Gorod - "A Maze Of Recycled Creeds" (Technical Death)

Gorod es una de las mejores bandas de Death-con-algo, sin duda. Estos franceses, disco tras disco, se han encargado de restregarle en la cara al mundo del Metal, en especial a aquellos que se presumen sobresalientes en la ejecución instrumental, como es que se sacan las papas del fuego. El estilo que desarrollan mezcla de forma invisible el Jazz y el Death, sobre una fuerte base de Technical, el cual es francamente impresionante.

 

 

"A Maze Of Recycled Creeds", quinto disco de la banda, vuelve sobre los pasos andados y se esmera en una ejecución preciosista, muy compleja, de ritmos asincrónicos, gran bajo, difícil segunda guitarra a la vez que franca en los solos y un growl cambiante, a veces profundo y otras rápido y cortante. Todas esas características tradicionales -podría decirse- de un Technical Death estandarizado se ven realzadas por la contribución más importante que hacen estos músicos a su trabajo, como es la influencia tomada del Jazz, a través de lo que se percibe como una interesante improvisación (en el buen sentido de la palabra, por decir 'fluidez') en los riffs, cambios de texturas y melodías.

Este trabajo de Gorod, como sus anteriores, está reservado para los más conspicuos consumidores del Metal extremo, requiriendo una fuerte dosis de perspectiva y hasta sapiencia para comprender el mensaje. Al igual que en el Jazz, las notas y armonías que pululan por "A Maze Of Recicled Creeds" son lo que el título sugiere: una mezla de visiones o creencias musicales que algunos podrían pensar irreconciliables y sin embargo la banda es capaz de reunir bajo un mismo techo... disco...eso.

Comentando más allá de la calidad técnica que este disco tiene, que la tiene en abundancia, creo justo advertir que en lo estético, el songwritting de "A Maze Of Recicled Creeds" es fuerte, difícil por momentos y cuesta (y seguirá costando por cierto tiempo) entender; es el propio trabajo que está claramente elaborado con el compromiso ético de artistas comprometidos con ellos mismos, lo que en un español más llano quiere decir que hay que tomárselo con calma porque puede ser pesado de digerir. En lo particular se que voy a ser uno de esos que oirá el disco de cuando en cuando, especialmente cuando necesite renovar mi fe en los límites a los que el Metal es capaz de llegar.
 

Con la cara de buena gentazos que tienen los componentes de la banda sorprende (y no, porque ya lo han demostrado antes) el nivel que mantienen y sin que sea un disco extraordinariamente cautivador, se hace interesante, agresor, rapsódico y potente. Repito, Gorod es una de las bandas que mejor lo viene haciendo durante los últimos diez años y claramente se les puede augurar un disco del año en un futuro no muy lejano.

8/10

 

Stryper - "Fallen" (Heavy / Glam / White Metal)

La controversia misma que genera la religión puede servir de base para interesantes conversaciones, cuando el interlocutor es inteligente y de mente abierta, o -por el contrario- para agrias discusiones que pueden terminar hasta en tragedia. La verdad es que lo sobrenatural no deja indiferente a nadie... ahora bien, haber hecho 'leitmotiv' de una banda de Metal el elogio al cristianismo, cuando lo usual es exactamente lo contrario es no ya controversial, como dije, sino 'milagroso'.

Pero Stryper no comenzó con esto la semana pasada, este año se cumplen tres décadas del disco que los lanzó al éxito, el excelente "Soldiers Under Command" (1985) y un poco menos de su trabajo fundamental "To Hell With The Devil" (1986), epítome del Heavy Metal con perspectiva espiritual. A partir de esos dos discos Stryper ha recorrido una larga trayectoria de Glam/Heavy y Hard Rock, con dos hiatos de algunos pocos años. Su fidelidad como banda también es encomiable, manteniéndose juntos los miembros fundamentales, lo que les ha permitido presentar un total de once larga duración, incluyendo el que aquí comentaremos, llamado "Fallen", el cual ha sorprendido a extraños y propios, hasta el punto de poder pasar a ser el mejor trabajo de su carrera, o uno de los mejores.

Melodía, lírica inspiradora (que ya sabemos por donde va), riffs realmente bien logrados, mucho simbolismo, estribillos y coros a los que provoca unirse, el talento de una gran guitarra y la emocionante y capaz voz de Michael Sweet, todo a ritmo de un Heavy con elementos Glam -de buen gusto, vaya por Dios, nada a lo Ratt- hacen de "Fallen" una sorpresa más que agradable, diría que emocionante. Trato de recordar y aunque no me sienta seguidor específico de la banda, me parece que no había sonado tan bien, tan cohesionados y con tal nivel de songwriting en mucho tiempo, quizás nunca.

El disco ataca fuerte los sentidos, con la convicción y la inspiración de quien ha realizado un gran trabajo, evitando el reciclaje de sonidos y mostrando novedad, con un fuerte mensaje religioso si, pero no sólo eso, sino también humanista, anti sistema, contra los grandes medios de comunicación y las empresas multinacionales. Desarrollando sus doce canciones y cincuenta y dos minutos con carácter y emoción. Logrando con bastante éxito que su sonido no caiga en las zonas desabridas o indulgentes a las que el Glam tiende con tanta facilidad, por el contrario y entendiendo que esto no es Metal extremo, con mucho carácter.

Love You Like I Do, Fallen, Yahweh, Heaven y Big Screen Lies son temas muy bien logrados, con algunos momentos menores en All Over Again, King Of Kings y Let There Be Light pero nada sobre lo que se pueda colocar el dedo acusador. Incluso inicios de temas como After Forever, a la Def Leppard, se hacen atractivos y obligan a levantar la cabeza para ver si seguimos en el mismo disco. Cierran bien con The Calling.

Si Stryper quería con "Fallen" mantener la titularidad del llamado White Metal, lo han logrado. "Fallen" es un disco bien ejecutado, de momentos irresistibles, muy bien presentado instrumentalmente, que evita la típica sobreproducción que la temática sugiere (coros angelicales y épica exagerada, por ejemplo) y en el que la música hace rememorar lo mejor de sus trabajos, pero con innovación.

8/10. Gran portada
 

Deafheaven - "New Bermuda" (Blackgaze)

La capacidad para la inmersión en el sector oscuro del sonido Metal es una de las experiencias más impactantes que oír este tipo de música puede crear. Está reservada para apenas unos cuantos y selectos grupos con capacidad de envolver, destruir y volver a armar el espíritu de los seguidores y hacerlo -a la vez- con el buen gusto y la capacidad que para ello demuestra Deafheaven, lo que es motivo de agradecimiento. Ya con su primer disco "Sunbather" (2013) habían mostrado una calidad inusual, la cual vienen a ratificar con "New Bermuda".

El Blackgaze, definido como un Black Atmosférico, con cierto nivel del dulzura en sus melodías que tiene en esta banda, especialmente en su primer disco antes mencionado, fue una impactante novedad y ha devenido en el disco paradigma de un estilo de muchos seguidores, yo en lo particular siento que esta forma de transmitir el mensaje Black es interesante, de geniales matices y mucha intensidad; su ejecución está reservada -sin duda- a excelentes músicos, como lo son estos norteamericanos.

"New Bermuda" es un disco de alto nivel energético, más simple si se quiere que "Sunbather", pero sus temas mantienen su estructura que tanto ha cautivado, ese comienzo más lento que luego se incrementa hacia zonas áridas y poderosas, creadas con capas de sonidos que mezclan melodía suave, casi etérea con la fuerza de una batería rapidísima y voz atronante, capaz de envolverlo todo. Sus cambios de fuerte influencia Avant-Garde y Jazz altamente impactantes son un lujo en el mundo del Metal más frontal y merecen ser disfrutados con tiempo.

El trabajo es más corto que su anterior y diría que casi tan genial, pues evita bastante -aunque no totalmente- jugar sobre seguro con la fórmula que les dio éxito y se presta para una buena cantidad de experimentación; colocando uno al lado del otro diría que quizás "Sunbather" fue más impactante, posiblemente porque era el primero, pero "New Bermuda" mantiene sin duda un gran nivel y merecerá encontrarse también en la lista de referencias del género.

Los dos primeros temas del disco, Brought To The Water  y Luna -nominada a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica-, son sencillamente geniales, un torbellino de emociones, luego Baby Blue me sonó interesante aunque menos sorprendente pues visita al Black puro más tradicionalmente que el resto de los temas, para cerrar con otro par de grandes ejecuciones que tienen que estar presentes a la hora de cualquier concierto de la banda como ejemplos prácticos de lo bien que saben mostrar esta fusión de sonidos intensos, áridos y melódico, ellas son Come Back y Gifts For The Earth, la primera magistral en su forma de ir incrementando la emoción y la segunda con novedad sonora, oscura, distinta, mezcla de sonidos contrapuestos, suaves y crudos, guitarra dulce y voz infernal, una pasada.

El segundo disco es crítico para una banda, generalmente viene luego de haber mostrado lo que durante mucho tiempo habían ido madurando y requiere que el grupo tenga realmente calidad y razones para mostrar. Deafheaven con "New Bermuda" se ha calzado los pantalones largos y se le puede augurar algunas de las más difíciles características en el arte: permanencia con calidad y sonido propio. Excelente por ellos.

8.5/10 Nominado como contendiente a Disco del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica.
 

Bloodred Hourglass - "Where The Oceans Burn" (Melodic Death)

Me encantan las sorpresas, sobretodo en unos días en los que nada ha parecido cautivarme. Los finlandeses Bloodred Hourglass, una banda con diez años en escena pero un sólo disco, de cierto éxito al parecer -pero desconocido para mí- se me ha aparecido recientemente bastante más de lo usual en mi rotación y me ha ido impresionando cada vez un poco más. Con una base Melodic Death y ciertos dejos Metalcore, "Where The Oceans Burn" une también elementos Symphonic y Progressive y puede ser uno de los mejores descubrimientos del año.

Describir el disco no me ha resultado tarea fácil de hacer, su instrumentación es de primera, su songwritting muy bien logrado, su melodía tiende a zonas épicas del sonido, tiene fuerte sensación de agresión y es profundamente atmosférico. Este disco es uno de esos revitalizadores del Metal que de cuando en cuando hace falta, aunque a la vez tenga sus errores, como la voz.

El manejo vocal del trabajo es un poco equívoco, no hay total compromiso con el growl o con el scream y algunos brincos en el manejo de ella confunden un poco, a pesar de que el vocalista Jarkko Koukonen muestra capacidad y potencia, sin embargo el elemento Core no es tan de mi gusto. Ciertamente aquí estoy siendo exigente, pues no es que el disco sufra excesivamente con este elemento, hubiera preferido -si- el decantamiento por el scream, más que por el growl. De todas maneras el trabajo tiene mucha -mucha, repito- música con la que sorprender.

El uso de los elementos Sinfónicos es excelente, nunca excesivos y le dan a los temas un gran colorido, los cambios de ritmo en los que se fusionan los diferentes elementos tienen fuerte influencia Prog y están ejecutados como se espera de músicos de más que cierta experiencia; los coros y soporte vocal están también bien sólidos. Pero el elemento individualmente considerado que merece un comentario aparte es el uso de la guitarra, incluyendo geniales solos que Antti Nenonen hace lucir en casi todos los temas, con una característica muy Heavy en su ejecución e introduciendo un elemento novedoso en la estructura Melodeath, creando momentos sublimes y de alta calidad. Genial su contribución.

Teclados complejos, una batería super bien incorporada de sonido orgánico y una excelente conjunción de elementos me sugieren el trabajo de Bloodred Hourglass como uno de los mejores en un buen tiempo. No creo haber conseguido ningún tema realmente flojo, casi todos tienen fuerza, atmósfera y emoción, así que creo que "Where The Oceans Burn" es integralmente bueno, si quieren fijarse en algún tema específico, Oceans On Fire, The Greatest Time Of Change, Bastard´s Seed y Memento Mori son muy recomendables.

Quisiera escuchar más de de la banda, en su substrato Melodeath hay sorpresas y la calidad propia de alguien que tiene algo que decir; quizás con una visión vocal más frontal este disco podría haber sido, sino perfecto, casi.

8.5/10 Un gran trabajo, realmente fuerte.
 

Children Of Bodom - "I Worship Chaos" (Melodic Death)

El quintento devenido en cuarteto por la intempestiva salida del guitarrista Roope Ratvala de Children Of Bodom retorna a sus andanzas con un sonido que quiere volver ser como el de los origenes gloriosos de estos filandeses y lo hace con mediano éxito. Yo en lo particular puede que no sea el más objetivo de los críticos de la banda ya que mis expectativas respecto sus trabajos son muy altas, lo han sido en sus dos trabajos anteriores, "Relentless, Reckless Forever" (2011) y "Halo Of Blood" y si bien han logrado aprobar los examenes, siempre he querido más. De esta banda hace falta más.

 

Nuevamente "I Worship Chaos" es un disco interesante y bien ejecutado por parte de CoB, sin embargo a estas alturas creo que es hora de que presenten un trabajo como aquellos primeros con los que sacudieron el Melodeath alguna vez. Un "Follow The Raper" (2000) es lo que estoy esperando y no termina de llegar. Hay agresividad de sobra en la voz del miembro fundador y ahora devenido en guitarrista Alexi Laiho, velocidad en la batería y suficiente melodía en los teclados como para hacer del trabajo una muestra de laboratorio del género, sin embargo y aún cuando hay canciones de razonable calidad, como Prayer For The Afflicted, Hold Your Tongue y All For Nothing (con inusual voz), el disco en general adolece de impacto y ese sentimiento de arrebato que supieron mostrar en sus comienzos, a pesar de que busca el estilo del sonido de esa época.

Me pareció interesante el hecho de que los mejores temas del disco fueran aquellos catalogables como lentos, en los mismos hay cierta mejora en el sentimiento, aunque el desarrollo general del trabajo sea confuso, a veces sucediendo mucho al mismo tiempo y dejando poco espacio para la diferenciación, pudiendo esto derivar del hecho de haberlo grabado fuera de un estudio, sino -entiendo- en un depósito, presumiblemente en la búsqueda de un sonido más crudo. Creo que no fue debidamente alcanzado el objetivo y que el disco es sólo un poco mejor que mediocre en su producción sin sonar necesariamente más intenso, quizás el mensaje del material habría sido mejor entregado usando otras herramientas... humilde opinión.
 

El disco es aceptable, si... riffs, ritmos y teclados llevan a batir la cabeza (no digo la melena porque ya no tengo) y Laiho no ha perdido facultades en su scream, sonando crudo, pero el songwritting del trabajo no es atractivo, suena genérico, 'ya estuve ahí, ya oí eso' es el sentimiento general del trabajo, aunque, en su normalidad, no puede negarse que hay momentos que mejoran, como el tema Suicide Bomber, quizás el mejor del trabajo, mucho más intenso que el resto, rítmica, melódica, agresiva y bastante atmosférica.

Quiero un mejor disco de CoB, lo anhelo y espero encontrármelo en el futuro cercano. De momento, "I Worship Chaos" los sigue manteniendo en una senda que los ubica en el atronante montón de bandas Melodeath que pululan en el ambiente y sólo contribuyen a darle argumentos a quienes sugieren que el género está estancado.
 

6.5/10

W.A.S.P. - "Golgotha" (Heavy / AOR)

¿Un disquito bueno por estos días, menos agresivo pero interesante? El décimo quinto trabajo de los históricos W.A.S.P. Suficientemente Heavy, con sentimiento y más emoción de lo que me podría haber esperado, algo así como un trabajo madurado, por supuesto tras seis años de espera. Puede que el disco suene más o menos todo a lo mismo, pero el tema central es bueno, con esa voz tan particular de Blackie Lawless, muy a lo Meatloaf en lo histriónica, potente y emocionante sin embargo. Claramente "Golgotha" mantiene el nivel de los últimos trabajos de la banda y merece atención.

Demasiado tiempo entre uno y otro disco lastimosamente hiere la fidelidad, pero la banda se presenta sonando bien, centrada en el trabajo vocal de su líder, referente y único superviviente luego de más de treinta años de fundación. El disco puede ser un poco sobreproducido en su temática, pero tiene una guitarra genial -de esas buenas de verdad-, bastantes y buenos riffs así como mucho sentimiento. Me parece que este es uno de esos discos que va a valer la pena repetir.

Aunque Lawless será siempre el novio de la madrina y el centro del disco, el valor fundamental del trabajo es el excelente, honesto, duradero y emocional trabajo que el guitarrista Doug Blair realiza. De ejecución limpia y totalmente enfocada, su demostración es una de las mejores del año y me luce -quizás, vaya usted a saber- la mejor demostración de su carrera... aunque hacía tiempo que no lo oía, pero la verdad es que la ejecución es magistral, sin errores y con mucha transmisión de emoción.

Luego el disco tiene canciones buenas y muy buenas -de verdad-, un poco sobreactuadas si... pero ese es el estilo. La canción de abrir, Scream, es genial, de ahí en adelante el disco no falla casi nada; si de riffs se tratara creo que el tiempo maduró lo que W.A.S.P. tenía que decir aunque puede haberse excedido un poco en la puesta en escena. Algo de demasiada épica para un Heavy con elementos AOR, pero bien montado el trabajo... advierto que el disco se hará meloso a la tercera o cuarta vez. Shotgun es otro tema divertido... casi ninguna de las canciones pueda ser catalogada como menor, pero algunas sugieren sonidos Country que atraerán menos a los más metaleros. 

Otro elemento interesante es que el disco muestra algunas canciones oscuras, como Fallen Under, Golgotha o Slaves Of The New World, las cuales reducen el ritmo y se hacen intensas. Aunque W.A.S.P. no ha sido una de esas bandas a la que he seguido de cerca me parece que en estas canciones se esmera en la emoción, tomando elementos de Guns N' Roses, incluso en la duración de los temas. Especial en Eyes Of My Maker la que puede ser la mejor del disco, muy fuerte.

Finalmente el trabajo es divertido, no desdice de la historia de la banda, la voz y carisma de Blackie parece intacta, aunque puede estar reservada para cierta audiencia más proclive a la teatralidad. En general es mucho más de lo que me esperaba y reverdece sonidos históricos de la banda, especialmente aquellos de inicios de los noventa, como "The Crimsom Idol" (1992) aunque los tiempos hayan cambiados y los leotardos y pelos batidos ya no sean lo más 'in'.

7.5/10 para un disco inesperado, más incluso la guitarra.

Annihilator - "Suicide Society" (Thrash / Heavy)

Luego de treinta años se podría esperar cierto descenso en el concepto y las ideas y aunque te llames Annihilator, no hay seguro de vida contra eso. En todo caso siempre es un placer ver un nuevo trabajo de los canadienses que se han distinguido por combinar el Thrash y el Heavy, una fórmula que no puede sino atraer fanáticos, por la crudeza y simpleza del primero y los riffs melódicos y voces del segundo. Celebro pues "Suicide Society" el disco número quince de la banda, ya que dice que -al menos- está vivos.

No es este un trabajo excelso o impresionante, aunque tiene sus momentos divertidos y energéticos. En su visión de cómo pasarla bien, el referente y fundador de la banda, el guitarrista Jeff Waters y en este disco, luego de dos décadas, nuevamente voz líder, me ha lucido en mediana forma. Ciertamente el disco recicla sonidos de álbumes anteriores, pero algunos temas mantienen riffs interesantes. Desafortunadamente a los seguidores más conocedores de la banda el disco les generará cierta decepción porque más que mantener el estilo, Annihilator pareciera haber sacado del baúl de los recuerdos algunas de sus viejas fórmulas... aquellas que les dieron resultados, pero no demasiado bien puestas a punto.

Es claramente difícil que una sola persona pueda cargar con todo el peso de la innovación en una banda y eso puede que sea lo que ocurre en este caso. Este debe ser el grupo por donde más gente haya pasado, habiendo quien calcula que más de treinta integrantes diferentes lo han conformado, incluyendo nombres importantes como su anterior cantante David James Padden y Mike Mangini, actual baterista de Dream Theater, esos fueron buenos tiempos aunque nunca como los de sus primeros trabajos, especialmente "Alice In Hell" (1989) o más adelante, "Carnival Diablos" (2001), la constancia era su principal virtud.

Ahora "Suicide Society" tiene unos pocos momentos para ofrecer. La voz de Watters es quizás demasiado dulce para el género y su Thrash 'rebajado'. Aunque es fácil de oír, con canciones como Creepin' Again, My Revenge y Suicide Society, que suenan interesantes, languidece por sectores. Desafortunadamente el disco tiene incapacidad para fijarse a memoria en razón de sus sonidos ya escuchados y a la sensación de mezclote. Quizás si este fuera uno de los primeros discos de Annihilator podría haber sido mejor recibido, pero a estas alturas la gente ha crecido en la búsqueda de sonidos y la banda no tanto.

Ciertas canciones decaen, quieren ser algo que no son, posiblemente rudas sin llegar a estar bien desarrolladas en ese sentido, flojas sería el término y con un poco de mucho -sin una dirección clara-, como Every Minute, Narcotic Avenue y The One You Serve, y la peor, caricaturesca cuando menos, Break Enter, ésta siendo la que menos me gustó, especialmente su intento de imitar la voz alguien más, diría que de James Hetfield, lo cual es me sonó 'creepy'.

No creo que este sea el último disco de la banda ya que algo han mostrado, pero tienen necesidad de un nuevo empuje, más ideas y un mejor desarrollo.

6/10
 

Gloryhammer - "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards" (Epic Symphonic Power)

Llámenme impresentable... lo que quieran, pero "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards", a pesar de ser el batido de sonidos clichés más obvio desde que Rhapsohy OF Fire habló de sus esmeraldas verdes y que este año -sobre todo al comienzo- se mostró más proclive al Power y al Symphonic, es una genialidad, un ataque sensorial melódico centrado en riffs épicos, emocionantes y empalagosos que matizados por la genial ejecución de sintetizadores de Christopher Bowes (de Alestorm... si, los piratas) y la calidad vocal del mega friky Thomas Winkler, crean un disco que será recordado.

La banda Gloryhammer es algo así como un grupo que nadie/todos conocen y en un ratico tiene cincuenta mil 'likes' en FB y vaya que se lo merecen, pues su ejecución dista mucho de lo usual de un disco cuasi Flower Metal cuya intención es gustar... y si bien gustan -mucho-, son geniales. Batería, guitarras y orquestación, sea ella real o basada en teclados, es de primer orden. No me hagan repetir que la voz es emocionante y capaz, sin obligarse a ser chillona como tradicionalmente se espera.

A pesar de que es un disco que se me hizo corto en sus cuarenta y ocho minutos y tiene algunos segundos de voces histriónicas que no fueron de mi total agrado, es claramente un excelente trabajo, divertido por encima del promedio y cuidadosamente elaborado, todo lo que quiso y no pudo ser el último disco de Edguy. Me parece que encaja debidamente en sus tiempos, épica, melodía, historia, instrumentación y songwritting. Creo que sería miserable no reconocerle a la banda un exigente trabajo instrumental, por eso y porque el disco me ha divertido, reconozco genialidad aquí.

Comentando el último trabajo de Alestorm, de donde viene la base de Gloryhammer, decía que se excedían en su propio concepto del ridículo y ello lesionaba el resultado final, sin embargo "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards", a pesar de ser una evidente burla al Symphonic Euro Power, es a la vez una excelente demostración de como erizar los pelos del cuello con los sonidos épicos... ¿cómo conciliar ambos criterios? es prácticamente imposible si no se oyen ambos discos. Posiblemente en este, a pesar de lo histéricamente graciosa que es la lírica, hay mucho más respeto por la ejecución, la instrumentación y la melodía.

Rise Of The Chaos Wizard, Legend Of The Astral Hammer, Goblin King Of The Darkstorm Galaxy, Questlords of Inverness, Ride to the Galactic Fortress! y en general todas las demás son canciones que deseaban haber salido de lo mejor realizado por Alex Staropoli, antes de acabársele las ideas, of course y aunque están claramente contrapuestos a los nuevos conceptos que gente como la banda Winterage han traido al Euro Power, todavía funcionan, fundamentándose quizás en lo que durante los últimos veinte o más años se ha escuchado del género. "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards" podría perfectamente servir de ejemplo para los que se inicien en estos sonidos que emocionaron a miles en festivales al aíre libre en el norte de Europa durante finales de los noventa e inicios del milenio.

Pura épica, puro sonido fácil pero heroico, razonablemente repetible a pesar de lo meloso, es uno de esos discos que sobretodo para los menos inclinados al sonido crudo del Metal, estará en el tope en 2015. Adicionalmente el trabajo instrumental del segundo CD está genial. Yo lo veo agregado a mi rotación.

9/10. Buena portada. Nominado como disco del año de ELOMC