Bloodred Hourglass - "Where The Oceans Burn" (Melodic Death)

Me encantan las sorpresas, sobretodo en unos días en los que nada ha parecido cautivarme. Los finlandeses Bloodred Hourglass, una banda con diez años en escena pero un sólo disco, de cierto éxito al parecer -pero desconocido para mí- se me ha aparecido recientemente bastante más de lo usual en mi rotación y me ha ido impresionando cada vez un poco más. Con una base Melodic Death y ciertos dejos Metalcore, "Where The Oceans Burn" une también elementos Symphonic y Progressive y puede ser uno de los mejores descubrimientos del año.

Describir el disco no me ha resultado tarea fácil de hacer, su instrumentación es de primera, su songwritting muy bien logrado, su melodía tiende a zonas épicas del sonido, tiene fuerte sensación de agresión y es profundamente atmosférico. Este disco es uno de esos revitalizadores del Metal que de cuando en cuando hace falta, aunque a la vez tenga sus errores, como la voz.

El manejo vocal del trabajo es un poco equívoco, no hay total compromiso con el growl o con el scream y algunos brincos en el manejo de ella confunden un poco, a pesar de que el vocalista Jarkko Koukonen muestra capacidad y potencia, sin embargo el elemento Core no es tan de mi gusto. Ciertamente aquí estoy siendo exigente, pues no es que el disco sufra excesivamente con este elemento, hubiera preferido -si- el decantamiento por el scream, más que por el growl. De todas maneras el trabajo tiene mucha -mucha, repito- música con la que sorprender.

El uso de los elementos Sinfónicos es excelente, nunca excesivos y le dan a los temas un gran colorido, los cambios de ritmo en los que se fusionan los diferentes elementos tienen fuerte influencia Prog y están ejecutados como se espera de músicos de más que cierta experiencia; los coros y soporte vocal están también bien sólidos. Pero el elemento individualmente considerado que merece un comentario aparte es el uso de la guitarra, incluyendo geniales solos que Antti Nenonen hace lucir en casi todos los temas, con una característica muy Heavy en su ejecución e introduciendo un elemento novedoso en la estructura Melodeath, creando momentos sublimes y de alta calidad. Genial su contribución.

Teclados complejos, una batería super bien incorporada de sonido orgánico y una excelente conjunción de elementos me sugieren el trabajo de Bloodred Hourglass como uno de los mejores en un buen tiempo. No creo haber conseguido ningún tema realmente flojo, casi todos tienen fuerza, atmósfera y emoción, así que creo que "Where The Oceans Burn" es integralmente bueno, si quieren fijarse en algún tema específico, Oceans On Fire, The Greatest Time Of Change, Bastard´s Seed y Memento Mori son muy recomendables.

Quisiera escuchar más de de la banda, en su substrato Melodeath hay sorpresas y la calidad propia de alguien que tiene algo que decir; quizás con una visión vocal más frontal este disco podría haber sido, sino perfecto, casi.

8.5/10 Un gran trabajo, realmente fuerte.
 

Children Of Bodom - "I Worship Chaos" (Melodic Death)

El quintento devenido en cuarteto por la intempestiva salida del guitarrista Roope Ratvala de Children Of Bodom retorna a sus andanzas con un sonido que quiere volver ser como el de los origenes gloriosos de estos filandeses y lo hace con mediano éxito. Yo en lo particular puede que no sea el más objetivo de los críticos de la banda ya que mis expectativas respecto sus trabajos son muy altas, lo han sido en sus dos trabajos anteriores, "Relentless, Reckless Forever" (2011) y "Halo Of Blood" y si bien han logrado aprobar los examenes, siempre he querido más. De esta banda hace falta más.

 

Nuevamente "I Worship Chaos" es un disco interesante y bien ejecutado por parte de CoB, sin embargo a estas alturas creo que es hora de que presenten un trabajo como aquellos primeros con los que sacudieron el Melodeath alguna vez. Un "Follow The Raper" (2000) es lo que estoy esperando y no termina de llegar. Hay agresividad de sobra en la voz del miembro fundador y ahora devenido en guitarrista Alexi Laiho, velocidad en la batería y suficiente melodía en los teclados como para hacer del trabajo una muestra de laboratorio del género, sin embargo y aún cuando hay canciones de razonable calidad, como Prayer For The Afflicted, Hold Your Tongue y All For Nothing (con inusual voz), el disco en general adolece de impacto y ese sentimiento de arrebato que supieron mostrar en sus comienzos, a pesar de que busca el estilo del sonido de esa época.

Me pareció interesante el hecho de que los mejores temas del disco fueran aquellos catalogables como lentos, en los mismos hay cierta mejora en el sentimiento, aunque el desarrollo general del trabajo sea confuso, a veces sucediendo mucho al mismo tiempo y dejando poco espacio para la diferenciación, pudiendo esto derivar del hecho de haberlo grabado fuera de un estudio, sino -entiendo- en un depósito, presumiblemente en la búsqueda de un sonido más crudo. Creo que no fue debidamente alcanzado el objetivo y que el disco es sólo un poco mejor que mediocre en su producción sin sonar necesariamente más intenso, quizás el mensaje del material habría sido mejor entregado usando otras herramientas... humilde opinión.
 

El disco es aceptable, si... riffs, ritmos y teclados llevan a batir la cabeza (no digo la melena porque ya no tengo) y Laiho no ha perdido facultades en su scream, sonando crudo, pero el songwritting del trabajo no es atractivo, suena genérico, 'ya estuve ahí, ya oí eso' es el sentimiento general del trabajo, aunque, en su normalidad, no puede negarse que hay momentos que mejoran, como el tema Suicide Bomber, quizás el mejor del trabajo, mucho más intenso que el resto, rítmica, melódica, agresiva y bastante atmosférica.

Quiero un mejor disco de CoB, lo anhelo y espero encontrármelo en el futuro cercano. De momento, "I Worship Chaos" los sigue manteniendo en una senda que los ubica en el atronante montón de bandas Melodeath que pululan en el ambiente y sólo contribuyen a darle argumentos a quienes sugieren que el género está estancado.
 

6.5/10

W.A.S.P. - "Golgotha" (Heavy / AOR)

¿Un disquito bueno por estos días, menos agresivo pero interesante? El décimo quinto trabajo de los históricos W.A.S.P. Suficientemente Heavy, con sentimiento y más emoción de lo que me podría haber esperado, algo así como un trabajo madurado, por supuesto tras seis años de espera. Puede que el disco suene más o menos todo a lo mismo, pero el tema central es bueno, con esa voz tan particular de Blackie Lawless, muy a lo Meatloaf en lo histriónica, potente y emocionante sin embargo. Claramente "Golgotha" mantiene el nivel de los últimos trabajos de la banda y merece atención.

Demasiado tiempo entre uno y otro disco lastimosamente hiere la fidelidad, pero la banda se presenta sonando bien, centrada en el trabajo vocal de su líder, referente y único superviviente luego de más de treinta años de fundación. El disco puede ser un poco sobreproducido en su temática, pero tiene una guitarra genial -de esas buenas de verdad-, bastantes y buenos riffs así como mucho sentimiento. Me parece que este es uno de esos discos que va a valer la pena repetir.

Aunque Lawless será siempre el novio de la madrina y el centro del disco, el valor fundamental del trabajo es el excelente, honesto, duradero y emocional trabajo que el guitarrista Doug Blair realiza. De ejecución limpia y totalmente enfocada, su demostración es una de las mejores del año y me luce -quizás, vaya usted a saber- la mejor demostración de su carrera... aunque hacía tiempo que no lo oía, pero la verdad es que la ejecución es magistral, sin errores y con mucha transmisión de emoción.

Luego el disco tiene canciones buenas y muy buenas -de verdad-, un poco sobreactuadas si... pero ese es el estilo. La canción de abrir, Scream, es genial, de ahí en adelante el disco no falla casi nada; si de riffs se tratara creo que el tiempo maduró lo que W.A.S.P. tenía que decir aunque puede haberse excedido un poco en la puesta en escena. Algo de demasiada épica para un Heavy con elementos AOR, pero bien montado el trabajo... advierto que el disco se hará meloso a la tercera o cuarta vez. Shotgun es otro tema divertido... casi ninguna de las canciones pueda ser catalogada como menor, pero algunas sugieren sonidos Country que atraerán menos a los más metaleros. 

Otro elemento interesante es que el disco muestra algunas canciones oscuras, como Fallen Under, Golgotha o Slaves Of The New World, las cuales reducen el ritmo y se hacen intensas. Aunque W.A.S.P. no ha sido una de esas bandas a la que he seguido de cerca me parece que en estas canciones se esmera en la emoción, tomando elementos de Guns N' Roses, incluso en la duración de los temas. Especial en Eyes Of My Maker la que puede ser la mejor del disco, muy fuerte.

Finalmente el trabajo es divertido, no desdice de la historia de la banda, la voz y carisma de Blackie parece intacta, aunque puede estar reservada para cierta audiencia más proclive a la teatralidad. En general es mucho más de lo que me esperaba y reverdece sonidos históricos de la banda, especialmente aquellos de inicios de los noventa, como "The Crimsom Idol" (1992) aunque los tiempos hayan cambiados y los leotardos y pelos batidos ya no sean lo más 'in'.

7.5/10 para un disco inesperado, más incluso la guitarra.

Annihilator - "Suicide Society" (Thrash / Heavy)

Luego de treinta años se podría esperar cierto descenso en el concepto y las ideas y aunque te llames Annihilator, no hay seguro de vida contra eso. En todo caso siempre es un placer ver un nuevo trabajo de los canadienses que se han distinguido por combinar el Thrash y el Heavy, una fórmula que no puede sino atraer fanáticos, por la crudeza y simpleza del primero y los riffs melódicos y voces del segundo. Celebro pues "Suicide Society" el disco número quince de la banda, ya que dice que -al menos- está vivos.

No es este un trabajo excelso o impresionante, aunque tiene sus momentos divertidos y energéticos. En su visión de cómo pasarla bien, el referente y fundador de la banda, el guitarrista Jeff Waters y en este disco, luego de dos décadas, nuevamente voz líder, me ha lucido en mediana forma. Ciertamente el disco recicla sonidos de álbumes anteriores, pero algunos temas mantienen riffs interesantes. Desafortunadamente a los seguidores más conocedores de la banda el disco les generará cierta decepción porque más que mantener el estilo, Annihilator pareciera haber sacado del baúl de los recuerdos algunas de sus viejas fórmulas... aquellas que les dieron resultados, pero no demasiado bien puestas a punto.

Es claramente difícil que una sola persona pueda cargar con todo el peso de la innovación en una banda y eso puede que sea lo que ocurre en este caso. Este debe ser el grupo por donde más gente haya pasado, habiendo quien calcula que más de treinta integrantes diferentes lo han conformado, incluyendo nombres importantes como su anterior cantante David James Padden y Mike Mangini, actual baterista de Dream Theater, esos fueron buenos tiempos aunque nunca como los de sus primeros trabajos, especialmente "Alice In Hell" (1989) o más adelante, "Carnival Diablos" (2001), la constancia era su principal virtud.

Ahora "Suicide Society" tiene unos pocos momentos para ofrecer. La voz de Watters es quizás demasiado dulce para el género y su Thrash 'rebajado'. Aunque es fácil de oír, con canciones como Creepin' Again, My Revenge y Suicide Society, que suenan interesantes, languidece por sectores. Desafortunadamente el disco tiene incapacidad para fijarse a memoria en razón de sus sonidos ya escuchados y a la sensación de mezclote. Quizás si este fuera uno de los primeros discos de Annihilator podría haber sido mejor recibido, pero a estas alturas la gente ha crecido en la búsqueda de sonidos y la banda no tanto.

Ciertas canciones decaen, quieren ser algo que no son, posiblemente rudas sin llegar a estar bien desarrolladas en ese sentido, flojas sería el término y con un poco de mucho -sin una dirección clara-, como Every Minute, Narcotic Avenue y The One You Serve, y la peor, caricaturesca cuando menos, Break Enter, ésta siendo la que menos me gustó, especialmente su intento de imitar la voz alguien más, diría que de James Hetfield, lo cual es me sonó 'creepy'.

No creo que este sea el último disco de la banda ya que algo han mostrado, pero tienen necesidad de un nuevo empuje, más ideas y un mejor desarrollo.

6/10
 

Gloryhammer - "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards" (Epic Symphonic Power)

Llámenme impresentable... lo que quieran, pero "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards", a pesar de ser el batido de sonidos clichés más obvio desde que Rhapsohy OF Fire habló de sus esmeraldas verdes y que este año -sobre todo al comienzo- se mostró más proclive al Power y al Symphonic, es una genialidad, un ataque sensorial melódico centrado en riffs épicos, emocionantes y empalagosos que matizados por la genial ejecución de sintetizadores de Christopher Bowes (de Alestorm... si, los piratas) y la calidad vocal del mega friky Thomas Winkler, crean un disco que será recordado.

La banda Gloryhammer es algo así como un grupo que nadie/todos conocen y en un ratico tiene cincuenta mil 'likes' en FB y vaya que se lo merecen, pues su ejecución dista mucho de lo usual de un disco cuasi Flower Metal cuya intención es gustar... y si bien gustan -mucho-, son geniales. Batería, guitarras y orquestación, sea ella real o basada en teclados, es de primer orden. No me hagan repetir que la voz es emocionante y capaz, sin obligarse a ser chillona como tradicionalmente se espera.

A pesar de que es un disco que se me hizo corto en sus cuarenta y ocho minutos y tiene algunos segundos de voces histriónicas que no fueron de mi total agrado, es claramente un excelente trabajo, divertido por encima del promedio y cuidadosamente elaborado, todo lo que quiso y no pudo ser el último disco de Edguy. Me parece que encaja debidamente en sus tiempos, épica, melodía, historia, instrumentación y songwritting. Creo que sería miserable no reconocerle a la banda un exigente trabajo instrumental, por eso y porque el disco me ha divertido, reconozco genialidad aquí.

Comentando el último trabajo de Alestorm, de donde viene la base de Gloryhammer, decía que se excedían en su propio concepto del ridículo y ello lesionaba el resultado final, sin embargo "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards", a pesar de ser una evidente burla al Symphonic Euro Power, es a la vez una excelente demostración de como erizar los pelos del cuello con los sonidos épicos... ¿cómo conciliar ambos criterios? es prácticamente imposible si no se oyen ambos discos. Posiblemente en este, a pesar de lo histéricamente graciosa que es la lírica, hay mucho más respeto por la ejecución, la instrumentación y la melodía.

Rise Of The Chaos Wizard, Legend Of The Astral Hammer, Goblin King Of The Darkstorm Galaxy, Questlords of Inverness, Ride to the Galactic Fortress! y en general todas las demás son canciones que deseaban haber salido de lo mejor realizado por Alex Staropoli, antes de acabársele las ideas, of course y aunque están claramente contrapuestos a los nuevos conceptos que gente como la banda Winterage han traido al Euro Power, todavía funcionan, fundamentándose quizás en lo que durante los últimos veinte o más años se ha escuchado del género. "Space 1992: Rise of The Chaos Wizards" podría perfectamente servir de ejemplo para los que se inicien en estos sonidos que emocionaron a miles en festivales al aíre libre en el norte de Europa durante finales de los noventa e inicios del milenio.

Pura épica, puro sonido fácil pero heroico, razonablemente repetible a pesar de lo meloso, es uno de esos discos que sobretodo para los menos inclinados al sonido crudo del Metal, estará en el tope en 2015. Adicionalmente el trabajo instrumental del segundo CD está genial. Yo lo veo agregado a mi rotación.

9/10. Buena portada. Nominado como disco del año de ELOMC

A Forest Of Stars - "Beware The Sword You Cannot See" (Melodic Black / Avant-Garde)

Psicodelia, Avant-Garde, Atmosférico, Black Melódico, Folk... "Beware The Sword You Cannot See" es uno de esos discos elaborados expresamente para que te cueste cierto tiempo entenderlo, sin embargo una vez que revela sus elementos y se le comienza a comprender se transforma es un trabajo cuyas características te engullen y aún reconociéndolo como uno de esos trabajos extremadamente elaborados y enigmático, está claro que también tiene mucha música por descubrirle, de calidad.

La banda A Forest Of Stars no es desconocida y ya me había creado una grata impresión con su anterior trabajo "Shadowplay For Yesterdays" (2012) y con este retorno se reafirman como uno de los grupos que mejor puede mostrar porque me atrajo tanto la frase que encabeza este blog, al definir el Metal como 'la última forma de música compleja pero popular existente'. Nuevamente, repito, el sentimiento imponente de su música domina el trabajo, con un disco detalladamente elaborado hasta su último segundo. Guitarras, screams y batería Black se fusionan con violines y flautas Folk, a la vez que su sintetizador crea gran atmósfera y los violentos cambios de ritmo y melodía le dan ese toque alocado del Avant-Garde que los ha llevado a ser bien conocidos.

Con este disco se repite la promesa del desafío musical y la recompensa para el que crea en esta manera de expresarse. El trabajo, si bien cunden en él los elementos Psicodélicos, tiene un encanto propio que no lo hace indescifrable. Tiene profundidad y densidad en sus sonidos, capas de Black formadas sobre coros dulces, excéntricos sonidos y narraciones. Pero no se asusten, puede ser el disco más accesible de la banda hasta la fecha, posiblemente porque hay un poco más de inclinación hacia la melodía.

El trabajo tiene dos claras partes, sus primeras cinco canciones son temas interesantes y algunos extraños, especialmente A Blaze Of Hammers, la de sentimiento más Black, en las que su líder, Mister Curse, hace gala de un nivel psicótico de su voz quien, individualmente considerado, puede ser el más interesante de los elementos del disco. Luego "Beware The Sword You Cannot See" cierra con otros seis temas partes todos de un gran desarrollo llamado Pawn On The Universal Chessboard, que muestra un poco todo por lo que se conoce a A Forest Of Stars, una especie de demostración del gran nivel alcanzado hasta este disco, ciertamente interesante... ojo, no fácil.

Quizás es un disco que se acerca peligrosamente a la sobreproducción y que está conformado de tantos elementos que puede empalagar. Pero si de algo sirve mi palabra, créanme que vale la pena repasarlo, a pesar de que requiera cierto tiempo para su maduración. La banda, en consonancia con la manera de elaborar sus discos, se presenta también con una imaginería victoriana bien poco usual, pero que considero complementa bastante su atmósfera algo 'creepy' .

Acérquense al lado complejo del Metal, no es una pérdida de tiempo y puede dejar grandes satisfacciones.

antes 7.5/10, ahora 8/10, ver nota abajo.

RECALIFICACIÓN: Luego de repasar el disco otra vez y oír la cantidad de comentarios que pública y privadamente me han han hecho llegar, creo que es justo hacer lo que he hecho alguna vez en el pasado -dos o tres veces- (Freedom Call se me viene a la memoria) y voy a ajustar la calificación a un sólido 8/10, ya que -aunque el final el disco se hace un poco friky para mi gusto- en su conjunto lo merece.
 

Riverside - "Love, Fear And The Time Machine" (Progressive / Art Metal)

En algún sitio web comenté hace unas semanas que este disco de Riverside no era tan bueno como su anterior "Shrine Of New Generation Slaves", pero durante el paso de los días, en los que lo he colocado bastantes veces "Love, Fear, And The Time Machine" me he preguntado si esa primera impresión habría sido la más adecuada. Creo que en el fondo si es cierto que "Shrine" es un disco demasiado envolvente, uno de los grandes discos del Art Metal de los últimos años, pero no por eso "LFATTM" deja de mostrar unas cualidades excepcionales.
 

En primer lugar este tipo de Progresivo se haya en el sector más suave y melódico del Metal, lo que para algunos Metaleros escupe-clavos puede ser zona radioactiva y sin embargo me ha sorprendido conseguirme a algunos de los más conspicuos representantes de las ondas oscuras haciendo loas al trabajo. El disco nuevamente se haya influenciado, como en en pasado, por los primeros trabajos de Pink Floyd, algo de la psicodelia de Marillion (primeros larga duración, el no desastre ocurrido luego de partida de Fish) y algo de la perspectiva con que Steve Wilson ha orientado sus recientes discos.

El fundamento, el centro y razón de ser de "Love, Fear, And The Time Machine" son sus riffs, nuevamente ampulosos, elegantes, imaginativos y acariciantes. Cada vez que escucho canciones como Lost (Why Should I Be Frightened By A Hat?), Under The Pillow, Time Travellers -la mejor del disco-, Discard Your Fear y Found (The Unexpected Flaw Of Searching), me siento transportado a un sector de la música en la que todo es perfecto, los tiempos no transcurren y se observa al mundo como se mueve en cámara lenta... gran efecto el que estos geniales polacos son capaces de mostrar.

Ligeros incrementos de fuerza a lo largo del disco, como en los temas Saturate Me y Towards The Blue Orizon, pintan con matices interesantes un trabajo delicioso. Me sorprende que haya gente opinando que se están repitiendo o que sus ideas se notan escasas. Por el contrario, creo que han mostrado un trabajo intelectualmente elevado, sin hacerlo fastidioso y en el final, divertido, interesante y muy recordable. Cada nueva oída sirve para refrendar la anterior: 'si, eso que me pareció bueno puedo confirmar otra vez que es excelente'.

Todos los seis discos de Riverside son un prodigio de sonidos y de arte; herederos de lo mejor del Rock y el Progresivo de los últimos treinta años y aunque en este disco haya alguna canción u otra en la que el ritmo se pueda hacer somnolente, como en Afloat, en su perspectiva general es excelente y no sólo eso, sino emotivo, acogedor, cinematográfico y muy interesante.

Este trabajo tiene que estar en la lista de oídas obligadas este año, así sea sólo entre discos de buen Death, para -como los granos de café- ayudar a percibir mejor el resto de la oferta metalera.

8.5/10
 

Soilwork - "The Ride Majestic" (Alternative / Melodic Death)

A pesar de que para muchos fue un gran disco, a mi el anterior trabajo de Soilwork "The Living Infinite" (2013), en mi insondable ignorancia, me pareció sólo aceptable. Sin embargo con estos suecos no pierdo nunca la fe, ellos son, junto con otros grandes nombres, como In Flames, At The Gates y Scar Symmetry, quienes más han dado al Death Melódico, especialmente con su disco bandera "Natural Born Chaos" (2002), sin embargo este giro hacia el Alternative que han venido dando me ha confundido.

La reivindicación que esperaba de la banda a través de su nuevo trabajo "The Ride Majestic" no ha sido tal, aún cuando tiene un alto nivel de producción y es uno de los discos que mejor suena en 2015, igualmente sus canciones nuevamente se hacen más complejas y la ejecución instrumental es de primer orden, sin embargo no me ha parecido un trabajo impactante pues sus riffs no son todo lo llamativos que quisiera y espero de ellos. Sin embargo les concedo que siendo un disco con este nivel de dificultad puede hacerse más atractivo con en tiempo, de momento me parece más estética que fondo.

Lo que me ocurre con "The Ride Majestic" es que no se me queda grabado, no me impacta. Siento que es un trabajo bien realizado, pero sin toda la trascendencia esperada... falto de ese elemento etéreo que va calando en el oído hasta que halla un lugar en la memoria. Además, como dije al comienzo, en el trabajo hay cierto abuso del scream Alternative enjugado con el coro limpio, que no llega a ser Modern o -válgame Dios- Metalcore, pero que se aleja del canon Melodeath un tanto más de lo que me habría gustado.

Pero más allá de esa crítica, hay elementos que no pueden sino maravillar. La ejecución instrumental del disco es genial, todo suena bien, en su lugar, sin apuros ni demoras. En este apartado Soilwork resalta bastante por encima del promedio y bien puede ser uno de los discos de mejor trabajo en ejecución del año. Canciones como Petrichor By Sulphur, The Ride Majestic, Whirl Of Pain y All Along Echoing Paths, quizás la mejor del disco junto con Shining Lights, son dechados de virtudes en lo que a capacidad de los miembros de la banda y suenan extremadamente pulidas. Una lección de ejecución en el Metal.

A riesgo de ser contradicho por verdaderos conocedores, me atrevo a sugerir que este podría haber sido un disco de cotas mucho más altas si el enfoque hubiera sido más Melodeath puro, más vieja escuela, ya que las canciones pierden -en mi gusto- algunos enteros por el enfoque vocal que Björn 'Speed' Strid le imprime en la mezcla clean/harsh y aun cuando a Fear Factory la fórmula le resulto bastante bien en su último trabajo, en este caso no ha sido así.

Alguna gente me había pedido esta crítica y cuando eso pasa es porque mayormente quieren leer cosas agradables de sus bandas favoritas, por lo que entiendo que no ver una calificación encumbrada en lo más alto puede generar cierto escozor, lo siento pero he tratado de ser honesto, sin embargo mejoran respecto a su anterior, gracias a la calidad individual de sus miembros. Igual sigo esperando que Soilwork retorne con un trabajo como aquellos de sus comienzos hace veinte años cuando se encontraban más inclinados al sonido Gotemburgo.

7/10

Slayer - "Repentless" (Thrash)

No voy a entrar a contar quien es Slayer. Quien está aquí lo sabe y no tiene sentido aburrirlo y quien no lo sabe o está aquí por error o... ya no está. Este trabajo es, aunque un disco más de Slayer, ¡es un disco más de Slayer!... un acontecimiento metalero. Pero -un gran pero- puede ser el trabajo más 'conceptual' de la banda, ya que está dedicado a la memoria de Jeff Hanneman, especialmente en la canción homónima, quien fue el guitarrista original de la banda al que lo mató una araña que lo picó en un pie... que le produjo efectos similares a una cirrosis hepática, por lo que hay cierta controversia de sí no habrá muerto en una borrachera permanente. Ojalá haya sido lo último ya que... 'morir por morir, morir en la taberna'.

La tentación es fuerte, hay tantas cosas que decir de este componente del Big Four... claramente la cosa no está igual en el mundo como aquel 11 de septiembre de 2001 (les suena la fecha) en el que por la más improbable de las casualidades publicaron el disco con el nombre más controversial de la historia, su "God Hate Us All" y ahora demuestran que no se arrepienten de haber dicho que Dios nos enviaba la muerte (God Sends Death... una de esas canciones que marca época). "Repentless" también es Thrash, tipo mitad/finales de los gloriosos 80's, salvador del mundo de la garras del Grunge y la depresión que Kurt Kobain nos quería contagiar y para quien abrace el concepto tal como Kerry King y Tom Araya lo conceptualizaron en esa época, este es un disco medianamente aceptable. Lo es, a pesar de que también es 'solo' un disco más de Slayer.

El Thrash es por definición básico, simple, agresor y sumamente energético. Este disco ciertamente es básico, simple, algo agresor, pero pierde el rumbo en el apartado de energía. En su tradicional uso de las canciones de tres minutos, la banda despliega doce de ellas entre las que destacan razonablemente Delusions Of Saviour, Repentless, Take Control, Pride In Prejudice y Cast the First Stone, mostrando temas menos logrados con Chasing Death, Implode y Piano Wire, esta última la más floja del disco. Creo que no quedan tan bien parados en el songwritting como en oportunidades anteriores y se oyen genéricos, no tan poderosos como en el pasado; no esperaba tampoco la reinvención de la rueda, pero los rumores de que han perdido terreno parecen ciertos. Repito sin embargo lo dicho en alguna otra parte en este blog: un concierto de Slayer debe ser todavía una experiencia que ningún metalero debe perderse, aún si sales del mosh pit con uno o dos moretones.

La adición a la banda del guitarrista ex-Exodus Gary Holt es un acierto y sino calza del todo los zapatos del malogrado Jeff, está -al menos- a la altura del actual Slayer, especialmente en el tema You Against You que me dejo gratamente impresionado; no tanto así la batería del -también- nuevo componente Paul Bostaph, quien es rápido y preciso, pero no tan intenso, en todo caso sería injusto pretender que tuviera el nivel del extraterrestre Dave Lombardo, a quien parece que no le pagaban lo que quería o merecía y se fue. La letras de los temas son casi todas controversiales cuando no extremas y vale la pena buscarlas para ayudar a que la experiencia sea algo más integral.

El sólo recordar que Slayer tiene en su bagaje "Reing In Blood", uno de los dos o tres mejores discos del Thrash, es más que motivo suficiente para repasar sus nuevos trabajos, incluyendo "Repentless" aunque haya quien alegue que sus mejores tiempos ya pasaron. Puede que si, pero con estos héroes del Metal todo se puede esperar.

5.5/10

Amorphis - "Under The Red Cloud" (Melodic Death / Symphonic / Progressive)

Luego de la mediana decepción que me produjo Nightrage, la sorpresa melódica proveniente de Thurisaz y el redondo trabajo de Kataklysm, este disco de los veteranos finlandeses de Amorphis viene a ser -hasta este momento- uno de los discos más interesantes del Melodic Death de 2015, aunque con claras influencias Progressive y Symphonic. Creo que "Under The Red Cloud" puede que sea un reverdecer para la banda, acercándose a su mejor disco en una historia que arranca en 1992, al menos cerca del nivel de su laureado "Tales From the Thousand Lakes" (1994) uno de los discos más importantes del género y de escucha obligada para quien le interese este tipo de Metal.
 

El trabajo tiende a lo realizado por Thurisaz en lo que al gran uso de la melodía respecta ('grande' lo llamo yo, otros lo pueden catalogar de excesivo). Es también un disco que, a pesar del estilo, es bastante menos agresor que lo generalmente esperable y sin embargo no se hace demasiado meloso ni mucho menos aburrido. Nuevamente en este trabajo no hay manera de negar quien es la banda detrás del sonido, pero en comparación con "Circle" (2013) el songwriting es muy superior, hay más complejidad, más emoción y sus elementos venidos de diferentes géneros, incluso Folk Oriental, se amalgaman mucho mejor.

El disco está bastante bien durante sus primeras cuatro canciones, especialmente Under The Red Cloud, a partir de ahí hay un giro influenciado por elementos Symphonic que hacen reaparecer el brillo ligeramente perdido de la banda: los temas Death Of Kings, Sacrifice (genial por cierto, nominada a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica) y Dark Path muestran lo mejor de lo que Amorphis es capaz, ejecutando algunos de los riffs más memorables de los que han sido capaces en largo tiempo. Algunos de los momentos de estas canciones son taladradores de la mente, abriendo un hueco del que deben pasar las horas y hasta los días para lograr sacarlos... muy bien logrado ciertamente.

Algún tema menor como Enemy At The Gates me pareció un interesante experimento, de ritmo diferente y cierta tendencia al Modern Death, 'not my cup of tea' en todo caso. Tree Of Ages es una buena canción, de corazón totalmente Folk y excelente guitarra, la mejor del disco en el uso de ese instrumento. El cierre con White Night, a la que incorporan una dulce voz femenina sobre el gran growl del que Tomi Joutsen es capaz, causa impacto, también un buen coro, aunque un poco compleja, quizás la más difícil de las canciones en "Under The Red Cloud".

Al final lo mejor del disco es que, a pesar de que siguen sonando a Amorphis, parecieran haber leído los comentarios que hablaban de su estancamiento en un sonido y que habían dejado de progresar, decidiéndose a arriesgar más. El resultado es bueno, mucho. Los bonus track son excelentes, nuevamente mostrando esa inclinación Sinfónica.

8/10