De la Objetividad, la Experiencia, los Gustos y otros crímenes de guerra...

Unas cortas líneas para iniciar el mes de septiembre, pues no tengo todavía preparadas nuevas críticas ya que me encuentro en proceso de elección y escucha del gran cantidad de material que aparece en escena cada semana. Por cierto, creo que los elegidos para ser mentados próximamente serán el grupo venezolano de Doom/Death/Down Tempo, Cultura 3, y el sorprendente Power/Symph/Melodeath Ex-Deo, quien tan amablemente me recomendó el compañero de andazas metálicas, Jesús, de quien pueden reclamar la crónica del concierto en Caracas de At The Gates, que nos adeuda hace más de un mes, cuando se comprometió a escribirla.

Ahora voy a 'pensar en voz alta' respecto a algunas cosas que pasan cuando se escribe un blog: En primer lugar, esta experiencia, que en mi caso tiene año y medio, ha sido realmente gratificante, aunque no exactamente -podríamos decir-, lineal.

Debo agradecer a la gente que me visita. Increíblemente para mis expectativas, recibo desde hace más de tres meses entre 350 y 450 visitas diarias, unas 10.000 mensuales, lo que es abrumador para alguien quien, como yo, sólo tenía por objeto dar su opinión al respecto de lo que le gusta o no sobre algo tan apasionante como es la manifestación cultural más asequible que existe, la música y en mi caso, la que más me gusta (que aunque no lo crean, también tengo gusto por otras manifestaciones, como la Salsa o la Clásica).

Luego está la experiencia respecto a la respuesta de la gente. En general todo el mundo pide objetividad cuando se habla de un disco. Lamento informar algo: en este área, eso no es posible. Las manifestaciones artísticas son tantas y tan variadas y se analizan de acuerdo a experiencias tan disímiles que es prácticamente imposible que dos personas, aunque tengan la misma formación académica, perciban de igual manera un producto artístico. A diferencia de la matemática u otras ciencias 'exactas' donde todo el mundo puede distinguir la verdad de lo que no es tal (2+2 siempre son 4, aunque hayas vivido bajo una piedra durante cincuenta años), en el arte, como dicen los sajones, "la belleza está en el ojo de quien observa" (the beauty is in the eye of the beholder).

Por esto no tengo problemas que la gente comente, critique, destroce y satanize mis apreciaciones, porque -a la vez- ¡es su visión de las cosas! Además, no se puede complacer a todo el mundo... de hecho, no espero complacer a nadie. Lo hago porque me gusta hacerlo y lo dejaré de hacer cuando me fastidie. Punto.

Mientras tanto sigo disfrutando de la mejor música y posteando los comentarios que llegan, aunque ellos a veces reclamen que no son del gusto del lector (que, por cierto, es el motivo por el cual más se atreven a escribir).

Gracias por leerme,

Alfonso  \m/

MalleficaruM - "MalleficaruM" (Melodic Symphonic Black)

Aunque mis gustos por el Metal pasan también por los sub-géneros más extremos no acostumbro a hacer comentarios de discos que tratan temas tan intensos como Satanás, aunque entiendo que originalmente era un Angel... y luego uno caído :-) En general les huyo a ese tipo de historias. Pero hay varias razones que me llevan a querer hablar de este buen disco del grupo MalleficaruM.

En primer lugar la literatura que lo acompaña es muy interesante y evidencia que no es precisamente una invocación absurda de unos chiquillos que cuando juegan a la Ouija se hacen pipí en la cama o, a lo noruego, sólo entienden la vida prendiéndole candela a la iglesia del pueblo; la verdad es que hay mucho de conceptual en su creación y eso, para el que me ha seguido en este blog, sabe que es algo que aprecio particularmente. Aquí hay substancia, no sólo musical, sino intelectual. 

Luego, lo grueso: este disco no es típicamente Black, que si lo es, es también Sinfónico y Melódico, pero con características muy propias, evitando caer en sensiblerías o poses ridiculas. Creo que MalleficaruM expande los límites del Black Sinfónico con elementos nuevos, espectaculares y de alta factura. Incluso los elementos Doom que se perciben en canciones como Rex Noctis agregan mucho valor.

Más adelante comentaré los aspectos musicales generales de la grabación, pero no quiero llegar ahí sin antes hablar de la excelente orquestación que domina el recorrido del disco, donde los sonidos suaves, amables y dulces, de violines, guitarras clásicas, piano y percusión orquestal, se mezclan como interludios con potentes riffs melódicos y una gran voz Black que produce lo que busca, aridez y fuerza, unidos a una segunda línea vocal, scream, que sin duda parece salida de algún camino al Averno. Estos tres elementos: orquestación clásica, riffs y voces valen el esfuerzo que algunos le tendrán que poner para escuchar un disco tan intenso en su temática.

El grupo, español por cierto, demuestra un acoplamiento inusual para una banda nueva. No encontré a ninguno de sus componentes sobresaliendo por encima de los otros, aunque el trabajo de batería que ejecuta Tony es de gran factura. El line up del grupo maneja un excelente rango de voces, muy amplio y bien logrado en los dos estilos. Quizás yo le habría dado algo más de protagonismo a la guitarra líder, eché de menos algunos sólos.

La historia tras el álbum, homónimo del grupo, es por demás interesante y si bien, como dije al inicio, no estoy familiarizado con el tema demonológico, vale la pena leerla. Trata de un par de monjes dominícos que en el año 1486, parece que con no muy santas intenciones, escriben un libro llamado 'Malleus Malleficarum' con el objeto de aprovecharse del oscurantismo de la época y manejar a los impíos (que generalmente son los que no están con uno) en base al miedo. Los integrantes de la banda, a su vez, personifican a un grupo de heroes oscuros que se enfrentan a tal fechoría. Cuernos al aire, pues!!

Es cierto que algunos pasajes se hacen demasiado largos o repetitivos, pero aún así el producto final no desluce y creo que la próxima entrega, que prometen seguirá la historia de este disco, irá puliendo el diamante en bruto que se percibe en MalleficaruM. Sin duda les seguiré la pista.

8/10. No es usual oir discos Black tan conceptuales, buen trabajo.

Katatonia - "Dead End Kings" (Alternative/Progressive)

Katatonia es una banda de metal sueca formada en Estocolmo en 1991 por Jonas Renkse (anteriormente conocido como Lord Seth) y Anders Nyström (antes conocido como Blakkheim). Los primeros álbumes de Katatonia y bandas como My Dying Bride, Anathema y Paradise Lost se consideran precursores del Death/Doom. En enero de 2012, Katatonia anunció que grabaría su noveno álbum de estudio, "Kings Dead End" y realizará una gira Devin Townsend durante los últimos meses del año. Desde entonces tenía mis dudas... difícil que Townsend vaya a llevar a alguien que lo eclipse y con las últimas experiencias que el grupo ha mostrado, pues me imaginaba algo así.
 

Katatonia fue una de las primeras bandas que escuché cuando comencé a oír metal, gustándome bastante, pero mi interés por su desarrollo fue disminuyendo por su giro hacia el Alternative/Prog que se iba alejando cada vez más de sus raíces, lo cual no era en sí mismo malo, sino que su Prog es... no se, menos bueno que su Doom, especialmente a partir del desastre de "Viva Emptiness"

Ahora, en una nueva entrega y con expectativas no muy altas he escuchado "Dead End Kings", el cual no es un disco interesante, por el contrario, es de algunos elementos simplemente mediocres y a veces hasta aburrido. La producción es -por momentos- deficiente, la batería no me terminó de sonar bien nunca, demasiado alta su grabación, arruinando la atmósfera que, para este estilo, debería ser más melancólica. Luego, aunque Katatonia es más complejo que en sus orígenes, se siente un poco inorgánico, con demasiados riffs en cada canción, como sin mucha dirección.

Es un disco que no termina de ser ni calmado, ni atmosférico, ni pesado y si un poco desorganizado en su Prog. Sus complejos riffs parecen centrarse sólo en las grandes melodías y como consecuencia natural termina siendo algo aburrido; demasiado lento y tranquilo, sin ser Doom... un poco mezclote desde mi punto de vista. Además en lo que a instrumentalización respecta y por increíble que parezca, este disco tiene sólo dos solos de guitarra decentes ¿Donde quedó la virtuosidad que los caracterizaba?
 

Aún así, "Dead End Kings" tiene algunos momentos buenos. El tono de la guitarra sigue siendo agradable y grueso, con el nivel de metal adecuado, cortesía de los riffs desarrollados por Anders Blackheim y la voz de Renske que sigue siendo interesante. La ejecución del bajo es sencilla pero conduce correctamente al resto de la banda.

Sin duda es mejor que su peor producción, el mencionado "Viva...", aunque se trata de lo mismo, una y otra vez en casi cada canción, sin mucha inspiración en la composición, decepcionante para el Katatonia que una vez fue. De todas maneras no debería dejarse de oír porque puede que mi bajo nivel de credibilidad para con estos suecos me haya limitado la experiencia, siendo posible que este disco tenga que ser abordado como un todo conceptual o con otra perspectiva.

Amablemente diré que de Katatonia espera más que esto y definitivamente aquí no está plasmado lo que desde mi punto de vista sería su mejor esfuerzo.

5/10

Ensiferum - "Unsung Heroes" (Folk)

Ensiferum, que en finés significa algo así como 'el portador de la espada' es uno de esos grupos que ha marcado el estilo Folk, dándole más épica, melodía y como ellos mismos se definen, heroicidad. Para mí, que soy especialmente adepto al estilo, fue una gran noticia cuando en febrero estos finlandeses anunciaron que entraban al estudio para grabar su quinto disco, luego de la larga espera a la que sometieron a sus seguidores desde "From Afar" en el año 2009. Ahora me encuentro con este disco, en menos tiempo de lo esperado y me siento más que satisfecho con él. Ensiferum está de vuelta, en buena forma, con su alineación fija desde 2005 y con su estilo intacto.

 "Unsung Heroes" gusta desde el comienzo. Su mismísima portada tiene un dibujo alegórico pagano que muestra a un guerrero anciano gesticulando bajo un atardecer carmesí, realizada por el diseñador gráfico Necrolord, que la convierte en contendiente a Portada del Año. A partir de ahí el discurrir del disco es amable, a pesar de que por momentos pareciera que el espíritu de Amon Amarth se va a posesionar del grupo, ello no sucede... melodía, dulzura y mucha épica domina este trabajo; con sus elementos Folk si, growls Death también, pero bastante más asequible que grupos como Finntroll o Moonsorrow. Sin duda recomendable para quien quiera presentarle a algún amigo el estilo, comience por aquí.

Ensiferum no ha cambiado su estilo desde sus inicios hace unos quince años. Esta dedicación a su sonido es lo que creo les da ese sentido de tradición y compromiso. Sus canciones -muchas- tienen ese toque típico de comenzar con solos de guitarra acústica y luego ir creciendo y acelerando en su ritmo, con un gran ambiente, coros y elementos Pagan que enriquecen el conjunto. Las melodías melancólicas respaldan las líneas de bajo errante y las guitarras rítmicas conducen un trabajo bien hecho.

Si bien en general todas las canciones me gustaron y generaron la sensación de 'estar ahí', gracias a una producción extremadamente pulida, mención especial quiero hacer al tema de cierre, Passion Proof Power, de diecisiete minutos de duración, la cual tiene un encanto genuino, épica y poderosa. La recomiendo ampliamente, no sólo por ser una canción honestamente buena, sino porque es muy raro encontrar un tema de esa longitud donde todo el tiempo se mantenga el nivel de la manera como este quinteto lo logra, con momentos verdaderamente memorables.

Disfruté "Unsung Heroes" más que los registros anteriores de Ensiferum y eso puede ser algo inusual porque su sonido es fundamentalmente el mismo, pero la presencia de interludios, grandes narrativas y la tendencia a centrarse en temas de combate, hacen difícil que uno se sienta empalagado, algo fácil con estos niveles melódicos. El álbum tiene, al menos, el mismo nivel que el gran clásico del grupo, su disco debut, "Guardians of Fate".

Este disco es de los que siento que añejará bien y me permitirá regresar a repasarlo sin sentir el paso del tiempo. De hecho, su musicalidad tiene momentos impresionantes, el uso de voces femeninas operáticas le da toques elegantes, es variado, optimista, poderoso por instantes y con elementos interesantes que se descubren en cada oída.

Adicionalmente el bonus track en vivo, la versión de Bamboleo (realmente original del autor venezolano de música criolla, Simon Díaz, Caballo Viejo) es algo que no se puede dejar pasar de nombrar, por lo anecdótico.

9/10. Folk con pasión. Vigésimo séptimo contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

 

The Faceless - "Autotheism" (Progressive Technical Death)

Este es un buen álbum, quizás incluso más que eso y definitivamente el mejor de The Faceless hasta el momento. Puede que no sea lo que esperaba, pero en realidad puede también ser eso lo que me gusta. Cada álbum de este grupo tiene un sonido muy distinto al anterior -y entre sí-, notándose cada vez más Tech y más Prog Death, posiblemente este sea uno de los grupos que más ha madurado en tan corto tiempo, desde su fundación en el 2006.

Para la gente que piensa que esto es un paso atrás o se asemeja más a alguna otra banda como 'insertar nombre aquí', no quiero decir que pareciera que dan a entender que todo su arte carece de influencias. Obviamente hay algunos momentos Opeth, influencias Devin Townsend y varias otras corrientes. Incluso comparto que es hasta discutible qué género realmente están desarrollando, pero el objeto de este blog no es entrar en esas discusiones bizantinas. Como álbum, parece ignorar la música creada por el mismo grupo antes de él, pero aún así destaca por sí mismo bastante bien y no se apoya en un subgénero concreto a fuerza. Si es de obstinada necesidad conseguirle semejanzas, me recordó a Fleshwrought, Fallujah y Ordinance, siempre tomando en cuenta que estas tres bandas puede que, a su vez, estén directamente influenciadas por The Faceless :)

El disco de estos americanos va a ser considerados por muchos como una joya del estilo Prog Tech Death, pero no necesariamente porque sea sónicamente más experimental -que lo es-, sino por su gran esquema, tanto en los elementos instrumentales, como voces y letras, las cuales se combinan de forma interesante, aunque no fácil para el oidor casual; a mi me llevó mis buenas cuatro o cinco sentadas para terminar -o comenzar- a apreciarlo. También no creo equivocarme al afirmar que el vocalista/guitarrista Michael Keene eclipsa a los demás miembros un poco, más sin embargo, se nota una gran influencia del bajista Evan Brewer y el excelente baterista Lyle Cooper, de quien afirmo que si el disco se tratara sólo de su ejecución, estaría en un nivel casi perfecto.

No quiero sonar fastidioso al reiterar que este disco no será del agrado de muchos pues la tendencia natural de muchos metaleros a identificar las influencias de una banda y ordenar su mérito artístico basado en lo discernible, lo van a hacer difícil. Aún así se le debe dar la oportunidad, con la casi obligación de desprejuiciarse ante lo que se va a oír.

The Faceless está de vuelta para restablecer que cuando se trata de Tech Death, ellos saben lo que están haciendo. "Autotheism" provee la intensidad con la que se dieron a conocer en "Akeldama" y perfeccionaron en "Planetary Duality", al tiempo, añade una capa nueva a la composición mediante la inclusión de voces limpias y música de sentimiento fluido que te mantiene en cierto trance hasta los momentos finales del álbum con In Solitude. La instrumentación sigue ahí y hará que muchos músicos se sientan gravemente insuficientes. Este álbum, corto para sus cuarenta y un minutos, desde mi punto de vista, demuestra que esta banda va a mejorar cada vez más.

Si te se sientes obligado a escuchar el disco, creo que hay una buena probabilidad de que la experiencia sea agradable, si no, será de aprendizaje.

8/10

Inferis - Nuevo Extended Play gratuito

Los integrantes del grupo chileno Inferis tienen para descarga gratuita un nuevo EP que trae sonidos interesantes, ya no tan Power. 

No acostumbro a hacer críticas de trabajos cortos, así que esperaré a la salida de su nuevo álbum que, luego de su firma con el sello japonés Hitman Records, seguramente resolverá los problemas de producción de su primer disco.

Alfonso

Evoken - "Atra Mors" (Funeral Doom)

Para quien no lo sepa, Evoken es una banda fuertemente influenciada por los padres del Doom, los australianos Disembowelment y los finlandeses Thergothon y fue fundada por el guitarrista Nick Orlando bajo el nombre de Funereus en abril de 1992, cambiando su nombre al actual en 1994. Es de las primeras bandas de Funeral Doom de los Estados Unidos.

"Atra Mors" no es una escucha fácil o amistosa, aunque Evoken ya aparece en la escena del metal extremo desde el año 2007 con algunos sonidos más accesibles que los que se hayan en sus primeros discos, con el álbum "A Caress of the Void". Aun así siempre han tendido a las piezas fuertes e interesantes y este disco no es la excepción.

Interludios como Requies Aeterna o la excelente Descent Into Chaotic Dream, que para algunos oyentes pueden resultar temas áridos, sugieren bastante bien lo que el estilo busca; un ambiente de tormento, que no se arrepiente de sí mismo, una búsqueda para apaciguar el ánimo con malévolos y majestuosos acordes. Después de todo, las capas de música, ritmo extremadamente lento y ecos lejanos hacen pasar minutos de relajación... pero tensa -por contradictorio que parezca-. Este sexteto transmite sensaciones y lo hace bien.

Sólo un neófito puede llamar a este álbum de los de New Jersey 'casual'. Con más de una hora de duración que avanza lentamente, abriéndose paso con elementos notables, con una atención casi obsesiva en el manejo del volumen, atmósfera y cambios de ritmo deliberados, sus registros tienden a proporcionar una sensación de agitación sísmica, ya sea por el estruendo de la batería, el rugido de su cantante, John Paradiso o lo cortante de sus guitarras. Si el Funeral Doom es una de las formas más opresivas del metal, Evoken es sin duda uno de sus practicantes más ambiciosos y agresivos, pues mediante la creación de sus propios sonidos hacen una declaración de orgullo por su trabajo.

Diría que el aspecto más destacable de "Atra Mors" es que se separa del catálogo de la banda y parece estar dispuesto a poner más elementos en su sonido, con gran atención en las texturas y contundencia incluso sinfónica; teclados de corte bajo que espesan el sonido, pero encadenan las piezas y resaltan de forma interesante, como en Grim Elocuence me parece que lo comprueba. Aunque la verdad no hay ninguna pista fácil de clasificar, ya que la banda crea un continuo ciclo de conceptos, se nota el desarrollo de una idea principal, nada de un amasijo inentendible.

"Atra Mors" es un evento fuerte, retorcido, y de enormes proporciones que requiere atención y tiempo. Elementos como el desempeño del guitarrista Chris Molinari, quien ejecuta riffs que se extienden como si fueran de alambre de púas, es desconcertante y emocionante. La incorporación de todos estos elementos, hasta cierto punto novedosos en su asalto fúnebre, dan lugar a una estructura coherente. La producción de alta calidad, los riffs atronadores y la voz profunda y áspera que se integra con la melodía sutil y efectos de teclados, me mantuvieron absorto.

Siento que, aún cuando duro y complejo, este puede ser el mejor disco de Funeral Doom del año hasta ahora. La única preocupación es que los seguidores tradicionales del grupo lo desdeñen por lo innovador y algunos pasajes demasiado melódicos para lo que acostumbran, pero sin duda, desde mi perspectiva, ha sido para bien. Como punto bajo, algunos elementos demasiado teatrales, como en The Unechoing Dread, pero no maldicen de un excelente trabajo.

8.5/10

Borknagar - "Urd" (Blackened Progressive)

En lo que a mí respecta, Borknagar fue una de esas bandas que empezaron fuerte, pero con el tiempo comenzaron a no sonar tan bien, siendo cada álbum ligeramente inferior al anterior. Creo que estoy familiarizado con casi todo su catálogo y me siento en la libertad de decir que entregaron grandes álbumes desde su debut, hasta el año 2001, es decir, "Borknagar", "The Olden Domain", "The Archaic Course", "Quintessence" y "Empiricism", desde entonces sus discos, aunque no son malos, nunca han sido realmente capaces de cautivarme de la misma manera. Creo que me gustaban más cuando su estilo era Black que la mezcla posterior con el Prog.

"Urd" es el noveno álbum de estudio de estos noruegos y al igual que con la mayoría de sus discos anteriores, cuenta con una agrupación diferente al de su anterior, esta vez debido a la salida de Jan Erik Torgersen (a.k.a. Tyr) por segunda vez, y el regreso de ICS Vortex (Simen Hestnæs) en el bajo y voz, y ahora con el lanzamiento de "Urd", contra todo pronóstico, las cosas cambian para Borknagar, para mejor, mucho mejor.

A diferencia de los últimos álbumes de la banda, al oir "Urd" me queda una imagen impactante, sin duda vuelve a llamarme la atención inmediatamente. No se si el retorno de Vortex ha cambiado su sonido, pero la dirección del álbum al instante suena más agradable que cualquiera de sus trabajos recientes. El material que traen es el más fuerte en un tiempo largo. Va más allá de empirismo y realmente se siente cómodo, muy impulsado por el Black, aunque cuando es casi completamente Progresivo, sin embargo pone de relieve su lado fuerte, su influencia Black. Este puede ser el mejor o el segundo mejor álbum del grupo, luego quizas de "The Olden Domain".

¿Es un retorno a la buena forma? ¿O es que nunca se fueron?... no se. No había escuchado un Borknagar tan interesante desde hace años. Así que estoy sorprendido de que "Urd" este tan cerca de ser tan buen álbum como sus clásicos. Después de tanto tiempo me resulta sorprendente que las guitarras tengan estructuras complejas y riffs emocionantes, mientras las voces sugieren melodías inspiradoras.

Canciones como The Winter Eclipse, The Beauty Of Dead Cities y Mount Regency, me dejan boquiabierto, pues si bien es cierto tienen una estructura y cambios de ritmo típicamente Prog, los elementos Black que incorporan rememoran los mejores tiempos del grupo. Este noveno álbum, para mí, marca el regreso de Borknagar al tope de la escena escandinava de Metal. Una remontada que estaba en sintonía con la salida de ICS Vortex de Dimmu Borgir. Era de esperarse y finalmente creo que queda nueva y mil veces demostrado que no es el grupo (el nombre del conjunto) lo que vale, sino sus integrantes.

Esta entrega, "Urd", está nombrada por uno de los tres Norns, es decir, los dioses de la mitología nórdica y reune lo mejor de lo que fue Borknagar, el toque Black de Dimmu Borgir y posiblemente elementos tomados de Vintersorg, el proyecto en solitario de Andreas Hedlund.

El disco alterna pasajes Black con guitarras afiladas, blast beats y los growls de rigor, a veces enriquecidos con la orquestación oscura a la Dimmu Borgir, con un poco de grandilocuencia y secuencias muy melódicas típicas del metal Progresivo. No se desdeñan las influencias Avant en algunos solos de guitarra o en los teclados de Lars Nedland, favor oir el órgano Hammond en The Beauty Of The Dead Cities o Mount Regency y el sintetizador en Frostrite para convencerse.

En la edición limitada el disco se cuenta con dos bonus tracks que vale la pena escuchar: una composición original, Age Of Creation y un cover de un título de Metallica, My Friend of Misery.

9/10 Vigésimo sexto contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Souls Of Diotima - "What Remains Of The Day" (Symphonic/Progressive/Female Fronted)

Las habilidades de composición de este grupo me han parecido muy interesantes. Entiendo por el material adicional que he conseguido en la red -fundamentalmente su primer disco de 2011, "Maitri"- que ya adelantaron lo que pueden ser y hacer y es que de las nuevas bandas nunca se sabe, pueden llegar plenos y buenos, o no...me parece que esta agrupación si puede, eventualmente.

 

En su disco "What Remains Of The Day" los elementos orquestales encajan a la perfección con poderosas líneas musicales, creando una base sólida a la bella voz de Claudia Barsi que, durante el discurrir del álbum, nunca dejó de atraer mi atención, mostrando gran habilidad técnica y musicalidad.

Elementos imperdibles del disco son las canciones What Remains Of The Day y Von Braun. La primera es una carga concentrada de lo que es el disco, tanto en su ritmo como en su musicalidad y la determinación de querer hacerlo bien, la segunda distingue de una manera especial la capacidad individual de cada músico para destacar con su instrumento.

Aunque por momentos -demasiado largos a veces- traen a colación sonidos como los de Nightwish, los cuales no sorprenden, parecen un grupo prometedor. Este es definitivamente un álbum Prog Sinfónico, con mezcla de voces en inglés y el italiano, combinadas con algunos growls Death que le dan cierto color (negro... of course) cuyas guitarras tienen excelente despliegue, no sólo Neoclásico, sino incluso Blues, con un fraseo de gran nivel. Creí haber percibido influencias de Malmsteen entre los pasajes de las guitarras e incluso algunos teclados también. Como dije al inicio, el uso de una orquesta sinfónica crea elementos atmosféricos y texturas en el sonido global de cada pista exquisitos de escuchar.

El álbum es de los que se siente que desea con todas su fuerzas estar a la altura de los nombres consagrados en el género, como Epica, Within Temptation y el nombrado NW, sin embargo, su producción global parece estar algo perdida, aunque no por ello me parece un mal trabajo.

Sin perjuicio de lo dicho voy ha hacer un paréntesis y decir algo que me ha rondado en la cabeza desde hace tiempo: hay que partir del principio que dentro de este género es casi imposible ser innovadores. Punto. La verdad es que percibo que en el Prog/Symph/Female Fronted sólo una 'Segunda Transfiguración' va a hacer que las cosas progresen. Aún así los italianos Souls Of Diotima se merecen una decente puntuación, pues la presentación de su álbum es potente y convincente. La receta de estos cerdeños es muy simple: estructuras que descansan sobre una sección rítmica sólida sobre la cual se mueven los dos guitarristas, en un despliegue de riffs que conoce e imita, hasta cierto punto y a veces algo de más, a los grandes clásicos del género.

En el disco se percibe un teclado que suena muy bien y nunca es utilizado más allá de lo obvio, la voz de Claudia Barsi, ya lo dije, es una agradable sorpresa, las atmósferas cargadas y llenas de el estilo Kamelot, me gustaron. En resumen, no hay duda de que este es un álbum lleno de influencias y de energía interesante y creo que, disculpando la falta de cierta novedad, se puede encontrar un gran potencial.

7.5/10

Ascension - "Far Beyond The Stars" (Power)

Según la descripción de su site, Ascension lanzó su álbum debut titulado "Far Beyond The Stars" el 21 de marzo, el cual fue grabado por el nominado al Grammy, el productor Andy La Rocque, en los Estudios Sonic Train en Varberg, Suecia, incluyendo como invitado para un solo de de teclado a Elías Holmlid de Dragonland. Eso no dice nada. Lo que si me atrajo es que esta banda escocesa había conseguido hacer un pequeño revuelo en su respectiva escena, incluso antes de lanzar el álbum; esperaba pues uno de los más fuertes debut de este año en el Power... sólo me restaba oírlos... casi nada.

Estilísticamente esta banda ofrece un ritmo rápido, una versión de alto vuelo del Power, basada en las guitarras. Sus acordes son fuertes y complejos y nunca hay escasez de solos de guitarra, cada canción tiene al menos una. Fraser Edwards y Docherty Stuart son excelentes ejecutantes que hacen de cada canción algo entretenido y emocionante. Probablemente la característica más obvia de esta banda son las voces, siempre por Richard Carnie. En el primer sencillo, Somewhere Back In Time, exhibe un estilo de tono vocal alto que destila energía y potencia, mientras que en The Silver Tide utiliza un estilo más relajado, de rango medio, que muestra emoción, mientras que se presenta de una manera diferente, discurriendo entre esos dos estilos a lo largo del disco. La batería está muy bien ejecutada en las manos (y pies) de Dick Gilchrist. No hay abuso de doble bombo y se las arregla para sonar espectacular en casi todos los momentos.

La producción del álbum, supervisada por el legendario Andy LaRocque (King Diamond, Death) es limpia y hace que todo suene muy claro, una de las mejores producciones del año sin duda. La batería suena fuerte ​​y de gran alcance, sin quitarle el espacio que le corresponden a las guitarras. El tono de estas es agradable, siendo lo suficientemente limpias como para comprenderlas y sin embargo distorsionadas lo suficiente como para proporcionar gran poder. Carnie toma el centro del escenario con facilidad gracias a su excelente voz. El bajo es inaudible por momentos (aunque así es el Power, después de todo), pero durante la canción instrumental Orb of The Moons hay una sección donde se puede escuchar un muy buen trabajo del mismo.

Todas las canciones de este disco son diferentes entre sí y esta variedad impide que se convierta en algo aburrido, lo que a niveles tan melosos es un riesgo siempre latente. Las canciones sobresalientes incluyen la de apertura Somewhere Back In Time, Heavenly y The Avatar, esta última desde ya seleccionada como una de las canciones a disputar el 'premio' como Canción del Año, con las características particulares de un coro que compite facilmente con cualquiera de las canciones escritas en los últimos treinta años. El orden de las canciones de este álbum es brillante y el toque épico de los casi diez minutos de duración de The Avatar, junto con todos sus elementos, convierten al disco en uno de los mejores del año, ciertamente excelente.

Este es un disco realmente bueno que debería ser tomado en cuenta pues Ascension representa una especie rara: Una banda que tiene la capacidad de producir un disco líder en el género directamente desde ningún sitio. "Far Beyond The Stars" muestra que el metal puede brillar a través de un disco debut para competir con algunos de los principales representantes del género que han estado trabajando durante años.

Con una perspectiva excitante, explosiva y fresca, en un género que (posiblemente) no se ha movido durante cinco años o más, parece que ha llegado el momento para que una banda joven y entusiasta demuestre que si hay lugar para innovar en el Power (Unisonic... por favor tomar nota).

Este álbum me hizo recordar los primeros de DragonForce, incluso la voz de Bruce Dickinson, o elementos de lo mejor que ha realizado Stratovarius y Hammerfall. Un álbum lleno de la clase de composición y lirismo que quieren los incondicionales del sector del metal menos duro, con un empuje del tipo que exige sentarse y tomar nota para estar pendiente de lo que vendrá. No sólo es la composición de canciones de primera categoría, sino una sorprendente habilidad para jugar con la exibición de habilidades, el trabajo de guitarra, voces y batería, con seguridad y alto nivel de elaboración.

Este disco, si bien es absolutamente Power, no se trata de agolpar canciones a la carrera, reunidas sin sentido entre sí, como para tener algo que tocar en los conciertos, al contrario, esta es una versión en la que se puede sentir el arte moldeado: canciones cuidadosamente desarrolladas.

No me atrevo a sugerir menos que un 'Casi Perfecto' para este disco. Es lo que Dragony, I am I, Manowar, Last Kingdom, Gaia Epicus, Firewind y Sonata Arctica y otros más -en mayor o menor medida- quisieron hacer y no pudieron.

9.5/10. Vigésimo quinto seleccionado a competir como Disco Del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

King Of Asgard - "...To North" (Viking)

Desde mi punto de vista lo que hacen estos individuos es Viking en la forma en que se debe hacer, dándole continuación a lo que grupos como Mithotyn venían haciendo hasta 1999. King of Asgard son mejores para mantener un melodeath más interesante que lo habitual, especialmente con sus riffs de guitarra, que toman un lugar preponderante, algo que no puedes decir acerca de un montón de bandas de Viking/Pagan.

Además, la batería es más extrema, más agresiva que en una banda como -por ejemplo- Amon Amarth, aunque no necesariamente ello los convierta en algo mejor, pero se les nota la búsqueda en la diferenciación. Luego hay elementos inusuales en su producción, que no es especialmente cruda, pero tampoco está demasiado elaborada.

Sin duda esta banda no tiene mucho para los oidores casuales, acostumbrados a la melodía fácil, pues se inclinan más hacia el Black, en vez del Power. Además, hay que recordar que cuentan con Karsten Larsson, quien hizo del Viking en la referida banda Mithotyn y más recientemente en Falconer (muy recomendable buscar el trabajo de este grupo), bastante de lo que es hoy el estilo.

Aún si no eres del tipo que entierra la cabeza en todos los tomos de las sagas de la mitología nórdica (yo definitivamente no he pasado mucho más allá del 'Señor de Los Anillos' y algunos de la 'Dragonlance'), pero sabes apreciar el género, debes ser capaz de sentirte cómodo en torno a la música que elabora esta gente a través del martilleo de batería y guitarra, empapada de cerveza e hidromiel :-). Díficil tarea luego de que el Viking se ha puteado -con perdon- a niveles de hacerse hasta en Brasil, y por eso no es de extrañar que la gente rápidamente se canse de imitadores que intentan nadar en estas aguas.

Eso no quiere decir que no haya grupos no nórdicos que han contribuido de manera sólida en los últimos tiempos, sin embargo, si eres como yo, la lista de grupos que puedo recordar como verdaderamente memorables en este estilo es corta y en general se puede acabar harto de clichés al escucharlos, pero con KOA no me sucede lo mismo. Podría decirse que los siento honestos, sin poses. Verdaderamente compenetrados con su música.

Creo justo decir que si se cuenta a Amon Amarth como el imbuido del poder celestial, el 'Berserker'... este grupo tiene puntos para abriles cualquier concierto y algún día puede que se inviertan los papeles, siempre y cuando terminen de explotar lo que se presiente de ellos. Esa fórmula de 'menos es más' no siempre da resultado y el estado de ánimo general que transmiten, si bien es agresivo, no termina de tropezar con la rabia. Quizás lo más destacable es que son melódicos sin ser melosos; sin cruzar por completo al lado del lugar común, tan fácil en estas tierras, lo que es una buena noticia si se prefiere el estilo más crudo... diría yo, 'de más al norte', como verdaderamente dice el título de su disco.

Sin embargo, hay una gran cantidad de riffs inspirados y suficiente calidad para otorgarles una calificación positiva. King Of Asgard se presenta como el tipo de banda que de inmediato te invita a bucear la historia nórdica, que habla de invasores, carne salada y cielos grises, mientras que los vapores de bebidas muy fuertes te atontan. Supongo que depende, en gran medida, de cómo te gusta el Viking, si adornado, con elementos Prog o crudo. En lo que a mí respecta, es probable que "...To North" sea un salto hacia adelante para el género, con sus elementos menos pulidos, pero a la vez una experiencia agradable, a pesar de ciertos elementos repetitivos, un buen trabajo.

8/10. Buen , muy buen disco.

Dragony - "Legends" (Power/Epic/Symphonic)

No se puede decir que es fácil encontrar originalidad en este género y si bien no se deben esperar maravillas en términos de innovación, no quiero dejar de comentar que disfruté la forma en la que esta gente crea melodías. Desde el primer minuto del disco se siente que la banda muestra su intención de realizar música que, si bien lleva todas las marcas y clichés del Power, lo hacen con un enfoque profesional que recuerda a músicos experimentados.

Dragony comenzó como un proyecto de estudio llamado Dragonslayer Project, por tres músicos austríacos que deseaban crear una ópera épica de metal, 'a la' Avantasia. El proyecto se convirtió en una banda, con un nombre menos engorroso y un álbum de debut asequible, a través del sello Limb Music.

Si bien pueden haber desestimado, por ahora, la idea de una ópera magna, Dragony no ha abandonado las características general del concepto. "Legends" presenta el típico Sinfónico Épico enérgico, en la mejor tradición europea. Similitudes con grupos como Stratovarius, Kamelot y Angra se escuchan a todo lo largo del mismo. De hecho, Dragony recibe colaboración de otros músicos austríacos como Katie Joanne de Siren's Cry, así como apoyo vocal del alemán Ralf Scheepers de Primal Fear en Burning Skies.

Dragony tiene todos los elementos propios del Power en sus canciones: momentos de velocidad y la gracia de piano retozando con estilo, grandes arreglos vocales, melodías fuertes y contundentes solos de guitarra, todo ello envuelto en medio de exuberantes sintetizadores sinfónicos. El grupo en general está muy bien acoplado, con cada instrumento cómodamente ejecutado. Sus canciones también transmiten la sensación de unidad en el trabajo, como en Dragonslayer, donde pueden ser más pesados y directos, en tanto que canciones como The Longest Night o Aleador, más largas y con gran estructura.

Aunque la mayor parte del Power europeo puede encontrarse en estos momentos a la deriva, y algo de lo mismo se puede decir de Dragony, con "Legends" levantan algunas fortalezas con buenas canciones, simples y usuales, pero de buena musicalidad.

Si de fórmula se trata, creo que todos los elementos de un álbum de éxito en el género están presentes aquí y se combinan de tal manera que ninguno domina al resto. Hay un montón de momentos melódicos, coros pegadizos y teclados excelentes, junto con una sección rítmica muy sólida y un cantante cuya voz encaja perfectamente con el estilo. Junto con eso hay momentos donde la música tiene, además de una sensación épica, un fuerte carácter sinfónico y esto se consigue sobre todo por las voces de fondo y el uso majestuoso del teclado.

La aparición de cantantes colaboradores, respetados en el medio, en las canciones que señalé, da una mayor profundidad a la música y hace el disco aún más interesante. La producción es brillante, lo suficiente y completa como para darle al álbum la forma que su música se merece. Como dije, puede que no sea el álbum más singular en la tierra, pero su poder consiste en la forma en la que la música se fija en tu mente. En poco tiempo te encontrarás moviendo los pies con el ritmo divertido de este disco.

7.5/10. Bueno para integrar una selección del estilo.

Phoenix Rising - MMXII (Power/Epic)

Si, debo confesar que regularmente me llega material de grupos que quieren que comente su trabajo y lo cierto es que entre ellos y los estrenos regulares del mundillo metálico, oigo de unos doce a quince discos nuevos a la semana, y a la vez repito unos cuatro o cinco de mi selección particular... para acordarme  -en muchas oportunidades- que es bueno y que no. A la vez, en general hago una o dos críticas, a veces tres, en ese mismo período, pero solamente de lo que me impacta, por bueno o malo, o mediático.

El grupo español, Phoenix Rising, me envió su material hace unas tres o cuatro semanas y he estado dándole vueltas... y vueltas... tratando de saber de qué se trata y si hay autenticidad en su trabajo. Debo decir, en primer lugar, que no oigo metal cantado en español, me choca, como decimos en Venezuela, pero este grupo se ha dado el lujo de grabar su disco "MMXII" en dos idiomas, 'espanissh' e inglés, así el primer escollo fue superado... luego, mis oidos no terminaban de creer lo que oían. Honestamente repase discos viejos de Raphsody, Pyramaze, Theocracy, Thor, Rata Blanca, Forgotten Tales y varios más, buscando el disco que se habían copiado, 'fusilado' diríamos aquí. Y ¿saben qué?, estos muchachos son originales y de muy alto nivel, calidad melódica y potencia, comparable con cualquiera de los nombres mencionados.

Phoenix Rising tiene en "MMXII" un producto de altísima calidad, que satisface el gusto más exigente en lo que a Power/Epic refiere. Comenzando por excelso su tecladista, Jesús Martín Toribio, quien crea uno de los ambientes y melodías más destacadas desde que hace tiempo Raphsody, con o sin, Fire, hicieran algo similar. Luego el destacado guitarrista, Daniel Martínez del Monte, 'dedos sangrantes Dani', no deja lugar a dudas del nivel con el que maneja las seis cuerdas en temas como Abaddon y Lost Souls. Impresiona y levanta; un futuro prometedor sin duda.

En tercer lugar voy a mencionar el aspecto más prominente del grupo: su melodía y coros. Este es un conjunto acoplado, con alto nivel de sensaciones y fuerte transmisión de épica, poder y emoción.  No puedo sacarme de la cabeza ciertos pasajes que estallan en sonido y de manera casi impresionista ponen en éxtasis al oidor. Creo que su compenetración como conjunto destaca por sobre el todo.

No estoy exactamente seguro quien es el compositor/arreglista de este trabajo, pero ha demostrado su capacidad y buen gusto... nada de lugares comunes, ni princesas en desgracia. Aquí hay clase, aún a  pesar de la canción Nova Era, que tuvo partes que definitivamente no me convencieron.

El manejo de los instrumentos rítmicos, bajo y batería, son de factura internacional y no tengo duda que he escuchado a un grupo que formará parte de la escena Power Europea.

Ahora, me he reservado el final del comentario al cantante, Miguel González Calvo, quien desafortunadamente no me pareció estar a la altura del conjunto. A pesar de que transmite emociones y no es un mal cantante, no es tan bueno como el resto de sus compañeros, con el debido respeto que me merece un músico que dedica su vida a esa profesión, le tocó la suerte de ser la voz líder de este grupo de virtuosos. Su rango es por momentos limitado, sus tonos altos a veces forzados y fuera de contexto. Creo percibir calidad bruta en su voz, pero siento que requiere trabajo académico para equipararse al resto.

En todo caso, este ha sido un descubrimiento de primer orden para este género y considero que quien deje de oírlos, habrá dejado de escuchar, en primer lugar, uno de los mejores intros del Epic, así como una gran selección de canciones que conforman uno de los mejores discos del año.

9/10 Vigésima cuarta selección como competidor para Disco Del Año en El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Testament - "Dark Roots Of Earth" (Thrash)

Testament es, según muchos, el quinto componente del "Big Four" (Metallica, Anthrax, Slayery Megadeth), quienes además tenían cuatro años sin presentar un disco con nuevo material, sin contar -también- que este disco se encuentra en casi todas las listas de los 'más esperados' entre los fanáticos, especialistas, revistas y sitios web, por lo que creo redundante entrar a hablar del nivel de expectativas que "Dark Roots of Earth" ha generado.
 

Efectivamente, después de lo que parece una eternidad luego del lanzamiento de "The Formation Of Damnation" (precedido también por la espera abusiva -de nueve años- por "The Gathering"), Testament han lanzado este álbum, que es diferente, más difícil de escuchar de lo esperado y algo extraño para lo que nos tenían acostumbrados y aún así, posiblemente, alcanza y supera todas mis expectativas, ya que para serles franco, no pensé que habría forma de llegarle a "Damnation".

El paréntesis de cuatro años se ha justificado, cosa que no siempre ocurre (¿Manowar??) y desde la apertura del disco con la épica canción Rise Up, la cual seguramente se convertirá en un éxito en los conciertos, Testament ha creado otro disco sólido. El álbum está lleno de riffs épicos y solos de guitarra asesinos, pero tiene algo diferente, algo que sorprende y que en primera instancia me dejó descolocado, un sonido con fuertes influencias Doom que, como me comentó un amigo, les da un sonido a la Black Sabathinesperado y espectacular. Al principio incluso me asusté y no lograba entenderlo, pero luego de abrirme a la experiencia aceptando el progreso del concepto, debo decir que he encontrado un material muy por encima del promedio, casi a la par de la obra maestra de este mismo año, del 'sexto' componente del 'Big Four' Kreatory su "Phantom Antichrist". Los 'Big' tienen que abrir espacio para más gente :-)

Chuck Billy demuestra una vez más por qué es uno de los mejores cantantes de metal. La banda ha reemplazado al baterista Paul Bostaph con Gene Hoglan, quien ya había pasado un tiempo por ese puesto, dejando también su impronta en grupos como Dark Angel y Fear Factory; este tamborilero es también sin duda uno de los mejores exponentes del metal.
"Dark Roots of Earth" abre -como dije- con la canción épica Rise Up en la que Chuck espeta: 'I say rise up, you say war. Rise up, war!'... seguro se convertirá en una canción popular. Native Blood es la siguiente en el orden, profunda introspección, definitivamente arraigada en la herencia nativa americana de Chuck (sus orígenes son la tribu Pomo, de California); esta canción de medio tiempo con una excelente música, cuenta con solos impresionantes de Eric Peterson y Alex Skolnick. La canción tiene la sensación de ser algo que podría escribir un consagrado

True American Hate es una canción brillante y el riff de apertura te hace sacudir la cabeza y levantar los cuernos al aire, tiene un Thrash de firma moderna que Testament ha perfeccionado en los últimos dos álbumes. Una vez más el sólo de guitarra es estelar. La siguiente canción, A Day In The Death recuerda el mal oscuro, sonando con un riff asesino y los elementos percusivos más Doom del disco.

Por primera vez desde el disco "The Ritual" (1992), han incluido una balada en el álbum, las cuales siempre han sido buenas y con Cold Embraceesa tendencia continúa. A pesar de que típicamente algunas bandas pueden arruinar sus trabajados álbumes con baladas, Testament ha sabido cómo mantener el estado de ánimo, aún incorporando este tipo de canciones. Con Man Kill Mankind, el grupo retorna al Testament clásico que suena bien. Luego Throne Of Thornes, posiblemente la mejor canción del álbum, escrita con brillantez, melódica y pesada, muy 'averno mismo' con unos riffs durante la sección central con fuertes elementos Death y posiblemente el mejor solo del disco. Cierran con Last Stand For Independence, excelente canción, de ritmo rápido rompe-cuello, capaz de gustarle a cualquiera, sin ser ordinaria.

Si tienes/bajas la edición limitada tendrás tres canciones más, son tres covers: Dragon Attack de Queen, Animal Magnetism de Scorpionsy Powerslave de Iron Maiden, en las tres Testament hace un gran trabajo de homenaje a estos íconos, dándoles su toque propio de dureza y fuerza personal, perfecto complemento.

"Dark Roots Of Earth" es un disco que se desprende un poco de su fórmula tradicional, sin embargo, no es rancio o aburrido, más bien es mejor y más grande, puedo afirmar que este disco estará a final de año en el top 10 de todos los oidores del metal, sea cualquiera que sea su sub-género de preferencia.

9/10 Selección veintitrés para Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica y hasta este momento, mejor portada también.

Mgla - "With Hearts Toward None" (Black/Sludge)

Este es uno de los mejores discos de Black/Sludge que he escuchado en mucho tiempo, con paisajes sonoros únicos, guitarras evocadoras y una batería increíble. Cada movimiento (es un álbum conceptual hecho de siete 'movimientos', como una pieza de música clásica) tiene su propia sensación y nunca cesa de agitar al oidor. Quizás sólo Tombs durante 2011 me sorprendió tanto en este género.

El Black, aunque muy lentamente, ha tenido algunas pocas cosas interesantes en los últimos años, mayormente con el Atmosferic y el Sludge y algo del Blackgaze y aunque este álbum tiene un Black relativamente típico, por el sonido trémolo de sus guitarras, blastbeats y voces reverberadas, tiene también un toque moderno, incluyendo cosas tales como sectores más melódicos y cierta influencia punk, convirtiéndolo en un excelente material, muy atmosférico, especialmente en la percusión, con riffs de guitarras poderosos y voces de impacto.

De hechura más que buena, la batería que toca Maciej "Darkside" Kowalsk es muy competente y se mantiene interesante, incluso durante las partes lentas, luego la voz, guitarra y bajo que hábilmente maneja Mikołaj "M." Żentara despliega dureza, riffs trémolos y ritmo, respectivamente, que no tienen nada que envidiar a los mejores del género.

Polonia es un país que ha creado su propia tradición de sonido extremo y Mgla con el lanzamiento de su segundo álbum vienen a continuar con ella, poniendo su nombre en el mapa del metal extremo con un disco limpio, puro, justo, veráz y complejo y completo. La sensación inicial es que el álbum y por extensión, la banda, sigue aferrado al pasado del Black, pero muy pronto se cae en cuenta que esto no es cierto y que tienen un carácter y personalidad que les hace destacar.

La receta -diría yo- es la siguiente: Composiciones simples, riffs repetitivos y encantadores que se pegan en la mente y rondan el alma, mientras que la creación de las ondas de sonido atmosférico extienden la sensación de la música. Las piezas incluyen ideas con diversidad e imaginación, con ritmo constante pero no fastidioso, que te hacen sentir que se respiran la letras, mientras que las voces vienen del abismo. La magia del álbum es tal que incluso la producción aparentemente dispar y poco meticulosa no afectará el resultado final y no distrae al oyente.

El Mgla nos lleva a paisajes sonoros interesantes pero moderados y aunque parezca paradójico para el género, "With Hearts Toward None" es un álbum que destila una extraña y especial belleza, como si tratara de contarnos historias de miedo y prohibidas de una forma seductora. Puede que sea la mejor versión hasta ahora de Black del año 2012. Puro metal impuro.

Un trabajo de alta calidad por parte de Mgla, cuatro años luego de primer larga duración "Groza", que hace que se solidifique en la parte superior de la nueva ola de Black, con una técnica que brilla a través de una atmósfera fascinante. Este álbum te recordará por qué empezaste a escuchar el género más duro del Metal.

10/10 Vigésima segunda selección para Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.

Ethereal Architect - "Monolith" (Progressive/Power)

Estilísticamente "Monolith" es algo largo de definir... Decir que es Prog es fácil, pero también hay una gran influencia Modern, Power y Rock, con épica y grandeza operática, a pesar de que al oírlo me defraudó un poco el trabajo de producción sin pulir, donde se perciben pasajes de poca fidelidad, aunque, como los muchachos chilenos de Inferis, son grandes en lo que a música respecta.

Quien disfrute del metal Prog/Power y quiera descubrir algo un poco diferente de la norma, aquí tiene elementos interesantes que oir de este grupo oriundo de Texas, los que realmente no tienen que mejorar mucho más musicalmente, y que sólo les falta un sello discográfico que les respalde, aprovechando el talento que de lejos se les nota.

Este es el segundo álbum de Ethereal Architect y una de las cosas que mejor le queda es el título, "Monolith" es una obra sólida, de cerca de setenta minutos, empaque en el que sus cuatro músicos crean elementos bastante impresionantes. Y como por supuesto, todo es más grande en Texas, las canciones son complejas y técnicas, como Bardo Becoming y Obsidian, o pegadizas y melódicas, como Mercury y Revolutions.

Diría que la fuerza principal del grupo son las composiciones sólidas, el trabajo de guitarra de David Glass y el poderoso estilo vocal de Adán Contreras. Además puede disfrutarse de la canción Oceanos, cantadas en español y con toques de sabor latino. Ethereal Architect hace un buen trabajo y además lo hace entretenido, con la lastimosa deficiencia del sonido. A pesar de ello, creo justo decir que "Monolith" está bien compuesto y ejecutado, sin ajustarse a las expectativas tradicionales del Prog.

En lo específico se encuentra un álbum muy sólido, con solos de guitarra a montón y tendencias de Power pronunciadas que siguen patrones de guitarras acústicas que van preparando el escenario y acentúan el todo. La estructura melódica de sus canciones y el desvanecimiento final son rasgos propios, donde los riffs carnosos -con alguna pincelada Thrash- no hace en ningún momento sentir el disco excesivo o injustificado. Son los adornos pequeños como estos los que muestran el nivel de la banda.

Adán Contreras es una sólida voz, pero no trata de empujar su gama, un poco tensa quizás cuando alcanza las notas más altas, lo que no sucede a menudo pues desaparece en el momento adecuado para que el resto de la banda haga gala de sus habilidades.

Este segundo disco de Ethereal Architect -luego de "Dissension" de 2007- demuestra que son superiores a la mayoría de las bandas sin alma que abundan y cuando hayan pulido su producción con el apoyo necesario, darán mucho más que hablar.

8.5/10. Muy buen disco. Sólo su producción les impide ser al menos un 9 y hasta un 10.

The Contorsionist - "Intrinsic" - (Modern Progressive/Djent/Core)

"Intrinsic" es un álbum muy de avanzada, pero equilibrado, por contradictorio que suene lo propuesto. Combina el ataque poliritmico de Meshuggah con los momentos atmosféricos de Cinic Tree y Porcupine y la destreza musical de Between the Buried and Me. Siento haber percibido eso en algunas pistas como Holomovements, Feedback Loop y Geocentric Confusion y puede que aquí haya  escuchado uno de los mejores Modern Prog/Djent del año.

Con la notable voz de Jon Carpenter, este grupo norteamericano ha creado lo que seguramente habrá quien considere como un deseo concedido. Para mi, es el esfuerzo de una banda que demuestra como se madura luego de su álbum debut, "Exoplanet", con inmersión en las melodías y cambios rítmicos. Mientras que la banda no ha abandonado por completo sus ideas de elementos pesados ​​en la búsqueda del 'verdadero' Prog, este es un disco de texturas y arreglos más difíciles . Manteniéndose firmes en su crecimiento, aunque no tengan ese factor 'uff!' que hizo de "Exoplanet", casi inmediatamente, un disco gratificante, en su lugar tejen excelentes líneas de guitarra y una voz que sin duda puede terminar convirtiendo a esta banda en uno de los mejores actos del género.

Si bien es cierto que preocupa que cierta agresividad ha sido abandonada en esta entrega (para quienes lo prefieren 'harsh'), creo entender que se pone en evidencia temprana que han habido esfuerzos de diversificación. Las ráfagas a través de Causality y Geocentric Confusion compensan el deambular de melodías etéreas de casi todos los instrumentos. Y aunque este disco es menos abrasivo, destacan todavía sus estructuras Deathcore, las que parecen estar presentes incluso en los momentos más suaves -no es tan difícil de escuchar como "Exoplanet", en realidad-. Pero los momentos crudos parecen más calculados, como para crear tensión en lugar de dureza, una novedad teniendo en cuenta el género.

Sin embargo, el éxito general del Prog del disco, radica en su capacidad de fusionar la musicalidad de forma muy lograda, con una textura que es a la vez atrayente, como en Parallel Trance y de modificación de estados de ánimo, como en Dreaming Schematic. Composición yuxtapuesta de ritmos y fraseos, a través de voces que flotan, crean un álbum que se combina para hacer algo interesante. Sería cómodo llamar a esta banda 'un grupo de amigos jugando con la música'.

El posible éxito (o fracaso) para esta banda, en términos de conseguir nuevos seguidores, se encuentran en que usan menos las artes oscuras de Deathcore y se adentran más en los jam sessions del Prog. El vocalista/tecladista/inspirador del grupo, Jon Carpenter, es el más vulnerable a la crítica, sin embargo, creo que encuentra una manera de fundirse con los cambios musicales que muestra en esta entrega través de su voz.

A golpe de metáforas y descripciones en el disco, siento que "The Contorsionist" cosecha la recompensa del valor de atreverse a hacer algo diferente y que puede que termine el año en la parte superior de la lista del Prog de los sitios más visitados (no este... of course). El uso del dinamismo es su mejor calificación, sabiendo como equilibrar sus raíces, explorando el post-core y el jazz fussion con toques de psicodelia, aunque -repito- bien equilibrado, con una mezcla heterogénea de riffs cercanos -pero ya no tanto- al death/core, así como una base Prog en la que que la experimentación sabe claramente cómo empujar los límites de su sonido sin hacerlo sentir ni siquiera forzado.

8.5/10. Algo corto en en sus cuarenta y ocho minutos para un disco Prog, pero puede que largo para uno Core... ¿cómo satisfacer a todos?

I Am I - "Event Horizon" (Heavy/Power)

I Am I es una banda que acaba de lanzar su primer álbum, "Event Horizon", sin embargo, este no es el trabajo de jóvenes promesas, a pesar de que la formación es bastante joven, pues cuentan con el carisma y la experiencia de su líder, Theart ZP, quien vuelve a los escenarios dos años después de separarse de DragonForce. Para mí, la paciencia ha sido recompensada.

En el disco debut de estos ingleses se nota una fuerte sinergia entre ellos, parecen entenderse bien, aún cuando no hay duda que ZP es el líder, la voz y la cara de I Am I. Al enterarme que un excelente cantante como éste se lanzaba con algo más que un experimento, tuve la sensación de que había que tomarlo en cuenta y luego de escuchar varias veces el disco creo que lo ha logrado con bastante más éxito del que algunos le auguraban; nunca se puede subestimar a alguien que tiene en su historia ser el vocalista, durante diez años, de una de las bandas más famosas del género y si bien las comparaciones son odiosas, también son inevitables y este álbum ha demostrado que ZP tiene algunas cosas bajo la manga que puede que superen lo que demostró en DragonForce.

Éste no es un álbum de metal puro, quizás se acerque más a una mezcla entre Power, Heavy y Rock. Aún cuando resaltan sus características del Power propio, como solos extendidos y los riffs de guitarra melódicos, a veces le falta la fuerza y complejidad que crean el efecto sorpresa típico del género. Sin embargo tiene un sonido que se eleva y lleva bastante velocidad, pero sin excesos. Los coros subordinados al sonido de la banda dan a su música una capa adicional de complejidad que las líneas de instrumentos por sí solos no proporcionan. Bien ejecutado y producido.

El álbum abre con This Is My Life para luego tocar la excelente Silent Genocide, que es también su primer vídeo, luego viene la muy buena canción Stay a While para posteriormente mezclar alguna balada en el medio y terminar con la poderosa Pave the Way. No creo equivocarme al decir que la progresión del disco tiene mucho sentido porque en general todas las canciones (escritas y arregladas por el propio ZP y el guitarrista Jacob Ziemba) hacen que se mantenga el interés en su recorrido, aún cuando le falte alguna canción verdaderamente épica.

"Event Horizon" es un excelente disco para una primera vez, en el que normalmente no se acostumbra a 'poner toda la carne en el asador', dejando eso para segundas o terceras partes y aún así ZP demuestra a sus críticos que estaban equivocados al decir que él no podía hacer contribuciones creativas a una banda. Ahora tiene todo el espacio para ampliar los límites de su creatividad como cantante y un músico.

I Am I es una banda que tiene que probar que permanecerá en el tiempo, pero su primer álbum demuestra que tiene un gran potencial y todas las posibilidades de abrirse un espacio propio y a pesar de que todavía tenga que madurar, definitivamente vale la pena seguirlos.

8/10

High On Fire - "De Vermis Mysteriis" (Stoner/Thrash)

Para algunos, High on Fire puede que viva a la sombra de la antigua banda de Matt Pike, uno de los grandes del Stoner, Sleep. Tanto es así que algunos fanáticos a ultranza de Sleep han preferido encogerse de hombros y dejar fuera de su rotación a High on Fire, lo que me sorprende ya que este grupo me suena más centrado, con mejores riffs, mejores letras de canciones y -me atrevería a decir- que a veces, con voces mejores.

 

Incluso algunas de las críticas etiquetan a la banda como simplemente una de Stoner, pero si escucha con la debida buena disposición son mucho más que eso; con reminiscencias de Slayer y Motorhead, han adquirido en cada nuevo disco más Thrash que, junto con la combinación de otras facetas, los han mejorado.

Su disco anterior, "Snakes For the Divine" blandió un sonido más despojado y pulido, gracias al productor Greg Fidelman que trabajó con Metallica y más recientemente con Slayer. Ese disco suena muy bien, por lo que del nuevo trabajo de High On Fire se podía esperar algo brillante y cuando verifiqué que para él se alistó Kurt Ballou para producir, estaba seguro que sería el caso, aunque no fue así del todo. Para quienes quieran saberlo, Ballou es el guitarrista de Converge, pero también es uno de los mejores productores de metal, en mi opinión.

En "De Vermis Mysteriis", Ballou y Pike dejan su marca en temas como Serums of Liao, Madness of an Architect y Fertile Green, que es una pista acerca de 'cierta hierba'. Incluso tienen un interludio agradable como Samsara, quizas la mejor del disco y la canción King Of The Days que ve la utilización de la melodía en un efecto de capas con éxito sentimental.

En general, tal vez este no es el lote más memorable de canciones de este trío de Oakland, pero ciertamente no es menos feroz que el material anterior. Se siente que han encontrado su fórmula, están jugando con ella y les fluye naturalmente

Este disco mantiene consistencias con sus anteriores sin llegar a ser repetitivos, con algunas quejas de menor importancia como la ilustración del álbum y algunos pasajes demasiado lentos para mi gusto. Por otro lado, riffs gruesos forman un asalto auditivo, junto con líneas de bajo retumbante y elementos innovadores. Alguna canción excesivamente larga (7:08 minutos) no le hace bien al conjunto, pues al final se siente como algo monótono. En general diría que el disco ofrece una escucha decente y cierto empuje al género.

Matt Pike y su equipo nos han regalado un viaje interesante, centrado el songwriting, riffs de guitarra y la percusión letal, con una interesante mezcla de Stooner sobre fondo Thrash al que quizás le faltan pinceladas finas que eviten que comiences a divagar al escucharlo.

7.5/10. ¿La mejor banda de Thrash que realmente es de Stooner?

The Murder of My Sweet - "Bye Bye Lullaby" (Disney)

Si alguno de ustedes ha tenido que ver, seguramente por obligación, uno de esos 'chick fliks', en los que un grupito de cuatro chicas lindas (una morena, una pelirroja y dos o tres rubias) salvan al Mundo gracias a su amor a la música... -siempre vestidas con faldas muy cortas-, pues seguramente puede imaginarse que quiero decir con estilo Disney y que calidad tiene el producto que esta vergüenza metalera trae.
 

Los suecos de The Murder of My Sweet pueden competir en la categoría Peor Disco del Año con altas probabilidades de alzarse ganador, gracias a su insoportablemente ridículo y rosadito acercamiento al Metal. En primer lugar los coros con los que el grupo se empeña en cubrir su disco son francamente malos: Josie and The Pussycats deben haberles servido de inspiración, pues chillidos y adornos pseudo pop destruyen cualquier posibilidad de crear un buen trabajo y eso a pesar de que la voz líder de Angelica Rylin no es tan mala como el conjunto en general... pero nada particular en ella; apenas pasable.

Luego está la insoportable omnipresencia de los teclados que ejecuta Daniel Flores, almibarados, sin fuerza, ni verdadera ejecución melódica, mucho menos virtuosa, que se dedica a intentar crear un ambiente del que el disco carece de principio a fin. En tercer lugar y siguiendo de cerca en orden decreciente a los criminales coros, está la guitarra de Christopher Vetter; lo felicito por la valentía, ya que atreverse a grabar un disco sin realmente tener conocimientos del instrumento es corajudo, no lográndose salvar por ello de esconder la falta de capacidades, especialmente en los dos o tres solos que intenta ejecutar, donde únicamente hay ruidos mal colocados. Me deja mal sabor de boca.

Batería y bajo apenas perceptibles terminan por constituir un grupo con muy poco o nada rescatable, ni incluso las letras de las canciones, sosas e infantiles y con sensación de haber sido elaboradas sin inspiración ni mensaje, creando una colección sin ilación, todas pistas parecidas, mal ejecutadas y para el olvido. Falta de intensidad, compromiso y especialmente facultades musicales definen este disco.

Este, luego de "Divanity" de 2010, viene a ser el segundo disco de TMOMS, y alegan que fue producto una larga producción de canciones que les habría permitido publicar al menos dos discos a la vez. Por suerte alguien de la gente de la discográfica AMF evito semejante equivocación, incluso a pesar de contar con algunas colaboraciones interesantes como las de Jesper Stromblad (In Flames), Fredrik Akesson (Opeth) y Peter Wichers (Soilwork).

1/10. Realmente muy mal disco.