera clara y lo distinguen de la gran mayoría de los ejecutantes de este difícil estilo y es que "Colores Sands" mantiene viva el alma del Death, sonando brutal, a veces casi exasperado, con guitarras que se plantean intencionalmente de forma disonantes y apenas dejan percibir melodías fáciles de escuchar. Bajo y batería tejen una sección de ritmo desquiciado y brillante, que muestra el talento creativo de artistas plásticos. Las piezas tienen pasajes que quitarían el hipo por su violencia, pero se alternan en un torbellino emocional que es poco probable que deje indiferente incluso al oyente más experimentado.

Luego está el apartado ambiental, en él Gorguts realmente puede presumir de crear una atmósfera claustrofóbica, enferma y a veces asfixiante, lo que le da a las composiciones un aura ominosa y que tocará la fibra de los oidores más puristas del Death. Este es uno de esos discos cuyas canciones se hacen engañosas de describir individualmente, ya que el disco debe ser escuchado en su totalidad y extrapolar las piezas como movimientos de una obra clásica, con cambios en la melodía y ritmo, pero un denominador común. Podrá ser del gusto o no de quien lo oiga, pero lo que no podrá negar es que en "Colored Sands" se puede apreciar un trabajo meticuloso, realizado con excelente dinámica gracias a sus cambios rítmicos continuos, marcado tanto por la pareja bajo-batería y la guitarra. El ambiente, vagamente al viejo estilo, hace -al menos a mi parecer- más atractivo el disco. Finalmente, no se pierdan los destellos de genio, que se desprenden los elementos de Jazz que incorporan y el gran nivel de producción.

Para lo que menos me satisfizo, diría que el disco es demasiado largo para lo intenso que es y no tiene una canción única que defina el concepto, aunque entiendo perfectamente que de este tipo de música no es posible esperar un 'single', en algún sitio pudo servir algo que le hubiera dado esa inflexión. El otro aspecto es la descomunal espera entre trabajos, medida en décadas, lo que les hace perder su base de fans y los convierte en rarezas que no justifican mayor seguimiento. Aún así no puedo menos que dudar que Gorguts alcanza con este disco un nivel que ya habría querido para si el último trabajo del grupo italiano Fleshgod Apocalypse y que seguramente servirá para influenciar otros grupos.

Gorguts crea con "Colored Sands" un trabajo brillante, violento y brutal, de lo mejor en el Technical Death de 2013.

9/10. Vigésimo octavo contendiente a Disco Del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica

Cultura Tres - El concierto, la entrevista

Sólo unas pocas líneas para decirles que la fantástica banda venezolana de Sludge, Cultura Tres, se estará presentando en Caracas el día 12 de septiembre en La Quinta Bar, en Las Mercedes, en el marco de su Tour 2013 y amablemente han aceptado una entrevista de El Lado Oscuro - Metal Crítica, la cual transcribiré para ustedes tan pronto se me quite la borrachera que estimo agarrar ese día.... están avisados.

PD: Seguramente tocarán canciones de "El Mal Del Bien" y su último disco "Rezando Al Miedo", por lo que recomiendo repasar dichos trabajos de primera calidad.

Alfonso \m/

Wine From Tears - "Glad To Be Dead" (Doom / Melodic Death)

Este es uno de esos discos que debe ser oído. Los rusos de Wine From Tears han regalado a la escena Doom/Melodeath uno de esos trabajo que se van a disfrutar durante años. En principio no sabía qué esperar cuando lo coloqué, ya que no los conocía. Mi primera sensación fue de sorpresa y hasta incredulidad, no pensaba que más allá de la primera canción podría mantener el nivel de interés tan alto, aún así el álbum se las arregló de manera más que satisfactoria para que, en la medida en la que se fuera desarrollando, más cuenta pudiera darme de que estos músicos sabían lo que hacían.

El mundo de "Glad To Be Dead" se presenta a través de una sonoridad suave, pero emocionada -de forma oscura- y riffs pesados, que hacen gala de una mezcla particularmente buena con los excepcionales teclados que acompañan todo el trabajo, así como una tremenda ejecución de guitarra, que se mezcla -en justa medida- con el resto de los instrumentos, con excepción quizás de la batería, que guarda cierta distancia del resto, como para no distraer el centro del trabajo, ubicado en su fuerte concepto melódico y atmósfera que me recuerda los momentos previos al inicio de una tormenta.

El growl (y voz limpia, también) de Alexey Nesterov, que a veces se mezcla de la voz dulce de la cantante/tecladista Evugenia Nesterova (miembro también del grupo Hjordis), y los coros que ejecuta el grupo son de gran factura, elementos vocales estos que junto con una atmósfera pesada y suavemente melódica, lo hacen suficientemente diferente e interesante como para hacer de este álbum un esfuerzo para reconocer y gustoso de escuchar, varias veces. En mis repasos al disco siento conseguir nuevos elementos en cada oportunidad.

Es seguro decir que "Glad To Be Dead" es disco de diseño, de mucho trabajo y gran dedicación por parte de sus integrantes y que sus cincuenta minutos se encuentran llenos de emociones, desde la tranquilidad hasta la amargura, desde la serenidad hasta la tristeza. La melodía del intro For Those Who Died prepara para la melancólica Allergic Sun, que se mezcla con gritos de desesperación que se elevan al cielo. Luego What Are You Waiting For y In Memory Of The Truth se levantan con intensa melodía y fuerte transmisión de sensaciones, haciéndolas posiblemente las mejores del disco, y dos de las mejores canciones del año, pero sin desmeritar el resto de las piezas, las cuales, una tras otra transmiten emociones que transitan desde el dolor hasta la esperanza. Aquellos que tengan el tiempo sentarse para disfrutar con calma del mismo lo entenderán.

Si bien Wine From Tears se formó en el año 2002 y tiene un álbum de mediano éxito llamado "Through the Eyes of a Mad" (2009) vengo a descubrirlos sólo ahora con este trabajo. Percibo que estos rusos toman influencias de los mejores discos de Amorphis y de la banda danesa Saturnus, de este último, en especial, de sus últimos dos trabajos  "Saturn In Ascension" y "Veronike Decides To Die". En general es un excelente disco, con la excepción de la canción Like A Fallen Leaf, la cual me llegó menos y me pareció algo desconectada del resto del trabajo y el bonus track Silence No More, el cual no era necesario.

Creo que "Glad To Be Dead" puede dejar huella en la historia de 2013 en el Doom/Death Melódico con su sonido etéreo, pero poderoso y enigmático, sus voces, guitarras y maravillosa forma de mezclar los teclados. Influenciará a otras bandas en el futuro, ojalá que repitan en la fórmula en su próximo trabajo.

9/10. Vigésimo séptimo seleccionado para contendiente a Disco Del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Katatonia - "Dethroned & Uncrowned" (Acustic)

O es que me han agarrado de mala leche o es que no entendí que es esto, o simplemente Katatonia decidió lanzarse del borde del abismo. Ya su disco anterior me había parecido muy regular, pero tuve la deferencia de darles una puntuación término medio por lo que una vez fueron. Pero esto es insoportable, no acepto más el ataque de mariconería de Jonas Renkse y Anders Nyström. a pesar de lo que fueron, este es el último disco que les escucho y van a tenerse que calarse todo lo que pienso.

Este es un disco insoportablemente lento, falto de personalidad y viciosamente ensimismado. He hecho el sacrificio de oír "Dethroned & Uncrowned" varias veces con el sólo objeto de no faltarle a aquellos a los que me hacen el honor de leerme y a los bots que inflan los números de visitantes diarios y debo decirles que, tanto a los seres humanos como a los virtuales les vendrá bien no acercarse a esta mierda.

Ligeros elementos de teclados, a lo Jon & Vangelis y una melodía aburrida, sin inspiración y cuyo único sentido parece satisfacer el ego de la banda y a algún oidor casual, llenan este disco. Luego están los ataques de guitarra acústica que no terminan de concretarse en, al menos, un buen riff, pero por sobretodo, la insoportable levedad de la voz y coros que la banda desarrolla. Estos no solamente no eran los suecos de Katatonia que yo conocía, no es ni siquiera a lo que se atrevería un grupo de Hair o Gay en los ochentas si decidiera hacer un álbum de sólo baladas.

Respetando y haciendo abstracción de lo que la banda pudo ser en el pasado y asumiendo que con "Dethroned & Uncrowned" quisieron presentar lo que en su título sugieren, algo deslastrado de todo maquillaje y artificio, Katatonia esta al borde de convertirse en cualquier banda oschentosa, a lo Extreme, cuyo objetivo es que les canten un single en la radio. Con la única excepción de la última canción del disco, Dead Letters, esto es un insulto a los seguidores de la banda y de lo que el Doom/Death alguna vez identificaron.

Seguramente a algunos de los verdaderos especialistas y conocedores del Metal les parecerá un hito, pero a mi no, por ello no voy a hacer mucho más largo este comentario porque me apena lo que oí. Me tiene acojonado este disco, tanto como si Primordial o My Dying Bride decidieran cagarla; por eso, a partir de ahora,  no oigo más Katatonia. No entendí nada, no supe asumirlos, no se qué fue este disco acústico, ni las voces femeninas perdidas, ni la sobreproducción, ni el estilo sensiblero... y esto último, sobre todo, me abrumó, me decepcionó... un desastre.

2.5/10

Parasite Inc. - "Time Tears Down" (Modern Melodic Death)

La nueva banda alemana, Parasite Inc., ha asaltado, gracias al consejo de un amable y regular lector, mi conocimiento del escenario Modern Melodic Death. Absolutamente desconocidos para mis oídos (aunque tienen un demo de 2009 y un single de 2011), he quedado gratamente sorprendido por su disco debut "Time Tears Down" por su carácter duro, pero altamente melódico y emocionante. Relativamente menos atmosférico que trabajos de grupos como Omnium Gatherum y Nightrage, de los cuales parecen extraer alguna influencia melódica, este disco es un viaje de emociones que tiene más elementos tomados de grupos de la primera ola Gotemburgo, como At The Gates e incluso influencias Thrash, como Kreator.

La canción de abrir fuegos, Armaggedon 16 To 9, es realmente buena, por lo impactante y veloz, la cual junto con The End Of Illusion, la mejor del disco y candidata a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica, me regalaron algunos de los mejores minutos del año en lo que a música se refiere, gracias a un peligroso juego donde la banda se arriesga a extremar el fondo melódico con un crudo growl, sin caer en facilismos ni autocomplacencias... por el contrario, una instrumentación super rápida, especialmente en la guitarra que tan bien maneja Kevin Sierra, muestran desde el 'vamos' que algo interesante se avecina.

El resto del disco es de alto nivel en todo su recorrido, con apenas algún detalle menor en lo que a producción respecta. Once canciones más (trece en total), unas muy cortas y otras en torno a los cuatro y cinco minutos, que hablan de vieja escuela a pesar de la evidente juventud de los miembros, me parecieron divertidas, intensas, bien logradas y con elementos de virtuosismo en todas o casi todas ellas. Mención aparte debo hacer del más destacado de sus elementos, como me parece que es la excelente voz de Kai Bigler: Profunda, con gran dominio de la técnica, pero sobre todo novedosa, una mezcla de estilos Melodeath y Thrash.

La otra gran e innegable influencia que Parasite Inc. muestra en este trabajo es la que reciben de Amon Amarth. Las estructuras de sus canciones, mezcla de emocionalidad y poder desplegados me hicieron recordar a los príncipes del Death Melódico y se me ocurrió, como de cuando en cuando pasa, que me hicieran preguntarme si este no sería el disco que aquellos quisieron hacer cuando presentaron "Deceiver Of The Gods"... claro, es cierto que "Time Tears Down" no tiene elementos Folk, pero no por ello se deja de sentir la línea finlandesa, tanto así que hice el experimento con un amigo a quien le pedí que oyera la canción Pulse Of The Dead, sin conocer a la banda y no salía de su asombro porque Amon '¡¡¿había sacado un nuevo disco?!!'.... :-).

Presiento que estamos frente a una nueva fuente de emociones en el Metal, en las manos de Parasite Inc., y si repiten este éxito en sus próximos trabajos con canciones que, como en este disco, dejan regada la palabra 'calidad' a todo su largo, con velocidad, melodía, pasajes detallistas y excelentes voces, les auguro un puesto junto con los mejores exponentes, en el tope. No se me malinterprete, a pesar de sus claras influencias, el grupo tiene nombre y apellido musical propio y su contribución es evidente.

"Time Tears Down" es un disco bien logrado, por un grupo que se muestra como cualquiera con gran experiencia, a pesar de la juventud de sus componentes, lo que sólo puede hablar bien de ellos, tanto de su capacidad creadora como de habilidad en la ejecución. Sin poses, ni necesidad de recurrir a efectos especiales o distracciones, pura música respalda a Parasite Inc.. Ojalá que las enormes expectativas que van a generar entre los gustosos de este gran estilo puedan ser bien manejas; si no caen en apuros y pueden manejar bien la presión de la industria y público, el cielo será su límite.

9/10 Vigésimo sexto seleccionado como contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica. Altamente recomendable, en serio.

Turisas - "Turisas2013" (Power Folk)

"Turisas2013" de Turisas es un experimento, un disco con canciones que seguramente no tenían un lugar preciso en el concepto general de la banda, con apenas dos o tres excepciones, pero que no quería dejar de presentar a los seguidores del grupo. Al menos esa es mi conclusión después de oírlo varias veces, motivo por el cual sugiero acercarse a él con una actitud positiva ya que el mismo no es el típico Folk al que estábamos acostumbrados, si no más bien algo que tiende mucho más hacia el Power, hasta incluso el Rock. En el fondo siento que a Turisas debe serle reconocido el atrevimiento, aunque siento que el riesgo tomado es mucho y el 'capital político' que exponen frente a sus fans puede afectar negativamente su imagen.

Más allá del comentario generalizado de la insulsa manera de titular el álbum, el cual comparto plenamente, este álbum clama al Valhalla su falta de fuerza, de himnos de batalla y de momentos emocionantes. La sola comparación frente a "Stand Up And Fight" (2011) generará descontentos y críticas entre los oidores, más sin embargo tiene sus momentos y dos o tres canciones rescatables: For Your Own Good, Ten More Miles -la mejor del disco- y quizás Piece By Piece, por encima de ellas, el álbum no tiene sus tradicionales elementos de orquestación impactante, elementos sinfónicos rimbombantes y en general todo el sonido poderoso que se quedaba en uno cuando se oían los discos de estos finlandeses, por el contrario las ideas en "Turisas2013" se quedaron unas crudas y otras, inorgánicas.

Honestamente no creo que este sea un cambio de rumbo de Turisas, creo que es lo que dije al inicio: reunieron los temas que no habían podido, querido o dejado grabar anteriormente y decidieron, dada su vasta legión de seguidores, probar como les iba con un experimento. Si por el contrario, estoy equivocado y han decidido modificar su enfoque, este es -sin duda- un disco sin relación con su pasado, cambia demasiado el estilo que les granjeó admiración y algunas piezas son demasiado simples o sencillamente no van con ellos... puede ser un salto al vacío.

Canciones que son extrañas, como Run Bhang-Eater, Run!, no se parecen al grupo, son un enredo absoluto, con cambios permanentes de ritmo, trompetas, saxofones, gemidos femeninos; otros ejemplos serían Into The Free y No Good Story Ever Starts With Drinking Tea, -gran título-, ambas son apresuradas y cansonas.

La verdad fui hasta el sitio web de Turisas para confirmar que sus miembros originales desde 1997, el vocalista Mathias Nygård y el guitarrista Jussi Wickström seguían al frente, al confirmarlo me convencí, una vez más, que esto es un asunto pasajero ;-)

Con "Turisas2013" me siento decepcionado, tenía sinceras ganas de que este fuera un gran disco para un año que ha tenido limitadas muestras en el Folk. Añoro un impacto a lo Alestorm o Ensiferum de 2012. Lo más imperdonable es que algunas piezas fueran francamente aburridas... con Turisas puede que la musicalidad te empalagara pero nunca que te aburriera, su sentido y razón de ser en el Mundo es otra y ellos lo saben. Esperaré a su próxima entrega, si no me equivoco, esto es sólo una liberalidad creativa -poco lograda-, que con suerte no se repetirá.

5.5/10 Pensaba darles medio punto más, pero dado lo terrible del nombre del disco y su portada, no me atrevo.

Witherscape - "The Inheritance" (Extreme Progressive)

¿Que se obtiene si se combina en proporciones iguales una parte de Merciful Fate con el rock que hizo en los setentas y ochentas la banda Yes y se le agrega un dosis importante de Nightingale, servido sobre la crudeza de Edge Of Sanity, con fuertes reminiscencias de Queensryche y riffs a lo Judas Priest? Fácil, una idea loca de uno de los más influyentes músicos del Metal de todos los tiempos, a pesar de sus -apenas- cuarenta años, el sueco Dan Swanö, quien da vida a un bicho nuevo, uno de los más impactantes discos de 2013: "The Inheritance" de su nuevo proyecto Witherscape, en duo con su coterraneo, Ragnar Widerberg.

Sólo por hacer memoria diré que Swanö ha participado, sea como miembro de los equipos de creación o músico, en más de ochenta bandas, incluyendo nombres como Katatonia, la nombrada Nightingale, Opeth y los excepcionales Omnium Gatherum, por apenas decir algunas. Interesante es, sin embargo, que él casi no hace presentaciones en vivo y las raras veces que lo hace usa seudónimos para que no lo reconozcan. Un excéntrico pero impresionante músico, pues.

En lo que al disco se trata, debo decir que el mismo no es nada fácil, la mezcla de growls y voces limpias, unido a los tempos Black y Prog impactan duramente por lo contrastantes, pero en la medida que el disco se deja colar y se vuelve a oír, empiezan a descubrirsele elementos de excelente factura, a veces más que eso. Los más interesantes, -para mi- sin duda, coros y riffs. Especialmente a partir de la canción To The Calling Of Blood And Dreams las canciones tienen una interesante forma de desarrollase y oírse, en las que la aridez de los growls más fuertes se mezclan con teclados bien ejecutados, blastbeats, coros y voces limpias que se clavan en la memoria; no dejen de deleitarse con las guitarras intensas y ritmos Prog que -a mi- me recordaron mucho a Yes.

Es, a la vez, el eclecticismo de este disco, el elemento que lo hace más difícil. Estoy seguro que a muchos les pasará que por momentos no sabrán si se ha mezclado otro sonido en la reproducción, pues partes oscuras y pesadas se dan paso en un sólo instante a melodías dulces y tranquilas. Es una mezcla interesante, sin duda, pero no fácil y seguramente menos asequible para muchos. En el fondo y luego de escuchar canciones como The Wedlock Observation, por ejemplo y a pesar de su excelencia sonora, me pregunto si algo realizado sobre de forma más tradicional -sin negarle el derecho a la innovación- habría sido más comprensible...o no, seguramente así se crean nuevos géneros. Lo dejo a criterio de cada quien.

Vale la pena acotar que con respecto al mensaje, "The Inheritance" es un álbum conceptual enfocado hacia al terror, que desarrolla la historia que ocurre en una remota aldea en el norte de Suecia, en el siglo diecinueve, en el que el personaje central recibe una finca como herencia a la muerte de un familiar y mudándose a ella descubre todo tipo de cosas raras que suceden allí.

Witherscape recorre toda una la gama de sonidos, cargados de riffs y solos de guitarra, exuberantes voces limpias y growls duros, mostrando emociones que van desde la agresión y la oscuridad atmosférica hasta el sonido suave del Prog de los setenta. El disco evita un error típico de estos músicos consagrados, como es el exceso de producción y parece perseguir bastante bien el sonido épico con sus inquietantes piezas, a veces hermosas, otras demasiado complejas y otras simplemente extrañas, pero que por su originalidad estilística y profundidad debe atraer fácilmente a todos los seguidores de Swanö, especialmente a los interesados ​​en el llamado Extreme Progressive.

Lo mejor del disco y lo indudable del mismo es que este tipo de atrevimientos conceptuales son, hoy por hoy, raros y mucho más aún la exitosa mezcla de viejo y nuevo sonido Prog con el Black.

8.5/10

Sirenia - "Perils Of The Deep Blue" (Symphonic Gothic Female Fronted)

El nuevo disco de los noruegos de Sirenia es ciertamente engañoso y diferente. "Perils Of The Deep Blue" es un álbum oscuro y más pesado, algo que de por sí normalmente los ha distinguido de la mayoría de las banda Góticas encabezadas por chicas. Este disco difícilmente se puede comparar con trabajos como los de Nightwish, Dotma, Sirenia, Xandria, Within Temptation o Delain, como no ser que se discuta de la belleza de cada una de las cantantes de esas bandas. Para muestra, un botón: la catalana Pilar Giménez García, quien utiliza en la banda el nombre artístico de Ailyn, es sin duda una hermosa mujer, sin contar por supuesto con su gran capacidad vocal.

"Perils Of The Deep Blue" es, a mi humilde entender, un paso en el camino correcto, con el que la banda vuelve, luego del razonable álbum anterior, "The Enigma Of Life" (2011), a un sonido más acorde con las raíces del grupo, con una robusta guitarra y voces grandes, tanto masculinas como femeninas, limpias y extremas, donde casi no hay elementos aleatorios en la composición y en la mayoría de sus arreglos; los detalles se encuentran en el lugar adecuado y aunque algunas canciones son innecesariamente largas, hay algunos abusos melódicos y sobre todo, la producción podría haber sido mejor en lo que a la batería respecta (está simplemente mal grabada, muy alto la verdad) en general place el trabajo final.

En un ambiente musical donde la lucha entre los grupos del género Symphonic/Gothic Female Fronted es a cuchillo por repartirse a los fanáticos, Sirenia parece querer dar lo mejor de ellos mismos en este disco, para mantenerse en el tope y así "Perils Of The Deep Blue" basa en las guitarras y las voces más fuertes su propuesta, sin embargo, cierta extensión artificial de la duración de varias piezas, especialmente en la mitad del trabajo, lo hacen un poco sobreactuado, especialmente los trece minutos de Stille Kom Døden.

Este disco, si bien dista de ser perfecto en muchas áreas, tiene a su vez elementos convincentes que, como el verdadero canto de una sirena (!), lo hacen difícil de dejar; por ejemplo, sus coros épicos, la hermosa voz de Ailyn y los riffs sorprendentemente pesados, lo convierten en un placer culpable.

El álbum abre bastante bien con Ducere Me In Lucem, donde Ailyn muestra su formación clásica, para luego dar paso a una de las mejores, sino la mejor canción de disco, Seven Widows Weep con una fuerte sensación atmosférica y bien logrados growls del polifacético fundador de la banda (y de Tristania... y de Mortemia) Morten Veland. Luego canciones incluso más simples se sienten grandes y épicas, en parte porque siempre hay muchas capas musicales, con teclados y elementos sinfónicos bien ejecutados y como dije, una guitarra que retoma un papel preponderante.

La gran canción Ditt Endelikt la canta noruego el vocalista invitado Joakim Næss y Ailyin recita en español, como segunda voz, haciéndose un trabajo excepcional especialmente en lo que al apartado emoción y química respecta. El resto del álbum se siente como una combinación compleja y variada, al mismo o mejor nivel que algunos de sus trabajos anteriores, con una ligera sensación Progresiva de algunas de las estructuras de las canciones.

De no ser por algunos de los elementos menos positivos de los que he hablado, este ya sería uno de los mejores discos del año del género (dependiendo de lo que venga en el resto de 2013, todavía lo puede ser).

8.5/10 Muy recomendable

Fleshgod Apocalypse - "Labyrinth" (Symphonic Technical Death)

El nuevo disco de los italianos Fleshgod Apocalypse ha aparecido fundamentado en un nuevo paradigma, más melódico, con muchas menos guitarras, más fácil y menos -mucho menos- interesante que su excelso disco anterior. "Labyrinth" es un disco que, si bien contiene más elementos sinfónicos que "Agony", tiene menos intensidad, es un disco con menos alma y menos poderoso.

Los elementos sinfónicos son lo mejor que la banda ha hecho hasta ahora, eso es indudable y las voces femeninas operísticas están extremadamente bien logradas. La verdad es que por largos pasajes se dejan de escuchar las guitarras y se siente como si se estuviera escuchando a una orquesta sinfónica acompañada de batería. Para despecho de los fanáticos del Metal, en especial del nivel extremo con el que FA me había deleitado en su trabajo anterior, no me sentí satisfecho... me pareció que mucho de lo que esta gente había presentado se quedaba en el tintero, que su Death había decaído y con ello la fuerza que los hizo merecedores de los mejores comentarios en 2011, no sólo míos, que serían los de menos, sino de la generalidad de las opiniones que se hicieron.

La preponderancia de los elementos melódicos, voces femeninas y fuerte componentes sinfónicos incorporados al álbum tienen sentido en un grupo de contexto diferente y aún así, su mezcla, a veces forzada con los componentes Technical Death, no me terminaron de convencer. Diría que no hubo compromiso verdadero con ninguno de los dos estilos (Symph y Death), lo que regularmente se convierte en un disco como "Labyrinth": algo que está bien, pero no se destaca del resto. Esta es, desafortunadamente, una entrega inferior, por momentos interesante, pero nada más. Las sensaciones crudas, intensas, brutales y poderosas con que me habían cautivado ya no están ahí, al menos no con el nivel que habían mostrado.

Algunas cosas específicamente negativas me parece que deben ser destacadas. En primer lugar el álbum es enredado, no se si incluso mal masterizado, por un lado se está acabando una canción y en el mismo instante ya comenzó la otra, cuando no parece que vuelven a una canción pasada y a veces, incluso, están tocando dos temas a la vez. Puede que en mi ignoracia no haya sabido distinguir un estilo nuevo, pero la verdad es que por momentos me sentí perdido, a pesar de que hay pasajes muy buenos, no me quedaron claros algunos de los cambios, presentaciones, incios y finales. Luego está -y es mi mayor crítica- la desaparición casi absoluta de uno de los mejores elementos que Fleshgod Apocalypse había mostrado: el uso de sus guitarras. Cuando en su disco anterior el nivel técnico del instrumento había sido notable, en este disco juro que tuve que hacer el esfuerzo para distinguir su sonido... Sin guitarras no hay Metal y especialmente en el Tech y en este disco las añoré... ¿Será que evolucionaron hacia algo diferente?... quizás no sean ellos, sino yo el que no entendí.

A pesar de los elementos sinfónicos fabulosos y la melodía añadida siento que "Labyrinth" tiene un recorrido desordenado durante buena parte de su duración. Ninguna canción me sedujo particularmente y sin duda dejaron por fuera el filo extremo con el que sus dos trabajos anteriores, pero especialmente "Agony", me había seducido tanto y convertido a FA en una de las bandas referentes del Symphonic Technical Death.

Parafraseando a García Marquez y aprovechando descaradamente el título, creo que -lastimosamente- a pesar de la ansiosa espera, Fleshgod Apocalypse se ha enredado en su laberinto y presenta un disco que raya en lo desordenado, es poco innovador, deja de lado sus grandes influencias y se hace aburrido demasiado rápido... luego de escucharlo algunas veces no percibí nada especialmente atractivo y no creo que haya motivos para repasarlo muchas veces más.

Espero su próximo trabajo, con el deseo inocultable de que vuelvan a hacer la magia a la que nos tuvieron acostumbrados.

7/10 

Battle Beast - "Battle Beast" (Heavy)

Battle Beast fue uno de los grupos revelación de 2011, su disco "Steel" agarró a mucha gente, incluyéndome, totalmente por sorpresa, dado que una banda con una descomunal cantante como lo es Nitte Valo, se atrevía a hacer el más puro Heavy de los 80s', pero con sonido renovado y espectacular. Ahora estos finlandeses vuelven con un trabajo homónimo, generando gran expectación y.... cierta decepción.

La pregunta fundamental es ¿Que era BB en 2011 y que es en 2013? Parafraseando a Bill Clinton: 'la voz, estupido' y es que la partida de Valo y su sustitución por Noora Louhimo, tenía que generar y de hecho generó sus consecuencias. No se me malinterprete, Louhimo sabe cantar y bastante y casi cualquier banda del mundo se preciaría de tenerla como 'frontwoman', pero aquí estamos hablando de la partida de aquello que le daba su carácter único al grupo. Ahora, por desgracia, Battle Beast es otra banda más, buena y con canciones interesantes, pero sin ese elemento especial que los destacaba por encima de sus competidores. 

Para mi y -repito- reconociendo las facultades de la nueva integrante, la ida de Valo no es un ligero traspiés, como la presentan el resto de los componentes en sus redes sociales, es un golpe bajo y deja al grupo en condición de riesgo y como tal, en previsión de males mayores, "Battle Beast" luce como un disco jugado sobre seguro, con buen sonido, buenos arreglos y canciones estandarizadas, pero sin ese filo peligroso y atrayente que su debut trajo bajo el brazo. Pero les doy el beneficio de la duda, porque si bien parece que el motivo para presentar un disco de estas características es que ya no cuentan con su arma secreta, tiene sentido que quisieran mantener la base de seguidores, dándoles la mala noticia de la forma más sutil posible y prepararlos para grandes cosas por venir.

Cortando el drama y entrando al trabajo musical propiamente, este es un disco que contiene la gran generalidad de los elementos Heavy de su debut, pero con un uso extensivo y a veces abusivo, de los sintetizadores, lo que, para ser franco, les resta enteros en el apartado intensidad, pues en vez de ser utilizados -como en la época clásica- para crear atmósfera, terminan haciendo sonar largas partes del disco de manera demasiado electrónica. Además, el elemento principal en el repertorio de Battle Beast que podría sin duda haber salvado el día, como era su gran uso de las guitarras, fue extraña y tristemente dejado bastante de lado, dejando de percibirse en plenitud esa contribución, en favor, como dije de un sonido más artificial, menos Heavy Metal.

"Battle Beast" es, si se quiere, más asequible; se permite alejarse de su trabajo original en búsqueda de ampliar su radio de acción, lo que para mi.... y seguro que esto me va a costar la tradicional ira de los incondicionales... no lo convierte necesariamente en un mejor disco. De hecho, no creo que esté fuera del radar la posibilidad de que Battle Beast continúe su giro en el futuro hacia un sonido más Modern o Nu y aunque todavía con este álbum hay mucho Heavy, definitivamente es menos. En todo caso, sería un error de mi parte no reconocer que riffs emocionantes y bien elaborados se consiguen en varias canciones, como Let It Roar, Out Of Control, Black Ninja y Fight Kill Die, además del cierto nivel conceptual del disco en lo que a su temática de leones contra robots se refiere.

No todo el disco es tan intenso como las canciones señaladas y decae por momentos, generalmente por culpa de excesos melosos y electrónicos y ciertos momentos en los que a Louhimo pareciera que le va a faltar el aire, pero hay que recordar que Battle Beast fue el ganador del 'Metal Battle Contest 2010' del mayor festival de Metal del Mundo, Wacken, en Alemania y eso los obliga con sus seguidores (o nos crea la expectativa) de que cada nueva entrega va a ser mejor.

Dándomelas de dos cosas que no soy, futurologo y conocedor, pero creyendo entender a este como un disco 'para tomar impulso', seguramente en el brillante futuro que le depara a este grupo, "Battle Steel" será una de sus más débiles contribuciones, con todo y que tiene sus momentos, pero de manera diferente a lo escuchado hasta ahora.

7/10. Buena portada, por cierto.

Tarja - "Colours In The Dark" (Symphonic/AOR)

Ah! Tarja, Tarja... Tarja. ¿Cuantas cosas se pueden decir de una de las cantantes que, por derecho propio, se puede señalar como una de las más importantes impulsoras... junto con su ex-banda Nightwish, del género más melódico del Metal, el Symphonic?

"Colours In The Dark" es el cuarto álbum de estudio lanzado en solitario, luego de su traumática despedida de la banda finlandesa que tanta fama y seguidores le dio, el cual viene a confirmarme lo que ya desde hace algún tiempo venía sospechando: Tarja no es homogénea, ni mantiene la misma proporción de calidad entre discos, ni si quiera entre canciones.
 

Lo cierto es que a mi entender, en este disco, al igual que en sus anteriores, te puedes encontrar tanto excelentes canciones, como otras mediocres; también la casi obsesiva falta de definición en su estilo hacen muy dispares las sensaciones a lo largo del recorrido, pudiendo pasarse de disfrutar notables demostraciones de Metal Sinfónico a sufrir débiles canciones Pop, super comerciales y las cuales lucen colocadas ahí con el único objeto de obtener cierto espacio en la radio.
 

Lamento que todavía haya artistas, especialmente de la talla de Tarja Turunen, que piensen que es vendiendo discos como van a hacer dinero... los tiempos cambiaron hace mucho y los nuevos paradigmas de la música exigen otro 'approach' al asunto: presentaciones en vivo y merchandising es lo único cierto con que los músicos pueden contar (al menos aquellos que se aprecien a si mismos como verdaderos artistas, lo que en el Metal es la generalidad).
 

Canciones como Victim Of Ritual y 500 Letters son una gran forma de iniciar un álbum, interesantes, melódicas y con el mejor despliegue de voz del que esta gran cantante es capaz, luego comienzan temas más flojos, como Lucid Dreamer, que es aceptable -hasta cierto punto- pero no del mismo nivel que las anteriores. La siguiente canción, Never Enough es regularona, sobreproducida, desconectada del disco y hasta en su recorrido, luego Mystique Voyage, es una balada de pocas sensaciones, más Pop que otra cosa y sólo justificable para poner en la radio de habla hispana, posiblemente en la nueva patria de TT, Argentina.

El cover de Peter Gabriel no me gustó, creo que le faltó emoción en la voz, es quizás una versión débil. Por suerte no todo está perdido y el nivel se eleva nuevamente un poco en Deliverance, esta da paso para llegar a la tercera canción verdadera atracción del disco, Neverlight, de gran intensidad, ritmo y estilo. Medusa es también una canción interesante, cierta rabia contenida, rítmica y bien elaborada, la podrían señalar como otro buen aporte que cuenta con la colaboración de Justin Furstenfeld (Blue October).
 

Ahora, mención especial quiero hacer de Until Silence: esta canción da pena ajena, es prácticamente un plagio de Sleeping Sun, por supuesto sin la fuerza, musicalidad y sentimiento de congoja que aquella produce... sencillamente no me esperaba esto de Tarja. Para mi, inaceptable. Si Toumas estuviera muerto, se habría dado vuelta en la tumba.

Entiendo que la imagen de la portada es una metáfora de que la vida tiene una gran gama de colores y la oscuridad absorbe la totalidad de ellos, para mi este es un disco, si acaso, gris.

5.5/10. Lo bueno del trabajo está bastante bien, lo no tanto... pues deja mucho que desear. Tarja necesita deslastrarse de lo que una vez fue y definirse.
 

Enshine - "Origin" (Atmospheric Melodic Black)

Enshine es un proyecto iniciado en solitario, creado por el guitarrista sueco Jari Lindholm, ampliamente conocido por su participación en las bandas Slumber y Atoma, de las cuales se separa para formar este proyecto, al que se le une el descomunal vocalista francés Sébastien Pierre (Fractal Gates, Inborn Suffering); a ellos los acompaña, al menos a nivel de sesión, el baterista Oscar Borgenstam, el bajista Siavosh Bigonah y el coro y voz femenina -que se escucha a veces-, por Sandy Mahrer.
 

Voy a suscribir lo que muchos ya han comentado en la red: Este ha sido un año donde, con excepciones que no superan los dedos de una mano, el Black Sinfónico Atmosférico, ha sido el género que más y mejor ha dado la talla, presentando los mejores y más atrayentes trabajos. Junto con Progrenie Terrestre Pura, Caladan Brood, Appalachian Winter y Summoning, este disco, de fuerte influencias tomadas de grupos como Omnium Gatherum y Nightrage, despliega un excelente gusto y melodía impresionante, presentando una de las mejor guitarras que había escuchado en largo tiempo. Impresionante sin duda y el mejor de sus elementos.

"Origin" de Enshine es un álbum de excelente atmósfera, melódica y progresiva. Ciertamente hay una buena cantidad de Death Melódico y partes tomadas del Doom. La banda no se limita a sí misma y se permite voces limpias junto con un gran growl, las que unidas a intensas partes instrumentales, que afortunadamente no van demasiado en dirección del Post, salva una mitad de año (o un poco más) de una limitada cantidad de discos que pueden ser realmente catalogados como excelentes.

El que se sienta atraído por "Enshine" será porque le guste su atmósfera, caracterizado por una progresiva consistencia en su crudeza, evolucionando a lo largo del disco para dar paso a un sonido cuyas características fundamentales son la presencia de ambientes fríos y etéreos e intensos pasajes de guitarra. Su ritmo y crudeza invocan paisajes intensos y oscuros. La banda, además del excelente trabajo de guitarra, utiliza unos muy buenos teclados, que vale la pena oír detenidamente.
 

Canciones como Stream of Light, Constellation, Refraction, Nigthwave y Ambivalence son piezas todas impactantes, con largos momentos que no podrán pasar desapercibidos, pero la mejor del disco es, sin duda, Above Us, la que estimo como una de las mejores del año.
 

La principal crítica al disco puede ser que carezca cierta variedad entre sus canciones, excepto los interludios instrumentales y aunque el álbum es verdaderamente completo, lleno de melodías y atmósfera preciosista, con una gran voz, debo reconocer el hecho de que hasta ciertas partes sonaban similar de canción a canción.

Este es un disco coherente, bien escrito, intenso, melódico y con gran sentido de plenitud. Tiene todos o casi todos los elementos que distinguen a una banda que se encuentra por encima del promedio y se percibe como el preludio de aquellas que sólo pueden traer cosas de igual o mejor calibre en el futuro. Si este año decides escuchar sólo cinco discos de Metal, este debe ser uno de ellos.

9/10. Vigésimo quinto seleccionado como contendiente para Disco Del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Cultura Tres - "Rezando Al Miedo" (Sludge/Doom)

En una situación típica del Metal nacional venezolano, los pobladores de estos lares somos los últimos en enterarnos de la presentación de los nuevos trabajos de nuestros coterraneos, lo que en circunstancias ordinarias no molesta porque, sea por falta de promoción, apoyo, desdén o como se llame el motivo que causa que las cosas de aquí se terminen conociendo a través de 'google', ya estamos acostumbrados. Ahora bien, en el caso de una banda como Cultura Tres y en especial, de un trabajo como "Rezando Al Miedo", las cosas cambian. Lo ocurrido es imperdonable... algo tendremos que revisar para ir evitando que eso ocurra otra vez... les colgaremos una campana.

Los maracayeros Sludge/Psicodédicos ya había amenazado seriamente en su disco anterior con la posibilidad de presentar un trabajo que los consagrara, de hecho, sus presentaciones en Europa les había creado un aura de gran calidad, bien ganada -por cierto-, la cual había sido comentada en diversos foros especializados.
 

Mi percepción, desde luego, de lo que podría depararles el futuro luego de "El Mal del Bien" (2012), no tenía -como ocurre tantas veces- necesariamente que convertirse en realidad, sin embargo, su nuevo trabajo "Rezando Al Miedo", es un disco impresionante, en el que demuestran un alto nivel de composición y ejecución, en el mejor concepto Sludge donde las diferentes capas musicales, una pesada y lenta, dirigida por bajo y batería, una poderosa e impactante, guiada por la guitarra y una última, oscura -casi siniestra- producto de la voz, crean un álbum intenso, dinámico y emocionante. En una gran demostración de calidad, este disco puede ser el mejor trabajo del sub género en lo que va de año y estoy seguro que cualquiera que quiera sobresalir deberá medirse a él.

Me parecieron por demás innovadores los dos componentes principales del disco, en primer lugar la voz de Londoño, la cual mejora con respecto a su disco anterior, sea porque se permite una transmisión de emociones irrestrictas, sea porque hay una menor inclinación al Black, lo cierto es que el progreso es importante; en segundo lugar, el más claro y mejor componente del disco es la descomunal guitarra de De Ferrari... ese músico y el manejo de su instrumento tiene realmente algo especial, diferente e hipnotizador, a nivel de lo mejor que hoy por hoy se puede conseguir.

Es sorprendente como "Rezando Al Miedo" dura cincuenta y cinco minutos y el tiempo discurre imperceptiblemente mientras se disfruta, no sólo gracias a la excelente e intensa ejecución de los componentes de la banda, sino gracias a una gran selección de canciones, las cuales parecieran irse complementando una a otra, hasta llegar al punto culminante del disco, sus últimas tres canciones, Rezando Al Miedo, La Ley Del Dolor y Forget I'm Here, las cuales te golpean brutalmente y podrían dejarte aturdido si no fuera por lo intenso de sus arreglos y virtuosismo que muestra De Ferrari.

En el apartado de las sensaciones, elemento más importantes de este tipo de Metal, este disco alcanza a tocar la fibras del oidor con intensidad, transmitiendo esa emoción abrasiva, deprimente y oscura tan propia del estilo, la cual se une con sus ritmos fuertemente contrastantes y elementos altamente agresivos. No llega a ser un disco Atmospheric, pero aún así produce una sensación densa que por momentos se acerca a ideas como el Phychedelic. Su concepto además, a la vez anti religioso y anti colonialista, es demoledor y bien desarrollado... sin desperdicio pues, en ningún frente, ni siquiera el de producción, la cual es de primer orden.
 

Creo que quien aprecie el género Sludge, con fuertes matices Doom, aúnque menos Down Tempo que su anterior, se sentirá impresionado por lo presentado en "Rezando Al Miedo" y seguramente lo convertirá en uno de los referentes obligados para calibrar cualquier otro trabajo similar. Este disco de Cultura Tres debe estar en la rotación regular de quien se aprecie metalero, donde sea que se encuentre en el mundo.
 

9/10. De lo mejor del año, por encima de consagrados como The Ocean o Cult Of Luna. Incluyendo una excelente portada. Vigésimo cuarto seleccionado para competir como Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica